Treffpunkt Klassik

Der Freischütz von Carl Maria von Weber ist die beliebteste Oper der Deutschen. Das 1821 in Berlin uraufgeführte Werk gilt als die Geburtsstunde der deutschsprachigen Oper in der Romantik.

Ouvertüre zur Oper „Der Freischütz“

Musik mit Naturmotiven

Die Handlung spielt kurz nach dem Ende des Dreißigjährigen Krieges. Der Jägersbursche Max ist in Agathe, die Tochter des Försters, verliebt, muss aber vor der Heirat eine Bewährungsprobe absolvieren. Aus Angst vor Versagen lässt er sich auf einen Pakt mit dem Bösen ein. Ein gewagtes Spiel.

Die Naturmotive, die Carl Maria von Weber musikalisch aufgreift, sind typisch für die deutsche Romantik. Allen voran der Wald, der schon zu Beginn durch vier Naturhörner angekündigt wird. Und bei einer Jagd darf der berühmte Jägerchor natürlich nicht fehlen.

Max trifft beim Probeschießen immer nur daneben – und lässt sich schließlich auf den bösen Kaspar ein. Der will nämlich magische Kugeln, Freikugeln, für die Jagd gießen und führt Max in die dunkle Wolfsschlucht. Ein dramatisches Streicherthema untermalt diese Kulisse – und als wäre das nicht schon genug tritt auch noch der Teufel Samiel auf.

Deutsche Oper anstelle von Übersetzungen

Als Carl Maria von Weber in Dresden Königlicher Kapellmeister und Direktor wird, war es mit der deutschsprachigen Oper nicht weit her. Mangels deutscher Alternativen lässt man da nämlich noch französische oder italienische Werke übersetzen – und auch Weber dirigiert zunächst französische Opern in deutscher Übersetzung.

Der sächsische König jedoch hat für die Übersetzungen nichts übrig und geht lieber in die „Italienische Oper“. Weber aber will die Leute begeistern und komponiert kurzerhand eine Oper auf Deutsch. So schreibt er mit dem Schriftsteller Friedrich Kind zusammen „Freischütz“.

Riesiger Erfolg mit politischer Sprengkraft

„Der Freischütz“ wird ein riesiger Erfolg und Weber berühmt. Sämtliche Opernhäuser im deutschen Sprachraum spielen das Stück und die Dichter der jungen Romantik sind begeistert. Die Story und die Musik setzen Kontrapunkte zu den bekannten Opern aus Italien und Frankreich. Auch heute ist die Oper ein Erfolgsgarant. Sie wird dieses Jahr auf der Seebühne in Bregenz inszeniert.

Sogar politisch hat der „Freischütz“ damals Sprengkraft. Nach dem Sieg über Napoleon spricht man in Deutschland über die Gründung einer deutschen Nation. Eine deutschsprachige Oper – das passt in die Zeit.

Die Revolution von 1848 bekommt Carl Maria von Weber jedoch nicht mehr mit, er stirbt sechs Jahre nach der Uraufführung. „Der Freischütz“ bleibt bis heute eine der wichtigsten Opern der deutschen Romantik und ist zugleich die phänomenale Geburtsstunde der deutschen Oper überhaupt.

Seit ChatGTP ist künstliche Intelligenz in Deutschland in aller Munde. Doch nicht nur im Bereich der Sprache wurde und wird zum Thema KI geforscht, sondern auch im Musikbereich – sei es an wissenschaftlichen Forschungsinstituten oder durch private Unternehmen, die bestimmte Anwendungen auf den Markt bringen wollen.

Manchmal geht es den Anbietern aber auch darum, musikinteressierten Menschen zu vermitteln, was KI in der Musik überhaupt zu suchen haben könnte. Bei der Online-Plattform „MUSKI“ steht bezeichnenderweise an erster Stelle des Namens die Musik, erst an zweiter die KI.

Neue Musik per Mausklick

Anfang Juli hat der Deutsche Musikrat sein Forderungspapier zum Umgang mit Künstlicher Intelligenz aktualisiert. Die Leitfrage darin: Ist Künstliche Intelligenz in der Musik Hilfe oder Konkurrenz?

Programme wie Googles „Magenta“, „MIMIC“ oder die Technologie „MuseNet“ erschaffen ja mittlerweile per Mausklick eigene Musikstücke, die von mehreren Instrumenten gespielt und mehrere Minuten lang sein können.

