Treffpunkt Klassik

Vor 200 Jahren wurde in ärmlichen Verhältnissen der Komponist Anton Bruckner geboren. Zeitlebens war er mit dem Stift Sankt Florian verbunden, dem großen Augustiner-Kloster vor den Toren von Linz. Hier erhielt Bruckner seine Ausbildung, arbeitete jahrelang als Organist und kehrte immer wieder in das Kloster zurück.

Festspiele gegründet für Nikolaus Harnoncourt

Gegründet wurden die steirischen Festspiele Styriarte 1985 um den in Graz aufgewachsenen Nikolaus Harnoncourt wieder für Graz zu begeistern. Der Star der Alten Musik sollte wenigstens im Sommer ein paar Wochen an seine frühere Heimat gebunden werden.

Mit seinem Originalklangorchester Concentus Musicus Wien hat Harnoncourt dann auch Projekte in Graz verwirklicht und damit die Styriarte als ein wichtiges Sommerfestival in Österreich etabliert.

Devise 2024: Aufführungspraxis neu denken

Mathis Huber ist seit 1991 Intendant, hat bis zu dessen Tod 2016 natürlich eng mit Harnoncourt zusammen gearbeitet, dessen Ideen auch weitergeführt, aber auch Neues hinzugefügt. In diesem Jahr lautet die Devise: Aufführungspraxis neu denken und intensiv auf Grazer Linie spielen.

Klopstock war Musikliebhaber

Er war ein Liebhaber, aber kein Profi. Friedrich Gottlieb Klopstock bekennt sich im Alter von 43 Jahren klar zu seiner Liebe für die Musik:

Im Vorbeigehen oder vielmehr nicht im Vorbeigehen, ich bin ein sehr verliebter Liebhaber der Musik, und ob ich gleich selbst weder spiele noch singe, so habe ich doch einen Flügel und ein Klavier auf meiner Stube.

Von klein auf mit Kirchenliedern vertraut

Eine musikalische Ausbildung während seiner Kindheit und Jugend hat er nicht gekannt; doch ist er von klein auf als frommer Kirchgänger mit Kirchenliedern vertraut. Noch mit über 30 schreibt Klopstock an seinen Vater: 

Ich habe Lieder für den öffentlichen Gottesdienst gemacht. Ich halte dies für eine der schwersten Sachen, die man unternehmen kann.

Wort-Ton-Verhältnis wird immer interessanter

Obwohl selbst kein aktiver Musiker, steht Klopstock der Musik als Kunstform offen und wohlwollend gegenüber. Vor allem das häusliche Musizieren in Form von Liedern schätzt er sehr. Dabei denkt er sich auch Texte zu Melodien aus, die noch keine haben, ändert bereits vorhandene Texte ab oder wendet Texte, die ihm gefallen, auf eine andere Melodie an.

Wort und Ton, Text und Musik – ihre Gemeinsamkeiten, Schnittmengen und Unterschiede werden im Verlauf des 18. Jahrhunderts für Künstler immer interessanter und von ihnen zunehmend thematisiert: in theoretischen Schriften und in der Dichtung selbst.

Noch in seiner späten Ode „Der Bund“ schreibt Klopstock, dass eine Vereinigung von Dichtung und Musik eine Art Non-Plus-Ultra sei:

Zwo der Künste vereinten sich einst, die Musik, und die Dichtkunst, / Und so schöpferisch war der beyden Unsterblichen Eintracht, / Daß sie mit daurender Glut mich durchströmte, / Daß auch Seher der Hörende wurde.

Klopstock wirbt für Vertonungen seiner Texte

Sein Leben lang wirbt Klopstock bei zeitgenössischen Komponisten darum, dass sie seine Texte doch vertonen mögen. Einige nahezu vergessene Komponisten wie Rolle, Kunzen und Knecht folgen diesem Werben, aber auch heute bekannte Musiker wie Christoph Willibald Gluck oder Carl Philipp Emanuel Bach.

Gerade Klostocks vaterländischer Gesänge bieten Anreize genug; aus den Texten lassen sich leicht signalhafte Motive oder markante Rhythmen ableiten.

Metrik als musikalische Komponente

Klopstocks Interesse an der Musik wächst während seiner Arbeit an seinem Epos „Der Messias“, für die er das komplexe Versmaß des Hexameters wählt. Klang und Metrik hängen für Klopstock eng zusammen, denn aus ihnen ergibt sich eine musikalische Komponente. „Der Messias“ wurde dann auch 1793 von Andreas Romberg vertont.

Die Musik ist für Klopstock, wie für viele seiner Zeitgenossen, sein Leben lang eine beliebte Kunstform, die vor allem dazu dient, das geistliche und das gesellige Leben aufzuwerten. 

Prominensteste Klopstock-Vertonung in Mahlers Zweiter

Bis ins Jahr 1800 lassen sich 150 Vertonungen durch 45 Komponisten nachweisen. Doch schon bald nach Klopstocks Tod 1803 beginnt auch das Interesse an seinen Dichtungen nachzulassen. Immerhin: Franz Schubert komponiert 13 Sololieder nach Klopstocks Vorlagen. 

