Treffpunkt Klassik

Beethoven trifft Manga! In Paris kam das Projekt „Beethoven Wars – A Battle for Peace“ zur Uraufführung, welches Beethovens weniger bekannte Schauspielmusiken „König Stephan“ und „Die Ruinen von Athen“ semi-konzertant auf die Bühne des großen Saals bringt, eingebettet in einen Trickfilm in Manga-Ästhetik.

„Der Bearbeiter muss wissen: Was ist die Essenz?“ Der Stuttgarter Organist, Pädagoge und Komponist Eberhard Klotz hat sich der Herkulesaufgabe gestellt, alle Sinfonien Anton Bruckners für Orgel zu bearbeiten. Jetzt werden sie beim „Kultursommer Rheinland-Pfalz“ in den Domen von Speyer, Trier, Mainz und Worms anlässlich des Bruckner-Jubiläumsjahres aufgeführt.

In SWR Kultur berichtet der leidenschaftliche Bruckner-Kenner vom kreativen Schaffensprozess des Bearbeitens und der Faszination, Bruckners Sinfonien auf die Orgel zu übertragen. „Das ist eigentlich ein Lebenswerk“, sagt er.

Es geht um existentielle Fragen

„Zirkel der Macht“ – so heißt ein Audio-Theater-Spaziergang, zu dem das Badische Staatstheater Karlsruhe einlädt. Ausgehend von Klabunds Märchenspiel „Der Kreidekreis“ kann sich das Publikum auf den Weg machen hin zu existenziellen Fragen.

Es geht um Gedanken, um Gefühlswelten, um die Frage nach einer Rolle in der Gesellschaft. Lebe ich sie oder spiele ich sie? Was bedeutet Frau sein, und was Mutter zu sein? Wo finden wir Antworten? Und wie antworten wir?

Audio-Walk und Opernpremiere ergänzen sich gegenseitig

Eine andere Adaption ansehen und anhören kann man ab dem 2. Juni. Dann feiert das Staatstheater nämlich die Premiere der Oper „Der Kreidekreis“ mit Musik von Alexander Zemlinsky.

Es geht um die Willkür in Hierarchien und den allzeit präsenten Kampf zwischen Hegemonie und Marginalisierten. Eine spannende Gelegenheit, zwei Interpretationen derselben Geschichte Klabunds zu erleben.

Eines vorweg: Im Folgenden bin ich das, was man neudeutsch „biased“ nennt — vermutlich, weil die Entsprechung „voreingenommen“ so arg gewichtig klingt. Wie auch immer: Björn Gottstein war sechs Jahre lang mein Kollege in der Redaktion Neue Musik und zum 100-jährigen Bestehen der Donaueschinger Musiktage habe ich ein Buch gemeinsam mit ihm herausgegeben. Schon deshalb wird das, was nun kommt, keine Rezension, sondern eine Buchvorstellung.

Neue Musik ist schwer zu definieren

„Der Klang der Gegenwart“ heißt das Buch. Gut 250 Seiten Text, in dem etwas versucht wird, was, zumal in dieser Knappheit, eigentlich kaum möglich scheint.

Es war schon mal leichter, ein Buch über Neue Musik zu schreiben.

Die Schwierigkeit liegt heute vor allem in der Diversifikation dessen, was Neue Musik — abseits aller Groß-N/Klein-N-Diskussionen — beschreibt und umfasst.

Ist die Neue Musik noch ein musikalisches Genre? Oder ist sie inzwischen eher eine Art des Denkens von, mit und über Musik? „Verbindliche Prinzipien“, schreibt Gottstein, „sind ihr jedenfalls längst abhandengekommen, und verbissene, dogmatische Auseinandersetzungen sind passé“.

Ein subjektiver Gang durch die Musik seit 1940

Dementsprechend unternimmt Björn Gottstein von vornherein nicht den Versuch, eine Geschichte im Sinne historiografischer Vollständigkeit zu schreiben. Eines muss klar gesagt werden: „Der Klang der Gegenwart“ ist keine regelrechte Musikgeschichte, keine enzyklopädische Darstellung.

