Treffpunkt Klassik

Ein Ort des Überlebens

Das Camp de Gurs in der gleichnamigen französischen Ortschaft nördlich der Pyrenäen war kein Vernichtungslager, sondern ein Internierungslager. Die Lebensbedingungen waren trotzdem fatal: Die Inhaftierten litten unter Hunger, Kälte und Krankheiten, viele verstarben.

Flüchtlinge aus dem Spanischen Bürgerkrieg, Österreicher und Deutsche, die in Frankreich und den Benelux-Staaten Zuflucht suchten, wurden inhaftiert. Darüber hinaus wurden rund 7.500 Jüdinnen und Juden aus Baden, der Pfalz und dem Saarland gefangen gehalten.

Orchester, Chöre und Kabarett

Seit 2017 beschäftigt sich die deutsch-französische Musikerin Mélina Burlaud mit der Musikgeschichte im Lager Gurs. Eine Liste von über 160 Musikerinnen und Musikern hat sie bereits zusammengestellt und zahlreiche Zeugnisse des kulturellen Lebens wiederentdeckt – darunter 30 in Gurs entstandene Kompositionen sowie Programmhefte von Werken, die bei Kabarett- oder Kammermusikabenden dargeboten wurden.

Musikerinnen und Musiker schlossen sich zu Orchestern zusammen. Diese waren oft ungewöhnlich besetzt: Da nicht immer alle Instrumentalgruppen vertreten waren, wurden Partituren umgeschrieben und für die verfügbaren Instrumente arrangiert.

Auch das Singen war wesentlicher Bestandteil des musikalischen Alltags in Gefangenschaft. Während der Inhaftierung von Geflüchteten und Kämpfern des Spanischen Bürgerkriegs von 1939 bis 1940 standen insbesondere baskische Volkslieder auf dem Programm. Danach prägten deutsche Lieder das Leben in Gurs. Bei Liederabenden wurden unter anderem Franz Schuberts Winterreise, op. 89, und die Kindertotenlieder von Gustav Mahler aufgeführt.

Gegen das Vergessen

Für ihre Recherchen musste Burlaud weit über Frankreich hinaus suchen: Sie forschte in Archiven in Berlin, Wien, Karlsruhe, Freiburg und Straßburg, aber auch in Spanien und dem Baskenland. Manche Spuren führten sie bis nach New York. Erfolg hatte sie meist dort, wo die Künstlerinnen und Künstler geboren wurden oder lebten. Manchmal stieß sie auch durch Nachfahren ehemaliger Internierter auf bisher unbekannte Werke.

Vieles ist sehr ergreifend. Ich kann sagen, dass ich manchmal vor Dokumenten stand, wo mir wirklich die Tränen kamen. [...] Ansonsten gibt es auch Momente der Freude, wenn man Noten wiederentdeckt. Wenn man weiß, dass diese Stimmen von den Musikern wieder zum Leben erweckt werden.

Ziel ihrer Forschungen sei es, dass die Musik aus Gurs nicht in Vergessenheit gerät, erklärt Mélina Burlaud. Gerade jetzt, wo die letzten Zeitzeugen verschwinden, könne Musik als Medium der Erinnerung dienen. Sie übermittle vor allem die Botschaft von Frieden, Toleranz und Menschlichkeit.

Eine seelische Verwandtschaft

Die ukrainische Musik weckt in Daniel Hope Erinnerungen: Mehrfach besuchte der Geiger das Land, insbesondere die Stadt Odessa, und trat in den Konzertsälen auf. Besonders bewunderte er die Art und Weise, wie Musik dort aufgenommen, geteilt und zelebriert wurde. Nicht zuletzt studierte auch sein Lehrer Zakhar Bron in Odessa und pflegte eine enge Beziehung zur berühmten Musikerfamilie Oistrach.

Dadurch empfinde auch Hope eine Art seelische Verwandtschaft zu diesem Land, auch wenn er selbst nicht aus der Ukraine stammt. Dass Städte wie Odessa und weite Teile des Landes noch immer unter Beschuss stehen, sei für den 53-Jährigen herzzerreißend.

Hopes Herzensprojekt

Es ist Hopes drittes Album, das er ukrainischer Musik widmet. Das liege vor allem daran, dass diese Musik viel zu selten in den Konzertsälen oder auf Tonträgern zu hören sei. Bereits 2022 veröffentlichte er das Album „Silvestrov“ mit Werken des gleichnamigen ukrainischen Komponisten und lernte diesen auch persönlich kennen. Der andauernde Krieg verleihe seinem jetzigen Projekt eine zusätzliche Dringlichkeit.

Ein Album kann natürlich keinen Krieg beenden, aber es kann Musik hörbar machen, die Teil einer lebendigen Kultur ist.

