Rocktopia

En 1996 veía la luz el primer disco de un grupo siempre interesante, pero cuya carrera, la cual llega hasta nuestros días, nunca ha tenido la regularidad y hasta, da la sensación que, la determinación necesaria. El 1 de Mayo de 1996, se editaba el primer disco de Ritual. La banda sueca comandada por el talentoso vocalista y guitarrista Patrik Lundström había comenzado su singladura poco tiempo antes. Ritual no pretendían seguir los cauces de los grupos que empezaban a asentarse en la escena del rock neo-progresivo, encabezada por The Flower Kings, y que estaba surgiendo en esos años en toda escandinavia. Lundström y los suyos se desmarcaban con una propuesta más terrena, menos onírica, en la que puntuales y leves elementos de folk nórdico sumaban a su música una pizca de originalidad. Aunque vinculados desde sus inicios a la nueva comunidad progresiva sueca, Ritual nunca basaron su música en la búsqueda de los largos desarrollos, en ellos había más Rock, poca grandilocuencia, muchos matices y la búsqueda permanente de la canción en sí misma, algo claramente apreciable desde la edición de su disco de debut titulado simplemente Ritual.

Uno de los personajes cruciales en la carrera de Ritual es un profesional como su manager durante largo tiempo Rob Palmen, un tipo que ha estado detrás de la promoción en directo de grupos como Pain Of Salvation, Flower Kings o Riverside, y que hace algún tiempo ha comenzado a trabajar con los neoyorkinos Jolly.

Gracias a eso Jolly han conseguido firmar contrato discográfico con el prestigioso sello Inside Out, y gracias ello también Jolly pudieron girar por Europa no hace demasiado tiempo, sabedores de que el viejo continente debe ser su territorio preferencial. En 2009, Jolly nos sorprendían con un innovador primer disco, y en estos días se publica “The Audio Guide Of Happiness (part1)” la continuación natural de aquel notable debut, que ahora se transforma en un excelente disco de música emocional, ambiental y diversa. No se consideran progresivos, no quieren etiquetas, aunque admiten que no conciben su música sin progresiones. Progresiones para explorar texturas y dinámicas musicales... y no sólo eso, sino que como ya ocurriera en el primer disco Jolly, investigan en técnicas científicas de psicoacústica, para diseñar sonidos que escuchados con auriculares de calidad hacen modificar tu percepción sensorial de la música. Experimentos aparte, de lo que no cabe duda es de la valía de esta primera parte de “The Audio Guide Of Happiness”...

(Además esta semana en Rocktopia: SOULSPELL, STEVE LUKATHER, STONEY CURTIS BAND, PUSHKING y HURTSMILE)

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La apertura de nuestro programa en el día de hoy es para una de esas bandas de culto, bastante minoritarias en nuestro país, nunca demasiado grandes en ningún sitio, pero con una gran reputación en la comunidad de músicos, y también poseedores de una reducida pero tremendamente fiel legión de seguidores. Hoy abrimos con Fates Warning. Estos pioneros del prog metal técnico americano, nacían en 1982. Tras pasar por un claro proceso de evolución irían perfilando su música muy entroncada en la influencia de bandas como Iron Maiden, para terminar proponiendo su particular forma de hacer las cosas y hasta de crear escuela. Después de discos clave en su carrera como “Parallels” o “Perfect Symmetry”, la banda de Jim Mateos se plantaba en mitad de los noventa a sólo un paso de acuñar su obra maestra “A pleasent Shade Of Gray”. Pero antes llegaría “Inside Out”, un trabajo puente, el cual pasó algo inadvertido por tratarse de un disco en tierra de nadie, pero que ya apuntaba los nuevos horizontes de Fates Warning. Temas más pausados, con profusión de guitarras acústicas y donde los complejos arreglos de guitarra se conjugaban con la maestría del batería Mark Zonder. El 26 de Julio de 2004 se publicaba “Inside Out”, con canciones como “Monument”, favorita desde aquel momento, y un buen ejemplo de las nuevas sutilezas sónicas de los Fates Warning venideros.

Escuchábamos a esos Fates Warning que ahora mismo se encuentran en estado de letargo. Por ello quizás su penúltimo batería Mark Zonder, decidió montar su propio grupo, Slavior, hace algunos años y ahora nos sorprende acompañando a un grupo que en principio resultaba fuera de su contexto musical, y es que nos lo encontramos en estos días en el último disco de Ten, la banda de Gary Hughes. Ten, fundados en un momento tan poco propicio como los 90s, poco propicio para ellos y su forma de hacer hard rock melódico no exenta de cierta épica, y además descendientes de una inequívoca estirpe británica. Cinco años después de la edición de su anterior trabajo Ten vuelven en estos días con Stormwarning, su nuevo disco, en la mejor tradición de los Ten más ornamentados, unos Ten que casi llegan a lo sinfónico en ciertos capítulos de este su nuevo disco, aunque sin perder un ápice de la comercialidad que es marca de la casa desde de siempre. Una especie de Pomp Hard Rock que no se esconde...

