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El podcast de Lilibeth

El podcast de Yuliana Guillen

El podcast de Guadalupe Anayeli Diaz Pat

El podcast de Jissel Hernandez

A podcast about football and soccer (or, well, football) hosted by a 13 year old who covers way too many leagues.

Enjoy at your own risk :)

Leagues I cover are listed below

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And some other spring leagues

Soccer:

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March-November leagues:
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PLEASE LEAVE A REVIEW!!!

A podcast about football and soccer (or, well, football) hosted by a 13 year old who covers way too many leagues. Enjoy at your own risk :) Leagues I cover are listed below American Football: NFL College Football UFL European League of Football And some other spring leagues Soccer: August-May leagues: Premier League La Liga Bundesliga Serie A Ligue 1 Eredivisie Liga Portugal Belgian Pro League Turkey Super Lig Austrian Bundesliga Greek Super League March-November leagues: MLS League of Ireland Allsvenskan Eliteserien Latvian Virsliga Besta deild Karla PLEASE LEAVE A REVIEW!!!

The Two Footballs Podcast

MALICE MIZER

Dos piedras en un zapato

The BL Show, es el lugar donde podrás disfrutar junto a nosotros 💕 contenido relacionado a las series BL y LGBT 🏳️‍🌈. Vamos a fangirlear juntos! 🤩

The BL Show

El podcast de María Ruth cruz caballero

Bienvenidos y bienvenidas a Ritual de Media Noche, el espacio donde la oscuridad no solo se siente, sino que se escucha. Aquí no hay tabúes, no hay censura y, sobre todo, no hay vuelta atrás. Si estás escuchando esto, es porque, como yo, sientes esa atracción extraña por lo prohibido, lo siniestro, lo que la sociedad prefiere esconder bajo la alfombra. Así que cierra la puerta, baja las luces y prepárate, porque esta noche cruzamos juntos el umbral hacia el mundo de las sectas.

RITUAL DE MEDIA NOCHE

El podcast de Jesus Rivero

El podcast de Dixon Castañeda

Malice mizer

Cyber Socratic explores the intersection of science, computer science, quantum computing, and philosophy, blending cutting-edge research with timeless questions. In each episode, we dive into the philosophical implications of emerging technologies and the mysteries of the universe, guided by the Socratic method. Join us as we unravel the fundamental ideas shaping our digital age and the future of human understanding. Tune in for deep conversations that challenge conventional thinking and spark intellectual curiosity.

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The Socratic Embers

El podcast de Lexis Lixai Rodriguez Reye

Philosophie aus der Sicht junger Menschen - darum geht es in "Live aus dem Elfenbeinturm", einem Podcast der jungen Deutschen Gesellschaft für Philosophie.

Live aus dem Elfenbeinturm - Philosophie für alle

Eva Nuart

Welcome to Non-Profit Prophets! This podcast is devoted to highlighting the people and practices behind the most meaningful nonprofit work being done today. In a world full of reasons to lose hope, there are people working tirelessly to make the world better in their own way. Through the awe-inspiring stories of non-profit leaders featured in this podcast, come and learn how to do impactful work in your own life. You can keep the conversation going by sending feedback, comments, and questions to nonprofitpod@gmail.com. Currently paused while at Stanford Law!

Non-Profit Prophets with Emmanuel Daudu

La presente trasmissione radiofonica in ricordo di Marc Blitzstein nacque dal programma di ICAMus Pagine di musica americana (convegno, seminari, concerti), che nel 2005 curai per l’Università di Firenze, e particolarmente dal mio seminario Marc Blitzstein a 100 anni. Musica e controversie ideologiche negli Stati Uniti del Novecento. Ricorreva quell’anno il centenario della nascita di Marc Blitzstein (1905-1964) e la ricorrenza porse l’occasione per dedicarsi alla riscoperta di un compositore americano di grande originalità.

Fanciullo prodigio di famiglia agiata, durante gli anni Venti Blitzstein studiò a Parigi con Nadia Boulanger e a Berlino con Arnold Schönberg, per poi convertirsi al comunismo nel contesto statunitense di esaltazione idealizzante delle Masse negli Anni Trenta, allorché fu profondamente influenzato dal teatro musicale di Bertolt Brecht e Kurt Weill; si dedicò all’opera politicamente impegnata e fu legato a Orson Welles e Leonard Bernstein; venne indagato per sospetto “antiamericanismo”; tendeva a vivere pericolosamente i propri legami personali e morì di morte violenta nei Caraibi. La sua esperienza biografica e artistica accolse in sé numerosi contrasti, con sorprendenti risultati compositivi.

In Blitzstein, le scelte musicali non furono mai separabili dai contenuti ideali e ideologici; e nella sua vita spiritualmente avventurosa, alla varietà di ideologie è corrisposta una varietà di stili. È vero infatti che la produzione precedente alla fase di politicizzazione non ha quella omogeneità e quella convergenza di intenti che la sua musica raggiunse successivamente, a cominciare dall’opera (play in music) The cradle will rock (1937), su libretto, versi e musica dello stesso Blitzstein. Su un provocatorio tema politicamente e socialmente impegnato, ispirata al modello di Brecht e Weill, The cradle will rock riuscì a portare sulla scena musicale statunitense situazioni allora attuali e un distintivo idioma americano senza precedenti.