Andere KI-gestützte Programme können bestehende Werke verändern oder klangliche Elemente herausfiltern. Sie schreiben Songtexte und Untertitel, und wieder andere ermöglichen es den Nutzerinnen und Nutzern die eigene Stimme in die einer anderen Person zu verwandeln – in Echtzeit.

Viele rechtliche Probleme

Vieles von all dem ist auf den ersten Blick kaum bis gar nicht mehr von menschlichen Schöpfungen zu unterscheiden – das ist faszinierend, und ein Problem.

Für das Training dieser KIs nutzen die Programmierenden nämlich Musik, die bereits im Internet verfügbar ist – bisher ist allerdings wohl kein einziger der Rechteinhaber vorher gefragt oder dafür irgendwie entlohnt oder entschädigt worden. Das sogenannte Voice Cloning – Stimmenklonen – kratzt zudem an menschlichen Persönlichkeitsrechten.

Es drohen Job-Verluste

Schon heute verlieren Komponistinnen und Komponisten Jobs – vor allem diejenigen, die beispielsweise musikalische Teppiche für Dokumentarfilme und Fernsehserien schreiben, sogenannte „funktionelle“ Musik.

Von 2022 auf 2023 gab es einen regelrechten Boom von KI-generierter Musik, der nach wie vor anhält – und  weil bisherige Algorithmen auf Streamingdiensten Musik bevorzugen, die sich besonders stark ähnelt, ist eines durchaus zu befürchten: dass KI-generierte Musik rein quantitativ irgendwann die Präsenz menschlicher Künstler auf diesen Plattformen minimieren könnte.

KI schwächt künstlerische Originalität

Überhaupt: Alle KI-gestützten Musikproduktionsprogramme arbeiten mit algorithmischen Ähnlichkeiten, sie ahmen also nach und kombinieren neu, was bereits existiert.

Die Musik auf Streamingplattformen, in Filmen und in der Werbung könnte noch homogener werden.

So verbreiten sich Stereotype und Floskeln immer weiter, sie reproduzieren sich gewissermaßen selbst – musikalische und künstlerische Originalität, Individualität und Diversität haben hier auf Dauer also keine Chance. Die Folge: Die Musik auf Streamingplattformen, in Filmen und in der Werbung könnte noch homogener werden.

KI bietet auch Chancen

Aber KI bietet natürlich auch Chancen – Chancen für diejenigen, die sie in ihre kreative Arbeit einbinden können und möchten: Sie demokratisiert die Musikproduktion, weil sie Hürden abbaut.

Ihr Output kann als kreativer Input genutzt werden. KI-gestützte Suche könnte unbekannten Künstlerinnen Sichtbarkeit verschaffen – und überhaupt wird durch die Hilfe von KI vieles effizienter und leichter.

Das alles existiert gleichzeitig – auf die Frage des Musikrates, ob KI in der Musik Hilfe oder Konkurrenz sei, gibt es also keine eindeutige Antwort.

Ethische Fragen müssen geklärt werden

Umso wichtiger ist es, dass die Branche einen ethischen Umgang mit KI-generierter Musik findet, einen Weg, der die ausbeuterischen Strukturen bremst, die sich jetzt schon ankündigen: Musikerinnen und Musiker, deren Kunst zum Training der KIs genutzt wird, müssen gefragt, bezahlt und entschädigt werden.

KI-generierte Musik sollte auf Streamingplattformen als solche gekennzeichnet werden.

Es braucht klare Regelungen für die Benutzung von fremden Stimmen. KI-generierte Musik sollte auf Streamingplattformen als solche gekennzeichnet werden – und überhaupt müssen wir alle an unserer KI-Kompetenz arbeiten.

Werden Musikschaffende überflüssig?

Über all dem schwebt nach wie vor die allumfassende Frage: Werden wir, je weiter die Fähigkeiten der KI voranschreiten, irgendwann von unseren selbst erschaffenen Monstern abgelöst? Werden wir überflüssig?

Eine kurzfristige Beruhigung an dieser Stelle gibt Chat GPT selbst: Das Programm hält ein solches Szenario für unwahrscheinlich – und nennt vor allem einen Grund: KI wird sehr wahrscheinlich niemals dazu in der Lage sein, die Komplexität menschlicher Emotionen zu erfassen und in Musik umzusetzen.

KI wird sehr wahrscheinlich niemals dazu in der Lage sein, die Komplexität menschlicher Emotionen zu erfassen und in Musik umzusetzen.