(Además esta semana en Rocktopia: UNRULY CHILD, NEIL ZAZA, TWINSPIRITS, SIGNUM REGIS y BENEDICTUM)

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Arrancamos escuchando música del pasado, como cada semana, aunque esta vez nuestra incursión en el recuerdo tiene algo de especial, y es que hoy vamos a abrir con algo que en realidad no llegó a ser editado en el momento de su creación, allá por 1984. Se trata de la secuela surgida tras la disolución de Thin Lizzy por aquellos años, cuando su líder Phil Lynott decidió refrescar levemente sus miras musicales para montar un nuevo grupo al que llamaría Grand Slam. Junto a él, entre otros, Laurence Archer, quien luego estaría en UFO y en los hispano-argentinos Tarzen, y también Mark Stanway de Magnum. Grand Slam girarían por el Reino Unido, grabarían conciertos, maquetas y producciones destinadas a ser publicadas, pero finalmente eso nunca ocurrió. El deterioro físico de Phil Lynott no parecía la mejor manera de afrontar un nuevo reto como este, y definitivamente todo acabó con su muerte en 1986. Todas aquellas grabaciones serían desempolvadas en 2002 y 2003, para ser publicadas en un disco en directo, y por otro lado en un álbum llamado “Studio Sessions”, el cual no era más que un cajón de sastre en el que aparecían maquetas, entrevistas y rarezas de estos Grand Slam. Una de las pocas canciones realmente terminadas es este “Nineteen” con la que vamos a abrir Rocktopia, la cual se editaría como single poco antes de la muerte de Phil Lynott. El pasado 4 de enero se cumplían 25 años de su fallecimiento, y nosotros ahora le recordamos con sus Phil Lynott’s Grand Slam...

Uno de esos últimos acompañantes de Phil Lynott en su última aventura, sería el teclista Mark Stanway, un clásico en su estilo en las Islas Británicas. Su banda desde hace muchos años, publica nuevo disco en estos días, y es que tenemos nuevo trabajo de Magnum. Los veteranos músicos ingleses nos traen una nueva lección de sobriedad, y melodías hard rockeras al servicio de la lírica que siempre los acompañó, y que con en el paso de las décadas se ha ido haciendo más barroca. Un disco que vuelve a ser injustamente comparado con sus clásicos de los ochenta, aunque a mí me da la sensación de que al margen de que Magnum, hayan evolucionado ligeramente, y de que la inspiración sea algo subjetivo, lo cierto es que su público parece más anclado en el pasado que la propia banda. El nuevo disco se llama “The Visitation”, y en cualquier caso vuelve a ser una buena noticia disfrutar de la impecable manera de facturar canciones de la dupla Tony Clarkin/Bob Catley.

(Además, esta semana en Rocktopia: STRYPER, SCHEEPERS, GARY HOEY, IMAGES OF EDEN, ENOCHIAN THEORY y MARILLION)

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El programa de hoy es un programa especial, especial de verdad. Un programa no sólo hecho desde la perspectiva de un programa de radio, sino preparado con el cariño de un seguidor casi incondicional. Nunca querríamos haberlo hecho así, no por este motivo, y es que hoy Rocktopia se lo dedicamos humildemente a la memoria de un músico extraordinario como Gary Moore. El 6 de febrero de 2011 será recordado por muchos, como el día que se recibió la noticia de la muerte de Gary Moore. Un músico de un fenomenal bagaje al cual le rendimos nuestro sentido homenaje durante la próxima hora de radio. Va por ti Gary...

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Viajamos en nuestro inicio hacia Inglaterra, hasta la primera mitad de los años ochenta. Era el leve resurgimiento del rock sinfónico en la tierra que lo inventó. Una banda como Marillion, comandó una nueva generación de bandas de rock neo-progresivo, de las cuales ellos fueron el único representante verdaderamente exitoso a nivel comercial. Una vez vencidos todos los complejos y hasta los reproches acerca de su forma de hacer música -especialmente emparentada con los Genesis de Peter Gabriel-, una vez afianzados en su forma de hacer música, Marillion entraban a grabar su tercer disco “Misplaced Childhood” en la primavera de 1985. A los mandos del proyecto, como productor estaría Chris Kimsey después de haber trabajado con los Rolling Stones. Su compañía discográfica, EMI, continuaba con sus reticencias en cuanto a la viabilidad de la propuesta ciertamente anacrónica de Marillion, quienes habían adolecido en sus dos primeros discos de un single propiamente dicho, capaz de promocionarlos. Por si fuera poco ellos proponían realizar un álbum conceptual, de canciones fundidas. Todo parecía presagiar el desastre comercial, sin embargo, ellos se sacaban de la manga las dos canciones más importantes de su carrera, prácticamente para iniciar el disco, mientras el resto de canciones se enclavaban irremediablemente en la lírica, la profundidad y el sosiego conceptual; el resto lo conseguía una inmaculada producción. "Misplaced Childhood" fue el álbum que les dio el espaldarazo definitivo, para pasar del circuito de clubs a los estadios, todo gracias a singles como Kayleigh o Lavender, pero también a melodías como la de “Heart Of Lothian”...