Im 19. und 20. Jahrhundert gibt es nur noch vereinzelte Klopstock-Vertonungen, bei Carl Loewe etwa, Robert Schumann und Richard Strauss. Einer der Marksteine in der Klopstock-Rezeption bildet die zweite Sinfonie von Gustav Mahler. Er vertont im Finale das Gedicht „Die Auferstehung“. 

Zu Klopstocks Lebzeiten konnte sich dieses als Kirchenlied konzipierte Gedicht nicht durchsetzen. Es wurde allenfalls bei Beerdigungen gesungen, geriet aber zunehmend in Vergessenheit. Erst durch Gustav Mahler, der nur die ersten zwei Strophen vertont hat und diese selbst überarbeitet, hat Friedrich Gottlieb Klopstock seinen wohl prominentesten Platz in der Musikgeschichte gewonnen.

„Wir werden die Zusammenarbeit bei uns grundlegend ändern“, sagt Beat Fehlmann, Intendant der Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz. Sein Haus will Kompetenzzentrum für Musik werden und allen Mitarbeitenden mehr Möglichkeit geben, Kreativität und Ideen einzubringen.

Wie dadurch das Angebot des Orchesters vielfältiger wurde und welche Erfolge dem Projekt Rückenwind geben, erzählt er im Gespräch.

Wer will schon freiwillig ein Schloss kaufen, in dem es spukt? Ein abenteuerlustiger amerikanischer Gesandter möchte es offenbar mit dem unheilvollen Poltergeist aufnehmen. So erzählt es zumindest Oscar Wilde in seinem ersten Text, den er als Erzähler veröffentlicht hat.

Der Musiker Martin Auer hat für die Deutsche Oper Berlin daraus mit dem Wilden Jazzorchester, dem Schlagzeuger Rüdiger Ruppert und dem Schauspieler Christian Brückner ein Erzählkonzert geformt.

Man kann in diesen Tagen dem Fußball einfach nicht entkommen. Die Europameisterschaft hält ganz Deutschland, also auch Lars Reichow in Atem. Offensichtlich hat er sich schon das eine oder andere Spiel angeschaut und sich seine taktischen Gedanken dazu gemacht. Brasilien ist zwar aus geographischen Gründen nicht im Turnier dabei, aber flotter Samba und Fußball, das passt immer.

Sie ist die älteste Niederlassung des Prämonstratenserordens auf dem Gebiet des alten Bistums Trier: die Abtei Rommersdorf. Malerisch gelegen im Neuwieder Stadtteil Heimbach-Weis, hoch über dem Rhein. Heute sitzt hier nicht nur eine Außenstelle des Landeshauptarchivs Rheinland-Pfalz, sondern die ehemalige Abtei ist auch Spielort für Theater, Konzerte und Lesungen.

Vokalmusik „im alten Stil“

Der Name dieses zur Weltspitze gehörenden britischen Vokalensembles verrät schon viel: Stile Antico singt – immer ohne Dirigenten – vor allem die „im alten Stil“ gehaltene Vokalmusik der Renaissance und der frühen Barockzeit.

Geprobt wird seit dem Gründungsjahr 2001 in London, aufgetreten wird international. Am 29. Juni ist ihr Konzert im Rahmen des Hohenloher Kultursommers. Vorab haben zwei von ihnen Auskunft gegeben über die Arbeitsweise von Stile Antico.

Jazz als soziale Musik

Jazz ist für Nick Dunston eine soziale Musik. Eine Musik, die nicht nur historisch, sondern eben auch aktuell viele Funktionen in Gemeinschaft und Gesellschaft hat. Zum Beispiel, wenn sie zeigt, wie viel produktives Potential im „Miteinander“ steckt.

Es ist eine soziale Musik, Musik, die auf gemeinschaftlicher und gesellschaftlicher Ebene viele funktionale Zwecke erfüllt.

Auch wenn sie als Duo mathematisch nur 1 plus 1 sind – es kommt immer mehr als nur diese Summe heraus, sagt Nick Dunston: „Dann kann man sozusagen noch neuere und noch tiefere Ebenen erreichen und Dinge herausfinden, zu denen man nie gelangt wäre.“

Teil der jungen, international vernetzten Jazzszene

Geboren in den 1990er-Jahren, gehören Nick Dunston und Cansu Tanrıkulu zu einer jungen, international bestens vernetzten Jazzszene. Er, aufgewachsen in New York, hatte dort als Bassist schon mit bekannten Namen der Avantgarde gearbeitet. Dann ist er vor vier Jahren nach Berlin gezogen.