Das Buch ist vielmehr die Niederschrift eines subjektiven Gangs durch die Musik seit etwa 1940. „Wer ein Buch über Neue Musik schreibt“, sagt Gottstein „schreibt zwangsläufig auch immer über sein eigenes Hören“. Und es ist genau diese Perspektive des sein eigenes Hören rekapitulierenden Autors, die das Buch auszeichnet. 

Ein „Neue-Musik-Lesebuch“

„Der Klang der Gegenwart“ ist ein „Neue-Musik-Lesebuch“. Die Kapitelüberschriften lauten etwa „Weltanschauung – Neue Musik und Politik“, „Musikalische Erfinder – Bastler, Tüftler und Zweckentfremder“, „Parlando – Sprache, Stimme und Gesang“« oder „Über Eindruck und Ausdruck, Subjekt und Objekt“.

Innerhalb dieser ganz unterschiedlichen Themen-Terrains erzählt Gottstein assoziativ, manchmal sprunghaft, stellt instruktive Bezüge her und erzeugt nicht selten ein Gefühl von „Ach ja, das gab's ja auch noch!“

Die volle Vielfalt kommt zur Geltung

Und was es alles gab und gibt, und wie vielfältig der Klang der Gegenwart sich artikulieren kann, zeigt sich schon beim Blick ins Namens- und Werkregister des Buchs: Da steht Ikonisches wie John Cages „4'33“, Karlheinz Stockhausens „Gesang der Jünglinge“ oder Mathias Spahlingers „passage/paysage“ neben Sun Ra und Yoko Ono, dem Label Wandelweiser, Bands wie Throbbing Gristle oder Sunn O))) oder auch Hape Kerkelings „Hurz!“.

Besonders gefreut hat mich das zwölfte Kapitel, überschrieben mit „Am Rande: Freie Improvisation, Electronica, Noise, Glitch, Hauntology, Drone, Ambient, Industrial“.

Strömungen abseits der „offiziellen“ Neue Musik

Hier werden mit großer Sachkenntnis und einschlägigen Primärerfahrungen in Berliner Clubs in der Zeit um die Jahrtausendwende, musikalische Strömungen vorgestellt, die sich zwar nicht Neue Musik nannten, aber es womöglich eher waren, als die etwas ermüdete „offizielle“ Neue Musik dieser Zeit.

In der Szene der freien Improvisation aber auch auf Plattenlabels wie Raster-Noton oder Mille Plateaux kam eine Ästhetik auf, der es gelang, maximal abgezirkelt und spielerisch zugleich zu sein.

Weibliche und außereuropäische Positionen inklusive

Ein weiteres Desiderat von „Der Klang der Gegenwart“ erwähnt Björn Gottstein im Vorwort ausdrücklich. „Bislang“, schreibt er, „wurde die Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts immer als eine primär weiße und männliche Geschichte erzählt“.

Vor diesem Hintergrund bemüht er sich, in seinem Buch weibliche und außereuropäische Positionen stärker in den Diskurs einzubinden. Zudem ist das vierte Kapitel explizit der „Neuen Musik in einer postkolonialen Welt“ gewidmet.

Buch für alle musikaffinen Menschen ein Gewinn

„Der Anspruch des Buches soll sein“, so fasst es Björn Gottstein am Ende seines Vorworts zusammen, „dass man sich nach seiner Lektüre einigermaßen souverän über Neue Musik unterhalten kann“.

Diese Einordnung als „Konversationshilfe“ hat mich etwas überrascht, ebenso wie die geäußerte Befürchtung, dass einer Person, die sich „beruflich mit Neuer Musik befasst“ das Buch „vielleicht etwas lang“ werden könne.

Ich denke, dass „Der Klang der Gegenwart“ solche Einordnungen bzw. Vorwarnungen nicht braucht. Es ist ein Buch, dass man, wenn man wie auch immer „musikaffin“ ist, eigentlich nur mit Gewinn lesen kann.