Esa generación de bandas de la llamada escena de rock neo-progresivo encabezada por Marillion a principios de los ochenta, poseía otros representantes como Pendragon, como IQ, o como nuestros próximos invitados: Pallas a quienes la suerte pareció sonreir igual que a Marillion tras ser fichados por la misma compañía discográfica internacional, EMI. Sin embargo Pallas no corrieron finalmente la misma fortuna, y tras editar sus dos primeros discos en 1984 y 1985, y pasar por numerosos problemas con su sello, no verían editado su tercer trabajo nada menos que hasta después de 13 años. Evidentemente después de aquello su momento se pasó, sin embargo ellos han seguido editando discos con relativa regularidad, y en estos días se pone a la venta su nueva obra, un disco titulado “XXV”, para conmemorar su 25 años de vida, y con el que retoman la temática conceptual de su primer trabajo, en un ejercicio musical que nos trasporta irremediablemente hasta aquellos años de reinicio del movimiento progresivo británico.

(Además esta semana en Rocktopia: VANDEN PLAS, JOE SATRIANI, GOV'T MULE, HURTSMILE y HARDCORE CIRCUS)

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Con el acelerador sónico bordeando su límite de velocidad arrancamos hoy el programa. Con un disco de 1986 que significaba la presentación en sociedad de un chaval joven de veinte años, cargado de adrenalina guitarrera, él era Paul Gilbert. En aquella mitad de la década de los ochenta, en plena avalancha de virtuosos de la guitarra surgía una banda como Racer-X, puro metal americano atronador, con momentos de frenética aceleración y mucha técnica que hicieron de su disco de debut, “Street Lethal” una joya de culto para las hordas del metal más contundente y al mismo tiempo efectista. Racer-X y “Street Lethal” giraban inevitablemente alrededor de la guitarra de aquel joven Paul Gilbert, quien era sin duda el catalizador de la energía desbordante del grupo. Un Paul Gilbert descubierto como tantos otros por ese cazatalentos llamado Mike Varney, para que muy poco después se convertiese en el afamado y millonario guitarrista de Mr.Big.

Pocos podían pensar que aquel guitarrista indómito de Racer-X fuera muy poco más tarde aclamado como miembro de uno de los grupos de hard rock más seductores para el mercado discográfico. Tan solo dos años después de su irrupción con Racer-X, Paul Gilbert se convertía en miembro de Mr.Big. A su lado otros músicos de la experiencia de Billy Sheehan, Pat Torpey o el cantante Eric Martín. Juntos, la química entre los miembros del grupo y la escena musical, fue compatible hasta los últimos años de la década de los noventa, cuando Gilbert abandonaría el grupo para ser sustituido por otro excelente guitarrista como Richie Kotzen, lo que no fue más que la antesala de la separación total. Sin embargo en 2009, Mr.Big se reunían para editar el DVD y doble CD en directo “Back To Budokan”, en él aparecían un par de canciones nuevas, en lo que significaba un adelanto de lo que ahora es “What if”. 14 años después, el nuevo disco en estudio de Mr.Big. Fieles a su estilo, apegados a su fórmula de siempre, Hard Rock elegante, sumamente vital y repleto de dinámica. Movimientos subterráneos propulsados por la técnica depurada y el efectismo de sus protagonistas. “What If” se retoma donde Mr.Big lo habían dejado hace 14 años, y nosotros nos alegramos...

(Además, esta semana en Rocktopia: Y&T, PRETTY MAIDS, ERIK NORLANDER, APPEARANCE OF NOTHING, INFINITY OVERTURE y NELSON)

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La segunda parte de nuestro repaso a lo mejor del año 2010. Toca recabar lo más destacado de lo ocurrido en nuestro programa en los últimos 12 meses. FELIZ AÑO.

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Como es de de rigor a estas alturas del año, toca recopilación, recabar lo más destacado de lo ocurrido en nuestro programa en los últimos 12 meses. Esta es sólo la primera parte, y por supuesto: FELIZ AÑO.

