Treffpunkt Klassik

In Tübingen gibt es viele Museen. In dem Gebäude, das so heißt, findet sich aber keines. Es wurde im frühen 19. Jahrhundert von der sogenannten Museumsgesellschaft gebaut – zur „Pflege der Musen“. Im „Museum“ gibt es heute ein Kino, ein Restaurant, eine Yoga-Schule und mehrere Veranstaltungsräume. Einer davon ist ein Konzertsaal, auch wenn er weit häufiger als Speisesaal genutzt wird.

Yannick Nézet-Séguin geht hier nicht aufs Ganze

Unerbittlich pocht die Pauke, dazu harmonische Reibungen bei den Bläsern und eine schneidende Melodie der Streicher – die neue Aufnahme macht diese Unterschiede am Beginn der ersten Sinfonie von Johannes Brahms gut hörbar. Aber sie macht auch klar: Dirigent Yannick Nézet-Séguin geht hier nicht aufs Ganze. Weder was die Intensität der Reibungen betrifft, noch das Tempo

Johannes Brahms hat in seinen Werken leider nur wenige Metronom-Angaben hinterlassen, zu seinen Sinfonien keine einzige. Als gesichert dürfte gelten, dass ihm allzu schwerfällige Tempi missfallen haben.

Nézet-Séguin und das Chamber of Europe wählen bei diesem ersten Satz ein gemäßigt zügiges Tempo, das den dramatischen Gestus abbildet und gleichzeitig Raum lässt für einige kammermusikalische Details. Dieser Ansatz findet sich erneut im langsamen Satz.

Nézet-Séguin dirigiert das BRSO mit Brahms' 3. Sinfonie

 Der Dirigent hält sich an Brahms' wenige Angaben

Wie bereits in der Einleitung zum ersten Satz, so verwendet Brahms auch im zweiten den Begriff „sostenuto“, was so viel bedeutet wie: getragen oder etwas breiter. Und genau diese Vorgabe beherzigt Nézet-Séguin, der auf diese Weise zeigen möchte, dass bei Brahms einzelne Segmente auch über die jeweiligen Satzgrenzen hinaus zusammenhängen.

Denn nicht nur die Tonarten sind in dieser ersten Sinfonie eng miteinander verwoben, auch die Gestaltung der Motive.

Im Finale machen Nézet-Séguin und das Chamber of Europe klar, wie eng bei Brahms die Dinge manchmal zusammenhängen: kurz aufblitzendes Blech, rasche Verdunklung, dann ein choralartiges Thema, vorgetragen von Hörnern.

Klug aufgefächert, aber nichts Neues

Nach dieser ersten Sinfonie bin ich allerdings ein wenig unschlüssig, wo die Reise hingehen mag. Es ist ein gut strukturierter Brahms und klug aufgefächert, aber nie sämig, breit oder bleiern. Das aber darf man von modernen Einspielungen heutzutage aber auch erwarten.

Die Frage ist vielmehr: Was erkennt Nézet-Séguin in diesen vier Sinfonien Neues? Im ersten Satz der zweiten Sinfonie erkenne ich sehr dichte Binnenspannung: Die einzelnen Motive greifen eng ineinander, bis die blitzende Trompete eine Art Machtwort spricht, und die Musik danach einen anderen Weg nimmt.

Das ginge auch deutlich geheimnis- und ahnungsvoller

In den beiden mittleren Sätzen wählt Nézet-Séguin abermals einen Weg der Mitte: die Tempi sind verhalten und vorsichtig gewählt. Beim Allegretto jedoch wird der von Brahms geforderte „grazioso“-Charakter auf diese Weise zu stark ausgebremst.

Das Chamber Orchestra of Europe gestaltet zwar die Dynamik durchaus differenziert, aber in die wirklichen Extremzonen, vor allem in die kaum hörbar leisen Bereiche, dringt es nicht vor. Gerade der Beginn des Final-Satzes der zweiten Sinfonie ließe sich deutlich geheimnis- und ahnungsvoller gestalten.

Fazit: gehobener Durchschnitt

Auch in der dritten und vierten Sinfonie ließen sich Beispiele finden, wo sich vieles in den Mittelbereichen, aber nicht in den Außenzonen der Ausdrucks-Skala abspielt.