Artisticamente, Marc Blitzstein era capace di audaci gesti di contestazione. Nel 1937, in occasione del debutto di The cradle will rock a Broadway, dato il soggetto controverso e l’impiego politicizzato della musica, venne negata alla produzione la sede concordata. Senza indugio, Blitzstein sostenne allora da solo, in mancanza di un’orchestra, tutte le parti strumentali su un vecchio pianoforte verticale posto al centro del palcoscenico, assumendo inoltre il ruolo di narratore del complicato intreccio. Esistono filmati e registrazioni di questo evento memorabile e il loro potere di trascinare è ancora molto grande.

Alla critica sociale, in Blitzstein si accompagna tuttavia un altrettanto ardente spirito patriotico. Airborne Symphony (Symphony: “The Airborne”, 1943-1944) è un ampio lavoro sinfonico-corale, a denuncia di tutte le guerre eppur dedicato alla celebrazione del volo umano non disgiunta da una profetica individuazione dei pericoli insiti nell’esplorazione dei cieli. Airborne Symphony richiederebbe oggi il coraggio di eseguirla, scoprendola non datata, spoglia di retorica. Alcune sezioni (Ballad of the cities, sul tema delle città ferite, e The open sky, con Gloria e suono di campane) hanno una connotazione di Oratorio, addirittura di Passione. Airborne Symphony esprime in ogni sua parte l’anelito alla libertà.

Ma l’anelito alla libertà era sentimento contrastato, nella prima metà del Novecento, per Blitzstein artista americano ebreo, comunista e gay, che metteva in palcoscenico interpreti afroamericani, per lui che aveva attraversato la Depressione, le lotte sindacali, lo scarso successo, la guerra, il McCarthyismo, che morì di morte violenta e gratuita e sarebbe rimasto una figura di compositore troppo scarsamente conosciuta. Sono dunque grata a Rete Toscana Classica per l’invito a riproporre e rendere accessibile la trasmissione a distanza di vent’anni, sentendomi fiduciosa che il pubblico di oggi, e particolarmente gli ascoltatori più giovani, scoprano

La presente trasmissione radiofonica in ricordo di Marc Blitzstein nacque dal programma di ICAMus Pagine di musica americana (convegno, seminari, concerti), che nel 2005 curai per l’Università di Firenze, e particolarmente dal mio seminario Marc Blitzstein a 100 anni. Musica e controversie ideologiche negli Stati Uniti del Novecento. Ricorreva quell’anno il centenario della nascita di Marc Blitzstein (1905-1964) e la ricorrenza porse l’occasione per dedicarsi alla riscoperta di un compositore americano di grande originalità. Fanciullo prodigio di famiglia agiata, durante gli anni Venti Blitzstein studiò a Parigi con Nadia Boulanger e a Berlino con Arnold Schönberg, per poi convertirsi al comunismo nel contesto statunitense di esaltazione idealizzante delle Masse negli Anni Trenta, allorché fu profondamente influenzato dal teatro musicale di Bertolt Brecht e Kurt Weill; si dedicò all’opera politicamente impegnata e fu legato a Orson Welles e Leonard Bernstein; venne indagato per sospetto “antiamericanismo”; tendeva a vivere pericolosamente i propri legami personali e morì di morte violenta nei Caraibi. La sua esperienza biografica e artistica accolse in sé numerosi contrasti, con sorprendenti risultati compositivi. In Blitzstein, le scelte musicali non furono mai separabili dai contenuti ideali e ideologici; e nella sua vita spiritualmente avventurosa, alla varietà di ideologie è corrisposta una varietà di stili. È vero infatti che la produzione precedente alla fase di politicizzazione non ha quella omogeneità e quella convergenza di intenti che la sua musica raggiunse successivamente, a cominciare dall’opera (play in music) The cradle will rock (1937), su libretto, versi e musica dello stesso Blitzstein. Su un provocatorio tema politicamente e socialmente impegnato, ispirata al modello di Brecht e Weill, The cradle will rock riuscì a portare sulla scena musicale statunitense situazioni allora attuali e un distintivo idioma americano senza precedenti. Artisticamente, Marc Blitzstein era capace di audaci gesti di contestazione. Nel 1937, in occasione del debutto di The cradle will rock a Broadway, dato il soggetto controverso e l’impiego politicizzato della musica, venne negata alla produzione la sede concordata. Senza indugio, Blitzstein sostenne allora da solo, in mancanza di un’orchestra, tutte le parti strumentali su un vecchio pianoforte verticale posto al centro del palcoscenico, assumendo inoltre il ruolo di narratore del complicato intreccio. Esistono filmati e registrazioni di questo evento memorabile e il loro potere di trascinare è ancora molto grande. Alla critica sociale, in Blitzstein si accompagna tuttavia un altrettanto ardente spirito patriotico. Airborne Symphony (Symphony: “The Airborne”, 1943-1944) è un ampio lavoro sinfonico-corale, a denuncia di tutte le guerre eppur dedicato alla celebrazione del volo umano non disgiunta da una profetica individuazione dei pericoli insiti nell’esplorazione dei cieli. Airborne Symphony richiederebbe oggi il coraggio di eseguirla, scoprendola non datata, spoglia di retorica. Alcune sezioni (Ballad of the cities, sul tema delle città ferite, e The open sky, con Gloria e suono di campane) hanno una connotazione di Oratorio, addirittura di Passione. Airborne Symphony esprime in ogni sua parte l’anelito alla libertà. Ma l’anelito alla libertà era sentimento contrastato, nella prima metà del Novecento, per Blitzstein artista americano ebreo, comunista e gay, che metteva in palcoscenico interpreti afroamericani, per lui che aveva attraversato la Depressione, le lotte sindacali, lo scarso successo, la guerra, il McCarthyismo, che morì di morte violenta e gratuita e sarebbe rimasto una figura di compositore troppo scarsamente conosciuta. Sono dunque grata a Rete Toscana Classica per l’invito a riproporre e rendere accessibile la trasmissione a distanza di vent’anni, sentendomi fiduciosa che il pubblico di oggi, e particolarmente gli ascoltatori più giovani, scoprano

