Treffpunkt Klassik

Musik statt Mosaik

Die byzantinischen Goldmosaike der frühchristlichen Kirchen Ravennas San Vitale oder San Apollinare sind atemberaubend. Doch die haben die Studenten des dortigen Konservatoriums damals nicht im Blick, als sie am Tresen einer Bar eine kühne Idee formulieren: Wir gründen unser Orchester.

Noch im gleichen Jahr findet das erste Konzert in der nüchternen Chiesa di San Giuseppe di Marina statt – ohne Mosaiksteinchen. Dennoch wandert „Bizantina“ in den Namen. Alle Gründungsmitglieder kommen aus Ravenna, das für seine byzantinische Kunst berühmt ist. Schon bald pusht der Cellist in Richtung Barockmusik. 1989 steht dann Corellis Gesamtwerk auf dem Plan und ein Organist und Cembalist in der Tür, der gerade den Alte Musik Wettbewerb in Brügge auf den Tasten gewonnen hat: Ottavio Dantone.

Nicht nur die golden classics

Ottavio Dantone macht die Wende der Accademia Bizantina perfekt. Erst Cembalist des Orchesters, übernimmt Dantone 1996 die Leitung. Seitdem ist „The Exciting Sound of Baroque Music“ Programm: Effekte italienischer Barockkomponisten freisetzen, aufregende Klänge freilegen, feines Zusammenmusizieren. 1999 sitzt die Accademia Bizantina erstmals im Graben des Theaters Alighieri in Ravenna, um eine Repertoire-Entdeckung freizulegen: Giulio Sabino von Giuseppe Sarti.

Und mit wenig bekannten Titeln, also modernen Erstaufführungen, tourt die Byzantinische Akademie bald an der Scala, in Glyndebourne, am Teatro Réal in Madrid, in Versailles, Zürich oder bei den Londoner Proms. Heute surfen Skateborder, wirbeln Balletttänzer oder Eiskunstläufer, schreiten Moonwalker durch Clips zur Musik, damit der aufregenden Sound sichtbar ist.

Zusammenarbeit mit Andreas Scholl

„Akademie“ ist übrigens ernst gemeint. Ottavio Dantone lehrt, entwickelt eine Methode des Spiels im eigenen Ensemble. Und die Familie wächst über die Grenzen Ravennas hinaus. Und ist längst europäisch besetzt. Es sei sein „OrchesterDreamTeam“, so Andreas Scholl, der 2003 erstmals mit der Accademia Bizantina zusammen arbeitet.

Nach Arcadia heißt die zweite gemeinsame CD Solitude, gewinnt einen Grammy sowie den BBC Music Magazin Award. Ganz aktuell sind Marienklagen auf der CD Invocazione Mariane, die im damaligen Rom oder Neapel immer von Männern gesungen wurden.

 

Blick schweift Richtung deutscher Romantik

Die Weltbühnen und Konzertmetropole sind erobert, aber auch die heimische Szene wird beobachtet. Musikalisch schweift der Blick derzeit zur deutschen Romantik. Die Accademia Bizantina hat Mendelssohns Italienische und Die Rheinische von Schumann im eigenen Hauslabel HDB Sonus aufgenommen.

Doch heute prickelt erst einmal der Spumante. Es wird gefeiert, denn die Accademia Bizantina hat zum Geburtstagsjubiläum „40 Jahre“ – auch wenn es eigentlich 2023 lag – nach Ravenna geladen.

Mit der Klarinette in den Studi-WGs

Ein Live-Konzert in den eigenen vier Wänden? Kostenlos und auf Bestellung? Das klingt fast zu schön, um wahr zu sein. Doch dieses außergewöhnliche Angebot für WGs ist tatsächlich auf der Webseite des Philharmonischen Staatsorchesters Mainz zu finden.

Von Klassik über Jazz bis Minimal Music reicht das Angebot. Das Projekt wird bislang von einem einzigen Mitglied des Philharmonischen Staatsorchesters gestemmt. Ates Yilmaz ist seit 1994 Mitglied im Mainzer Orchester und heute Soloklarinettist.