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Música de bajistas, y de los años noventa para empezar. Stuart Hamm fue uno de los bajistas más reputados especialmente durante los ochenta y los noventa. Se graduó con honores en la célebre escuela musical de Berklee, en donde conocería a gente como Steve Vai o Randy Coven. Fruto de esa amistad con Vai, Stuart Hamm participaría en su disco de debut, lo que le abriría las puertas de otros trabajos como los que le llevarían formar parte de la banda de Joe Satriani, con quien facturaría maravillas instrumentales de la talla de “Surfing With The Alien” o “Dreaming” en mitad de los ochenta. Al mismo tiempo, Hamm se aventuraba en su propia carrera en solitario, aprovechando su notoriedad como excelente músico de apoyo, una carrera esparcida y discontinua que en 1991 llegaba a su primer parón temporal con la edición “The Urge”. En él Stuart Hamm repasaba someramente algunos de los estilos que siempre interesaron al músico de Nueva Orleáns, es decir, la fusión, el country y el Rock mestizado con otras vertientes casi siempre muy americanas.

Músico tejano como Stevie Ray Vaughan, Johnny Winter o Billy Gibbons. Sin embargo, y aunque su raíces puedan ser las mismas, Eric Johnson se desmarcó de los sonidos más bluseros y terrenales para dejar que su guitarra volara hasta conseguir sonoridades de suma sutileza. Eric Johnson saltó a la luz de la popularidad en mitad de los 80, cuando aparecía en la portada de la revista Guitar Player, después de llamar la atención con sus trabajos de estudio para Stevie Wonder, Cat Stevens o Carole King, y mientras empezaba a desfogarse independientemente con su banda de fusión Electromagnets. Años más tarde llegaría su Grammy como mejor canción instrumental y su record por haber conseguido alcanzar el Top Ten de ventas con tres diferentes canciones instrumentales pertenecientes al mismo álbum.

Con el paso de las décadas la fórmula mágica de Johnson parece haberse diluido, como la de tantos artistas, pero en él sigue imperturbable su sello característico de hacer música. Música fácil de escuchar en la cual acomoda su suprema forma de tocar la guitarra, como uno de los instrumentistas más personales de los últimos 20 años.

Después de un lustro de espera llega el nuevo disco de Eric Johnson. Se titula “Up Close” y sin significar en absoluto una evolución dentro de su carrera, sí que nos trae al Johnson que siempre hemos conocido: Elegante, limpio y perfectamente esculpido en canciones ligeras y detallistas.

(Además esta semana en Rocktopia: ASHA, MICHAEL HARRIS, COHEED & CAMBRIA, STRATOVARIUS y HALCYON WAY)

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Como cada semana ponemos en marcha nuestra máquina del tiempo para viajar hasta el pasado. Hoy nos vamos al año 1973, para recordar a un power trío prefabricado como el que formaron Tim Bogert y Carmine Appice, de Vanilla Fudge y Cactus, junto a Jeff Beck. El proyecto llamado simplemente Beck, Bogert & Appice intentó tomar forma algunos años antes, pero un accidente de coche de Jeff Beck hizo que la cita tuviese que aplazarse. El único álbum que editó la formación se convirtió con el paso del tiempo en un disco casi de culto, en el que destacaba más la intención y la estética de una época, que la música por sí misma. Beck, Bogert & Appice girarían por todo el mundo, y encontrarían la aclamación de públicos como el japonés, hasta que muy poco más tarde dejaran de existir, cuando un repentino cambio de planes de Jeff Beck zanjara de un plumazo la reunión. Aquel disperso disco de 1973 nos dejaría la impronta de estos tres grandes músicos, aunque la brillantez era suministrada con cuentagotas.

Jeff Beck es para muchos uno de los guitarristas más grandes de la historia del Rock, un tipo capaz de compartir estatus musical con nombres como los de Eric Clapton, Jimi Hendrix o Jimmy Page. Sin embargo Beck ha permanecido para una gran parte de público como en un escalón o dos por debajo de éstos, cuando es sin duda uno de los guitarristas más influyentes y personales que hayan existido. Probablemente haya sido su falta de concentración en momentos determinados, probablemente haya sido su compromiso impredecible con lo indefinido, por eso quizás Jeff Beck siga siendo a sus 66 años un pequeño misterio. Por eso nos gusta reencontrarnos con él de vez en cuando, y por eso “Live And Exclusive from the Grammy Museum” es nuestro disco de portada de la edición de hoy de Rocktopia.

(Además esta semana en Rocktopia: DWEEZIL ZAPPA, BLACK COUNTRY COMMUNION, KIKO LOUREIRO, ASIA, SEVENTH WONDER y 7DAYS)

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