Ricordo di Marc Blitzstein

Il compositore americano George Gershwin (1898-1937) ha sempre goduto di grande notorietà presso il pubblico, dagli anni in cui ancor giovanissimo produsse le prime canzoni presto entrate a far parte degli spettacoli di Broadway, e dal debutto dei suoi lavori in sala da concerto (Rhapsody in Blue esordì a New York, con Gershwin al pianoforte, nel febbraio del 1924). Tuttavia la fruizione della sua musica, soprattutto successivamente alla sua morte, è sempre avvenuta per fasce separate: classico o leggero, o jazz, opera o commedia musicale, canzoni. Gershwin praticò generi musicali tradizionalmente ritenuti divisi, persino in contrapposizione tra di loro. L’interpretazione e la programmazione della sua musica sono state pesantemente influenzate dalla spaccatura del giudizio critico all’origine del fraintendimento.

Porgy and Bess, l’opera gershwiniana a soggetto afroamericano, andò in scena in prima esecuzione a New York, Alvin Theater, il 10 ottobre 1935. A quale genere Porgy and Bess appartenga e quale stile interpretativo sia necessario adottare nell’affrontarla, sono quesiti che hanno da allora diviso la critica, il pubblico, gli esecutori, gli organizzatori musicali, la vita teatrale. Porgy and Bess, dall’autore definita “folk-opera”, accoglie infatti in sé l’eredità operistica della tradizione, cui guarda con grande rispetto nel desiderio di porsi entro la sua sfera d’influenza e nella sua linea di continuità; ma con altrettanta naturalezza, forza e originalità si apre ad apporti provenienti da linguaggi specificamente americani e dal teatro d’intrattenimento, sempre drammaturgicamente motivati.

Le trasmissioni su Gershwin e Porgy and Bess da me curate per Rete Toscana Classica situano il compositore nel contesto delle tendenze musicali della sua epoca, attraverso l’ascolto di registrazioni storiche dello stesso Gershwin e dei suoi contemporanei. Tra i contenuti principali del programma, vengono presentati documenti sonori degli anni 1919-1937, grazie ai quali possiamo conoscere George Gershwin come pianista, direttore d’orchestra dal pianoforte e dal podio, interprete delle sue composizioni e – ulteriore aspetto di estremo interesse – improvvisatore sulle sue stesse melodie.

L’esplorazione del pianismo gershwiniano ci conduce alla conoscenza del Song-Book del 1932, un’opera scaturita dal “laboratorio” strumentale del compositore: la raccolta comprende diciotto sue canzoni di successo scritte tra il 1919 e il 1931, pubblicate nella versione per canto e pianoforte, cui segue un arrangiamento virtuosistico per pianoforte solo, risultato dell’incessante frequentazione creativa delle sue canzoni che Gershwin praticava al pianoforte. La versione pianistica stampata dei Songs è in realtà una sintesi, o una selezione, della grande quantità di idee fiorite dalle memorabili melodie. Altre fonti (rulli di pianola e registrazioni d’archivio) testimoniano infatti dell’esistenza di tanta altra musica a tutti gli effetti “composta”, seppure non scritta.

Le trasmissioni sono illuminate da letture di scritti dello stesso Gershwin, nella versione italiana di Aloma Bardi, consegnate alla voce recitante di Ivano Bini. Gli articoli presentati, avvincenti e di forte impatto all’epoca della loro pubblicazione, non sono stati mai più riscoperti e studiati negli Stati Uniti. Ciascuno di tali scritti costituisce un caso significativo di consapevolezza d’autore.
Quasi vent’anni sono trascorsi da quando Rete Toscana Classica mi propose di curare questo ciclo di trasmissioni dedicate a Gershwin. Porgy and Bess, che le trasmissioni del 2005 onorarono nel settantesimo anniversario dal debutto a Broadway, resta ancor oggi sorprendentemente inedita. Per studiare la versione originale integrale orchestrata da Gershwin, dobbiamo infatti ancora recarci a Washington e immergerci negli stupefacenti manoscritti gershwiniani della Library of Congress Music Division. Alla prospettiva di una comprensione organica e storicamente informata di Gershwin