Lieder neu für Chor interpretiert

„En sourdine“ („Gedämpft“) ist der Titel eines Liedes, das Gabriel Fauré 1891 komponiert hat. Es ist das zweite Stück der „Cinq mélodies de Venise“, der „Fünf venezianischen Lieder“, und die hat Fauré eigentlich gar nicht für Chor, sondern für eine Solostimme mit Klavierbegleitung geschrieben. In der Bearbeitung für dreistimmigen Frauenchor und Klavier merkt man das aber gar nicht.

Das liegt an den Sängerinnen und Sängern des Stuttgarter Kammerchors Figure humaine, deren Stimmen hier weich ineinanderfließen und fast schwerelos wirken. Es liegt aber auch an der Bearbeitung, die der Chorleiter selbst angefertigt hat.

Sehr sauber führen die Sängerinnen die Linien parallel bis hin zu lupenreinen Pianissimi, und die einzelnen, hörbar jungen Stimmen verschmelzen sehr gut miteinander. Der Kammerchor Figure humaine ist ein exzellentes Ensemble, mit ihm will der Dirigent Denis Rouger die Chorliteratur des 19. und 20. Jahrhunderts erweitern. Zu diesem Zweck arbeitet er deutsche Solo-Lieder und ihr französisches Pendant, die Mélodies, zu Chorsätzen um.

Rouger erzeugt reichen Klang für das Fauré-Jahr

Denis Rouger geht nicht so vor wie der große Chor-Bearbeiter Clytus Gottwald, der ja keinen einzigen neuen Ton in seine Arrangements hineingeschrieben hat. Rouger teilt nicht wie Gottwald die Klaviertöne unter den Chorstimmen auf und lässt dann die Begleitung weg.

Bei ihm bleibt der Klavierpart unangetastet, und das vokale Spektrum wird durch harmonisch passende Töne ergänzt und weit gespreizt. Dadurch wirken die Sätze klanglich sehr reich.

Gut gesungen beginnt diese Musik ganz neu zu leuchten. Den großen Jubilar dieses Jahres hätte das gefreut – schließlich hat sich Gabriel Fauré selbst immer wieder um eine hohe Ausdifferenzierung der Harmonik bemüht.

Faurés Lied „Après un rêve“ auf dem Vorgängeralbum

Fauré neben Saint-Saëns und Fanny Hensel

Auf der CD gibt es auch Musik von Faurés Zeitgenossen. Etwa eine Bearbeitung des „Nocturne“ von Faurés Lehrer Camille Saint-Saëns – gut zu hören ist dabei das klare, bewegliche Spiel der Pianistin Olga Wien.

Hinzu kommt Musik einer deutschen Komponistin: Fanny Hensel, geborene Mendelssohn. Auch Fanny hat Goethes „Land, wo die Zitronen blüh’n“ vertont, Denis Rouger hat ihr Lied arrangiert. Das passt gut zum Titel der CD: „Rencontres“. So heißt zwar auch eines von Faurés Liedern, aber man kann diese „Begegnungen“ auch auf die ganze CD beziehen, die Lied und Chormusik, Deutsches und Französisches zusammenbringt.

Im Affenzahn durch die Pariser Oper

Der Europa-Park ist um eine Attraktion reicher. Das Phantom der High-Speed-Oper. Also, dann mal los: Im Wartebereich, der im Stil der Pariser Oper gestaltet ist, wird man erst mal aufgefordert seine VR-Headsets aufzusetzen. Diese sind zugleich ein Zeitreise-Instrument: Alle Besucher um mich herum verwandeln sich mit dem Blick durch die Brille ins Pariser Opernpersonal des 19. Jahrhunderts.