KI fehlt die kreative Flexibilität und die Fähigkeit, intuitiv arbeiten zu können. Ihr fehlen laut eigener Aussage Bewusstsein und subjektive Erfahrung – und wahrscheinlich wird sie auch nie an diesen Punkt gelangen. Und das ist dann doch beruhigend.

#MeToo-Vorwürfe aus Köln

Sieben Frauen und Männer werfen François-Xavier Roth Fehlverhalten im beruflichen Kontext vor: Es geht um sexuelle Belästigung und Übergriffigkeit. Die Stadt Köln hat ihn daraufhin von seinem Amt als Generalmusikdirektor und Chefdirigent des Gürzenich-Orchesters entbunden.

SWR hält an François-Xavier Roth fest

Der SWR, der Roth zur Saison 2025/26 für fünf Jahre als Chefdirigent der SWR Symphonieorchesters verpflichtet hat, hat diese Hinweise und Vorgänge intensiv geprüft und jetzt eine Entscheidung getroffen: An der Verpflichtung von François-Xavier Roth wird festgehalten.

Suche nach einer musikalischen Identität

Was ist jüdisch? Die jüdischen Komponistinnen und Komponisten des Programms „Hebräische Chormusik“ suchen nach einer gemeinsamen musikalischen Identität.

Immer wieder erklingt die Fusion von Kulturen, die sich aus den Biografien der Komponist*innen ergeben. Das verbindende Element ist oft die Sprache: Hebräisch.

Schmerz trifft auf Leichtigkeit

Die meisten dieser Komponist*innen sind in Deutschland nahezu unbekannt, ihre Musik zeugt von der ganz besonderen jüdischen Identität, in der sich Melancholie und Schmerz, Witz und Leichtigkeit verbinden.

Cool bleiben

Es ist, schräg genug, ein warmer Tag in Hamburg. Ich sitze am Computer und neben mir brummt und saust ein Ventilator, auf dessen Gehäuse die klare Ansage „Be Cool“ prangt. Und während ich hier sitze und über „Künstliche Intelligenz“ nachdenke, ist alles was ich denke bereits Schnee von gestern.

Plötzlich knackt, zischt und flackert es in meinem Zimmer. Vor mir taucht ein überdimensionierter Avatar des Interneterklärers Sascha Lobo auf. Wie immer frei von jeglichen Zweifeln lacht er mir schallend ins Gesicht: „Ach, du armes, analoges Komponierwürstchen! Das ist so süß, Dich da mit einem Bleistift zu sehen.“

Während Lobo seine Frisur in Ordnung bringt, flüstert er mir noch etwas ins Ohr. Irgendwas mit „Zeichen der Zeit“ und „isch over“ und ob ich Interesse an einem Spiegel-Abo hätte. Dann brizzelt die Luft wieder, ich nehme schnell meine blaue Pille ein und bin wieder allein am Schreibtisch.

Komponieren – Ein aussterbender Beruf?

Es ist also vorbei mit meinem Beruf. Durch zahlreiche öffentliche KI-Förderprogramme, mit denen sich künstlerisches Mittelmaß noch ein wenig länger über Wasser halten wird, wird das Aussterben der Zunft beschleunigt. Der Komponist oder die Komponistin wird sich alsbald neben dem Gerber, dem Hofnarren, dem Fischbeinreißer oder dem Laternenanzünder auf der Liste der ausgestorbenen Berufe finden.

Habe ich vor kurzer Zeit noch über die jämmerlichen Ergebnisse von KI-basierter Musik gelacht, kann man nun schon mindestens irritiert sein, wenn man mal eine halbe Nacht mit Anwendungen wie „Suno“ oder „Udio“ verbracht hat.

Dass eine Musik, die mit verhältnismäßig einfachen Regeln gestaltet ist, recht schnell und gut von einer KI nachgebildet werden kann, überrascht nicht. Aber „Udio“ etwa kann auch das typische „Brösel-Schab-Quiek-Knirsch-Heul-Zischel-Raschel-Wuschel-Idiom“ zeitgenössischer Musik ganz gut nachahmen und während ich das schreibe, wird eine andere KI das bereits 12-mal besser können.

Putzigerweise liefert das Programm die Titel gleich mit: „Echoes in the void“, „Echoes of the future“, „Echoes of Serenity“ – und mein Favorit: „Whispers of Helmut“.