Etwa der rätselhafte Beginn in Brahms‘ letzter Sinfonie. Auf ein erstes seufzerartiges Motiv antworten die Streicher sofort mit kurzen Aufschwüngen, und das mehrfach hintereinander. Um diese Aufschwünge auch erkennbar zu machen, müssten sie mit etwas mehr Nachdruck gespielt werden – so dass sich eine Art Frage-Antwort-Spiel ergibt. Das aber ist hier nicht der Fall. Seufzer und Aufschwung verschwimmen zu einer Einheits-Phrase.

Yannick Nézet-Séguin und das Chamber of Europe haben eine insgesamt solide, ansprechende Aufnahme der vier Sinfonien von Johannes Brahms vorgelegt. Nicht weniger, aber leider auch nicht mehr. Gehobener Durchschnitt, so das Fazit. Dass man diese Werke ungleich aufregender, neuartiger deuten kann, haben erst vor zwei Jahren das Dänische Kammerorchester und Adam Fischer eindrucksvoll bewiesen.

Demenzsensibles Musizieren im Fokus

Musik ist ein Schlüssel zur Erinnerung und damit besonders wichtig für Menschen, die mit Demenz leben. 1,8 Millionen Menschen sind derzeit in Deutschland von der Krankheit betroffen.

Der Bundesmusikverband Chor und Orchester setzt sich daher verstärkt für das Thema demenzsensibles Musizieren ein, berichtet dessen Geschäftsführer Lorenz Overbeck im Gespräch mit SWR Kultur, vor allem mit dem Förderprogramm „Länger fit durch Musik“.

Der Bundesverband möchte mit diesem Projekt vor allem Chöre und Orchester im Laienbereich ansprechen. Sie können sich mit ihren Projekten um Fördersummen von bis zu 9.500 Euro bewerben. Ziel der Förderung ist es, Projekte zu unterstützen, die die Lebensqualität von Demenz-Patient*innen und deren Angehörigen verbessern sollen.

„Wenn ich die Musik höre, vergesse ich, dass ich alt bin“

Derzeit fördere der Verband bereits 21 Projekte, erklärt Overbeck. Eines davon läuft in Gäufelden (Landkreis Böblingen). Hier basteln Menschen mit Demenz und deren Angehörige gemeinsam Perkussionsinstrumente und spielen mit diesen bekannte Volkslieder.

Die Teilnehmenden seien total begeistert, so Overbeck. Man höre mitunter solche Rückmeldungen wie „Wenn ich die Musik höre, vergesse ich, dass ich alt bin“.

Das Förderprogramm beinhaltet auch eine Weiterbildung für die Projektverantwortlichen, gerade die Künstlerischen Leiterinnen und Leiter. Man arbeite hier sehr intensiv mit Hochschulen zusammen, etwa mit der Pädagogischen Hochschule Karlsruhe und der Universität Frankfurt, berichtet der Verbandsgeschäftsführer weiter.

Das Projekt soll den Amateurbereich langfristig stärken

Geschätzt etwa 14 Millionen Menschen in Deutschland engagieren sich im Amateur-Musikbereich. Das sei nach dem Sport die zweitgrößte gesellschaftliche Bewegung, so Overbeck. Gerade deshalb sei es so wichtig, dass das Thema Demenz hier die Aufmerksamkeit erhalte, die es verdiene.

Begleitend zum Projekt hat der Bundesverband Chor und Orchester mit der Universität Heidelberg und der Pädagogischen Hochschule Karlsruhe eine öffentliche Umfrage gestartet, die mehr Einblick in den Bereich Amateurmusik und Demenz geben soll.

Aus dem Förderprojekt und der Umfrage sollen nun Ideen entwickelt werden, die perspektivisch Amateurensembles den Umgang mit Demenz-Betroffenen einfacher machen sollen. Ab 2026 plant der Verband die Herausgabe eines Methodenkoffers, der interessierten Ensembles zur Verfügung gestellt werden kann.

Chöre und Orchester, die Menschen mit Demenz ansprechen wollen, meint Overbeck, sollen so besser begleitet werden. Auch, damit sie sich sicher fühlen können.

Öfter auch mal beim Üben den Kopf einschalten

Übung macht den Meister – von dieser Volksweisheit können gerade Instrumentalistinnen und Instrumentalisten ein Lied singen. Das Üben am Instrument ist für sie ihr täglich Brot. Dabei kann man aber auch schnell in die Falle tappen, weiß Cellist und Sportpsychologie Hauke Siewertsen. Denn stundenlanges mechanisches Üben sei nicht der einzige Schlüssel zum Erfolg.

