Treffpunkt Klassik

Label mit politischer Einstellung

Starpianist Igor Levit hat ein eigenes Label, das „No Silence“ heißt, gegründet. Man könnte an John Cage und seinen Musiktext „Silence“ denken. Doch der Name meint anderes und bezieht sich auf den Überfall der Hamas auf Israel und eine darauf reagierende Veranstaltung im Berliner Ensemble „Gegen das Schweigen“.

Organisiert wurde sie von Levit und Michel Friedmann mit unter anderen der Holocaust-Überlebenden Margot Friedländer. Damit will das neue CD-Label eine politisch-historische Einstellung herausstellen. Levits Haltung ist natürlich respektabel.

Aber ein Platten-Label ist schnöde gesagt ein Instrument des Marktkapitalismus, Musik unter die Leute zu bringen und zu verkaufen. Das sieht auch Levit so, möchte er doch mit seinem Label „besonderen Künstlerinnen und Künstlern die Chance geben, sich am Markt zu etablieren“, wie er sagt.

19,99€ für die Haltung des guten Gewissens

Nun machen das andere Label wie Sony Music auch, bei dem Levit Exklusivkünstler ist. Allerdings wird keine außer-, neben- oder übermusikalische Haltung mit dem Labelname transportiert. Wir kaufen mit „No Silence“ also nicht nur die wirklich sehr schönen Interpretationen von Schubert und Liszt des Pianisten Lukas Sternath, Schüler und Freund Levits, sondern auch eine Haltung des guten Gewissens und künstlerischer Moral.

Was hat aber Schuberts kreatives Verzweifeln am großen Konzertformat seiner „Wanderer-Fantasie“ und Liszts leidenschaftliche Klanglektüre der Petrarca- und Dante-Dichtungen, mit dem 7. Oktober, mit Anti-Antisemitismus und Widerstand zu tun?

Widerstands-Botschaften werden vereinfacht

Präzisiert wird das mit einer weiteren CD. Sie heißt umstandslos „Igor Levit Resistance“. Darauf Liszts Klavier-Transkription von Beethovens gegen die napoleonische Diktatur gerichteter „Eroica“, kombiniert mit Arnold Schönbergs jüdisch-antifaschistischer, im amerikanischen Exil entstandener „Ode an Napoleon“.

Das klingt zunächst einleuchtend, die beiden Bekenntniskomponisten zu vereinen, und Levit ist da ja nicht der erste. Aber was bei anderen als Dialektik der deutsch-österreichischen Musik und ihrer Verwerfungen gedacht war, wird unter der von Levit geführten „Resistance“-Fahne der CD zur Widerstands-Botschaft vereinfachend vereinheitlicht.

Als Widerstandskämpfer hätten sich weder Beethoven noch Schönberg verstanden. Als politische Bewusstmacher schon. Aber es sind eben verschiedene Bewusstseine.

Politisierung der Ästhetik

„No Silence“ verkauft Musik und deren Interpretation in einer von Igor Levit bestimmten Korrektheit, bei gleichzeitiger Politisierung der Ästhetik und Ästhetisierung der Politik. Dabei ist ihm wichtig zu sagen, was es heißt, als Künstler frei zu sein. Kunstfreiheit meint aber eine radikal ausgelebte Freiheit als künstlerische Utopie jenseits der gesellschafts-politischen Zwänge.

Von sich fortschrittlich dünkenden Kräften der politischen Linken und Rechten wurde das als Elfenbeinturm diskreditiert. Gerade Schönberg war lange Zeit ein Bewohner dieses Elfenbeinturms. Was aus der Politisierung der Ästhetik und Ästhetisierung der Politik im nicht so ganz fernen 20. Jahrhundert geworden ist, das können wir uns im historischen Rückblick auf Ost und West anschauen.

Das ist auch eine Wahrheit der Kunst, die „No Silence“ aber nicht wirklich im Blick hat.

Wer gewinnt?

Wer zieht nun den merkantilen Gewinn aus der Label-Strategie von „No Silence“? Doch Sony Music oder Igor Levit, die Künstlerinnen und Künstler des Labels oder Organisationen, die der Haltung des Labels nahestehen? Im Kleingedruckten kann man lesen: „Sony Music Entertainment under License from No Silence Records GmbH & Co. KG“.

Die aufklärerisch kritische Frage wird Igor Levit im Marketinginterview auf der Onlineseite von „No Silence“ erst gar nicht gestellt. Und gestellt haben sie auch nicht die meisten Medienberichterstatter der spektakulären Botschaft: Starpianist Igor Levit hat ein eigenes Label gegründet.

„Der pure Gesang“

Bei Bertrand Chamayou klingt Mendelssohns Lied ohne Worte C-Dur op. 102 Nr. 6 wie ein Hymnus oder ein feierlicher Choral. Doch er spielt es auf dem Klavier, und gestaltet dabei die Verzweigungen der Stimmen und die Gewichtung der Akkorde ganz aus den Möglichkeiten des Instruments heraus.

