Sens de la visite

Direction le Viaduc des Arts, dans le Studio de Jeremy Maxwell Wintrebert, artiste souffleur de verre.

A l’intérieur de son atelier qui modèle le verre en fusion, une équipe s’active autour de lui pour l’aider à concevoir et diffuser ses créations, vers les quatre coins du monde, et dans les musées, puisque certaines de ses oeuvres ont été exposées dernièrement au MusVerre ou au Palais de Tokyo… 

Autodidacte né en 1980, son art du verre et du geste, il le peaufine depuis plus de 20 ans, ce qui lui permet aujourd’hui de réaliser des sculptures, lumineuses, parfois volumineuses, mais toujours sans moule, et à main levée. 

Chaque jour, devant le four en fusion, Jeremy explore les possibilités infinies de création que lui offre le verre. Une matière qui exerce sur lui, depuis l'enfance, une véritable fascination. 

Voici notre conversation, recueillie en fin de journée, après que l'atelier se soit vidé, pour découvrir avec lui, son univers, son parcours et le verre...  avec qui il entretient aujourd’hui, une relation singulière, filiale, quasi mystique… 

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Il y a quelques semaines, se tenait à la Collection Lambert, en plein coeur d’Avignon, une exposition intitulée “Notre musée, une collection sentimentale”.  

À l'origine de ce projet qui s’est permis de bouleverser les règles de l’art:  un musée d’art contemporain, la Collection Lambert, associé à des structures du champ social, comme la Fondation Abbé Pierre, entre autres organisatrices du Festival “C’est pas du luxe”. et puis un artiste, Mohamed el Khatib.

Ensemble, ils veulent créer une exposition pour que, chacun, chacune, puisse se ré-approprier l’espace et les collections d’un musée.

Alors, ils ont eu l’idée d’impliquer dans leur démarche, des personnes éloignées du champ de la culture, souvent en situation de précarité, les pensionnaires de ces structures d’hébergement.  Au total, un collectif d’une vingtaine de personnes, venus d’horizons très différents, réunies pour créer cet évènement, où s’entrecroisaient et s’exposaient, au même niveau, des oeuvres d’art de la Collection Lambert et des objets, très personnels, apportés par chacun des co-commissaires.  

Ce sont les histoires de ces objets, intimes, légères, ou bouleversantes, que nous sommes venus recueillir, au micro, et auprès des co-commissaires, quelques jours avant la fin de l’exposition.

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Dans ce nouvel épisode, vous allez suivre les pas (et le nez) d’un parfumeur dans les allées du Musée du Louvre.

Pour Patrice Revillard, notre guide du jour, mais surtout le créateur du laboratoire de parfums Maelstrom, l’art, la peinture, et les natures mortes en particulier, sont une véritable source d’inspiration dans son métier.

C’est donc avec l’objectif de dénicher des détails odorants et des odeurs évocatrices à l’intérieur des peintures, que nous nous sommes retrouvés sous la pyramide du Louvre.

Dans notre quête olfactive, on a d’abord commencé par l’exposition temporaire “Les Choses. Une histoire de la Nature Morte”, puis nous avons continué ensuite avec les collections permanentes du Musée, dans la Grande Galerie des peintures italiennes, puis celle des Peintures françaises… 

De salles en salles, face aux oeuvres, en prenant le réflexe d’y chercher un élément odorant, on découvre en soi une façon originale, instinctive et presque animale de regarder les oeuvres… 

Une expérience inédite pour découvrir un musée, et pour nous, l’occasion d’échanger avec un parfumeur sur les liens entre l’art et le parfum, sur son métier et sur des choses plus intimes… car dès qu’on fait référence à l’odorat, on convoque inévitablement la mémoire, les sensations et les souvenirs…

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Dans ce nouvel épisode, nous allons parler de danse, d’art numérique, d’apesanteur, et d’exoplanètes…  Nous avons rencontré un duo d’artistes, aux parcours atypiques, qui créent, en binôme, des oeuvres d’art à mi-chemin entre l’art et la science: Jeanne Morel, danseuse et Paul Marlier, artiste nouveaux media.

Conjoints dans la vie, leur collaboration porte un nom: “Art in Space”, un véritable laboratoire de création artistique et d’exploration scientifique. Jeanne danse en milieu extrême, en haut d’une montagne, à proximité d’un volcan ou dans des lieux à la gravité modifiée, pendant que Paul recueille les données biométriques de son corps, et de ses émotions, grâce à la technologie de captation cérébrale. A partir de ces informations théoriques, il va ensuite dessiner des oeuvres d’art numériques.

Artistes et explorateurs en même temps, leur but est de partager aussi bien avec le public qu’avec le monde scientifique, les résultats de leurs expériences, entre ciel et terre.

