Sens de la visite

C’est dans son appartement parisien, là où il vit et dessine, que j’ai rencontré l’artiste Alireza Shojaian. Il a 35 ans, il est iranien, et il est exilé en France depuis 2019, forcé de quitter son pays, parce qu’il dessinait des corps masculins dénudés. En Iran, l’homosexualité et la représentation de la nudité sont un crime, et s’il voulait continuer à vivre et créer librement, il n’avait pas d’autre choix que de partir.

Sa vie a basculé quelques années plus tôt, lorsqu’étudiant, au sein de son école d’art, il commence à représenter ses premiers corps masculins, comme un besoin irrépressible d’assumer ce qu’il ressentait au fond de lui. A la même époque, il découvre l’existence du mot “queer” et comprend qu’il fait partie de cette communauté militante dans laquelle se rassemble chaque personne qui n’accepte pas de se laisser dicter une sexualité, une identité ou un genre.

Aujourd’hui, à Paris, il continue de mettre en scène dans ses dessins des hommes nus ou partiellement nus, fragiles, intimes, pour défendre sa propre vision de la masculinité et de la virilité. Un combat idéologique en somme, crayon en main, contre le pouvoir en place de son pays, et contre toutes les formes d’oppressions, ici ou ailleurs,… 

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Parce que son œuvre d’art est classée à part, que son sens de l’humour est détonnant, et son nom d’artiste fleure bon l’encre, le bois et la nostalgie d’une époque révolue, j’ai voulu percer le mystère qui se cache, derrière ce nom, le Tampographe Sardon, l’artiste créateur et concepteur des tampons aux formes et aux messages rigolos, poétiques, absurdes… mais souvent vulgaires.

Je l’ai d’abord retrouvé, dans son antre du 20ème arrondissement de Paris, à côté du boulevard de Charonne et juste en contrebas du cimetière du Père Lachaise, au 4, rue du repos, là où il vend, 1 journée par semaine, ses fameux tampons. Mais la boutique, ce n’était que la première étape de notre rendez-vous. L'enregistrement allait avoir lieu juste derrière… chez son voisin, le Père Lachaise, dans les allées du cimetière. Voilà en tout cas, comment, par une belle matinée de décembre, je me suis retrouvé, en compagnie de Vincent Sardon, c’est son vrai nom, à arpenter les pavés du plus célèbre des cimetières parisiens, à la recherche de l’humour noir qui infuse l’encre de ses tampons. 

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Nous sommes allés rencontrer le dessinateur Riss, au Mémorial de la Shoah, pour découvrir une exposition temporaire qui présente une sélection de ses dessins, lorsqu'il qui a couvert pour son journal Charlie Hebdo, il y a 26 ans, l’intégralité du Procès Papon. Il sera condamné à 10 ans de prison, pour complicité de crimes contre l'humanité.

Un procès qui marqua les annales judiciaires et l’histoire de notre pays, puisqu’il permit de mieux comprendre l’implication de l’Etat français dans la déportation des juifs. Comment dessine-t-on, au jour le jour, un procès? Quelles sont les spécificités et la force de ce dessin, le dessin d’audience, ou croquis de justice, comme on l’appelle? Et à titre personnel, qu’est-ce qui l’a particulièrement marqué au cours des 6 mois de ce procès historique…  Lorsque s’ouvre le procès, le 10 octobre 1997, en plein coeur de la salle d’audience, Riss est là, près du box de l’accusé. Crayon gras à la main et carnet à dessins sur les genoux, prêt à retranscrire ce moment judiciaire unique. Il va produire un travail d’archive et une œuvre artistique hors norme puisque c’est le seul dessinateur, et peut-être même le seul journaliste, à avoir couvert l’intégralité du procès. Au total, plus de 400 dessins, dont une soixantaine sont présentés ici dans l’exposition, qui font revivre les confrontations, les déclarations et les tensions de ce procès…

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L’ouverture d’un nouveau lieu culturel, ce n’est pas si fréquent et c’est toujours un événement. Alors, ne boudons pas notre plaisir, d'accueillir, depuis quelques jours la toute nouvelle Cité Internationale de la langue française. 

Installée au cœur d’un lieu de patrimoine exceptionnel, le château de Villers-Cotterêts, dans l’Aisne, la Cité est entièrement dédiée à la langue française et à l’ensemble des cultures francophones. Avec 2 objectifs: Révéler cette langue dans toute sa richesse, sa diversité, et ses formes d’expression. tout en restant accessible aux adultes, aux jeunes générations, aux français et aux étrangers. Comment est-ce que l’on réfléchit et on conçoit un projet culturel d’une telle ampleur?  Et puis, quels sont les enjeux et les messages portés par cette Cité? C'est ce qui nous intéressait de comprendre, en venant dans ce sublime château de Villers-Cotterêts, où nous avons pu rencontrer 3 personnes qui chacune à leur façon, ont contribué à l’ouverture de la Cité:

l'Académicienne Barbara Cassin, philologue et commissaire scientifique de l’exposition permanente, Mathieu Avanzi, dialectologue à l’origine de plusieurs dispositifs de médiation, et Xavier Bailly, directeur délégué de la Cité internationale de la Langue Française.