Zuhören als Zeichen der Verbundenheit

Für Hope ist dieses Album eine Einladung zum Zuhören und zugleich ein klares Zeichen der Verbundenheit mit den Menschen in der Ukraine. Während der Aufnahmen stand allein die Musik im Mittelpunkt; die Konflikte in der Ukraine versuchten er und die beteiligten Musikerinnen und Musiker auszublenden. Dabei entstand ein spannender Kontrast: Selbst dort, wo die Musik versöhnlich klingt, schwingt doch eine gewisse Wehmut mit.

„Born in Ukraine“ mache Musik aus einem Gebiet und einer Kulturgeschichte hörbar, die sehr eigen, nachdenklich und emotional sei. Zu verdanken sei dies vor allem den drei jungen ukrainischen Pianisten Alina Pronina, Roman Fediurko und Vitalii Kyianytsia, die Hope auf seinem Album begleiten. Sie zeigen musikalisch, wie eng sie mit ihrer Heimat und Kultur verwurzelt sind.

Ich glaube, als Musiker, aber vor allem als Mensch, kann man nicht genug zuhören.

Die Zusammenarbeit mit den jungen Musikerinnen und Musikern hat Hope besonders inspiriert: Sie habe ihm gezeigt, dass man sich musikalisch auch etwas trauen dürfe. Am wichtigsten sei dabei, sich gegenseitig Gehör zu schenken.

Musik gegen die Einsamkeit

Barbara Heller wächst während des Zweiten Weltkriegs in einem kleinen Dorf im Odenwald auf. Ihre Eltern sind Restauratoren, Musik spielt zunächst keine Rolle. Der Alltag ist geprägt von Armut und Abschottung, es ist eine sehr einsame Kindheit. Dadurch wird für Barbara Heller das Klavier zum wichtigsten Gegenüber.

Ich war sehr einsam in meiner Kindheit, durch den Krieg auch. Da habe ich mich mit dem Klavier befreundet. Das hat mir einfach Spaß gemacht. Da drückt man drauf und da klingt etwas.

Der Weg zur professionellen Musikerin

Nach dem Krieg holt Barbara Heller die musikalische Ausbildung nach: Mit zwölf Jahren beginnt sie mit Klavierstunden, studiert später Musik in Mannheim und München, ist einige Jahre Klavierdozentin an der Musikhochschule Mannheim.

Auf Anraten ihrer Lehrer schlägt sie diesen beruflichen Weg überhaupt erst ein: Sie solle aus der Schule gehen, Pianistin werden. Sie sei so begabt, es brauche Nachwuchs nach dem Krieg.

Neuanfang in Darmstadt

Auf dem Klavier improvisiert sie auch immer wieder und schreibt Stücke für ihre Schülerinnen und Schüler. Als sie heiratet, endet für sie der Weg als Komponistin. Erst nach der Trennung von ihrem Mann bezeichnet sie sich selbst erstmals als Komponistin.

Heller zieht nach Darmstadt, wird Stipendiatin der Internationalen Ferienkurse für Neue Musik, taucht in die Avantgarde ein und beginnt, aus eigenen Improvisationen Kompositionen zu entwickeln.

Komponistin und Kämpferin

Parallel zu ihrer kompositorischen Arbeit entsteht ein zweites großes Feld: Heller wird zu einer Schlüsselfigur für die Wiederentdeckung von Komponistinnen. Ab Mitte der 1970er Jahre dokumentiert sie Vergessenes, hält Vorträge, ist Gründungsmitglied des internationalen Arbeitskreises „Frau und Musik“, arbeitet im Vorstand und übernimmt 1981 das heute hoch angesehene „Archiv Frau und Musik“ in Frankfurt.

Ich sage immer, ich bin eine Feministin. Ich bin Frauen gegenüber solidarisch.

Zwischen Noten und Natur

1989 beendet Barbara Heller ihre Tätigkeit als Konzertpianistin und konzentriert sich ganz auf das Komponieren. Es entstehen weitere Klavier- und Kammermusikwerke, Streichquartette und Lieder sowie Filmmusiken, Tonbandkompositionen und Klanginstallationen. Heute pendelt sie zwischen Darmstadt und ihrem Heimatdorf im Odenwald und sucht bewusst die Abgeschiedenheit der Natur.

Im Alter von 25 Jahren kam die griechische Komponistin und Dirigentin Konstantia Gourzi nach Deutschland. Sie ist hiergeblieben, heute ist sie Professorin für Ensembleleitung und Neue Musik an der Musikhochschule in München. Nun erscheint beim Label Neos ein Album mit drei Orchesterwerken. Die Aufnahmen stammen zwar von drei unterschiedlichen Orchestern, zeichnen aber gerade deshalb ein so schillerndes Bild der Komponistin.