Ohne Brille würde ich in völliger Dunkelheit über die Achterbahn-Schiene rauschen. Mit Brille werde ich im Affenzahn durch den Zuschauersaal der Pariser Oper katapultiert, krache mit dem Kronleuchter, den das Phantom manipuliert hat, nach unten, breche durch den hölzernen Bühnenboden, der schließlich in Flammen steht. Dazu: Lloyd-Webber-Soundtrack.

Szenen aus dem Original-Musical auf YouTube

Ganz im Sinne des Megamusicals

Was im Theater unmöglich ist, wird hier real – oder sagen wir: zumindest virtuell real – und der Sensationsdurst gestillt. Das ist ganz im Sinne des Megamusicals, das als Genre konsequent das Bombast-Effekt-Potenzial der französischen Grand Opéra weiterdenkt. 

„Der Musicalbesuch hat für mich eine breitere Zielgruppe als der klassische Opernbesuch und ich vergleiche ihn immer auch so ein bisschen mit dem Besuch eines Freizeitparks“, sagt Michael Mack. Er ist einer der geschäftsführenden Gesellschafter des Europa-Parks.

Das reine Theatererlebnis reicht nicht mehr

Ist der Besuch eines Musicaltheaters in Deutschland vergleichbar mit einem Erlebnispark-Trip? Ich fürchte, ja, und ich kann meinen Kulturpessimismus nicht herunterschlucken. Das reine Theatererlebnis reicht nicht mehr: Pauschalreisen, Dinner-Arrangements, Softdrinks im Mehrwegbecher während der Vorstellung, Merchandise.

Dabei ist „Musical Theatre“ eine Kunstform, eine kommerzielle zwar, aber eine, der ökonomische Zwänge immer wieder Innovationen abgerungen haben. – Halb virtuelle, halb reale Themenwelten sollen jetzt auch dazugehören?

Es geht hin zu VR-Attraktionen

„Dieses Musical geht von den Bühnen dieser Welt raus und versucht, die digitale Transformation zu schaffen“, sagt Michael Mack. Auch „Harry Potter“ sei in den Freizeitpark gegangen, in die Universal Studios in Orlando. Und dieser Geschäftsführer, der den Deal mit den Universal Studios gemacht hat, ist jetzt auch Geschäftsführer von Andrew Lloyd Webber.

Das heißt, auch ein Andrew Lloyd Webber bewegt sich weg vom klassischen Musical. Es geht hin zu VR-Attraktionen.

Die Bühnenwelt wird körperlich spürbar

Die emotionale Erfahrung lechzt nach der physischen. Das ist der Unterschied zum klassischen Theaterbesuch: Hier vergisst man den eigenen Körper, um sich ganz auf das Bühnengeschehen einzulassen.

In der Attraktion dagegen versichert man sich des eigenen Körpers. Die Bühnenwelt des Opernphantoms wird körperlich spürbar, damit man an sie glauben kann.

„Phantom der Oper“-Achterbahn soll weltweit vertrieben werden

Andrew Lloyd Webber, Besitzer von sechs Londoner West-End-Theatern, und sein Unternehmen investieren künftig in Erlebniswelten. Die Zusammenarbeit mit dem Europa-Park, vor allem als Hersteller von Attraktionen, soll weiter wachsen, sagt Mack.

Wir haben uns weltweit Rechte sichern können. Das heißt, wir können das „Phantom der Oper“ in der ganzen Freizeitpark-Welt vertreiben.

Mehr Zielgruppen erreichen

Dann würde das Projekt auch spürbaren Gewinn abwerfen. Denn den Pro-Kopf-Umsatz eines Musicalbesuchs könne man in keiner Weise mit einer VR-Fahrt, die fünf Minuten dauert, umsatzmäßig einholen. „Bei uns fahren für sieben Euro circa 1.000 bis 1.500 Menschen am Tag die Anlage, an fast 300 Tagen im Jahr“, erläutert Mack.

Das generiert zunächst einmal Einnahmen zwischen 2 und 3 Millionen Euro im Jahr. Der weltweite Umsatz des Lloyd-Webber-Musicals liegt schätzungsweise bei 6 Milliarden Dollar. Eine „Phantom der Oper“-Attraktion, wie sie im Europa-Park steht, macht also nicht mal einen Wimpernschlag aus.