Die KI wird das Komponieren nicht so lieben wie wir

Ich zeigte die Ergebnisse, inklusive einer Motown-Upbeat-Ode, die auf meinem ungeheuer gehaltvollen Text „Gurky, Gurky, ich will Gurkensaft“ basiert, meinen Studierenden in der Hochschule. Ich vermutete Entsetzen, Panik, Exmatrikulation und Anträge auf Umschulung. Doch – Potztausend: Ich erntete Gelächter und selbstbewusstes Schulterzucken.

Da kann die KI besser, schneller, origineller und sogar uns selbst noch ähnlicher sein – sie wird den Vorgang des Komponierens nicht so lieben können wie wir. Irgendwann, da sind wir uns sicher, wird man das wieder hören. Ein Avatar schwitzt nicht, wir schon. Da KI nicht mehr weggeht, werden wir damit arbeiten, wie mit einem Staubsaugerroboter.

Sascha Lobos Hologramm neben mir lacht wieder: „Bist du naiv!“ Und, wie so oft taucht aber auch sie wieder auf – scheu und schüchtern, wie immer: die Musik. Sie lächelt, nickt, zupft mir freundschaftlich an den Ohren und flüstert mir zu: „Bleib cool. Weitermachen!“

Im Salzkammergut, da kann man gut lustig sein

Die Musikwissenschaftlerin Teresa Hrdlicka begleitet in ihrem neuen Buch Komponisten auf Sommerfrische in Bad Ischl und entführt die Leserinnen und Leser in dieses wunderschöne Herzstück des Salzkammergutes. 

 Seinen Weltruf begründet der Kurort im 19. Jahrhundert. Die sommerliche Anwesenheit des Kaisers sorgt für eine gesellschaftliche Sogwirkung par excellence. 

Industrielle, Dichter, Librettisten, Operndiven, Schauspieler, Theaterdirektoren und natürlich Musiker und Komponisten - sie alle strömen in die Stadt. Einerseits um Geschäfte zu machen, andererseits um sich von der Natur in und um Ischl verzaubern zu lassen.

Brahms sucht Ruhe vor den Groopies am Wörthersee

Der gemütliche Hamburger Johannes Brahms verbringt ganze zehn Sommer im Salzkammergut. Eigentlich hat es sich der Komponist ja bereits in Pötschach am Wörthersee, im Süden Österreichs, gemütlich gemacht. Zaungäste beim Klavierspiel und stalkende Autogrammjäger vermiesen ihm aber dort das türkisblaue Wasser. 

In Teresa Hrdlickas Buch öffnet Brahms aber seine Türen: 

Die etwas unattraktive, sonnenarme Lage der Wohnung kam Brahms’ Bedürfnis nach Ruhe und Einsamkeit entgegen. Und noch einen großen Vorteil bot die Unterkunft: Sie verfügte über zwei Eingänge, so dass Brahms, wenn un- erwünschter Besuch nahte, sich durch schleunige Flucht durch den zweiten Ausgang entziehen konnte.

Der Hamburger verduftet aber nicht. Zusammen trinken wir mit dem bärtigen Tonschöpfer einen schwarzen Kaffee auf der Esplanade des Café Walther (heute Café Zauner) und dürfen ihm sogar beim Komponieren seines Klarinettentrios über die Schulter schauen.  

 Stelldichein mit der Crème de la Crème der Musikszene

Mit dem Aufenthalt von Johann Strauss Sohn wird Ischl dann vollends zur sommerlichen Musik-Zentrale, vor allem der österreichischen Operettenszene. Wie um den Kaiser, versammeln sich Librettisten und Co. nun eben um den „Walzerkönig“. 

Die Crème de la Crème der Wiener Musikszene gibt sich im sommerlichen Ischl ein Stelldichein. Anton Bruckner spielt in Ischl bei der Vermählung der Kaisertochter die Orgel – auf Wunsch der Braut. Die Hotelkosten wurden damals vom knausrigen Ehepaar aber scheinbar nicht erstattet, denn Bruckner schreibt: 

Ich schreibe auch an H[errn] Autengruber, u[nd] bitte ihn, d[a]ß er sich auch der Situation annehmen wolle, u[nd] wegen einer Wohnung. Nöthigen Falles einen Strohsack in ein Schulzimmer. 

 Schließlich kommt der bescheidene Hoforganist dann im Pfarrhof unter. In einem Bett, ist anzunehmen. Bei der Hochzeit orgelt er Variationen über die Kaiserhymne, die er in Händels „Halleluja“ überleitet.

