Rocktopia

Última entrega de "Rocktopia en modo vacaciones". En unos unos días comenzamos nueva temporada, pero antes nuestra última edición en clave de recuerdo. Pronto de vuelta.

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Rocktopia está de vacaciones, pero no del todo. Es el momento de los especiales estivales de cada verano. Programas monográficos, en este caso dedicado a algunas canciones instrumentales que han aparecido por el programa durante la temporada que ha finalizado. En unas semanitas estamos de vuelta. Mientras tanto "sólo música II".

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-¿Es verano?

-Sí

-Entonces éste debe ser uno de los especiales estivales de Rocktopia. Programas hechos a base de recopilar algunos momentos de la temporada que ha acabado. ¿No es así?

-Sí, es justamente lo que acabas de decir. Tú eres listo, ¿eh?.

-Claro, yo escucho Rocktopia.

(Especial monográfico sólo instrumentales. Nos quedamos sin palabras. Sshh...)

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Rocktopia está de vacaciones, pero no del todo. Es el momento de los especiales estivales de cada verano. Programas monográficos, en este caso dedicado a algunas de las canciones instrumentales que han aparecido por el programa en la temporada que acaba de finalizar. Hoy nos quedamos sin palabras.

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Empezamos con nuestro disco del recuerdo, como siempre, aunque el que hoy nos ocupa no sea excesivamente veterano la verdad es que se cumplen once años de su edición. Y es que nada más comenzar el siglo veía la luz una nueva obra del proyecto del músico holandés Arjen Anthony Lucassen, Ayreon, ese compendio de talentos que, sin periodicidad temporal, aparece para traernos historias de ciencia ficción a través de su vehículo musical de Rock y Metal Progresivo. Aquel trabajo se llamaba “Universal Migrator” y constaba de dos discos publicados por separado y titulados “The Dream Sequencer” y “The Flight Of The Migrator” respectivamente. Como es habitual en las obras corales de Lucassen, las apariciones de artistas eran de primer orden: Ahí estaban Bruce Dickinson, Timo Kotipelto, Andi Deris o Fabio Lione, aportando sus voces, por ejemplo. “The Flight Of The Migrator” era más directo, y contundente que su hermano, menos ambiental, aunque igualmente progresivo. La propuesta tradicional, bombástica y grandilocuente de casi todos los productos de la factoría Lucassen, con la firma de una autoridad en la materia. “The Flight Of The Migrator” se abría con la canción “Dawn Of A Million Souls”, en ella podíamos encontrar la voz de Russell Allen y la guitarra de Michael Romeo. El alma y la fuerza de los americanos Symphony –X se ponían al servicio de la máquina espacial Ayreon.

El hilo de relación musical en los primeros compases del programa nos llama desde el otro lado del Atlántico, concretamente desde Estados Unidos, desde su costa este.

Symphony-X, los cinco jinetes de New Jersey con Michael Romeo y Russell Allen a la cabeza, después de cuatro años de silencio vuelven con un nuevo disco el cual lleva por nombre “Iconoclast”. Con la secuela estilística de su anterior disco, recogiendo su legado de perfiles sónicos más macizos. Sensaciones de estar ante una maquinaria sólida y sumamente precisa, en la que técnica y potencia van de la mano, alejándose un poco más de los interludios sinfónicos y barrocos a los que Symphony-X nos tenían acostumbrados en sus inicios. Symphony-X y su leve evolución hacia sus posesiones más concluyentes... es nuestro disco de portada.

(Además esta semana en Rocktopia: CONSORTIUM PROJECT, MASSIMO IZZIZZARI, PAT McMANUS, AIRRACE y NAZARETH)

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Hace once años se publicaba en todo el mundo un disco que representaba la unión de dos músicos en principio muy distintos, pero a la postre con bastantes cosas en común: uno era Scott Rockenfield, excepcional batería de Queensrÿche y, el otro, el guitarrista emparentado con la New Age y en menor medida el Rock Progresivo, Paul Speer, un músico que incluso ha sido nominado para un premio Grammy. El caso es que en el año 2000, este dueto al que llamaron Rockenfield/Speer, decidieron unir fuerzas y crear un álbum conceptual e instrumental al que titularon “Hells Canyon”, el cual estaba dedicado a la leyenda y mitología que acompaña los paisajes desérticos norteamericanos. Una especie de banda sonora para paisajes naturales tan dramáticos como esos. Y así era su música: cadenciosa, ocre y muy ambiental.