Auch – und vor allem wegen ihr: Cansu Tanrıkulu. Sie ist hier eine der präsentesten und eindrucksvollsten Stimmen ihrer Generation: Tobias Delius, Jim Black, Korhan Erel, Tomomi Adachi – auch die Liste derer, mit denen sie schon gearbeitet hat, ist ziemlich lang. Und sehr bunt: „Ich war als jemand bekannt, der viele Dinge in vielen Szenen machen kann. Ziemlich schnell. Denn ich war wirklich nicht schüchtern.“

Nick Dunston und Cansu Tanrıkulu beim Deutschen Jazzpreis 2023

Spannende Kunst lebt von unterschiedlichen Inputs

Freie Improvisation, Noise, Theatermusik: Cansu Tanrıkulu war in vielen Szenen unterwegs, hat vieles ausprobiert, war in Berlin bekannt als die, die Vieles kann. Inzwischen sucht sie ihre Projekte gezielter aus oder initiiert sie selbst.

Eine Grundeinstellung aber ist geblieben: Spannende Kunst lebt immer von sehr unterschiedlichen Inputs. Und „Jazz“ ist eine Kunstform, die in dieser Hinsicht sehr offen ist. So arbeitet Tanrıkulu heute mit Video-Scores und Choreografien, Dunstons aktuelles Projekt „Colla Voce“ ist eine „afro-surrealistische Anti-Oper“.

Jazz ist aber ist für beide manchmal auch ein problematisches Label – ein Begriff, mit dem aus- und abgrenzt wird, ein Begriff, der rassistisch missbraucht werden kann, abwertend benutzt oder kommerzialisiert wird.

Solange es nicht als ein Etikett für irgendetwas gebraucht wird, fühle sie sich aber wohl als „Jazzmusikerin“, sagt Cansu Tanrıkulu. Genauso wie Nick Dunston. Für sie ist das Wichtigste im Jazz: sein kollaboratives Prinzip – und sein Beharren auf Veränderung und Vielseitigkeit. Das ist eine treibende Kraft, die sich Jazz bis heute bewahrt hat und die auch für sie beide ein starker Impuls für das eigene Musikmachen ist.

Ist die EM Konkurrenz fürs Konzert?

Stimmt schon, es gibt Klassikfreunde, für die ist Fußballschauen ungefähr so aufregend wie – sagen wir mal – zwei Stunden lang eine weiße Wand anstarren. Aber es soll ja umgekehrt auch Menschen geben, die klassische Konzerte ähnlich atemberaubend finden wie Briefmarkensammeln.

Ist die laufende Fußball-Europameisterschaft also überhaupt eine Konkurrenz fürs Konzert? Oder nicht eher das Konzert eine Oase für leidende Fußballmuffel? Ein gesegneter Ort, an den man sich flüchten kann, wenn man ansonsten plötzlich von lauter Menschen umgeben ist, die sinnloserweise geschlagene vier Wochen lang leidenschaftlich weiße Wände anstarren? 

König Fußball versus Kaiser Klassik

Natürlich ist das kein Entweder/Oder. Klassikhörer sind ja so vielfältig wie Menschen überhaupt. Die einen Musikfreunde pfeifen aufs öde Gekicke. Anderen geht’s wie mir, sie lieben Musiala ebenso innig wie Mozart, Beethoven wie Bellingham und Schubert wie Granit Xhaka. 

Nun könnte man gerade in Deutschland ja sagen: König Fußball versus Kaiser Klassik, das ist doch ein elektrisierendes Duell um den höchsten Kulturpokal. Wenn da wertmäßig überhaupt was mithalten kann, dann höchstens noch das deutscheste Zivilisationsgut überhaupt, das Automobil. Natürlich nur in Verbrenner-Form, quasi mit Grill-Motor – womit wir irgendwie schon wieder beim Fußball wären, denn Fußball und Grillen gehören für manche Fans zusammen wie Konzert und Prosecco.

Besser gute Miene zum großen Spiel

Aber jetzt mal in streng wissenschaftlichem Ernst: Im Hegemonialkampf gegen den Fußball kann man nur verlieren. Schließlich schrieb einst sogar Arnold Schönberg, bei sich daheim in Wien-Mödling sei er berühmt weniger als Komponist und weit mehr als „Vater des hervorragenden Fußballers Georg Schönberg“. 

Also besser gute Miene zum großen Spiel machen, selbst wenn’s einen fadisieren sollte. Das Berliner Konzerthaus gibt ein gutes Beispiel ab. Da ist man in den sozialen Medien gerade mit einer witzigen Kampagne präsent, in der das eigene Programm in astreinstem Fußballerdeutsch beworben wird: die Derbygegner Mozart und Salieri in ihrer Spielanlage nicht unähnlich, und die Oboe in der Position des Spielmachers – Das macht richtig Spaß, dem Publikum wie dem Orchester.

Ansonsten gilt: immer pragmatisch bleiben. Ebenfalls in Berlin verlegte der Dirigent Roger Norrington mal ein Konzert um eine Stunde nach vorn, weil es um 21 Uhr das Match Deutschland gegen Niederlande gab. In seiner Einführung kündigte er auch an, man werde den Mozart heute einfach schneller spielen, um sicher bis zum Anpfiff fertig zu werden. Und was er dann noch los werden wollte, bevor er dirigierte: „Lang lebe England!“