Treffpunkt Klassik

Immer wieder lohnt sich ein Blick über den eigenen Tellerrand. Und das gilt vor allem für die Musik: allzu oft machen wir es uns da in unseren Genre-Schubladen bequem. Der Musikjournalist und Autor Stefan Franzen sieht das auch so und möchte mit seinem Buch bewusst gegensteuern.

„Ohren auf Weltreise“ heißt das Werk. Darin stellt er in kurzen Abhandlungen Ausschnitte aus der reichhaltigen Musikkultur unserer Erde vor – an jedem der 365 Tage im Jahr.

„Es darf nicht sein, dass Klarinettistinnen diese Werke nicht kennen“, stellte Shelly Ezra beim Durchsehen der Werke von Johanna Senfter fest. Sie stieß bei eigenen Recherchen auf das Œuvre der Komponistin.

Senfters Gesamtwerk umfasst alle Gattungen

Über 130 Werke hat die Komponistin aus Oppenheim im Laufe ihres Lebens komponiert: Sie umfassen alle „klassischen“ Gattungen von der Kammermusik bis zur großen Sinfonie. Nach den musikalischen Umwälzungen zu Beginn des 20. Jahrhunderts geriet die Komponistin in Vergessenheit.

Wäre ich keine Frau, hätte ich's leichter.

Nun sind sechs Kammermusikwerke – darunter vier Weltersteinspielungen – auf der neuen CD des Else Ensembles zu hören.

YouTube-Video: Das Else Ensemble stellt Johanna Senfter vor

Lauter Protest nach Aufführung der Hymne an Rom

Zum 100. Todestag von Giacomo Puccini in diesem Jahr dirigierte Beatrice Venezi in Lucca seine „Inno a Roma” (Hymne an Rom). Er hatte sie 1918 zum Ende des ersten Weltkriegs geschrieben und sie ist in Italien nur sehr selten zu hören.

Das löste lauten Protest aus – denn die Hymne an Rom wurde von den Faschisten Mussolinis zwischen 1922 und 1945 ideologisch instrumentalisiert. Und auch von den italienischen Neofaschisten nach Kriegsende.

Italiener sollen „Frieden” mit dem Faschismus machen

Diesen Protest kann die Dirigentin nicht nachvollziehen, wie sie vor der Aufführung erklärte: „Diese Werk aufzuführen ist eine Einladung an die Italiener endlich ihren Frieden mit diesem Abschnitt ihrer Vergangenheit machen, und endlich bestimmte Vorurteile überwinden”.

Beatrice Venezi spricht vom italienischen Faschismus im Allgemeinen und auch den Vorurteilen gegen sie. Denn die 34-jährige Dirigentin weiß, was es mit Vorurteilen auf sich hat. Da geht es um politische, ideologische Vorurteile, die aber nicht von ganz ungefähr kommen.

Venezi eine Freundin von Giorgia Meloni

Venezis Vater kandidierte 2007 in Lucca für ein politisches Amt in den Reihen der rechtsradikalen Organisation Forza Nuova. Sie selbst macht keinen Hehl aus ihren politisch rechten und nationalistischen Ideen sowie ihrer Sympathie für die regierende und Orban-freundliche Partei Fratelli d’Italia. Frauen irritiert sie gern mit Äußerungen wie dieser:

Maestro wie auch das Wort Dirigent existiert nur in der männlichen Form. Und ich nehme mir deshalb das Recht heraus, mich Dirigent und nicht Dirigentin nennen zu lassen.

Das ist ganz im Sinn ihrer Freundin Giorgia Meloni. Auch die Chefin der Regierungspartei Fratelli d’Italia spricht von sich nur als „Ministerpräsident”.

Regierungsnah und plötzlich berühmt

Bis zur Regierungsübernahme von Meloni & Co. war Beatrice Venezi ziemlich unbekannt in Italiens Musikszene, erklärt der prominente Musikjournalist Alberto Mattioli.

Ganz plötzlich sei Venezi in aller Munde gewesen, aber nicht etwa wegen der Qualität ihrer Dirigate. Er selbst hatte sie, wie fast alle seiner Kollegen, nie dirigieren gehört, da sie eher wenig bekannte italienische Orchester in Provinzstädten dirigiert.

Mattioli bezeichnet dies als eine „Marketing-Operation”, die sie aus dem Gros der vielen Dirigentinnen ins Rampenlicht hieven sollte. Plötzlich galt Beatrice Venezi als bedeutende, als eine der – so regierungsnahe Medien seit Monaten – „international bekanntesten Dirigentinnen” überhaupt.

