Nuestro viaje inicial del comienzo de cada semana que en el programa de hoy nos lleva a recordar un grupo absolutamente histórico, y que además fueron actualidad en Rocktopia hace pocas semanas, debido a la edición de su último disco. Hoy abrimos con una leyenda viva como Uriah Heep. Hace más de 40 años se editaba su primer disco, un álbum titulado “Very ´eavy, Very Humble” en su edición europea, y simplemente Uriah Heep en Estados Unidos. Las sonoridades prototípicas del hard rock de los setenta, en pleno proceso de creación de un estilo al que se denominaría Heavy Metal, tal y como insinuaba el título del disco. Trabajo seminal por el que pagarían el tributo de ser considerados plagiadores del sonido de Deep Purple, cuando en realidad las similitudes del estilo obedecían más al simple hecho de que ambas bandas habían encontrado una forma muy similar de canalizar sus distintas influencias, y lo hacían en base a las señas de identidad de la época y la escena británica. Disco legendario, que además se abría con la épica setentera de “Gipsy” una de las canciones clásicas de Uriah Heep...aún hoy en el set list del grupo...

Aquella formación descansaba en tres pilares fundamentales personalizados por las figuras del guitarrista Mick Box, el cantante David Byron y el teclista Ken Hensley. Y ese teclista, Ken Hensley, abandonaría en 1980 el grupo. Después de colaborar aquí y allá, hacer cosas por sí mismo o formar parte de bandas como los americanos Blackfoot; Ken Hensley prosiguió con su carrera en solitario, algo que ha hecho sin prisa pero sin pausa. Lo cierto es que de cuando en cuando estamos acostumbrados a encontrarnos con lanzamientos dispares del veterano músico. El último de sus trabajos, digamos en solitario, se publica en estos días bajo el apelativo de Ken Hensley and Live Fire y lleva por título “Faster”. El mítico teclista británico al lado de la que ha sido su banda de directo en los últimos tiempos, firmando un álbum que es la misma esencia de una carrera que se extiende ya a lo largo de más de cuatro décadas. Rock clásico, hard tradicional, sobrio y con el poso equilibrado de la experiencia, en un ejercicio musical que se puede considerar ya prácticamente de atemporal...

(Además, esta semana en Rocktopia: WARREN HAYNES, ALBERTO RIGONI, JOLLY, MEMORIES OF MACHINES y NERA NATURE)

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Nuestra máquina del tiempo preparada para que nos metamos en ella y nos transporte en pocos minutos al pasado. Esta semana fijamos la fecha de destino en el año 1976, concretamente el dos de febrero de aquel año. El día de la publicación de un disco llamado “A Trick Of The Tail”. Era el séptimo disco en estudio de una leyenda como Genesis, y el primero en la carrera de la banda británica, sin la participación del que parecía hasta entonces insustituible vocalista y alma máter del grupo Peter Gabriel... Un álbum clave en la trayectoria de uno de los nombre sagrados del Rock Sinfónico británico. Genesis, quienes venían de facturar obras maestras como "Foxtrot", "Selling England By The Pound" o el ambicioso "Lamb Lies Down On Broadway", se encontraban de repente en una importante encrucijada la cual resolvieron con la decisión de hacer que el hasta entonces batería Phil Collins se hiciese cargo además de la voz, para grabar un disco como “A Trick Of The Tail” el cual era una vuelta a la estética de trabajos como “Selling England...” o “Foxtrot”, sólo que en una versión más redondeada y apta para un público más amplio, aunque los interludios instrumentales seguían ahí, al igual que la esencia del sinfonismo rockero que los había hecho grandes...

Después de abandonar Genesis en aquellas década de los setenta, la carrera de Steve Hackett que ha transitado por los terrenos de las minorías más selectas, casi siempre ocupado con su carrera en solitario, seguida por esa reducida, pero fiel legión de fans. Un Steve Hackett quien es sin embargo uno de los guitarristas más innovadores y vanguardistas de su generación, un músico que se adelantó a su tiempo utilizando técnicas como el “taping” mucho antes de que el mismísimo Eddie Van Halen se atribuyese su invención. En estos días Steve Hackett edita su nuevo disco en directo, álbum doble titulado “Live Rails” mediante el que repasa su inabarcable carrera, con rendiciones infaltables de su época con Genesis y también piezas de su historia más reciente, además de otras más lejanas como la pausada y enigmática “The Steppes”, perteneciente originalmente a su disco de 1980 “Defector”. Nuestro disco de portada se lo dedicamos al discreto e inmenso por igual Steve Hackett.