Il compositore americano George Gershwin (1898-1937) ha sempre goduto di grande notorietà presso il pubblico, dagli anni in cui ancor giovanissimo produsse le prime canzoni presto entrate a far parte degli spettacoli di Broadway, e dal debutto dei suoi lavori in sala da concerto (Rhapsody in Blue esordì a New York, con Gershwin al pianoforte, nel febbraio del 1924). Tuttavia la fruizione della sua musica, soprattutto successivamente alla sua morte, è sempre avvenuta per fasce separate: classico o leggero, o jazz, opera o commedia musicale, canzoni. Gershwin praticò generi musicali tradizionalmente ritenuti divisi, persino in contrapposizione tra di loro. L’interpretazione e la programmazione della sua musica sono state pesantemente influenzate dalla spaccatura del giudizio critico all’origine del fraintendimento. Porgy and Bess, l’opera gershwiniana a soggetto afroamericano, andò in scena in prima esecuzione a New York, Alvin Theater, il 10 ottobre 1935. A quale genere Porgy and Bess appartenga e quale stile interpretativo sia necessario adottare nell’affrontarla, sono quesiti che hanno da allora diviso la critica, il pubblico, gli esecutori, gli organizzatori musicali, la vita teatrale. Porgy and Bess, dall’autore definita “folk-opera”, accoglie infatti in sé l’eredità operistica della tradizione, cui guarda con grande rispetto nel desiderio di porsi entro la sua sfera d’influenza e nella sua linea di continuità; ma con altrettanta naturalezza, forza e originalità si apre ad apporti provenienti da linguaggi specificamente americani e dal teatro d’intrattenimento, sempre drammaturgicamente motivati. Le trasmissioni su Gershwin e Porgy and Bess da me curate per Rete Toscana Classica situano il compositore nel contesto delle tendenze musicali della sua epoca, attraverso l’ascolto di registrazioni storiche dello stesso Gershwin e dei suoi contemporanei. Tra i contenuti principali del programma, vengono presentati documenti sonori degli anni 1919-1937, grazie ai quali possiamo conoscere George Gershwin come pianista, direttore d’orchestra dal pianoforte e dal podio, interprete delle sue composizioni e – ulteriore aspetto di estremo interesse – improvvisatore sulle sue stesse melodie. L’esplorazione del pianismo gershwiniano ci conduce alla conoscenza del Song-Book del 1932, un’opera scaturita dal “laboratorio” strumentale del compositore: la raccolta comprende diciotto sue canzoni di successo scritte tra il 1919 e il 1931, pubblicate nella versione per canto e pianoforte, cui segue un arrangiamento virtuosistico per pianoforte solo, risultato dell’incessante frequentazione creativa delle sue canzoni che Gershwin praticava al pianoforte. La versione pianistica stampata dei Songs è in realtà una sintesi, o una selezione, della grande quantità di idee fiorite dalle memorabili melodie. Altre fonti (rulli di pianola e registrazioni d’archivio) testimoniano infatti dell’esistenza di tanta altra musica a tutti gli effetti “composta”, seppure non scritta. Le trasmissioni sono illuminate da letture di scritti dello stesso Gershwin, nella versione italiana di Aloma Bardi, consegnate alla voce recitante di Ivano Bini. Gli articoli presentati, avvincenti e di forte impatto all’epoca della loro pubblicazione, non sono stati mai più riscoperti e studiati negli Stati Uniti. Ciascuno di tali scritti costituisce un caso significativo di consapevolezza d’autore. Quasi vent’anni sono trascorsi da quando Rete Toscana Classica mi propose di curare questo ciclo di trasmissioni dedicate a Gershwin. Porgy and Bess, che le trasmissioni del 2005 onorarono nel settantesimo anniversario dal debutto a Broadway, resta ancor oggi sorprendentemente inedita. Per studiare la versione originale integrale orchestrata da Gershwin, dobbiamo infatti ancora recarci a Washington e immergerci negli stupefacenti manoscritti gershwiniani della Library of Congress Music Division. Alla prospettiva di una comprensione organica e storicamente informata di Gershwin

Gershwin: Porgy and Bess e il Song-Book del 1932

Il presente programma fece parte nel 2004 delle manifestazioni universitarie di ICAMus a Firenze (un seminario e due concerti) dal titolo Solitudini creative, a cura di Aloma Bardi, dedicate a una stagione speciale, il Romanticismo americano, nelle sue potenti implicazioni musicali studiate attraverso il movimento filosofico e letterario del Trascendentalismo e la poesia di Emily Dickinson.

Il tema delle “Solitudini creative” riassume in sé valori centrali alla cultura e al pensiero nordamericani, dal rapporto con la natura alla libertà delle forme espressive, dalla protesta sociale alla visione ultraterrena. Numerose e diversificate sono le sembianze che assume. Per la poesia di Emily Dickinson i compositori di liriche d’arte hanno costantemente mostrato predilezione, come pure per i testi di Walt Whitman. Questi due mondi poetici generano un repertorio musicale in crescita incessante; ICAMus nel corso degli anni ha dedicato varie iniziative ai due poeti e alle composizioni musicali sui loro versi.

Emily Dickinson (1830-1886), con le sue enigmatiche poesie dal linguaggio vertiginosamente simbolico, permane nel tempo come un culmine di attrazione per i compositori, indipendente dalle tendenze musicali e culturali, capace di riaffermare ogni volta la sua inquietante modernità. Sin dagli anni Sessanta dell’Ottocento, la poetessa aveva condotto alle estreme conseguenze la sperimentazione di uno stile innovativo che sa evocare spazi immensi e abissali entro i confini di un ambiente vitale intimo, persino minimo. Nei suoi versi, la presenza musicale assume un ruolo centrale: da un lato la poetessa amava e praticava con competenza la musica, dall’altro lato la sua poesia contiene migliaia di riferimenti e immagini musicali, oltre ad una intrinseca complessa musicalità nel metro e nel fraseggio.