Es ist für Andrew Lloyd Webber nicht das Geschäft seines Lebens, sondern vielmehr eine Ausweitung auf andere Zielgruppen.

Das Musical auf dem Weg zum ganzheitlichen Erlebnis. Ich bin skeptisch! Aber gespannt, wann der erste „Starlight Express“-Zug durch einen Themenpark rast. Disney, einer der weltweit größten Film- und Theaterproduzenten, hat schon lange erkannt, wie man Filme profitabel in Live-Shows und Freizeitpark-Attraktionen umformt.

In einer konzertanten Aufführung wird die Oper „Gunlöd“ von Peter Cornelius am 25. Mai im Mainzer Staatstheater Premiere feiern. Cornelius stellte vor seinem Tod nur die Dichtung und Klavierskizzen fertig, Waldemar von Baußnern ergänzte die Instrumentierung – als großer Fan des Mainzer Komponisten.

Der Dirigent Hermann Bäumer erzählt in SWR Kultur, wie viel Wagner in dieser Oper steckt und wie es ist, ein Werk aus einer Partitur für Klavier zu vier Händen zu dirigieren.

Franz Waxman: Ein Multitalent

Auf eine gewisse Amerikanisierung deutet allein die Veränderung seines Namens hin: Aus Franz Wachsmann wird noch vor seiner Emigration Franz Waxman – zu einem Zeitpunkt, als die deutsche Filmindustrie bereits international ausgerichtet ist.

Waxman ist ein Multitalent. Die Autorin Ingeborg Zechner beschreibt dies so: „Er war unter anderem Jazz-Musiker, Arrangeur, Filmkomponist, deutsch-jüdischer Migrant, Konzertveranstalter, Dirigent sowie Konzert- und Opernkomponist – und zwar, vereinfacht dargestellt, in genau dieser Reihenfolge.“

Musikstudium statt Banklehre

Wachsmann wird 1906 in Oberschlesien geboren. Er ist das siebte Kind einer jüdischen Kaufmannsfamilie. Früh erhält er Klavierunterricht, beginnt allerdings erst einmal eine Banklehre, die er jedoch bald abbricht.

Die Eltern sind nicht begeistert, als er sich an der Dresdner Musikakademie einschreibt. Den Wechsel ans Berliner Konservatorium finanziert er mit Auftritten in einer Tanz-Kapelle. Kontakte mit dem berühmten Revue-Komponisten Friedrich Hollaender ermöglichen Waxman 1929 eine Mitarbeit am Film „Der blaue Engel“ mit Marlene Dietrich.

Zwei Oscars und zwölf Oscar-Nominierungen

1933 flieht die Familie nach Paris – ein einjähriger, für Waxman durchaus richtungsweisender Aufenthalt, bevor er 1934 in die USA emigriert, wo Waxman noch im selben Jahr am Horrorfilm-Projekt „Frankensteins Braut“ mitwirkt.

Waxmans Themengestaltung in seinen Filmmusiken wirkt stilbildend. Ohnehin werden die Jahre in Hollywood eine Erfolgs-Story: mit 12 Oscar-Nominierungen und zwei gewonnenen Oscars. 

Schwerer Stand als Dirigent

„Dennoch hatte Waxman als Hollywood-Komponist einen schweren Stand als Interpret sinfonischer Konzertmusik“, schreibt Ingeborg Zechner.

Eines der von Waxman dirigierten Werke ist die sechste Sinfonie von Peter Tschaikowsky: „Dabei gilt festzuhalten, dass die ‚Pathétique‘ nicht zuletzt durch die Einbindung des Werks […] in den Film ‚Now, Voyager‘ (1942) mit Hollywood-Filmmusik assoziiert wurde.“

Waxman bekommt als Dirigent klassischen Repertoires die damals gängigen Ressentiments zu spüren: Klassik und Hollywood passen nicht zusammen – obwohl Waxman mehrfach versucht, das Gegenteil zu beweisen, auch in seinen Kompositionen.