Grundsätzlich sollte man beim Üben auch seinen Kopf anstrengen, erklärt Siewertsen. Stures Wiederholen habe zwar auch seinen Sinn, um das Muskelgedächtnis zu trainieren, dennoch sollte man vor lauter Motorikübungen nicht vergessen, das Stück an seine musikalischen Vorstellungen anzupassen. Man sollte mit klaren Zielen und Klangvorstellungen üben, so Siewertsen.

Verbindung zwischen musikalischen und sportlichen Ansätzen

Er selbst habe während seines Cello-Studiums mehrere körperorientierte Verfahren zum Proben ausprobiert, erklärt Siewertsen: Er setzte sich etwa mit der Alexander-Technik und der Feldenkrais-Methode auseinander. So sei er schließlich auch zu seinem Studienfeld in der angewandten Sportpsychologie gekommen.

Heute unterrichtet und forscht der Cellist am Institut für Musikphysiologie und Musiker-Medizin der Musikhochschule Hannover. Im Rahmen seiner Lehrtätigkeit bietet er etwa Überblicksseminare zu körperorientierten Probenansätzen und mentalem Training an.

Welche Sportarten eignen sich für Musiker?

Gerne werde Instrumentalistinnen und Instrumentalisten das Schwimmen ans Herz gelegt, erklärt Siewertsen im Interview mit SWR Kultur. Es ist gelenkschonend und trainiert das Herz-Kreislauf-System trainiert. Darüber hinaus empfehle er auch, die Tiefenmuskulatur zu trainieren und Übungen zu machen, die den Stütz- und Bewegungsapparat unterstützen.

Generell sollten sich Musiker*innen auf der Suche nach neuen sportlichen Herausforderungen fragen, wie gut sich der Sport dosieren lässt. Außerdem sollte man auf ein erhöhtes Verletzungsrisiko achten: Es sei schon etwas dran, dass man Streicherinnen und Streichern eher kein Tennis empfehle.

Die Geschichte beginnt im badischen Kuppenheim

Die Geschichte dieses Buchs beginnt im 19. Jahrhundert in Kuppenheim, einem kleinen Städtchen nahe Baden-Baden, mit der Familie Dreyfuß. Aus dieser Familie stammt Max Dreyfus, der sich später in New York als Talent-Scout und Agent rund um den Broadway einen Namen macht. Dort wird er 1918 auf einen jungen, hochbegabten Pianisten aufmerksam:

Er rief ihn in sein karges Potentaten-Büro und war von der Persönlichkeit des Jünglings so angetan, dass er ihn mit dem stattlichen Wochenlohn von 35 Dollar anstellte, unter der einzigen Bedingung, dass er ihm gelegentlich zeige, was er denn so schrieb.

Dieser Jüngling ist niemand anders als George Gershwin. Zwölf Jahre später widmet dieser Dreyfus seine „Second Rhapsody“.

Rainer Peters nimmt Gershwins Werk genau unter die Lupe

Rainer Peters, Autor und Rundfunk-Journalist, hat nun eine Biografie über George Gershwin geschrieben. Sie beleuchtet nicht nur das Leben dieses Ausnahmemusikers, sondern nimmt auch seine Werke genau unter die Lupe. Bereits im Vorwort weist Peters darauf hin, dass die Spanne bisheriger Bücher über Gershwin auffallend heterogen ist.

Kein Wunder bei diesem Komponisten, dessen Musik, so schreibt Peters, „sich zwischen Tristan-Akkord, Blue Note, doppeltem Kontrapunkt und Bitonalität bewegt, Einflüsse von Debussy, Strawinsky, Ragtime und der Wiener Schule zu einem eigenen Ton verarbeitet und weltweit gespielt wird“.

Aufräumen mit den gängigen Gershwin-Mythen

Gegen gängige Klischees setzt sich Peters an einigen Punkten erfreulich offensiv zur Wehr. Etwa mit Blick auf Gershwins Kindheit:

Etwa die Erzählung von dem sozialen Elend, aus dem sich George und Ira herausgearbeitet haben sollen – dabei ging es der Familie mindestens passabel, wofür nicht nur die Beschäftigung von Hausangestellten sprach, sondern auch die Anschaffung des Klaviers, um das sich alles drehen sollte.