I compositori, soprattutto ma non soltanto statunitensi, attraverso le generazioni hanno echeggiato ed espanso la musica presente nel verso dickinsoniano. Già nel 1894, soltanto otto anni dopo la morte della poetessa e quattro anni dopo la pubblicazione di una prima raccolta di sue poesie, la compositrice Willetta “Etta” Parker eseguì in concerto il proprio song Have You Got a Brook in Your Little Heart? sui versi di Emily Dickinson. Da allora e sino ai giorni nostri, compositori e compositrici hanno trovato nella poesia dickinsoniana inesauribile illuminazione per scrivere migliaia di adattamenti musicali, dall’ambito altamente artistico al pregevole artigianato, sino alla musica “domestica” e amatoriale.

La scelta di questo programma include alcune delle presenze più significative tra i compositori americani contemporanei di liriche d’arte, introducendo il pubblico italiano ad un ambito musicale pressoché sconosciuto e ai nomi di Arthur Farwell, Ernst Bacon, Leo Smit e Lori Laitman – che sin dagli anni Venti del Novecento hanno sperimentato con sorprendente varietà stilistica la composizione di songs dickinsoniani in cicli e raccolte, tornando ripetutamente al verso della poetessa attraverso i decenni – per trovare un culmine stilistico nel ciclo di Aaron Copland, Twelve Poems of Emily Dickinson (1949-1950): individuando un universo di emozioni condivise, il compositore forgia un linguaggio musicale straordinariamente toccante, espressione di profonda compenetrazione tra musica e testo poetico.

Il soprano Antonia Brown e il pianista Gregorio Nardi furono gli interpreti del concerto di ICAMus (Firenze, Accademia Bartolomeo Cristofori, 15 giugno 2004) il cui programma comprendeva numerose prime esecuzioni in Europa. Le trasmissioni includono registrazioni dal vivo da quel concerto affiancate a due incisioni storiche: il soprano Helen Boatwright con il pianista John Kirkpatrick nella selezione dei songs di Bacon in una registrazione del 1964, e il soprano Adele Addison nel ciclo di Copland, accompagnata dal compositore al pianoforte, ancora in una registrazione degli anni Sessanta.

Il Centro di Documentazione sulla Musica Am

Il presente programma fece parte nel 2004 delle manifestazioni universitarie di ICAMus a Firenze (un seminario e due concerti) dal titolo Solitudini creative, a cura di Aloma Bardi, dedicate a una stagione speciale, il Romanticismo americano, nelle sue potenti implicazioni musicali studiate attraverso il movimento filosofico e letterario del Trascendentalismo e la poesia di Emily Dickinson. Il tema delle “Solitudini creative” riassume in sé valori centrali alla cultura e al pensiero nordamericani, dal rapporto con la natura alla libertà delle forme espressive, dalla protesta sociale alla visione ultraterrena. Numerose e diversificate sono le sembianze che assume. Per la poesia di Emily Dickinson i compositori di liriche d’arte hanno costantemente mostrato predilezione, come pure per i testi di Walt Whitman. Questi due mondi poetici generano un repertorio musicale in crescita incessante; ICAMus nel corso degli anni ha dedicato varie iniziative ai due poeti e alle composizioni musicali sui loro versi. Emily Dickinson (1830-1886), con le sue enigmatiche poesie dal linguaggio vertiginosamente simbolico, permane nel tempo come un culmine di attrazione per i compositori, indipendente dalle tendenze musicali e culturali, capace di riaffermare ogni volta la sua inquietante modernità. Sin dagli anni Sessanta dell’Ottocento, la poetessa aveva condotto alle estreme conseguenze la sperimentazione di uno stile innovativo che sa evocare spazi immensi e abissali entro i confini di un ambiente vitale intimo, persino minimo. Nei suoi versi, la presenza musicale assume un ruolo centrale: da un lato la poetessa amava e praticava con competenza la musica, dall’altro lato la sua poesia contiene migliaia di riferimenti e immagini musicali, oltre ad una intrinseca complessa musicalità nel metro e nel fraseggio. I compositori, soprattutto ma non soltanto statunitensi, attraverso le generazioni hanno echeggiato ed espanso la musica presente nel verso dickinsoniano. Già nel 1894, soltanto otto anni dopo la morte della poetessa e quattro anni dopo la pubblicazione di una prima raccolta di sue poesie, la compositrice Willetta “Etta” Parker eseguì in concerto il proprio song Have You Got a Brook in Your Little Heart? sui versi di Emily Dickinson. Da allora e sino ai giorni nostri, compositori e compositrici hanno trovato nella poesia dickinsoniana inesauribile illuminazione per scrivere migliaia di adattamenti musicali, dall’ambito altamente artistico al pregevole artigianato, sino alla musica “domestica” e amatoriale. La scelta di questo programma include alcune delle presenze più significative tra i compositori americani contemporanei di liriche d’arte, introducendo il pubblico italiano ad un ambito musicale pressoché sconosciuto e ai nomi di Arthur Farwell, Ernst Bacon, Leo Smit e Lori Laitman – che sin dagli anni Venti del Novecento hanno sperimentato con sorprendente varietà stilistica la composizione di songs dickinsoniani in cicli e raccolte, tornando ripetutamente al verso della poetessa attraverso i decenni – per trovare un culmine stilistico nel ciclo di Aaron Copland, Twelve Poems of Emily Dickinson (1949-1950): individuando un universo di emozioni condivise, il compositore forgia un linguaggio musicale straordinariamente toccante, espressione di profonda compenetrazione tra musica e testo poetico. Il soprano Antonia Brown e il pianista Gregorio Nardi furono gli interpreti del concerto di ICAMus (Firenze, Accademia Bartolomeo Cristofori, 15 giugno 2004) il cui programma comprendeva numerose prime esecuzioni in Europa. Le trasmissioni includono registrazioni dal vivo da quel concerto affiancate a due incisioni storiche: il soprano Helen Boatwright con il pianista John Kirkpatrick nella selezione dei songs di Bacon in una registrazione del 1964, e il soprano Adele Addison nel ciclo di Copland, accompagnata dal compositore al pianoforte, ancora in una registrazione degli anni Sessanta. Il Centro di Documentazione sulla Musica Am