Nous avons retrouvé Jeanne et Paul, au Musée de l’Air et de l’Espace, au Bourget près de Paris. Dans ce décor tout en démesure, au milieu de satellites et d’engins spatiaux exposés comme des oeuvres, nous avons évoqué leurs parcours respectifs et ce qui les anime en tant qu’artistes chercheurs… 

Dans la 2ème partie de l’épisode, et pour continuer à tisser des liens entre l’art et l’espace, nous irons au CNES, le Centre National d’Etudes Spatiales, pour écouter une conversation passionnante entre Jeanne Morel et Etienne Klein, physicien renommé et directeur du Laboratoire de recherche sur les sciences de la matière, qui a eu lui aussi la chance de voler en apesanteur. 

L’occasion pour eux de nous partager cette “1ère fois” inoubliable, et puis leur vision d’un monde sans gravité. 

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Nous sommes allés rencontrer, dans son atelier parisien, Shelomo Selinger. Un artiste franco-israélien, sculpteur et dessinateur, de 94 ans. 

C’est l’un des derniers rescapés de la Shoah. Revenu de l’enfer sur terre, c’est l’art qui lui a permis de surmonter les souffrances de ce traumatisme, et son oeuvre, depuis le début des années 60, est un hymne à la vie, à la mémoire et à l’amour.

En taillant directement dans la pierre ou le bois, il évacue ses angoisses, comme il le dit lui-même, en représentant son expérience concentrationnaire, et surtout son amour inconditionnel de la Nature et de la beauté. Un entretien rare.

Voici son histoire... 

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Dans cet épisode, nous rencontrons une jeune artiste multimédia, au Fresnoy - Studio national des arts contemporains.

Créé en 1997 comme “une villa medicis high tech”, tous les ans, il accueille 48 étudiantes et étudiants de tous horizons et de toutes les nationalités, pour leur permettre de créer, en toute liberté, des oeuvres d’art innovantes, dans le domaine de l’audiovisuel et de la création numérique. Et en septembre de chaque année, au sein de l’école, est organisée “Panorama”, une exposition qui regroupe l’ensemble des oeuvres produites pendant l’année par les étudiants. 

Si nous sommes allés rencontrer Magalie, c'est parce que nous avions été marqués, l’année dernière, par son 1er projet qu’elle avait réalisé au Fresnoy - Studio national. 

Une installation interactive qui invitait le visiteur, grâce à la réalité augmentée et une tablette, à rencontrer et écouter des membres de sa famille parler d’un sujet tabou pour eux: l’histoire de la traite négrière et de l’esclavage. 

Dans cet épisode, c’est nous, qui lui avons tendu le micro. Pour écouter sa voix douce mais déterminée nous parler de ce projet qui l’a évidemment transformé, de cette école Le Fresnoy qui a permis de le réaliser, et puis aussi de cette carrière d’artiste multimédia qui s’ouvre devant elle… 

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Jusqu’au 6 novembre 2022, la Fondation Cartier pour l'art contemporain à Paris expose les œuvres d’une des plus grandes artistes australiennes de ces 20 dernières années, Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori. 

C’est la 1ère fois qu’une exposition personnelle lui est consacrée hors de son pays d’origine, et son histoire, en tant que femme, en tant qu’artiste, est unique. 

L’histoire de Mirdidingkingathi Juwarnda Sally Gabori commence au début des années 20, sur une île au Nord de l’Australie, Bentick Island, habitée par un peuple aborigène, les Kaiadilt. Très isolés et attachés à leurs terres d'origine, ils sont l’une des dernières communautés à être entrés durablement en contact avec les colons européens. En 1948, un raz de marée dévastateur les contraint à quitter leur île. Pour survivre. Ils seront recueillis sur une île voisine, Mornington Island. 

Arrachés à leur terre, ils perdent leurs repères et se retrouvent comme prisonniers sur cette île. A l'unisson de sa communauté, Sally Gabori vivra toute cette période entre désespoir et dénuement.

C'est en 2005 que la vie de Sally Gabori va radicalement changer.  Alors qu'elle a dépassé les 80 ans, elle découvre la peinture dans le cadre d’un atelier. Pendant près de 10 ans, elle va représenter dans ses toiles, avec des couleurs vibrantes: la terre, le ciel, et la mer de son île natale, Bentick Island. 

Très rapidement, elle acquiert une renommée nationale et internationale. Aujourd'hui, une trentaine de ses toiles sont accrochées, ici, à la Fondation Cartier pour l'art contemporain à Paris. Pour vous faire ressentir la force de la peinture de Sally Gabori, nous avons rencontré Juliette Lecorne, la commissaire de cette exposition, Nicholas Evans, anthropologue, linguiste spécialiste de la communauté Kaiadilt, et Bruce Johnson Mc Lean, Conservateur spécialiste de l’art aborigène à la National Gallery of Australia. Ecoutez l'incroyable histoire de Sally Gabori.

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Nous sommes allés rencontrer l’un des artistes contemporains français les plus reconnus aujourd’hui, Jean-Michel Othoniel, à l’occasion de sa dernière exposition “Le rêve de l’eau” qui se tient en plein coeur du Palais idéal du Facteur Cheval. 