„Im Rahmen meiner Arbeit als Beauftragter für Kinderkonzerte und Konzertvermittlung war das so eine Idee, um junge Leute (...) mit einem Format anzusprechen, was relativ niedrigschwellig ist“, erklärt der Musiker im Gespräch. „Das Interessante ist ja, dass die meisten WGs, wo ich da hinkomme, oft gar keine Ahnung haben von klassischer Musik.“

„Da bin ich so nah dran.“ 

Mindestens 10 bis 15 Personen sollten bei einem WG-Konzert zusammenkommen, doch spezielle räumliche Voraussetzungen für die Aufführungen gibt es keine. Viel Platz brauche er nicht mit seiner Klarinette. Wirklich streng ist Ates Yilmaz mit dem Begriff „WG“ auch nicht.

„Einmal haben mich etwa Studentinnen und Studenten der Chemie der Uni Mainz eingeladen. Da haben die mir einen Chemiekittel gegeben und ich habe dann in den Laboren gespielt“, erinnert sich Yilmaz. „Das finde ich gerade das Tolle: Normalerweise sitze ich hier im Theater auf der Bühne und das Publikum ist weit weg. Da bin ich so nah dran, das liebe ich.“

Zu Besuch bei einer Geburtstagsfeier im Mehrgenerationenhaus

Beim heutigen Konzert scheint das Publikum für alles offen zu sein. Yilmaz ist zu Gast in einem generationsübergreifenden Wohnprojekt in Mainz. Etwa 40 Mitglieder des Projekts sind eingeladen und versammeln sich in einer großen, hellen Wohnung im oberen Stock mit Blick über die Stadt. 

Das Alter der Gäste ist bunt gemischt. Von wenigen Monaten bis hin zum Rentenalter ist alles vertreten. Das Konzert ist Teil einer Geburtstagsfeier, die bereits in vollem Gange ist, als Yilmaz den Raum betritt. Es gibt Kaffee, Kuchen und Obstsalat. Es kehrt relativ schnell Ruhe ein, als Yilmaz mit einer ausführlichen Erläuterung seiner Klarinette beginnt und schnell eine Verbindung zum jüngsten Publikum aufbaut.

Und wenn man schon mal so nah dran sitzt am Klarinettisten, kann man auch schon mal zählen, wie oft der überhaupt in der Lage ist, beim Spielen Luft zu holen. Das tun die Kinder mit Begeisterung.

Info-Seite des Philharmonischen Staatsorchesters Mainz zu den WG-Konzerten

Bei einem Stück Kuchen im Kontakt mit dem Publikum

Für das Stück New Counterpoint von Steve Reich spielt Yilmaz zeitgleich zu einer Aufnahme vom Band, bei der er sein eigenes Klarinettenspiel auf mehrere Spuren übereinandergelegt hat. Den großen Lautsprecher, über den er die Aufnahme abspielt, hat er selbst mitgebracht.

Die Herzen des Publikums hat Ates Yilmaz offenbar im Sturm erobert. Mit einem Stück Kuchen mischt er sich im Anschluss des Konzerts unter die Gäste.

Die WG-Konzerte des Solo-Klarinettisten Ates Yilmaz könnten, wenn es nach ihm ginge, noch lange so weitergehen: „Ich hoffe noch ganz lange. Also noch mindestens 13 Jahre, bis ich in Rente muss.“

Kastanien-braun, glänzende Messing- Beschläge und so hoch wie ein junger Baum: Big Babe ist eine beeindruckende Erscheinung. Um sie spielen zu können, stellt sich Professor Stefan Temmingh auf die Treppe. So erreicht er Big Babes Anblas-Rohr. Es sei wie ein Riesen-Strohalm, wo man reinbläst, verrät der Musikvermittler.

4,5 Meter wandert die Luft durch Big Babes Inneres, bis die Flöte einen Ton von sich gibt. „Man braucht eine Lunge wie ein Walross, um darauf spielen zu können“ , so Temmingh, „dann geht es gut“.

Neben viel Lungen-Volumen fordert die Flöte von ihren Spielern und Spielerinnen auch große Hände. Denn nur mit einer großen Spannweite kann man die weit auseinanderliegenden Flöten-Löcher erreichen. Und: Big Babes Löcher haben einen großen Durchmesser. Breite Finger-Kuppen können sie verschließen, schmale Finger rutschen leicht hinein.