Il presente programma fece parte nel 2004 delle manifestazioni universitarie di ICAMus a Firenze (un seminario e due concerti) dal titolo Solitudini creative, a cura di Aloma Bardi, dedicate a una stagione speciale, il Romanticismo americano, nelle sue potenti implicazioni musicali studiate attraverso il movimento filosofico e letterario del Trascendentalismo e la poesia di Emily Dickinson.

Il tema delle “Solitudini creative” riassume in sé valori centrali alla cultura e al pensiero nordamericani, dal rapporto con la natura alla libertà delle forme espressive, dalla protesta sociale alla visione ultraterrena. Numerose e diversificate sono le sembianze che assume. Per la poesia di Emily Dickinson i compositori di liriche d’arte hanno costantemente mostrato predilezione, come pure per i testi di Walt Whitman. Questi due mondi poetici generano un repertorio musicale in crescita incessante; ICAMus nel corso degli anni ha dedicato varie iniziative ai due poeti e alle composizioni musicali sui loro versi.

Emily Dickinson (1830-1886), con le sue enigmatiche poesie dal linguaggio vertiginosamente simbolico, permane nel tempo come un culmine di attrazione per i compositori, indipendente dalle tendenze musicali e culturali, capace di riaffermare ogni volta la sua inquietante modernità. Sin dagli anni Sessanta dell’Ottocento, la poetessa aveva condotto alle estreme conseguenze la sperimentazione di uno stile innovativo che sa evocare spazi immensi e abissali entro i confini di un ambiente vitale intimo, persino minimo. Nei suoi versi, la presenza musicale assume un ruolo centrale: da un lato la poetessa amava e praticava con competenza la musica, dall’altro lato la sua poesia contiene migliaia di riferimenti e immagini musicali, oltre ad una intrinseca complessa musicalità nel metro e nel fraseggio.

I compositori, soprattutto ma non soltanto statunitensi, attraverso le generazioni hanno echeggiato ed espanso la musica presente nel verso dickinsoniano. Già nel 1894, soltanto otto anni dopo la morte della poetessa e quattro anni dopo la pubblicazione di una prima raccolta di sue poesie, la compositrice Willetta “Etta” Parker eseguì in concerto il proprio song Have You Got a Brook in Your Little Heart? sui versi di Emily Dickinson. Da allora e sino ai giorni nostri, compositori e compositrici hanno trovato nella poesia dickinsoniana inesauribile illuminazione per scrivere migliaia di adattamenti musicali, dall’ambito altamente artistico al pregevole artigianato, sino alla musica “domestica” e amatoriale.

La scelta di questo programma include alcune delle presenze più significative tra i compositori americani contemporanei di liriche d’arte, introducendo il pubblico italiano ad un ambito musicale pressoché sconosciuto e ai nomi di Arthur Farwell, Ernst Bacon, Leo Smit e Lori Laitman – che sin dagli anni Venti del Novecento hanno sperimentato con sorprendente varietà stilistica la composizione di songs dickinsoniani in cicli e raccolte, tornando ripetutamente al verso della poetessa attraverso i decenni – per trovare un culmine stilistico nel ciclo di Aaron Copland, Twelve Poems of Emily Dickinson&nbsp;(1949-1950): individuando un universo di emozioni condivise, il compositore forgia un linguaggio musicale straordinariamente toccante, espressione di profonda compenetrazione tra musica e testo poetico.

Il soprano Antonia Brown e il pianista Gregorio Nardi furono gli interpreti del concerto di ICAMus (Firenze, Accademia Bartolomeo Cristofori, 15 giugno 2004) il cui programma comprendeva numerose prime esecuzioni in Europa. Le trasmissioni includono registrazioni dal vivo da quel concerto affiancate a due incisioni storiche: il soprano Helen Boatwright con il pianista John Kirkpatrick nella selezione dei songs di Bacon in una registrazione del 1964, e il soprano Adele Addison nel ciclo di Copland, accompagnata dal compositore al pianoforte, ancora in una registrazione degli anni Sessanta.