(Además en nuestro programa de esta semana: 41 POINT 9, LARS ERIC MATTSSON, WHITESNAKE, WARRANT y BLACK'N'BLUE)

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The Police, Ultravox o Michael Jackson pasados por el tamiz musical de grupos como Machine Head, Edguy o Yngwie Malmsteen. Son sólo unos cuantos ejemplos para saber de qué va este programa especial de Rocktopia. Canciones Pop versioneadas por grupos de Rock y Metal. Como poco una curiosidad...

Arrancamos hoy con un vistazo al final de la década de los sesenta y el principio de los setenta. El momento en el que se fraguó la invención de un grupo como Cactus. Una banda que en un principio estaba pensada como lo que hubiese sido un supergrupo anglo-americano en el que albergar los talentos de personajes como Jeff Beck, Rod Stewart, Tim Bogert y Carmine Appice, pero que debido a la perpetua falta de estabilidad de Jeff Beck y un inoportuno accidente de moto que sufrió, acabó convirtiéndose en un grupo exclusivamente estadounidense en el que confluyeron la sección rítmica de Vanilla Fudge, el guitarrista de los Detroit Wheels y el cantante de los Amboy Dukes de Ted Nugent. Un grupo de hard rock nacido del blues y del boggie rock, instaurado desde entonces en la memoria popular como banda de culto, pero a la que pocas cosas ocurrieron en realidad. En aquellos ajetreados años la paciencia no era virtud generalizada, así que en tan sólo dos efímeros años Cactus dejaron de existir, después de grabar tres álbumes y de haber girado por los Estados Unidos. Las expectativas estaban muy altas, las ventas de discos no respondieron, y sus conciertos como cabezas de cartel tampoco. Como tantas otras bandas de la época Cactus llegaron, vieron y se retiraron. “One Way… Or Another” sería publicado en 1971 contando con la participación de Eddie Kramer como ingeniero de sonido. La psicodelia bluesera en los caminos que conducían a la contundencia rockera...

Nada menos que 40 años más tarde de la publicación de aquel disco con Cactus, nos llega la nueva aventura patrocinada por su batería Carmine Appice. Un músico quien a pesar de su vocación de percusionista siempre ha tenido las inquietudes y aptitudes suficientes como para apadrinar diferentes proyectos. Además de haber tocado en grupos como los de Ozzy Osbourne o Jeff Beck, y de haber formado Vanilla Fudge, Cactus, Guitar Zeus o Blue Murder, Carmine Appice a mediados de los ochenta se sacaría de la chistera un grupo de relativo éxito y muy considerados como King Kobra. Tras un flamante primer álbum y dos algo más menos considerados, King Kobra dejarían de existir, entre otras cosas debido a su déficit a la hora de afianzar una alineación titular. Ahora, 25 años después los King Kobra de Carmine Appice vuelven a su reino, y lo hacen con la inclusión del ex-Quiet Riot, Paul Shortino como vocalista. Gran Hard Rock americano, al estilo de los ochenta, pero condensando lo mejor de aquella época en un notable trabajo llamado simplemente King Kobra. Es nuestro disco de portada...

(Además, esta semana en Rocktopia: NAZARETH, THE GRACIOUS FEW, GIANLUCA FERRO, TWINSPIRITS, ALLEN/LANDE y ENBOUND)

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Para empezar nos vamos a los estudios Thin Ice de Londres, nos vamos al mes de enero del año 1992. Por aquellos días se grababa el primer disco de una formación llamada Shadowland, la cual estaba liderada por el teclista de Arena y Pendragon, Clive Nolan. Junto a él el guitarrista de Threshold, Karl Groom, pieza fundamental del grupo y elemento indispensable a la hora de la producción y grabación de este “Ring Of Roses”, que es como se titulaba, la primera obra de Shadowland, tras la cual aparecerían otras dos. Shadowland era una respuesta paralela al camino que Nolan había iniciado ya con Arena, sólo que su dirección buscaba un contexto menos épico, aunque igualmente lírico, manteniendo una base de rock sinfónico, pero llevándoselo a terrenos que lindaban con el Pop más profundo de las Islas Británicas.

Una de las bandas con las que más ha trabajado Clive Nolan es Pendragon. Pertenecientes a la misma escena, a la misma generación de bandas, el teclista ha sido parte importante del grupo de Nick Barrett. Unos Pendragon que están de actualidad por partida doble. Primero, por la edición de su nuevo y flamante disco, y segundo porque el grupo británico estará de gira por nuestro país en los próximos días. El nuevo trabajo de Pendragon se llama “Passion” y representa un nuevo eslabón en esa cadena evolutiva que ya iniciaron con su anterior obra. Un paso de nuevo acertado, en la búsqueda de la adaptación de la banda a los tiempos musicales que vivimos, para no caer en el estado de “fuera de lugar” con el que muchas veces ha estado coqueteando la banda de Nick Barrett. Por eso “Passion” está lleno otra vez de brumas, lejos de la jovialidad musical de antaño. Denso e introspectivo por momentos. La seriedad que parece curiosamente haber reactivado la vitalidad de Pendragon.