Un lieu culturel géré par le Centre des Monuments Nationaux, avec qui nous avons réalisé en collaboration cet épisode.

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Dans ce nouvel épisode, nous sommes allés passer la journée à Laguépie, une petite commune du Tarn-et-Garonne, au milieu des élèves de la classe de CM1/CM2 de Muriel Sanchez, institutrice. Avec sa classe, elle a décidé de participer aux Enfants du Patrimoine.

Une manifestation organisée par le réseau des CAUE, les Conseils d’Architecture, d’Urbanisme et de l'Environnement, soutenue par les Ministères de la Culture, de l’Education Nationale et de la Jeunesse, et qui propose à toutes les écoles des activités ludiques et pédagogiques, avec l’objectif de sensibiliser les élèves au patrimoine.

Cette année, les Enfants du Patrimoine ont rassemblé plus de 40000 élèves et 500 partenaires culturels, en proposant près de 900 activités en France métropolitaine et d’outre-mer.

Animés par cette mission de service public, celle de promouvoir la qualité du cadre de vie, les CAUE sont convaincus que les nouvelles générations sont aussi concernées par le patrimoine, celui du territoire où ils habitent.

Alors, dans les villes ou les villages, le temps d’une journée, tout un maillage d’enseignants, d’acteurs culturels, d’architectes, de paysagistes, d’urbanistes, et d’autres professionnels, s’activent au service des enfants, pour les aider à regarder avec plus d’acuité et de curiosité tout ce qui les entoure, que ce soit un bâtiment, un paysage ou la nature.

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Emblème de la Renaissance, le Château de Chambord, c’est une silhouette reconnaissable entre mille, une renommée internationale, et surtout un chef d'œuvre architectural. Construit à partir de 1519, de l’imagination de François 1er, et très sûrement inspiré par Léonard de Vinci… Mais Chambord, ce n’est pas uniquement le Château.  C’est aussi, tout autour, un immense Domaine. Avec un village, des fermes et une forêt, à perte de vue, qui abrite un réservoir exceptionnel de faune et de flore, et un mur d’enceinte, de 32 km de long.

Voulu dès l’origine par François 1er pour préserver le Domaine, ses premières pierres ont été posées il y a presque 500 ans. Conçu pour durer, il est resté debout toutes ces années… jusqu’en 2016, quand des inondations dévastatrices lui ont causé d’importants dégâts. 

En 2020, le Domaine National de Chambord décide de lancer la restauration du Mur, avec la volonté que ce soit aussi un chantier d’insertion et d’inclusion, et fait appel à l’association Acta Vista, dont c’est la mission depuis plus de 20 ans.

Ainsi, depuis 3 ans maintenant, tous les matins, à la lisière du Domaine, arrivent près du mur, des personnes de tous horizons, pour apprendre les gestes de restauration du patrimoine historique auprès d’artisans qualifiés.Très souvent étrangers, ils ont fui des pays en guerre ou en souffrance, pour commencer ici, à se reconstruire… 

Voici l’histoire de ce chantier. Et d’un mur qu’on restaure.

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Pour ce dernier épisode de la saison, nous avons rencontré Nikos Aliagas.  Homme de télé et de radio, journaliste. Nous l’avons rencontré pour évoquer avec lui, sa véritable passion: La pratique photographique.

Un déclic qui remonte à l’enfance, il se souvient d’ailleurs parfaitement de l’instant de cette rencontre, c’était en Grèce, dans le pays de ses origines. Ensuite, comme un besoin, il ne va jamais cesser de  photographier.  Depuis quelques années, dans l’ombre de son personnage télévisuel, il s’autorise à exposer son travail, et dans des institutions culturelles comme l’Hôtel de Ville de Paris, le Musée des Beaux Arts de Bordeaux ou la Fondazione dellAlbero d’Oro à Venise… où il partage simplement son regard, et son univers photographique, en noir et blanc, bien éloigné des lumières électriques des plateaux télé.

Jusqu’au 31 octobre 2023, c’est dans un lieu exceptionnel, l’Abbaye de Jumièges, en Seine Maritime, que se tient sa dernière exposition Le Spleen d’Ulysse. Une centaine de photographies, récentes ou plus anciennes, sont regroupées ici autour de cette figure mythologique, pour illustrer des sujets qui lui tiennent à coeur comme l’exil, le voyage, la finitude, les racines, les traces du temps, et la solitude… Des sujets qui semblent ne jamais le laisser vraiment tranquille... Mais que la photographie apaise.