Kurzweilige Büchlein mit musikwissenschaftlichen Details

Teresa Hrlicka hält in ihrem Buch Rundschau, mit klarer Sprache und vielen vielen Zitaten, die nicht nur von den Komponisten selbst, sondern auch von Zeitzeugen stammen. Angereichert wird das kurzweilige Büchlein mit musikwissenschaftlichen Details - einer Chronologie der Ischl-Besuche oder Bildern von Aufführungen und Plakaten.  

Es sind intime Einblicke, die man in Teresa Hrlickas klingendem Ischl-Trip erhaschen kann, Zeitgeschichte, die sicher nicht nur für Ischlerinnen und Ischler von Interesse ist und die vor allem von einem spricht: dem Sehnsuchtsort Ischl, der auch den Ungarn Emmerich Kálmán ergreift und von dem Franz Lehár rückblickend schwärmt: 

Die ungemein schöne Welt, die mich hier umgibt, die Berge, die Flüsse, die prachtvolle Luft regen an. Wie schon ein Nichtkünstler leise vor sich hin summt, wenn er sich wohl fühlt, so geht’s uns Künstlern halt auch, und plötzlich ist der Einfall da, die Melodie, die zur Strecke gebracht werden kann.

„Es liegt an uns, wie wir die KI benutzen“, sagt Ali Nikrang, Professor für Künstliche Intelligenz und musikalische Kreation an der Musikhochschule München. In SWR Kultur zeigt er am Beispiel einer KI-generierten Komposition, was derzeit im Bereich der klassischen Musik möglich ist und wohin der Weg in Zukunft führen könnte.

Carlo Bergonzi – einer der Verdi-Tenöre schlechthin

Carlo Bergonzi – das ist der vielleicht eleganteste, klangschönste, mit Sicherheit aber der kultivierteste italienische Tenor im 20. Jahrhundert. Die gern konstatierte „Krise der Gesangskunst“, an ihm ist sie vorbeigegangen.

Für Viele ist er einer der Verdi-Tenöre schlechthin. Der Komponist ist für den Sänger schon aufgrund seines Geburtsortes Programm. Vor 100 Jahren kommt Bergonzi am 13. Juli in Vidalenzo auf die Welt. Es ist ein Nachbarort von Busseto, in direkter Nähe zu Verdis Landgut Sant’Agata.

Fehlstart als Bariton

Das Tenorfach steht aber gar nicht am Anfang seiner Karriere. Ausgebildet wird der stimmlich Begabte als Bariton. Die Lehrjahre werden brüsk unterbrochen, als Bergonzi wegen Widerstands gegen die Faschisten 1943 in Mantua verhaftet und nach Deutschland deportiert wird.

Nach dem Krieg beginnt eine bescheidene Karriere als Bariton. Niemand macht den Sänger darauf aufmerksam, dass etwas nicht stimmt. Er selbst kommt dahinter. Das hohe F, für einen Bariton normalerweise kein Problem, bereitet ihm Schwierigkeiten. Es markiert genau den stimmlichen Übergang in die Tenorlage, dem die hohen Töne folgen, die Bergonzi dann mühelos bewältigt.

Schwieriger Start als Tenor

Er schult um und debütiert 1951 in der Titelpartie von Umberto Giordanos „Andrea Chenier“ in Bari. Die Tenorkarriere ist für Bergonzi aber nicht einfach. In jener Zeit dominieren Sänger wie Giuseppe di Stefano oder Mario del Monaco, später kommt Franco Corelli hinzu.

Es sind allerdings Sänger, die das Fach gnadenlos einebnen. Durch Lautstärke und expressiven Druck, die aus der italienischen Oper des Verismo um 1900 herrühren, hören sich so unterschiedliche Rollen wie Verdis Alfredo in „La Traviata“ oder Mascagnis Turridu in „Cavalleria rusticana“ nahezu gleich an.

Das gerade bei Verdi so dringend benötigte „Messa di voce“, der an- und abschwellende Ton, das bekommen sie nicht hin. Bergonzi schon. Und auch den Übergang, die „Passagio“ zwischen Brust- und Kopfstimme realisiert niemand so mühelos wie er.

In New York wird Bergonzi zum Star

Erstaunlicherweise nutzen ihm seine herausragenden Qualitäten in der Heimat wenig. 1953 debütiert er ohne großes Aufsehen im italienischen Opernolymp an der Mailänder Scala.