Eine Kindheit am Klavier

Seine musikalische Prägung begann früh: Ortheils Mutter gab ihm Klavierunterricht. Mozart gehörte schon als Kind zu seinen musikalischen Begleitern. Später entdeckte er die Klaviermusik des 19. Jahrhunderts für sich.

Besonders angetan hatte es ihm Robert Schumanns Album für die Jugend, op. 68, sowie die Kinderszenen, op. 15. Die vergleichsweise einfachen Stücke konnte er schon früh spielen. Bis heute greift er darauf zurück.

Scarlatti statt Stille

Auch beim Schreiben darf Musik –früher wie heute – nicht fehlen. Ortheil lässt fast immer leise Klaviermusik im Hintergrund laufen. Am liebsten die Klaviersonaten von Domenico Scarlatti. Immerhin gibt es davon 555 – an musikalischem Nachschub dürfte es demnach nicht mangeln. Die Musik füllt den Raum für ihn so aus, als würde nebenan jemand Klavier spielen.

Dabei hört Ortheil beim Schreiben eigentlich die Musik des Textes. Sein Gespür für Klangstrukturen ist so ausgeprägt, dass er sie sogar beim Spazierengehen in der Natur wahrnimmt.

Schreiben im musikalischen Rhythmus

Auch in seinem im Oktober erschienenen Buch „Das Panorama des Schreibens“ spielt Musik eine wichtige Rolle. Ortheil gibt darin Einblicke in seine Arbeitsweise und sein persönliches Archiv. Darin finden sich auch seine sogenannten Chroniken: freie Aufzeichnungen, in denen er festhält, was ihm gerade durch den Kopf geht. Häufig sind diese mit einem Musikstück verbunden. Musik wird so zur Brücke zwischen seinen Texten.

Ich wäre eminent einsam, wenn ich die Musik nicht hätte.

Ein musikalischer Wunschzettel zum 75.

Wenn er drei Komponisten zu seinem Geburtstag einladen könnte, wäre die Auswahl klar: Robert Schumann würde am Kopfende des Tisches sitzen, schließlich ist er Ortheils erklärter Lieblingskomponist. Dazu kämen Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven.

Auch über den Geburtstag hinaus hat Ortheil musikalisch noch einiges vor: Er möchte mehr Veranstaltungen gestalten, in denen er Musik selbst einspielt, über diese spricht und mit eigenen Texten verbindet.

Die Meldung machte die Runde in der Kulturlandschaft: Der Ingolstädter Autobauer Audi streicht reihenweise Kulturförderung – nicht nur Sommer- und Weihnachtskonzerte und eine Jazzreihe, sondern auch die Unterstützung für die beachtliche Kammerphilharmonie Ingolstadt und für eine verdienstvolle Jugendchorakademie. Was bedeutet das für die Kultur – und was sagt das aus, nicht nur über die Sponsoren, sondern auch über den Stellenwert der Kultur?

Der Auftakt zu einer besonderen Zusammenarbeit

Sebastian Manz lernte Herbert Blomstedt 2015 kennen. Der Solo-Klarinettist des SWR Symphonieorchesters sollte auf Vorschlag des Orchestermanagers Carl Nielsens Klarinettenkonzert op. 57 mit dem Dirigenten aufführen. Blomstedt, der als ausgewiesener Nielsen-Experte gilt, war einverstanden.

Als Blomstedt zu singen begann

An die erste Begegnung erinnert sich Manz noch genau: Bei einer sogenannten Verständigungsprobe zwischen Dirigenten und Solisten trafen sich die beiden im Dirigentenzimmer. Blomstedt schlug die Noten auf, Manz packte sein Instrument aus. Dann begann der damals 88-Jährige zu dirigieren und zunächst mitzusingen. Gemeinsam spielten sie das Konzert ohne Orchester einmal komplett durch.

Manz war ziemlich nervös, obwohl er das anspruchsvolle Werk schon häufiger gespielt hatte. Doch Blomstedt ließ im viel Freiraum bei der Interpretation. Am Ende der Probe schaute der Dirigent zu ihm und sagte ganz unprätentiös: „Das machen Sie aber prima!“

Sein größter Anspruch: die Musik

Was den Klarinettisten an Blomstedt besonders beeindruckte, war dessen meisterhafte Balance aus Direktheit und Höflichkeit. Er habe klare Vorstellungen gehabt, ohne sich selbst in den Mittelpunkt zu rücken.

Er war uneitel, das hat er immer wieder betont. Er wollte niemandem etwas beweisen. Er war ganz im Element der Musik, der Musik dienend. Das fand ich wahnsinnig beeindruckend.

Ein Charakter voller Klarheit und Wärme

Blomstedts Energie und geistige Frische im hohen Alter bleiben Manz im Gedächtnis. Bei der Aufführung des Nielsen Klarinettenkonzerts sei Manz voller Vorfreude regelrecht auf die Bühne gestürmt und habe dabei völlig vergessen, dass der Dirigent noch hinterherkommen musste. Blomstedt holte ihn problemlos ein und freute sich über den Elan seines Solisten.