Et c’est un événement, car c’est la première fois qu’un artiste est invité à investir avec ses oeuvres, ce fameux Palais. 

Depuis 110 ans, ce lieu, unique en son genre, fascine le public autant qu’il inspire les artistes.

26 mètres de long pour 12 mètres de hauteur, des pierres, des coquillages, et de la chaux pour englober le tout. Et un message universel et humaniste. 

Mais le plus fascinant, en regardant ce Palais, c’est de réaliser qu’il a été construit par un seul homme, Joseph Ferdinand Cheval, un facteur, fils de paysan, sans aucune connaissance en architecture ni en sculpture. 

En 33 ans, de 1879 à 1912, il a bâti ce qui est aujourd’hui considéré comme un chef d’oeuvre de l’art brut. 

Lors de ses longues tournées, son esprit rêveur vagabonde pendant que ses yeux se posent sur le courrier qu’il distribue: des cartes postales, des magazines illustrés de voyages, les calendriers de la poste, toutes ces images, de lieux, de voyages commencent à tourner et à se graver dans son esprit. 

Jusqu’au jour où, lors d’une tournée, son pied bute sur une pierre qui manque de le faire tomber. Fasciné par sa forme, elle est pour lui, dans son esprit d’autodidacte bouillonnant d’imagination, le signe et l’élément déclencheur, d’une nouvelle vie. 

Alors, dans son jardin, de ses propres mains, avec des pierres ramassées lors de ses tournées, il va construire un palais rempli de toutes ces images, la nuit, à la lumière des bougies, en continuant d’être facteur le jour.

Même s’il était considéré comme un fou dans son village et aux alentours, le Facteur Cheval, lui, avait conscience qu’il était en train de réaliser une oeuvre qui le dépasserait. Et lui survivrait longtemps.

Il avait raison. Près d’un siècle après sa mort, plus de 200000 personnes visitent aujourd’hui son Palais, et cette année, l’un des plus grands artistes contemporains français, Jean-Michel Othoniel lui rend hommage, en créant cette exposition qui parcourt les grottes, les niches et les alcôves de ce Palais.

Pour célébrer ce lieu qu’il a lui-même très souvent visité, enfant, avec sa maman, il a décidé, au moyen de fontaines, de perles géantes et de vitraux flamboyants, de réaliser l’un des derniers rêves du Facteur Cheval: faire apparaître l’eau et la lumière dans son Palais.

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Elle est flamande, elle vient de Gand, elle s’appelle Berlinde de Bruyckere, et c'est l'une des plus grandes artistes actuelles. Du 18 juin au 2 octobre 2022, elle investit toutes les salles du MO.CO (Montpellier Contemporain). Et une expo de Berlinde de Bruyckere, c’est toujours un événement. 

Parce que ses oeuvres ne peuvent pas laisser indifférent ou insensible. Certaines de ses pièces, par leur évocation de la violence et de la mort, interpellent, choquent ou bousculent. Mais si vous prenez le temps de bien les regarder, vous ne ressortirez pas du musée, comme vous y êtes entrés. Et l’artiste aura réussi son pari: celui de vous questionner et de réveiller votre sensibilité.

De notre côté, fidèles à ce qu’on aime faire, et n’ayant encore jamais vu de nos propres yeux une de ses oeuvres, nous sommes allés à la rencontre des gens qui peuplaient les premières journées de cette exposition. Et au fil de nos discussions avec le public, les équipes et le directeur du lieu, Numa Hambursin, on est parvenus à entrer totalement dans l’univers de Berlinde de Bruyckere. Suivez la visite de cette expo pas comme les autres... 

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Le Musée de Cluny est l’un des plus anciens musées parisiens. Il expose depuis 1843 une collection unique en France d’oeuvres et d’objets d’art du Moyen Age, en plein cœur de la Capitale, dans un lieu à la croisée de plusieurs siècles d’histoires, entre les thermes gallo-romains de Lutèce et l’hôtel médiéval des Abbés de Cluny. Mais depuis quelques semaines, c’est une nouvelle page de son histoire, qui s’écrit… 

Après 11 ans de travaux et 2 ans de fermeture, le Musée de Cluny vient tout juste d'ouvrir de nouveau ses portes. Nous avons passé la journée, à la rencontre du public qui a réinvesti le musée, devant les oeuvres, dans les couloirs, à l’écoute de leurs retours et de leurs regards, dans ce nouveau musée, pourtant très ancien… Nous avons aussi rencontré Anne Sophie Grassin, cheffe adjointe du Service Culturel, c’était l’occasion aussi d’échanger avec elle, sur tout ce qu’un musée du 21ème siècle déploie aujourd’hui pour se rendre plus accessible… Et notamment, la mise en place de nouvelles médiations, sensibles, intuitives, afin de faire découvrir les œuvres, autrement qu’avec les yeux, et permettre au public d’entrer en contact et pourquoi pas en communication avec elles… (https://www.musee-moyenage.fr/activites/programmation.html)

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