Seine Interpretation ist der pure Gesang. Chamayou folgt nämlich dem natürlichen Fluss des Atems: Er bringt subtile Steigerungen, die er aber gleich darauf wieder in den dynamischen Halbschatten zurücknimmt. Dieser raffinierte Wechsel von Spannung und Entspannung ist ein Gütesiegel der Aufnahme.

Virtuose Geschwindigkeit

Natürlich kann Bertrand Chamayou aber auch virtuos auftrumpfen. Wie im populären „Spinnerlied“. Bei ihm besitzt sie ein flottes Tempo, doch Chamayou macht daraus keinen Hummelflug, er berauscht sich nicht daran. Mit hintergründigem Humor lässt er das rastlos rotierende Spinnrad ganz realitätsnah klappern und die Mechanik auch mal leicht stocken.

Hier wird nichts nach Art einer Klavieretüde abgespult, aber auch nichts pittoresk verharmlost. Bei Chamayou gewinnt die fortlaufende Bewegung sogar obsessive Züge, sie bekommt etwas Gehetztes und Getriebenes. Wodurch dieses „Spinnerlied“ fast einen Doppelsinn erhält, jedenfalls zu einem Psychogramm gerät.

Eine Einladung zum Stöbern

Bertrand Chamayou hat die „Lieder ohne Worte“ mit einem Tagebuch verglichen. Oder mit einer Truhe, die alte Familienfotos, Briefe, Erinnerungen aufbewahrt. Und da sind dann die unterschiedlichsten Fundstücke dabei.

Er lädt ein, mit ihm zu stöbern und den alten Geheimnissen nachzuspüren: das Unaussprechliche zu hören, ins Innere zu lauschen. Dabei ist Chamayous Mendelssohn nie biedermeierlich oder sentimental.

Beim Lied ohne Worte b-Moll op. 30 Nr. 2 verzichtet Bertrand Chamayou auf jedes Klischee: Was genau in dieser Szene geschieht, bleibt offen. Chamayou deutet Möglichkeiten an, überlässt die Entscheidung jedoch unserer Fantasie. 

Mitdenken statt mitsingen

Diese Aufnahme der „Lieder ohne Worte“ lädt nicht zum Mitsingen ein. Sondern zum Mitdenken. Manches wirkt wie ein Nachklang, wie erinnerte Musik.

Diese neue Gesamtaufnahme der „Lieder ohne Worte“ lässt Felix Mendelssohn Gerechtigkeit widerfahren. Sie ist berührend, doch frei von Gefühligkeit. Pianistisch vollendet, ohne auf Pranke oder Bravour zu setzen. Und sie zeigt, wie viel es bei diesem Komponisten noch zu entdecken gibt.

Die Pianistin Annika Treutler engagiert sich schon seit langem für die gesellschaftlichen und politischen Fragen rund um die Musik. Der von ihr gegründete Verein „respond in music“ organisiert neuerdings regelmäßig Schulkonzerte, in denen es Treutler und ihren Musikerkolleg*innen um Austausch mit jungen Menschen und einen tiefergehenden Dialog mit der Geschichte geht. Davon berichtet sie in SWR Kultur.

Komponistinnen und Komponisten haben in allen Epochen eindrucksvoll bewiesen, dass Licht eine Quelle musikalischer Inspiration sein kann. Jan Ritterstaedt hat einige ausgewählte Licht-Kompositionen herausgesucht und zeigt uns, wie unterschiedlich man diesem Phänomen musikalisch begegnen kann.

In seinem Song des Monats Oktober beschäftigt sich Lars Reichow mit den segensreichen Begleiterscheinungen des modernen Dauermarketings. Da stellt sich doch die Frage: Wer braucht noch ein Paradies, wenn es überall so schöne Einkaufsparadiese gibt?

„Frag die Klassik“ – klingt nach großer Bühne, aber auch nach ganz normalen Fragen, die sich viele nie zu stellen trauen. In unserer Reihe stellen wir diese Fragen. Was tut… was macht… wie geht…? Wir von SWR Kultur klären auf. Und weil Halloween vor der Tür steht, geht es diesmal um die Frage: Mit welchen Tricks jagen uns Komponisten Angst ein?

Seine Kraft und Ausdauer waren sein Markenzeichen, aber auch auf Pianissimo-Phrasen verstand sich der kanadische Tenor Jon Vickers. Der Ausnahmekünstler wird vermutlich besonders als Otello in Erinnerung bleiben, den er auch in einem Opernfilm unter der Leitung von Herbert von Karajan gesungen hat. Aber auch als Wagnersänger setzte Vickers, der 1958 bei den Bayreuther Festspielen als Siegmund debütierte und vielfach als Tristan und Parsifal reüssierte, Maßstäbe. Wir gratulieren zum 100. Geburtstag mit einem Porträt von Kirsten Liese.

Jeremy Bines ist der neue Chordirektor der Staatsoper Stuttgart. In SWR Kultur beschreibt er seine Aufgabe als Musikalischer Leiter des Chores und erklärt, warum es praktisch ist, bei der Probe nicht selbst am Klavier zu sitzen. Außerdem verrät er, auf welche Produktion er sich in dieser Spielzeit besonders freut.