Además, como comentábamos están de gira por aquí: el 29 de abril estarán en la sala Bikini de Barcelona y al día siguiente, el 30 de abril en la sala Caracol de Madrid, presentando este “Passion”.

(Además esta semana en Rocktopia: LOST IN THOUGHT, NILI BROSH, SEVEN THE HARDWAY, MAGNUM y TEN)

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1984, una época dorada para el hard rock británico, en un momento como la consagración de la incipiente New Wave Of British Heavy Metal. En aquellos días la actividad rockera en las islas británicas era realmente efervescente. Conciertos todos los días en salas legendarias como el Marquee o el Hammersmith, movimiento continuo de músicos que cambiaban de grupos para formar otros nuevos... Ese era el paisaje cuando el batería Clive Burr, quien acababa de salir de Iron Maiden, unía sus fuerzas a las de los hermanos Troy, líderes y fuerza creadora de Praying Mantis. A ellos se les uniría también un vocalista de la clase de Bernie Shaw. Juntos formarían un fugaz combo al que después de utilizar diferentes sustantivos terminaron por ponerle el nombre de Stratus. Releyendo algún recorte de prensa de la época nos encontramos con la crítica de la revista Kerrang, quienes decían de ellos: "No quiero parecer pesimista, pero me temo que a pesar del talento previamente probado y lo buenos músicos con clase que son, este grupo se va a encontrar en tierra de nadie. No son lo suficientemente duros como para atraer a los núcleos heavies y tampoco suficientemente comerciales para las listas de éxitos". Lo cierto es que aquel periodista musical acertó, y el primer disco de Stratus pasó sin pena ni gloria, a pesar de lo cual el grupo llegaría a tocar en numerosas ocasiones por el circuito británico, e incluso a telonear a bandas como Motley Crue.

Mucho ha llovido desde entonces. Tanto que aquel vocalista llamado Bernie Shaw es hoy en día el veterano cantante, -y desde hace mucho tiempo- de una formación histórica como Uriah Heep. Uno de los nombres de absoluta leyenda del hard rock clásico británico de todos los tiempos. Los tantas veces injustamente llamados “hermanos pobres” de Deep Purple, vuelven a la actividad discográfica con un espléndido disco titulado “Into The Wild”. Con todo el sabor a clásico, con texturas anacrónicas pero un excelente sonido actual. Uriah Heep demuestran estar en un espléndido estado de forma, el cual les dura desde su anterior disco, editado en 2008, y que significó la vuelta del grupo tras diez años de silencio. Afortunadamente, y no como otros, volvieron con toda la actitud y el carisma de antaño, y además tuvieron la fortuna de que la inspiración no les fue esquiva. Inspiración latente en toda la extensión de este “Into The Wild”. Uriah Heep o cómo envejecer como rockero con toda la dignidad y todas las capacidades intactas. Para ellos nuestro disco de portada.

(Además esta semana en Rocktopia: MIKE TRAMP, LOS LONELY BOYS, SAM KAZEROONI, PALLAS, APPEREANCE OF NOTHING y SHADOWMAN)

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Hoy nos trasladamos al año 1998, para hacernos eco de uno de los grupos pioneros del llamado power-metal europeo, hoy en Rocktopia echamos la vista atrás para acordarnos de Helloween y de su disco “Better Than Raw” editado en abril de aquel año. Helloween editaban su tercer disco con el cantante Andi Deris quien había sustituido a Michael Kiske en 1994, después de que el grupo pasara una de las peores épocas de su historia, quedando al borde de la desintegración. Evidentemente Andi Deris estaba años luz de las facultades vocales de su predecesor, pero sí aportaba al grupo la estabilidad que necesitaba. Después de un álbum difícil como “Time Of The Oath” dedicado a su batería por entonces recientemente fallecido, Helloween intentaban volver a la senda del equilibrio, y lo hacían con el disco “Better Than Raw”, el cual sería medianamente bien visto por la crítica especializada, y bastante bien acogido por los fans de la banda, algo difícil, dadas las comparaciones eternas entre los Helloween de entonces y los de Michael Kiske. El caso es que “Better Than Raw” poseía un primer single que causaría sensación en aquel año 1998 entre la parroquia metalera, es canción llamada “I Can”...