Ingeborg Zechner entdeckt Franz Waxman zufällig

Durch einen Zufall ist die Grazer Musikwissenschaftlerin Ingeborg Zechner auf Franz Waxman gestoßen und stellte schnell fest: Es gibt nur wenig fundiertes Material. So entstand eine Habilitationsschrift, die für die jetzt vorliegende Buchausgabe überarbeitet worden ist.

Zechners Buch besteht aus drei großen Teilen: Zunächst untersucht sie Waxmans Leben auf dem Hintergrund der historischen Begebenheiten, in einem zweiten Schritt fragt sie, wie Waxmans Kunst und die damaligen Ideologien und ästhetischen Vorstellungen zusammenpassen.

Schließlich nimmt sie einige von Waxmans Kompositionen exemplarisch unter die Lupe, mit besonderem Blick auf die Medialität von Filmmusik. Dem Konzertpublikum ist Waxman vor allem als Komponist der „Carmen-Fantasie“ bekannt, die Geiger wie Isaac Stern und Jascha Heifetz fest in ihrem Programm hatten. 

Waxmans „Carmen-Fantasie“ auf YouTube

Monographie Messlatte für Waxman-Forschung

Franz Waxman stirbt 1967 – im Alter von nur 60 Jahren. Ingeborg Zechner hat eine sehr gründliche Studie vorlegt, die sicher für künftige Jahre eine Messlatte der Waxman-Forschung bilden wird.

Die gründliche Beschaffung und Auswertung der Quellen, ihre Methodik, die Biografisches und die jeweiligen Kontexte schlüssig miteinander verbindet, und die jederzeit stichhaltige Argumentation sprechen für sich. Ebenso der umfangreiche Anhang mit einer detaillierten Übersicht aller Filmmusiken Waxmans.

Die 432 Seiten lassen allerdings keine Schnelllektüre zu. Es ist kein unterhaltsames Lese-Buch, sondern eine wissenschaftliche Studie. Das sollte man wissen.

Geheimtipp in der Musikszene

Was 1992 vom Komponisten und Musikpädagogen Georg Schmitz ins Leben gerufen wurde, hat sich seitdem zu einem Geheimtipp in der Musikszene entwickelt. Und so trifft sich seitdem in Koblenz einmal im Jahr die Weltelite der Konzertgitarristen und lockt Gäste von Kanada bis China an.

Auch 2024 sind über 250 Teilnehmer aus 45 Ländern gekommen, um die Künstler hautnah zu erleben und sich mit ihnen auszutauschen. 

„Es ist ein unglaubliches Festival, eines der besten der Welt, weil hier so viele Gitarristen, sogar die führenden der Welt, herkommen. Deshalb bin auch ich hier.

Ausnahmegitarristen wie David Russell oder Marko Topchii

Zu hören waren unter anderem Ausnahmegitarristen wie der Schotte David Russell, der Ukrainer Marko Topchii, der Kroate Zoran Dukic oder der legendäre US-Kubaner Manuel Barrueco – Künstler, die sonst die großen Bühnen der Welt in New York, London oder Tokyo füllen.

Es hat mir sehr gut gefallen, weil das hier intimer ist, näher. Man kann die Menschen sehen und – ihnen in die Augen schauen!

Neben den intimen Konzerten gab es wie immer auch einen Nachwuchswettbewerb. Und renommierte Gitarrenbauer, Zubehörhersteller und Musikverlage waren mit Ihren neuesten, teils exklusiven Produkten vertreten.

Zum 30. Geburtstag ihres Ensembles haben sich die Musiker des Miró Quartet ein besonderes Album überlegt: In „Home“ widmen sie sich dem Konzept von Heimat – ihrem realen Zuhause, den USA, aber auch ihrer musikalischen Heimat. Hannah Schmidt über ein Album mit einem sehr persönlichen Ansatz.