Il Centro di Documentazione sulla Musica Am

La poesia di Emily Dickinson e la musica americana del Novecento

Podcast educativo

Per troppo tempo George Gershwin è stato considerato un compositore minore del ventesimo secolo: oggetto degli equivoci e dei pregiudizi più diversi - scrive canzoni quindi non sa comporre musica classica, non ha il senso della forma, non sa orchestrare ecc. -, solo in tempi recenti la sua figura si è conquistata il posto di primo piano che merita, grazie alla varietà della sua produzione e all’altissima qualità dell’ispirazione.
In un’epoca come la nostra che apprezza il meticciato musicale, Gershwin ci appare come un geniale precursore, il maestro che ha saputo fondere linguaggi diversi, in cui il jazz e Puccini, il blues e Rachmaninov, la canzone e la musica ebraica si fondono in uno stile profondamente statunitense.
In questo, l’influenza di Gershwin è stata più ampia e profonda di quanto si crede: sul jazz (l’armonia, in particolare), sul musical di Broadway, su Leonard Bernstein, sull’opera (Peter Grimes di Britten), sul cinema. Oggi la sua eredità è più viva e feconda che mai e per questo merita di essere ripercorsa nei suoi tanti aspetti.

Stefano Zenni

Foto: Carl Van Vechten (1880-1964), Ritratti fotografici di George Gershwin, 28 marzo 1937; The Library of Congress, Carl Van Vechten Photographs Collection.

Per troppo tempo George Gershwin è stato considerato un compositore minore del ventesimo secolo: oggetto degli equivoci e dei pregiudizi più diversi - scrive canzoni quindi non sa comporre musica classica, non ha il senso della forma, non sa orchestrare ecc. -, solo in tempi recenti la sua figura si è conquistata il posto di primo piano che merita, grazie alla varietà della sua produzione e all’altissima qualità dell’ispirazione. In un’epoca come la nostra che apprezza il meticciato musicale, Gershwin ci appare come un geniale precursore, il maestro che ha saputo fondere linguaggi diversi, in cui il jazz e Puccini, il blues e Rachmaninov, la canzone e la musica ebraica si fondono in uno stile profondamente statunitense. In questo, l’influenza di Gershwin è stata più ampia e profonda di quanto si crede: sul jazz (l’armonia, in particolare), sul musical di Broadway, su Leonard Bernstein, sull’opera (Peter Grimes di Britten), sul cinema. Oggi la sua eredità è più viva e feconda che mai e per questo merita di essere ripercorsa nei suoi tanti aspetti. Stefano Zenni Foto: Carl Van Vechten (1880-1964), Ritratti fotografici di George Gershwin, 28 marzo 1937; The Library of Congress, Carl Van Vechten Photographs Collection.

Per troppo tempo George Gershwin è stato considerato un compositore minore del ventesimo secolo: oggetto degli equivoci e dei pregiudizi più diversi - scrive canzoni quindi non sa comporre musica classica, non ha il senso della forma, non sa orchestrare ecc. -, solo in tempi recenti la sua figura si è conquistata il posto di primo piano che merita, grazie alla varietà della sua produzione e all’altissima qualità dell’ispirazione.
In un’epoca come la nostra che apprezza il meticciato musicale, Gershwin ci appare come un geniale precursore, il maestro che ha saputo fondere linguaggi diversi, in cui il jazz e Puccini, il blues e Rachmaninov, la canzone e la musica ebraica si fondono in uno stile profondamente statunitense.
In questo, l’influenza di Gershwin è stata più ampia e profonda di quanto si crede: sul jazz (l’armonia, in particolare), sul musical di Broadway, su Leonard Bernstein, sull’opera (Peter Grimes&nbsp;di Britten), sul cinema. Oggi la sua eredità è più viva e feconda che mai e per questo merita di essere ripercorsa nei suoi tanti aspetti.

Stefano Zenni

Foto: Carl Van Vechten (1880-1964), Ritratti fotografici di George Gershwin, 28 marzo 1937; The Library of Congress, Carl Van Vechten Photographs Collection.

Da George Gershwin al jazz e ritorno

Podcast Tagarelando - com Lucas Carvalho e Paloma AmaralToda sexta-feira tem episódio novo 🗣️🎬

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Tagarelando

Insights from players, creators &amp; insiders from across the Online Gaming Universe! We're talkin about video game Titles, Studios, as well as Online Culture and its impact on the Gaming Community! "Letz LEVEL Up 2gethr!"

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ZEROHOUR Podcast

Espacio de diálogo diseñado para acercar a la juventud al debate y actores de la coyuntura nacional boliviana.

Espacio de diálogo diseñado para acercar a la juventud al debate y actores de la coyuntura nacional boliviana.

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Presente Podcast

Discover the heart of Seattle's music scene with "Seattle's Sound, Then and Now" podcast. Join host Owen Wright, renowned lead guitarist of "My Sister's Machine" and "Mistrust," as he takes you on a nostalgic journey through the city's iconic musical legacy. In each episode, Owen sits down with influential musicians and artists who shaped Seattle's music scene. From Kim Virant, the unforgettable voice of "Lazy Susan" and her currently performing self-titled band, to Nick Pollock, former lead singer of "My Sister's Machine" and frontman of "The National Guard," and Tommy "Gunn" McMullin, the blazing guitarist from "Slaughter House 5" and "War Babies," hear untold stories and cherished memories. Immerse yourself in the authentic atmosphere of Seattle's music scene, where grunge was born. Experience the pulsating energy of the city's industrial streets as Owen and his guests share their enduring friendships and the impact of their craft. Tune in to "Seattle's Sound, Then and Now" and embark on a captivating journey through the legendary sound of Seattle. Let the stories and melodies transport you to an era that defined a musical generation.