In der Tradition von Queen Elizabeth I.

Wer Big Babes harte Auswahl-Kriterien erfüllt und ihre riesige Luftsäule zum Schwingen bring, den erwartet ein Musizier-Erlebnis, das durch den ganzen Körper geht: „Wen man ein sehr körperlicher Spieler ist, spürt man dann auch Töne in den Füßen, in den Zähnen und so weiter.“, verrät Stefan Temmingh.

Solo-Literatur gibt es für die Sub-Kontrabass-Flöte bisher nicht. Kammermusik des 16. and 17. Jahrhunderts, die sogenannte Consort-Musik, ist Habitat der Riesenflöte. Eine prominente Consort-Liebhaberin war Queen Elizabeth I., die an ihrem Hof die besten Blockflötisten versammelte. Unter ihrer Regierung erlebte die Consort-Musik eine Blüte.

Die Original-Instrumente der Renaissance sind Big Babes Ur-Ahnen. Sie selbst ist aber ein Kind des 20. Jahrhunderts: Vor ihr gab es keine Flöte, die so tief wie sie spielen konnte – wie ihr offizieller Name verrät, reicht ihr Tonumfang bis zum Sub-Kontra-F.

Nach dem Vorbild der berühmten Bassano-Flöten gebaut

Um diese tiefen Bass-Klängen will ein niederländisches Block-Flöten-Ensemble seinen Sound erweitern – für eine Consort-Musik mit einem noch stärkeren Fundament und mehr Gravität – und wendet sich mit dieser Klang-Idee an eine Freundin, die Blocklötenbauerin Adriana Breukink.

„So wie Adriana war, sagte sie sofort ja“, erinnert sich Stefan Temmingh, „und hat es sich zu Aufgabe gemacht, so eine Blockflöte zu entwerfen und dann auch zu konstruieren.“ Als Vorbild für die Proportionen nutzt sie die Instrumente der berühmten Bassano-Familie, eine Musiker- und Blockflötenbauer-Dynastie aus dem 16. Jahrhundert.

Flötenbauerin Adriana Breukink im Gespräch

Big Babe schreibt nun die Musikgeschichte der Renaissance im 20. Jahrhundert weiter. Sechs Flöten dieser Art baut Adriana Breukink, 2022 verstirbt sie unerwartet.

Ihr privates Big Babe hat nun ein neues Zuhause gefunden: Zusammen mit seinen 3 Flöten-Geschwistern aus Adriana Breukinks Consort-Set ist die Riesenflöte nun an die Musikhochschule Freiburg gezogen und wird in vielen Ohren und Herzen neue Begeisterung für Consort Musik auslösen, in der Freiburger Musikszene und weit über die Grenzen der Stadt hinaus.

Clara Wagner ist Bundespreisträgerin bei „Jugend musiziert“. Sie spielt Cello und Klarinette, während Corona hat sie zusätzlich mit Klavier und Kontrabass begonnen. Von Musik bekommt sie nicht genug, könnte man meinen, doch im Studium zieht es sie in die Medizin. Warum, erklärt sie im SWR Kultur Musikgespräch.

„Das Gerät bringt einen gewissen Spaßfaktor rein“, sagt der 16-jährige Jungforscher Reinhard Köcher über seine preisgekrönte Erfindung. Mit seinem Stimmgerät „Simple Tuner“ siegte der Baden-Württemberger in der Kategorie Arbeitswelt beim Bundeswettbewerb Jugend forscht.

Sein Stimmgerät ist leicht zu bedienen: Einfach den Apparat auf die Saiten setzen und schon geht’s los. Im Gespräch erklärt Reinhard, wie er auf die Idee für das Gerät kam und warum er jetzt erstmal eine kleine Auszeit nimmt.

Die Siegerehrung des Bundeswettbewerbs auf YouTube

Türglocke als Eingangsmotiv

Das Eingangsmotiv hat Alfred Schnittke der Türglocke seiner damaligen Moskauer Wohnung abgelauscht – und es zu einem der zentralen Intervalle in seinem Konzert für Klavier und Streicher gemacht. 

Anna Gourari spielt das zart und wie eine offene, im Ungefähren verhallende Frage. Auch die düsteren Basstöne wirken anfangs verhalten, bevor sie schließlich einen bedrohlichen Charakter annehmen. 