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En collaboration avec le Musée d’Arts de Nantes, nous vous faisons découvrir, de l’intérieur, sa grande exposition estivale 2023, HYPER SENSIBLE. Un regard sur la sculpture HYPERRÉALISTE.

Installée dans le Patio du Musée, au cœur de ses collections, l’exposition explore ce courant artistique apparu il y a plus d’une cinquantaine d’années, dont le but est de créer en sculpture l’illusion de la réalité pour représenter l’humain et le vivant… Au-delà de la fascinante virtuosité de ces artistes pour représenter le réel au risque de le confondre, ce qui a suscité notre curiosité, c’était la relation entre ces œuvres et le public.

Face à des sculptures hyperréalistes de femmes, d’hommes ou d’enfants, il très difficile de rester insensible. On a voulu se rendre compte par nous-mêmes de ce phénomène souvent fascinant d’effet miroir, d’introspection, d’attirance ou de répulsion que l’on peut ressentir face à ces œuvres.

Nous avons donc passé 2 journées intenses face aux sculptures hyperréalistes mais surtout… à côté des gens qui les regardaient: le public évidemment, mais aussi les employés du musée, qui vivent chaque jour au milieu de ces œuvres troublantes de vérité.

Pour les réaliser, les artistes de ce courant utilisent généralement une technique bien particulière, le moulage sur modèle vivant, avec des matériaux comme les résines polymères et la fibre de verre. Et pour que l’illusion soit presque parfaite, ils vont coiffer, habiller et accessoiriser, ces personnages. 

Chacun à leur manière, ils scrutent le monde, ses failles et ses détails, pour reproduire toujours plus précisément la réalité de nos corps, de nos quotidiens et de nos existences.

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Nous avons retrouvé l’auteur, compositeur, interprète Albin de la Simone, au Musée d’Orsay, pour une visite, en sa compagnie, de l’exposition “Manet / Degas”.

Invité d’honneur autour de cette expo, depuis quelques mois, il a pris ses quartiers au Musée d’Orsay, qui lui a laissé carte blanche pour piocher, dans les peintures de ces 2 artistes, des histoires à raconter en musique..

Résultat: une chanson de son nouvel album, les Cent prochaines années, sorti en mars dernier, est directement inspirée de la contemplation de deux tableaux de l’exposition:  La Prune de Manet, et L’Absynthe de Degas.

Le rendez-vous était fixé avec Albin devant l’entrée de service du musée, à 08H30. Le moment où Orsay se refait une petite beauté juste avant d'accueillir ses premiers visiteurs, on avait donc un peu de temps devant nous pour se balader dans les salles désertées de cette expo qui présente en parallèle ces deux superstars de l’histoire de l’art: Edouard Manet et Edgar Degas. 

Deux acteurs essentiels de la Nouvelle Peinture à la fin du 19ème siècle, précurseurs, inventeurs, géniaux, à leur façon, ils ont changé la façon de représenter le vivant.

Une expo événement, à ne pas rater, que vous soyez admirateur de Manet, de Degas, ou des deux, ou d’aucun des deux d’ailleurs. Parce que ce qui est présenté ici, au-delà de certains de leurs chefs-d’oeuvre qui n’avaient jamais été réunis ensemble, c’est surtout leur histoire. Leur famille, leur époque et leur relation avec d’un côté, Manet le mondain, de l’autre, Degas le taciturne, que presque tout oppose, et qui pourtant, au cours de leur vie, successivement, se respectent, se détestent, ou s’admirent.

Nous avons donc suivi Albin de la Simone, au fil de ces oeuvres exposées, dans lesquelles il s’est projeté de nouveau, pour nous, au micro.

Une visite, au calme, de bon matin, seuls avec Degas et Manet. Et pour reprendre ses mots, lâchés à la fin de l’expo:  “c’était une belle façon de commencer une journée.”

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Dans ce nouvel épisode, nous sommes partis à Londres. Pour découvrir un lieu emblématique du street art de cette ville: le Graffiti Tunnel de Leake Street. 

Situé juste derrière la Gare de Waterloo, il a été "créé" à l'origine en 2008 par Banksy. Un grand nombre de street artistes de renom y ont laissé leur empreinte. Aujourd'hui, c'est le seul endroit dans Londres où chacun peut graffer ou dessiner légalement.

Avec Sophie, guide française expatriée à Londres, nous avons parcouru les 300 mètres de ce tunnel, qu'elle nous a fait découvrir. Elle nous a partagé sa passion de cet endroit, des artistes, de ce mouvement, et de la ville... Dans laquelle elle a décidé de vivre.

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