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Seattle's Sound, Then and Now

Com convidados conceituados, Luiz Costa Junior traz no Minuto do Imóvel, novidades, investimentos e informações relevantes dentro do mercado imobiliário.

Minuto do Imóvel

Welcome to Simply The Monks Podcast. A Podcast about Marriage, Love and Spirituality. Hosted by Hoy and Jasmin Monk,&nbsp; who have been married 14 years and have 3 children With a 4th Baby on The Way. In each episode we tell inspiring stories, discus scenarios and hot topics, share experiences, share what has helped us, offer prayer and sometimes there will ne an interview or two. Don’t Miss out on these captivating scenarios&nbsp; and Key insights - follow Simply The Monks Podcast for inspiration on Next Level Marriage, Love and Spirituality.&nbsp;

Welcome to Simply The Monks Podcast. A Podcast about Marriage, Love and Spirituality. Hosted by Hoy and Jasmin Monk,  who have been married 14 years and have 3 children With a 4th Baby on The Way. In each episode we tell inspiring stories, discus scenarios and hot topics, share experiences, share what has helped us, offer prayer and sometimes there will ne an interview or two. Don’t Miss out on these captivating scenarios  and Key insights - follow Simply The Monks Podcast for inspiration on Next Level Marriage, Love and Spirituality. 

Simply The Monks

Willkommen bei 'Halts Maul'! Leg die Beine hoch und mach es dir gemütlich. Denn in diesem Podcast sprechen Alex &amp; Sarah über die Themen, die uns alle Aufregen und über Menschen, die einfach mal ihr Maul halten sollten. Dich erwarten spannende Themen, viel Gossip und interessante Gäste.

Willkommen bei 'Halts Maul'! Leg die Beine hoch und mach es dir gemütlich. Denn in diesem Podcast sprechen Alex & Sarah über die Themen, die uns alle Aufregen und über Menschen, die einfach mal ihr Maul halten sollten. Dich erwarten spannende Themen, viel Gossip und interessante Gäste.

Halts Maul

Let's Talk ICCPR Podcast is developed by the International Council of Cardiovascular Prevention and Rehabilitation (ICCPR) to explore and discuss key topics in cardiovascular prevention and rehabilitation. Featuring interviews with global experts, clinicians, researchers, and patient advocates, the podcast aims to foster knowledge-sharing across the cardiovascular care community, providing listeners with actionable strategies to enhance care quality and patient outcomes. Host:<a href="https://www.sydney.edu.au/medicine-health/about/our-people/academic-staff/dion.candelaria.html"> Dr Dion Candelaria</a> Music: <a href="https://www.keele.ac.uk/ahpp/ourpeople/johnbuckley/">Prof John Buckley</a> Subscribe to our monthly newsletter The Insider: <a href="https://globalcardiacrehab.us7.list-manage.com/subscribe?u=62d45f0e3e07c5108bcf07abe&amp;id=57965d607e">here</a> Follow us on our social media channels: X: <a href="https://x.com/ICCPR_GlobalCR">@ICCPR_GlobalCR</a> LinkedIn: <a href="https://www.linkedin.com/company/80863745/admin/page-posts/published/">International Council of Cardiovascular Prevention and Rehabilitation</a> Facebook: <a href="https://www.facebook.com/profile.php?id=100082990039061">International Council of Cardiovascular Prevention and Rehabilitation</a> Instagram: <a href="https://www.instagram.com/iccpr_crfc/">iccpr_crfc</a>

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An audio drama about Muslim contestants trying to get married. Full-cast. #thestruggleisworthit

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The Marriage Show

Siamo Tuttx, l'antifascisme quotidien, par et pour touxstes ! Chaque mois l'équipe cherche à saisir l’un des ressorts de la montée du fascisme décrits par Umberto Eco dans “Reconnaître le fascisme”, à la lumière de l’histoire comme de l’actualité.
Et comme le fascisme se combat sur le terrain, nous tendons notre micro toute l’année aux personnes qui agissent chaque jour pour créer des liens et des solidarités. Sans forcément se revendiquer de l'antifascisme, leurs actions participent à ce grand cri inclusif, de rage et d’espoir : “Nous sommes touxstes antifascistes !” 
Ça se passe sur Prun’ chaque premier samedi du mois de 12h à 13h. Alors lâche la déprime du journal télévisé pour venir te réchauffer avec nous auprès de ce feu de joie !

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Et comme le fascisme se combat sur le terrain, nous tendons notre micro toute l’année aux personnes qui agissent chaque jour pour créer des liens et des solidarités. Sans forcément se revendiquer de l'antifascisme, leurs actions participent à ce grand cri inclusif, de rage et d’espoir : “Nous sommes touxstes antifascistes !”&nbsp;
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A podcast where we share the unique stories experiences of interracial relationships and multi-racial people. We are story collectors.&nbsp;

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