Evidentemente es el momento para centrarnos en el grupo fundamental en la carrera de Scott Rockenfield: Queensrÿche. Una de las bandas más innovadoras en su estilo, desde casi el principio de su carrera. Desvinculados de cualquier cadena que los una a maneras preconcebidas de enfocar su música, los Queensrÿche evolucionaron desde sus primeras formas de exponer su música entroncada en el metal tradicional, para después convertirse en precursores del metal técnico y progresivo. Pero eso también quedó atrás. Y es que son ya 30 años de maratón musical para un grupo nacido en Seattle pero ya casi incunable respecto a sus comparaciones musicales. “Dedicated To Chaos” es su nuevo y retador disco. Una bofetada musical más a todos aquellos que ruegan a Queensryche que vuelvan por los fueros de discos como “Operation Mindcrime” o “Empire”, sin entender que hace ya mucho tiempo que los ‘Ryche dejaron de ser aquella banda. “Dedicated To Chaos” se trata de un trabajo profundo en su temática, esquivo en cuanto a su difusa línea musical, la cual no encuentra demasiadas barreras. Canciones compuestas en gran medida por la base rítmica de la banda: el propio Scott Rockenfield y el bajista Eddie Jackson, lo que confiere un marcado carácter rítmico, aunque luego el disco te lleve por etéreos vericuetos. Han estado años coqueteando con esta forma de hacer música, y por fin, lejos de ataduras, se atreven a hacerlo sin complejos. Es lo nuevo de Queensrÿche, nuestro disco de portada para unos pioneros del metal avant garde.

(Además esta semana en Rocktopia: MALISON ROGUE, NILI BROSH, URIAH HEEP, STATUS QUO y CONTRABANDA)

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Tras la muerte de Randy Rhoads, en marzo de 1982, la carrera en solitario de Ozzy Osbourne quedo sumida en una profunda crisis. Justo cuando la banda empezaba a despegar llegaba el infortunio de la pérdida de la mano derecha de Ozzy. Randy Rhoads se había convertido en la fuerza vital que había hecho al grupo posicionarse en los nuevos tiempos con total vigor y credibilidad. En septiembre de ese año 1982, Ozzy llevaría a cabo dos actuaciones en el New York City Ritz Club. Nadie sabía en realidad que iba a suceder durante esas dos noches. Ozzy presentó a su nueva banda compuesta por la sección rítmica formada por Tommy Aldridge a la batería y Rudy Sarzo al bajo, además el guitarrista de Night Ranger, Brad Gillis, también formaba parte de un combo con claro sabor norteamericano. Sin embargo el ex-vocalista de Black Sabbath, contra todo pronóstico, en aquellas dos noches neoyorkinas, desplegó un recital en el que sólo tenían cabida grandes clásicos de su época con Sabbath. Reivindicando su capacidad para emular con nuevos músicos, sus canciones de siempre. Aquellos dos conciertos serían grabados para editar el doble en directo “Speak Of The Devil”, producido por un productor tan de moda por aquel entonces como Max Norman. Un disco extraño por su ubicación en el tiempo y en los acontecimientos.

Buen trabajo de Brad Gillis en aquel disco de Ozzy. Difícil calzarse los zapatos de Tony Iommi, y tocar lento y lúgubre cada riff de guitarra, pero Brad Gillis demostraba así su versatilidad. Una muestra de su capacidad, sobre todo viniendo de una banda tan desenfadada como Night Ranger.

Los mismos Night Ranger que han estado en los últimos años yendo y viniendo. Grabando algunos discos, haciendo algunas giras, sin realmente llegar a quedarse entre nosotros. En estos día aparece un nuevo disco de estos californianos. Excelentes en casi todo lo que hacen, y sobre todo hicieron en su mejor época, cuando llegaron a ser grandes en EE.UU y también en Japón. “Somewhere in California” es su nueva y notable obra, en la mejor tradición de Night Ranger: Hard melódico enérgico, vibrante y fenomenalmente ejecutado. La vuelta de los Rangers, como si hubiesen retomado su andadura en cualquier punto de su carrera en mitad de los ochenta.