Träumerisches Solo, ungemein direktes Orchester

Schnittkes Konzert besteht aus nur einem Satz, aber aus acht aufeinander folgenden Abschnitten. Die lange Solo-Passage zu Beginn deutet Anna Gourari wie eine Fantasie: verträumt, sich treiben lassend und sensibel der Einsamkeit dieser Musik nachlauschend.

Wenn dann das Orchester einsetzt, weitet sich der Charakter und macht alle Gedanken, die an einen harmlosen Türglocken-Ton erinnern, vergessen.

Das Orchestra della Svizzera Italiana spielt unter Markus Poschner ungemein direkt, als solle nichts beschönigt werden. Dank einer großen Transparenz hat diese Passage etwas Fesselndes, Zupackendes und zugleich Erdrückendes.

Ideale Wahl der Tempi

Was mich an dieser Aufnahme überzeugt, ist die Wahl der gewählten Tempi. Es gibt Einspielungen, bei denen dieses Konzert weniger als 20 Minuten dauert, oder aber rund 26 Minuten – eine enorme Spannweite. Anna Gourari und das Orchester der italienischen Schweiz bewegen sich genau in der Mitte – aber sie liefern kein Mittelmaß.

Der Ausdruck wird in unterschiedlichste Richtungen verdichtet, aber ohne Extreme.

Vielmehr zeugt ihre Mitte von einer guten Balance. Der Ausdruck wird in unterschiedlichste Richtungen verdichtet, aber ohne Extreme. Das bekommt dieser Musik sehr gut, auch bei den Übergängen.

„Die vier Temperamente“: Ein Ballett ohne Handlung

Knapp vier Jahrzehnte vor Schnittke hat auch Paul Hindemith ein Konzert für Klavier und Streichorchester komponiert: „Die vier Temperamente“ von 1940, ein Variationswerk, das als Ballettmusik konzipiert war – für ein Ballett ohne Handlung.

Dank der ausgezeichneten Aufnahmequalität sind die einzelnen Stimmen des Streicherapparats gut erkennbar. Auch den von Hindemith vorgegebenen Gestus „Moderato“ fangen Poschner und sein Orchester zu Beginn genau ein.

Ausschnitt aus den „Vier Temperamenten“ auf YouTube

Anna Gourari beweist ihre pianistischen Qualitäten

Anna Gourari schlüpft in den folgenden vier Variationen in die unterschiedlichsten Rollen: grübelnd, aufbrausend, keck, oder auch schwermütig tänzelnd.

Hindemiths Musik wirkt geradezu neoklassisch.

Gourari beweist ihre pianistischen Qualitäten mal mit einem perlenden Anschlag, mal mit einer wechselnd prägnanten und flexiblen Rhythmik, vor allem aber gibt sie sich zurückhaltend beim Pedalgebrauch. So wirkt Hindemiths Musik geradezu neoklassisch. 

In der Mitte dieses Albums steht Hindemiths Sinfonie „Mathis der Maler“. Markus Poschner lotet einerseits die Zonen meditativer Ruhe aus, andererseits beweist er eine gewisse Risikobereitschaft in den dramatischen Sequenzen.  

Ein konstrastreiches Album

Markus Poschner, das Orchestra della Svizzera Italiana und Anna Gourari haben ein ungewöhnlich zusammengestelltes, kontrastreiches Album vorgelegt. Es ist sicher keine Aufnahme fürs Nebenbei-Hören, dafür eine mit vielen Details und wohl überlegten Spannungsbögen. 

Ein ungewöhnlich zusammengestelltes, kontrastreiches Album.

Manchmal hat Zeitgeschichte erstaunliche Nebeneffekte. Erst durch den brutalen Angriffskrieg der russischen Truppen auf die Ukraine ist im Westen das Bewusstsein erwacht, dass es auch eine originäre ukrainische Kultur gibt. Zu den ukrainischen Komponisten, die bei uns gerade „entdeckt“ werden, gehört der 1895 in Schytomyr geborene Boris Lyatoshynsky. Das junge französische Quatuor Tchalik, das 2018 den Internationalen Mozartwettbewerb in Salzburg gewann, stellt auf seiner jüngsten CD zwei Lyatoshynsky-Quartette vor und koppelt sie mit Ravel. Für Susanne Stähr eine Entdeckung.