En aquel disco participaría un batería magnífico como Uli Kusch, quien no solo aportaba sus dotes como instrumentista, sino que cooperaba en los procesos creativos escribiendo tres canciones. Ahora nos encontramos con Uli Kusch embarcado con otros ilustres del metal europeo en un nuevo, llamémosle supergrupo, ellos son SYMFONIA. La nueva banda de Timo Tolkki, evidentemente ex guitarrista de Stratovarius; Andre Matos antiguo cantante de Angra; Jari Kainulainen, también ex Stratovarius al bajo; Mirko Harkin previamente teclista de Sonata Arctica; y el mencionado Uli Kusch, ex de bandas como Helloween, Gamma Ray o Masterplan, a los tambores. Juntos nos traen “In Paradisum” un álbum en la mejor tradición europea de power metal melódico y a ratos semi sinfónico, al que Andre Matos aporta su pizca latina proveniente de Brasil, y traducida en calidez vocal. Temas de doble bombo, agudos vocales y otras en las que se deja espacio para tonos más barrocos. Un disco ganador en su estilo, facturado por algunos de los auténticos padres de la criatura...

(Además esta semana en Rocktopia: STRATOVARIUS, ANGRA, PIOTREK GRUSZKA-GRU, HASSE FROBERG, PRESTO BALLET y THE POODLES)

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Cuando la fiebre del grunge estaba en su apogeo, cuando el nuevo punk melódico era otra de las opciones de actualidad a primeros de los noventa, surgía un grupo de imposible clasificación, para demostrarle al mundo que el metal todavía tenía cosas que aportar, para probar artísticamente que se podía ser contundente, sofisticado, inteligente y emotivo. En el año 1990 en Los Angeles, Californía, nacían unos incunables maravillosos llamados Tool, tres años después aparecía “Undertow”, su primer y rompedor disco. Grabado entre Octubre y Diciembre de 1992 en los estudios Grand Master de Hollywood, y con una primera tirada cuya portada fue censurada, Tool hicieron mucho ruido en todos los aspectos, aunque su principal forma de llamar la atención fue su música inspirada a partes iguales por el Art-Rock y las corrientes alternativas que poco a poco estaban tomando el planeta tierra, eran el desencadenante de un híbrido fuera de categoría, esquivo, difícil de escuchar, pero de un exacerbado magnetismo. A pesar de su áspero sonido y de sus retorcidas estructuras, “Undertow” fue todo un éxito comercial, tanto que se convirtió en doble disco de platino. Tanto es así que a día de hoy lleva vendidos tres millones de unidades...

Responsable del sonido de Tool en sus inicios, en ese disco que acabamos de escuchar “Undertow”, era la productora e ingeniera Sylvia Massy, una mujer que ha llegado a trabajar con luminarias como System Of A Down, Tom Petty, Johnny Cash, Prince o REM. Ella también está detrás de la producción de la nueva sensación americana, los californianos Clandestine. La banda comandada por la chica de origen oriental June Park, se formó en 2006, un año después editarían su primer trabajo, un EP homónimo con el que ya consiguieron hacer algo de ruido en su área de influencia. Ahora publican su primer larga duración, un álbum titulado “The Invalid” que supone un punto de renovación para la escena, merced a su forma de amalgamar con mucho criterio influjos de metal moderno, técnico, gótico, melódico, y hasta conseguir contornearse ligeramente con giros muy comerciales casi Pop. Así son Clandestine, además con un efectivo sonido: crujiente, poderoso y frondoso. Probablemente el mejor disco de debut de lo que llevamos de año, por eso es nuestro disco de portada.

(Además esta semana en Rocktopia: MALISON ROGUE, GRAND MAGUS, JOE SATRIANI, BEARDFISH, STRYPER y PHENOMENA)

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Nuestra máquina del tiempo, como cada semana nos lleva a algún sitio, en alguna parte. Hoy el calendario se detiene en el año 1984 para trasladarnos al Reino Unido. Allí andaba Bernie Marsden, la enésima víctima de las idas y venidas de personal en Whitesnake, y es que David Coverdale había decidido darle un giro más americano a su sonido, y no sólo eso, sino que para ello había considerado imprescindible la marcha de músicos clave en la carrera anterior de esa banda, músicos como Bernie Marsden o Micky Moody, responsables entre otras cosas de los matices más rockanroleros de la llamada era clásica de Whitesnake. El caso es que Bernie Marsden, después de siete discos con la banda de David Coverdale, se encontraba compuesto y sin banda, así que decidió una vez más retomar su carrera. Y curiosamente lo haría, no echando mano de sus influencias más blueseras, por las que había salido de Whitesnake, sino esgrimiendo argumentos musicales muy en boga en aquel momento. Bernie Marsden formaría Alaska, un combo de hard rock ultramelódico, muy comercial y definitivamente tocado con la varita del AOR británico. El primer disco de Alaska se editaba en 1984, con é giró por las islas británicas y hasta llegó a tocar en España, presentando sus canciones para todos los públicos y con esa voz tan a lo Rod Stewart de Robert Howthorn...