1963, zehn Jahre später, erfolgt am gleichen Ort der Durchbruch in Verdis „Aida“, in der er als einer der wenigen Tenöre das von Verdi geforderte Pianissimo des hohen B in Radames Eingangsarie zu realisieren weiß. Genützt hat es ihm nicht. Denn die Scala ist nicht weiter groß an ihm interessiert.

In Verdis „Aida“ weiß er als einer der wenigen Tenöre das von Verdi geforderte Pianissimo des hohen B in Radames Eingangsarie zu realisieren.

Ganz anders dagegen die Metropolitan Opera in New York. Dort wird er ab 1953 in 27 Spielzeiten mit 249 Aufführungen nicht nur zu einem führenden Tenor, sondern auch zu dem herausragenden Verdi-Sänger im 20. Jahrhundert schlechthin.

Lyrisch sensibel an der Seite von Maria Callas

An der Seite von Maria Callas realisiert er 1964 in der letzten ihrer Einspielungen von Puccinis „Tosca“ einen Cavaradossi, der alles andere als der heroische Schreihals der Folterszene ist, sondern ein lyrisch sensibles Malergenie, das sich ganz in die erotische Farbgebung für ein Gemälde der Maria Magdalena einfühlt.

Ohnehin verwirklicht Bergonzi in seinen Puccini-Rollen und -Aufnahmen eher das Erbe Verdis als das der zeitgleichen Verismo-Schroffheiten und -Brutalitäten oder ihre sentimentalen Übertreibungen. Er ist damit 1965 die Idealbesetzung in Herbert von Karajans Mailänder Aufnahme des Doppelpacks mit Mascagnis „Cavalleria rusticana“ und Leoncavallos „Pagliacci“. 

Mit dem Dirigenten hat Bergonzi zuvor schon Verdis „Aida“ in Wien aufgenommen, jetzt zeigt er ganz im Sinne dieses bis heute unterschätzen Sängerbegleiters, dass sich diese Opern des Verismo aus dem Geist des Belcanto realisieren lassen.

Weinen aus dem Inneren der Musik

In Canios Klagemonolog der „Pagliacci“ wird meist hemmungslos geschluchzt, um den Bühnenboden in einem Tränensee emotionaler Übertreibung zu ertränken. Das Weinen Bergonzis hingegen ist kein äußerlicher Akt, sondern kommt aus dem Inneren der Musik. Und dass das möglich ist, treibt die Tränen beim Hören hervor.

Jammerndes Elend lässt erst das Orchesternachspiel hören. Davor ist es Weinen durch seelische Schönheit. Das bewundert der Sängerpapst Jürgen Kesting an Bergonzi und zitiert einen großen Aufklärer: „Die Tränen des Schauspielers, um an das Wort von Diderot zu erinnern, rinnen aus dem Verstande.“

Bereits Mitte der 1960er Jahre eröffnet Bergonzi in Verdis Wohnort Busseto ein Hotel. Er nennt es nach einer frühen Verdi-Oper „I due Foscari“ und betreibt es auch nach dem Ende seiner Bühnenkarriere. Am 25. Juli 2014 stirbt er mit 90 Jahren.

Eine alterslose Stimme

Bergonzis Stimme hat selbst in einem gewissen Alter nichts von ihrer Jugendlichkeit eingebüßt. 1989 tritt er mit 65 Jahren im Münchner Herkulessaal auf und beeindruckt das Publikum mit einer zeitlosen Stimme. Mit 53 nimmt er 1977 in New York eine Platte mit italienischen Liedern auf, unter ihnen Rossinis „La Danza“.

Bergonzi hat eine Stimme, deren Aufnahmen für die Ewigkeit und die einsame Insel taugen.  

Rossinis Opernpartien mit ihren artifiziellen Verzierungen ist Bergonzi erstaunlicherweise ausgewichen, hier realisiert er aber eine tänzerische Vokaldynamik, die ihn alterslos erscheinen lässt. Bergonzi hat eine Stimme, deren Aufnahmen für die Ewigkeit und die einsame Insel taugen.

Festival-Hopping, einen ganzen Sommer lang! Auch in diesem Jahr gestalten die Kultur- und Klassikwellen der ARD ein gemeinsames Programm für das ARD Radiofestival, das am 12. Juli beginnt.

10 Wochen lang hören Sie jeden Abend tolle Konzerte und Opern von den großen und kleinen Musikfestivals Europas, außerdem Jazzsendungen und in der „Hörbar“ einen bunten Musikmix. Wir machen einen Rundumblick zum diesjährigen Radiofestival.