(Además, esta semana en Rocktopia: MOTHER'S ARMY, KING KOBRA, GRU, DEVIN TOWNSEND, LOST IN THOUGHT y THE POODLES)

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Arrancando el programa con una banda verdaderamente histórica, y además con el encanto de esos grupos que a pesar de su influencia pasaron a mejor vida sin el reconocimiento merecido popularmente. Hoy abrimos con Trapeze. Formados en 1969 por músicos tan históricos como Glenn Hughes, Mel Galley o Dave Holland, además de Terry Rowley, que fue en realidad quien bautizó a la banda. Trapeze se convirtieron en un ambiguo pero atractivo combo de hard rock blues e incluso funky. Con el tiempo su forma de hacer música sería reconocida como influencia por grupos tan importantes como ZZ-Top o The Moody Blues, y con el tiempo también la banda se fue descomponiendo poco a poco, cuando sus miembros fueron a parar a formaciones más exitosas en diferentes épocas, como Deep Purple, Whitesnake o Judas Priest.

No creo que haya muchos grupos que tengan dos discos con el mismo nombre. Trapeze, sí. Y es que tanto su primer y sensacional disco de 1970, como el que editaron en 1976 fueron titulados con el nombre de la banda. El primero, como disco de presentación, y su álbum del 76 porque intentó significar un reinicio del grupo sin Glenn Hughes, pero aún con Mel Galley y Dave Holland banda. Un disco que no consiguió su propósito, pero que aún conservaba canciones con suficiente gancho como “Star Breaker”...

...Y Glenn Hughes se fue a Deep Purple, y luego pasó por montones de grupos como Black Sabbath... proyectos... colaboraciones... un currículum impresionante que llega hasta nuestros días con Black Country Commnunion. Cuando apenas hace un año desde la edición de su anterior discazo, Black Country Communion vuelven, aunque en realidad no habían llegado a irse en ningún momento. La agrupación en la cual se encuentran Joe Bonamassa, Derek Sherinnian, Jason Bonham y el mencionado Glenn Hughes, hace oídos sordos a la corriente comercial de nuestros días, por la cual los grupos no graban tan a menudo. Ellos lo han hecho a la vieja usanza, escuchando sólo a su musa inspiradora, la cual los ha llevado de nuevo por los terrenos del hard classic rock más selecto del planeta. Si el primer álbum de BCC era ya muy notable, este nuevo trabajo, titulado simplemente “2”, lo mejora, sobre todo en cuanto a continuidad y equilibrio. No tenían por qué hacerlo tan pronto. Si lo han hecho es porque sus nuevas canciones les quemaban en las manos, y es normal porque son abrasadoras. Tres palabras: BLACK COUNTRY COMMUNION.

(Además esta semana en Rocktopia: JOE BONAMASSA, GLENN HUGHES, OTIS GROVE, NEAL MORSE, SUN CAGED y SYMFONIA)

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Creo que es la primera vez en toda la andadura de Rocktopia que abrimos con un disco recopilatorio de varios artistas.Y es que Rock Aid Armenia, “The Earthquake Album”, va a ser nuestro disco del recuerdo en nuestro programa de hoy. Se trataba de un disco editado para la recaudación de fondos destinados a ayudar a las víctimas del terremoto que tuvo lugar en Armenia el 7 de Diciembre de 1988. Un país golpeado también mucho antes por un genocidio, que masacró la población a primeros del siglo XX.

Un año y pico después del seísmo varios artistas se metían en un estudio de grabación para registrar una revisión del que probablemente es el himno del Hard Rock por excelencia. Músicos como Bruce Dickinson, David Gilmour, Geoff Downes, Brian May, Paul Rodgers o Tony Iommi, entre otros, unían sus fuerzas al lado de Ian Gillan y Ritchie Blackmore para actualizar el sonido del “Smoke On The Water”, inmortalizado para la historia por Deep Purple. Además el disco constaba de canciones de Free, Genesis, Yes, Iron Maiden, Rainbow, Whitesnake... un sin fin de nombres que ponían sus temas al servicio de la recaudación de fondos para Armenia. Evidentemente hablando de terremotos, no podemos dejar de acordarnos de los recientes y cercanos terremotos de Lorca. Aprovechamos también este inicio de Rocktopia para mandar todo nuestro afecto a la ciudad Murciana. Por vosotros también va este Smoke On The Water, en su versión de 1990, editado en Rock Aid Armenia, “The Earthquake Album”. Nuestro disco del recuerdo de la edición de hoy de Rocktopia.