Viel Hall für schwelgerische Melodien

„Liebe ist eine Sinfonie der Gefühle, Emotionen und Zustände, die uns permanent transformieren.“ Dieses Zitat stellt die Geigerin Esther Abrami ihrer CD voran. Weiter geht es so: „Wie die Soundtracks unseres Lebens habe ich die Musik komponiert, die in meinem Kopf erklang, wenn mein Herz gerast ist – und auch, wenn es gebrochen war.“

Zu diesem Motto schwingt sich Abramis Geigenton mit viel Hall auf. Versetzt durch schwelgerische Melodien, unter die das City of Prague Philharmonic Orchestra unter Leitung von Irene Delgado-Jiménez repetierende Akkorde tupft.

Die Melodien ihrer eigenen Kompositionen bewegen sich bei Abrami in vorhersehbaren Bahnen: Sextsprünge jauchzen, wenn es um Sehnsucht geht, chromatische Rückungen seufzen, wenn ein Tränchen rollt, und die begleitenden Streicher tremolieren ungeduldig in einem Stück namens „Jalousie“ – „Eifersucht“.

Gehörige Portion musikalische Plakativität

Ist das noch Programmmusik oder schon Kitsch? Die Unterscheidung fällt nicht immer leicht. In diesem Fall aber drängt sich die musikalische Plakativität dann doch ein bisschen zu sehr auf – übergroße Melodien, assoziative Rhythmen, glatte Ästhetik und plakative Dramaturgie.

Nicht nur die Produktion ist extrem gefällig abgemischt, Abramis neunteiliger „Liebes“-Zyklus bedient die Sehnsucht nach einer heilen, harmonischen Welt, in der das Ohr von allzu komplexen avantgardistischen Strukturen oder anderweitigen interessanten Ideen abgeschirmt bleibt.

Eingekleidet in Kitsch

Auf ihrem aktuellen und mittlerweile 4. Album stellt Esther Abrami aber nicht nur ihre eigenen (recht austauschbaren) musikalischen Gedanken zum Riesenthema „Liebe“ aus, sondern sie interpretiert auch Werke etwa von Komponisten wie Georges Bizet, Zdeněk Fibich oder Francis Poulenc. Von letzterem spielt sie zum Beispiel den ersten Satz aus der Bühnenmusik „Lécadia“.

Eigentlich lebt das Stück von einer feinen ironischen und melancholischen Balance – die hochschwingenden Melodiebögen, die Dopplungen im Orchester, die raffinierten, etwas schmutzigen Details der Harmonik, kleine zögernde Momente, dazu der banale Dreivierteltakt und das theatrale Pathos der Strophe, all das macht „Les chemins de l’amour“ in der Kombination eigentlich zu einem gebrochenen, todtraurigen Lied.

Abrami distanziert sich aber nicht von dem Kitsch, mit dem der Komponist spielt und von dem er sich eindeutig distanziert – die Geigerin kleidet die Musik im Gegenteil in ein ziemlich eindeutiges Gewand.

Vibrato en masse

Kitsch, das sagt Theaterautor*in Sasha Marianna Salzmann, funktioniert deshalb so gut, weil er genau die emotionalen Knöpfe drückt, auf die die Konsumentinnen und Konsumenten bereits konditioniert sind. Es geht dabei um eine tiefliegende Sehnsucht nach Harmonie, Ordnung und um die Bestätigung einer Welt, „wie sie immer schon gewesen ist.“

Wie diese Sehnsucht klingt, zeigt unter anderem auch die Interpretation der Geigerin von der Chaconne in g-Moll von Tomaso Antonio Vitalis.

Auch diese Chaconne mit ihrer strengen Variationsform ist eigentlich ein zerrissenes Werk. Denn die Modulationen sind für die Zeit des Komponisten Vitalis um 1700 recht kühn, die Harmonien reiben sich für die damaligen Gepflogenheiten in durchaus extremer Weise, und traditionell packt die Solistin ihre Stimme im Sinne der musikalischen Tragik mit aggressivem Strich und harter Artikulation. Esther Abrami entscheidet sich hingegen für ein fließendes, weichgezeichnetes Legato mit viel Vibrato.

Kann man machen, muss man aber nicht

Das ist alles nicht falsch. Esther Abrami kann und darf die Werke spielen, wie sie will. Ihre Interpretation hat die gleiche Legitimität wie andere Interpretationen auch. Eine gute Geigerin ist Abrami sowieso. Das klingt natürlich hübsch und stört auch nicht.

Wer sich allerdings eine ästhetisch interessante Ausdeutung der ausgewählten Werke – oder auch nur des Liebes-Themas – verspricht, greift aber vielleicht besser zu anderen Aufnahmen.

Hunderte Möbelstücke, ein Großteil des Fundus und 27.000 Kostüme des Theater Ulms fielen im Frühjahr 2026 nach Brandstiftung den Flammen zum Opfer. Nun findet zum Wiederaufbau des Kostümfundus eine große Opernbenefizgala statt. Mit dabei ist auch die Sopranistin Diana Damrau, eines ihrer Abendkleider wird im Vorfeld für diesen guten Zweck versteigert. Wie es dazu kam, erzählt sie im SWR Kultur Musikgespräch.