Y mientras Bernie Marsden buscaba salidas al futuro con Alaska, David Coverdale continuaba determinado concienzudamente para conseguir la conquista de América. Algo que por supuesto consiguió con su disco “1987”, tras el que nada volvería ser igual. Tanto es así que la influencia de aquel trabajo de hace más de veinte años sigue presente en David Coverdale y en sus actuales Whitesnake. El 25 de marzo se pone a la venta “Forevermore”, el nuevo álbum disco de Whitesnak. Un disco en la tradición de lo que ha sido el grupo desde aquellos años dorados rompedores de listas de discos yankees, en lo que parece un intento recurrente de evocar aquellos días, aunque sólo sea en cuestión de sonido e inspiración musical. “Forevermore” cuenta como siempre fue habitual en Coverdale, con el respaldo de dos guitarristas de garantías, en esta ocasión, y como viene siendo habitual en los últimos años se tratan de Reb Beach y Doug Aldrich, sobre todo este último convertido desde hace tiempo en la mano derecha del jefe, a la hora de componer y producir. Lanzamiento por todo lo alto, con distintas versiones en formato de doble vinilo, acompañado de libreto especial, con DVD, con canciones inéditas... en fin, los esfuerzos de su discográfica para que “Forevermore” resulte realmente especial, tal y como debería de ser cualquier disco de Whitesnake.

(Además en esta edición de Rocktopia: SPIRITUAL BEGGARS, STRANGEWAYS, O.S.V, SEVENTH WONDER, PRETTY MAIDS y COLDSPELL)

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Sabor escandinavo para abrir esta semana Rocktopia, con un grupo del cual no sabemos nada desde hace algunos años, pero que nos ha dejado un buen puñado de discos en el pasado: la banda del chileno Daniel Flores, Mind’s Eye. Un grupo que ya desde sus inicios, cuando todavía sus componentes estaban en edad juvenil, nos sorprendieron por su madura forma de entender la música, quizás no por los resultados finales de su propuesta, pero sí por lo ambiciosa que era, y el potencial que apuntaba. Mind’s Eye se formaban en 1992, y desde el principio pretendieron tamizar sus influencias de hard rock melódico y AOR con otras que venían de terrenos mucho más progresivos. Grupos como Rush, Queensryche, Toto, Winger o Genesis se agolpan por igual en la lista de influencias de este grupo afincado en Estocolmo. Con el paso de los años las promesas se hicieron realidad sobre todo con su último lanzamiento, el cual data ya de 2007, pero antes Mind’s Eye daban sus primeros y audaces pasos, con la edición en el año 2000 de “Waiting For The Tide”, su tercer trabajo, y con el que definitivamente se asentarían.

La actividad de los miembros de Mind’s Eye no ha parado de desarrollarse en el tiempo que ha transcurrido desde la edición de su último disco, lo único que pasa es que eso no ha ocurrido en el seno de la propia banda. Por eso hemos visto a Daniel Flores formar parte de bandas como Murder Of My Sweet, 7 Days o Crash The System, por un lado, y por otro el guitarrista Johan Niemann, quien después de haber sido parte de Therion o Tiamat, nos sorprendía no hace demasiado con su inclusión en los renovados Evergrey. Unos Evergrey que han sustituido a 3 de sus 5 miembros de cara a la grabación de su nuevo “Glorious Collision”. A pesar de la renovación del personal, poco cambia en estos oscuros, también suecos, sobre todo porque lo que perdura e importa es la figura de Tom Englund, indiscutible líder y catalizador de toda la grisácea propuesta de Evergrey. Guitarras aplastantes, voces de melodías melancólicas, teclados muy medidos para aportar el dramatismo necesario a un grupo que aúna emoción y potencia. “Glorious Collision” es una buena forma de seguir, aunque no se sabe por cuánto tiempo más, y es que Evergrey corren peligro de estancamiento...

(Además esta semana en Rocktopia: NO GRAVITY, ERIC JOHNSON, PAT TRAVERS, Mr.BIG y HURTSMILE)

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