Recobrar la normalidad en un país tan pobre como Armenia es siempre muy relativo, dada la precariedad crónica del país. Por eso el cantante de Deep Purple, Ian Gillan, después de ser parte activa de Rock Aid Armenia, “The Earthquake Album”, ha seguido colaborando en labores humanitarias en aquel país. Labores que le han llevado junto al guitarrista de Black Sabbath, Tony Iommi, a repetir proyecto discográficamente hablando para continuar recaudando fondos con propósitos educativos en Armenia. Por eso en los próximos días verá la luz Who Cares. Una especie de maxi single en formato CD-DVD, en un solo disco, con dos canciones nuevas compuestas por los dos músicos británicos, con la participación de personalidades como Jon Lord, Nicko McBrian o Jason Newsted. Además, el disco contiene una pista de DVD con un documental de 27 minutos. Toda una delicatessen en todos los sentidos. En cuanto a solidaridad, por motivos obvios, y en lo musical, porque estás dos canciones son una auténtica delicia para los amantes del sonido Purple y Sabbath...

(Además, esta semana en Rocktopia: WHITESNAKE, JOE SATRIANI, SAGA, CLANDESTINE y CYPHERSEER)

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Destapamos la edición de hoy de Rocktopia con nuestra rendición al pasado de rigor. Hoy con un artista que pasó por ser probablemente el más reputado cantante de AOR de finales de los setenta y década de los ochenta, estamos hablando de Steve Perry. Él nació en California como Stephen Ray Perry, hijo de inmigrantes portugueses, pasó buena parte de su adolescencia y parte de su juventud ayudando en la granja de pavos que poseía su familia, sin embargo su devoción por la música le hizo intentar la aventura de buscar un trabajo relacionado con ella. Con tan solo 18 años llegó Los Ángeles, consiguiendo trabajos como cantante para anuncios publicitarios y demás. Participaría en algunos grupos locales de poca monta, llegó a desanimarse y a volver a su rancho, hasta que dándose una segunda oportunidad, la fortuna le sonrió y de qué manera, cuando un grupo hasta entonces instrumental como Journey puso los ojos en él de manera casi casual, para convertirse en el vocalista de una de las bandas más grandes de AOR de todos los tiempos. Grandes discos, grandes ventas y conciertos multitudinarios hicieron de Perry un auténtico icono. El que fuera vocalista de Journey en su época dorada, en 1994 y con la banda disuelta, grababa “For The Love Of Strange Medicine”, su segundo disco en solitario, un trabajo ultramelódico en el que su voz prevalecía por encima de todo. Producción cristalina, canciones amables y la voz inconfundible de un cantante que creó escuela...

En estos días se pone a la venta “Eclipse”, el nuevo disco de Journey. Después de grabar con otros vocalistas como Steve Augery o Jeff Scott Soto, Journey encontraron hace algunos años al eterno sustituto de Steve Perry en la persona del filipino Arnel Pineda. “Eclipse” significa la segunda entrega contando con sus servicios y, desde luego, pone tierra de por medio con respecto a los últimos discos editados por Journey últimamente, de hecho “Eclipse” es tan convincente que con el permiso de sus fans podría pasar a ocupar un puesto de privilegio dentro del imaginario ranking de los mejores trabajos de Journey. En esta nueva obra, la banda parece poco preocupada en construir canciones preconcebidas para las listas de éxitos, la mayoría son temas de metraje largo, en un mensaje claro de compromiso con intereses estrictamente musicales. Un álbum sobresaliente gracias al cual les están lloviendo buenas críticas desde ya.

No se trata de reverdecer viejos laureles, sino de poner a Journey en el nuevo siglo, con una propuesta tan melódica como siempre, pero con un plus muy acusado de intensidad.

(Además, esta semana en Rocktopia: JOHN WAITE, SEREE LEE, NO GRAVITY, BOREALIS y ODIN'S COURT)

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