George Gershwin, 1898 geboren, macht als hochtalentierter Klavierspieler schnell von sich Reden. Auch als Komponist sorgt er bald für Furore, etwa mit seinen Songs. Einige davon nimmt Rainer Peters genauer unter die Lupe, etwa „Swanee“– laut Autor ein Song „wie hunderte anderer Gershwin-Songs, ein untadeliges Gebilde mit ‚a little twist somewhere‘“.

Judy Garland singt „Swanee“

Alles andere als bleischwer und gelehrig

Natürlich widmet sich Peters auch Gershwins Erfolgshit schlechthin, der „Rhapsody in Blue“ – und räumt erneut auf mit einigen häufig kolportierten Anekdoten, etwa dass bei der Uraufführung 1924 auch Musiker wie Sergej Rachmaninow oder der Geiger Jascha Heifetz anwesend waren. Beide hatten am selben Abend Konzerte in Kansas City und Illinois.

Gern folgt man Peters, wie er mit einigen Mythen aufräumt, denn er geht dabei sehr stichhaltig vor. Seinen Werk-Analysen kann man gut folgen, auch ohne ein musikwissenschaftliches Studium. Gelegentliche Querverbindungen innerhalb der Musikgeschichte wirken souverän und kommen manchmal sogar mit einem Augenzwinkern daher.

Überhaupt gefällt dieses Buch durch seine Sprache: Eine seriöse Biografie muss eben nicht bleischwer und gelehrig daherkommen, alles Wissen lässt sich auch geradezu elegant vermitteln. Genau das ist hier gelungen.

Beim diesjährigen Opernfestival von Aix-en-Provence in Südfrankreich ist sie ein echter Hingucker: die Neuproduktion „Songs and Fragments“ von Barrie Kosky. Er hat die „Eight Songs for a Mad King“ von Peter Maxwell Davies und die „Kafka-Fragmente“ von György Kurtág spannend zusammengeführt.

Verbindungen über Stilgrenzen und Epochen hinweg sind derzeit en vogue. Jetzt wird auf einem neuen Album der barocke Jean-Philippe Rameau mit dem russischen Extravaganzler Alexander Skrjabin kombiniert. Ergibt das Sinn? Unbedingt, behauptet der finnische Pianist Juho Pohjonen auf seinem neuen Album.

Das gesamte Album auf YouTube anhören

Ich bin nicht ganz sicher, wie stabil die Verbindung dieser beiden Komponisten trägt. Aber egal: Puhjonen beglaubigt sein Konzept durch die exquisite Qualität seines Klavierspiels. 

Altmeister trifft auf einen Rising Star

Fast 50 Jahre trennen die beiden Cembalisten dieses neuen Albums: William Christie gilt mit 79 Jahren als Altmeister der französischen Barockszene – Justin Taylor dagegen ist gerade erst 32 geworden und steht als Rising Star für die jüngere Generation von Musiker*innen.

Gemeinsam haben beide jetzt beim Label Harmonia Mundi ein Album mit französischer Cembalomusik aufgenommen – „Conversation“ lautet der Titel. „Hier braucht sich keiner auf Kosten des anderen zu profilieren. Die Liebe zum Gegenstand schweißt zusammen“, meint SWR-Kritiker Thilo Braun.

Album-Trailer auf YouTube

Das junge Protean Quartet verbindet auf seinem neuesten Album Musik von Henry Purcell und Josquin Desprez mit zwei Streichquartetten von Franz Schubert.

„Tempus omnia vincit“, „Die Zeit besiegt alles“, so lautet der programmatische Titel des Albums. Unerwartete Verwandtschaften eröffnen sich dabei, meint SWR-Kritikerin Susanne Stähr.

Ausschnitt aus dem Album auf YouTube

Forschungshöhepunkte und Herausforderungen

Die Akademie der Wissenschaften und Literatur Mainz feiert in diesem Jahr ihr 75-jähriges Bestehen. Am kommenden Wochenende wird dieses Jubiläum aber zur Nebensache: Der zentrale Anlass ist der Abschluss der Gesamtausgabe aller Werke Christoph Willibald Glucks.

Nächstes Jahr wird nach 44 Jahren Förderung sein gesamtes überliefertes Werk in 59 Bänden vorliegen. Wissenschaftlich geleitet wurde das Projekt unter anderem von Tanja Gölz. Sie blickt zurück auf die Höhepunkte und Herausforderungen des Editionsvorhabens und erzählt, ob Gluck selbst etwas mit Mainz zu tun hatte.