Neueinspielung hätte zehn Sterne verdient

Mahlers Neunte, die gern als Vermächtnis gespielt und gehört wird, als Weltabschiedswerk, uraufgeführt 1912, gibt es nun in einer sensationellen Neueinspielung, die für meine Ohren zehn Sterne verdient hätte – schade, ich aber nur fünf vergeben kann.

Ich weiß nicht, ob es auch daran liegt, dass ich lange keinen Mahler mehr gehört habe; man hat ja so seine Konjunkturen. Diese Aufnahme aber des Mahler Academy Orchestra unter Philipp von Steinaecker macht mich sofort wieder zu der Mahlerianerin, die ich einmal war.

Album-Trailer auf YouTube

Gespielt wird auf historischen Instrumenten

Mehr noch: Sie bringt mir bei allem Katastrophen- und Verzweiflungston, der die Neunte beherrscht, vor allem ihre lichten, hellen Momente nahe. Das liegt an den flüssigen Tempi der Interpretation und an den historischen Instrumenten, auf denen die Musiker spielen. 

Das Mahler-Orchester klingt wie ein lebendig aufgewühlter Organismus.

Darmsaiten und Holzdämpfer für die Streicher, andere Bauweisen und Materialen für die Bläser, Holz und Blech – schon klingt das Mahler-Orchester wie ein lebendig aufgewühlter Organismus.

Was man zu Beginn des zweiten Satzes, des Ländlers, sehr schön hört: wie sehr die einzelnen Instrumente ins Risiko gehen, was es sie kostet, diese für uns heute so selbstverständliche Musik zu spielen. 

Interpretation setzt neue Maßstäbe

Philipp von Steinaecker war Assistent von Claudio Abbado und hat viel Alte Musik gemacht. Auch das Mahler Academy Orchestra geht auf Abbado zurück, sitzt in Bozen und tritt meist in Toblach auf, wo Mahler unter Anderem seine Neunte schrieb.

Die Interpreten nehmen es mal eben mit der Mahler-Diskografie auf.

Diese Interpreten nehmen es mal eben mit der Mahler-Diskografie auf – von Bruno Walter bis Mariss Jansons, vom Concertgebouw Orchester bis zu den Wiener Philharmonikern. Chapeau!

Naturlaut und Sinnlichkeit

In der ganzen Welt wurden Instrumente aus Mahlers Zeit in Wien für diese Aufnahme gesammelt. Und was die Bläser an Naturlaut und Sinnlichkeit bieten, das können die Streicher auch. Herrlich, diese schleifenden Lagenwechsel! Und so viel Mut zum Rubato!

Der letzte Satz, das Adagio, ist eine Musik, die sich strukturell selbst auflöst, was von Steinaecker und das Mahler Academy Orchestra sehr toll nachvollziehbar machen: klar, luzide und vor allem vollkommen unsentimental.

Alle Choräle und Vanitas-Motive, alle Zitate eigener Werke sind nur Mittel, ist „nur“ Kunst, um den Glauben an eine bessere Welt nicht ganz zu verlieren.

Seit etwas über 100 Tagen ist Antje Valentin Generalsekretärin des Deutschen Musikrates. Er ist der größte Dachverband der Musik in Deutschland.

Während sie in den ersten drei Monaten zunächst erstmal beobachtete, ist sie nun voller Tatendrang. Auch im Privaten spielt die Musik bei ihr eine große Rolle, verrät sie.

Pränatal bis postmortal kann Musik eine Rolle spielen.

Shabaka Hutchings wurde 2010 von BBC Radio 3 als „New Generation Artist“ gewürdigt. Als kreativer Kopf der Bands „Sons Of Kemet“ und „And The Ancestors“ sowie Mitglied des Trios „The Comet Is Coming“ ist der 1984 in London geborene Musiker mit karibischen Wurzeln einer der wegweisenden Saxofonisten seiner Generation.

Auf seinem aktuellen, kürzlich erschienenen Werk „Perceive Its Beauty, Acknowledge Its Grace” hat er einen neuen musikalischen Weg eingeschlagen.

Video zum Album-Titel „End Of Innocence”