Als prägendste Erinnerung beschreibt Manz Blomstedts natürliche Autorität und Altersweisheit, verbunden mit einer menschlichen Wärme, durch die man sich in seiner Nähe stets wohlgefühlt habe.

Ein vielstimmiges Zusammenspiel

Der Auftrag erfordert ein hohes Maß an handwerklichem Können und Fingerspitzengefühl: Im Markusdom in Venedig soll nicht einfach eine neue Orgel entstehen. Geplant ist vielmehr eine ganze Orgelanlage mit vier Standorten in der Kirche. Hinzu kommt die Rekonstruktion eines historischen Instruments.

Um dieses Vorhaben umzusetzen, arbeiten die Orgelbauwerkstätten Klais und Zanin eng zusammen. Auch der Organist des Markusdoms, Alvise Mason, sowie eine Delegation von Organisten aus vier verschiedenen Ländern sind in das Projekt involviert.

Das ist ein sehr fruchtbarer, schöner Diskurs, der dann entstehen kann und das macht großen Spaß.

Ein doppeltes Orgelprojekt

Zum einen geht es um die Restaurierung und Rekonstruktion einer Orgel aus dem 18. Jahrhundert. Sie stammt aus der berühmten Orgelbaudynastie Callido. Die noch erhaltenen Teile des Instruments sollen dabei unverändert bleiben. Auf der gegenüberliegenden Seite wird die italienische Orgelbaufirma Zanin das fehlende Gegenstück nach historischem Vorbild rekonstruieren.

Daneben ist ein kompletter Neubau geplant: eine eigenständige Orgel, die sich auf vier Standorte im Markusdom verteilt. Diese wird unabhängig von der historischen Callido-Orgel funktionieren und auch über eine eigene Stimmtonhöhe und Temperierung verfügen.

Im Einklang mit der Architektur

Bei der Planung spielt auch die Akustik der Basilika St. Markus eine wichtige Rolle. Die zahlreichen Mosaike sorgen dafür, dass sich der Schall in verschiedene Richtungen verteilt, reflektiert wird und so ein einzigartiger Klang entsteht.

Der Markusdom hat, wie ich finde, eine ganz besondere, eigene Akustik. Ich glaube, das wird eine spannende, schöne Aufgabe.

Dabei gehe es vor allem darum, ein Instrument zu schaffen, das sich harmonisch in den Raum einfügt. Auch die italienische Sprache dient dabei als Inspiration für den Klang der Orgel.

Es geht nicht um irgendwelche Superlative, sondern darum, einen warmen, weichen, singenden, der italienischen Sprache angenäherten Klang in diesem wunderbaren Raum zu schaffen.

Diese Eigenschaften soll auch die neue Orgel zum Ausdruck bringen. Der respektvolle Umgang mit dem historischen Gebäude stehe dabei an erster Stelle.

Von Bonn nach Venedig

Die neue Orgel wird in der Bonner Werkstatt von Klais gefertigt. Das historische Gegenstück zur Callido-Orgel entsteht dagegen in der italienischen Werkstatt von Francesco Zanin. Anschließend werden die Instrumente nach Venedig transportiert und vor Ort montiert.

Bis 2028 soll das außergewöhnliche Projekt abgeschlossen sein. Dann werden die Orgeln erstmals in ihrer neuen Form im Markusdom erklingen.

Ihr Komponist ist weltberühmt: Giacomo Puccini. Aber seine Oper „La Rondine – die Schwalbe“ war allerdings bis vor wenigen Jahren ein Fall für den fortgeschrittenen Opernliebhaber. Denn mit La Bohème, Tosca oder Madama Butterfly kann sie nicht mithalten. Inzwischen flattert sie wieder öfter durch die Spielpläne, auch weil „La Rondine“ ein Leckerbissen für Sänger ist. Gespielt wird immer die erste Fassung, dabei hat Puccini an diesem Werk weiterkomponiert, wie an viel anderen auch. Doch es musste erst das bewährte Entdecker-Label Opera Rara kommen, um mit renommierten Sängern die von Puccini als definitiv angesehene „La Rondine“-Fassung von 1921 erstmals einzuspielen.

„Ich bin Australier und bringe vielleicht auch ein bisschen Leichtigkeit und Lockerheit mit ins Theater“, sagt Nicholas Carter. Er ist seit dieser Spielzeit neuer Generalmusikdirektor an der Staatsoper Stuttgart. Wie hat er seinen Einstand erlebt, und mit welchen Erwartungen geht er in seine erste Opern-Premiere am 8. November? Da wird er Schostakowitschs „Lady Macbeth“ dirigieren und verspricht „unglaublich bewegende Musik“.