„Gott, Vaterland und Familie” als Mantra

Eine Blitzkarriere dank politischer Hilfe? Anscheinend. So dirigiert Venezi inzwischen vor allem in Theatern, die von politisch Gleichdenkenden geleitet werden, und auf Parteiveranstaltungen der Fratelli d’Italia.

Dort verkündet sie gern ihre Liebe zur Nation Italien und zur klassischen Familie. Ihr stets wiederholtes Mantra lautet: „Dio, patria e famiglia”, also: Gott, Vaterland und Familie.

Musikberaterin des Kulturministers

Kein Wunder also, dass Venezi zur Musikberaterin des Kulturministers ernannt wurde. Eigentlich keine schlechte Idee, endlich im Kulturministerium die Bedeutung der klassischen Musik aufzuwerten. Zumindest auf den ersten Blick.

Alberto Mattioli kritisiert das allerdings. In seinem neuen Buch zur Kulturpolitik der regierenden Rechten in Italien widmet er Venezia ein ganzes Kapitel. Er kommentiert:

Unser Kulturminister entschied sich unbegreiflicherweise nicht für zum Beispiel Riccardo Muti als Musikberater, der ja in Sachen Prestige wesentlich mehr vorweisen kann als diese Dirigentin.

Eine äußert schlechte Dirigentin?

Nicht nur wegen ihrer politischen Ansichten steht Venezi im Kreuzfeuer der Kritik – auch wegen der Qualität ihrer Dirigate. So erklärten beispielsweise vor einigen Monaten mehrere Orchestermusiker der Sinfonica Siciliana öffentlich – nach einem Konzert in Palermo –, dass Venezi schlichtweg nicht dirigieren könne.  

Es wäre für uns als Orchester einfacher gewesen wäre, wenn sie sich gar nicht präsentiert hätte.

Die Musiker hätten sich untereinander, so Sardisco, abgesprochen, um sich nicht von ihren Körpergesten, die „nicht der Musik entsprachen” irritieren zu lassen. Die Dirigentin drohte daraufhin mit einer Klage wegen Verleumdung, die aber bislang noch nicht eingereicht wurde.

YouTube-Video: Beatrice Venezi dirigiert Gustav Holst

Die Musikszene sei laut Venezi links unterwandert

Der Dirigentenkollege Vito Lo Reo sagt, dass Beatrice Venezi die Gemüter teile. Sie selbst erkläre das mit dem Umstand, dass sie eine Frau und eine politisch Rechte innerhalb einer von Männern und von Linken dominierten Musikszene sei. Ob das so stimmt, bezweifelt er, denn sie dirigiere ja häufig.

Aber das tut sie eben nur an kleinen Theatern und mit wenig bekannten Orchestern. Die mangelnde Wertschätzung durch die ihrer Meinung nach links unterwanderte Musikszene – wie etwa die Scala in Mailand, die MET in New York City und die Berliner Symphoniker – passt so gar nicht in das Image des „Weltstars”, als der sie in bestimmten politischen Kreisen Italiens gehandelt wird. 

Beatrice Venezi: Ein kulturpolitisches Phänomen

Tatsache ist, dass Beatrice Venezi zu einem kulturpolitischen Phänomen in Italien geworden ist. Für ein Italien, in dem die regierenden Rechten darüber entscheiden, wer zum Star, zum Museumsdirektor oder Theaterintendanten wird und wer nicht. Professionelle Qualitäten? Die zählen immer weniger.

Zum 200. Geburtstag von Anton Bruckner ist im Prunksaal der Wiener Nationalbibliothek eine große Ausstellung zu sehen. Bruckner verbrachte fast 30 Jahre seines Lebens in Wien und entwickelte sich dort zum großen Sinfoniker.

Die Wiener Nationalbibliothek ist im Besitz einer weltweit einzigartigen Bruckner-Sammlung, die Ausstellung präsentiert ausgewählte Stücke ihrer Sammlung und präsentiert den Komponisten, der bereits zu Lebzeiten als Sonderling galt.

Trailer auf YouTube: Eindrücke von der Bruckner-Ausstellung

Eine Atmosphäre wie man sie im Pariser Salon erwarten würde, so beschreibt der Musikwissenschaftler Rüdiger Thomsen-Fürst die Musik im Badhaus des Schwetzinger Schlosses. Hier residierte und musizierte Carl Theodor von der Pfalz, er selbst spielte die Flöte. Thomsen-Fürst erklärt im SWR Kultur Musikgespräch zudem, woher der Mozartsaal eigentlich seinen Namen hat.

Der Pianist Julius Asal ist erst 27 Jahre jung und hat schon einen Plattenvertrag der Deutschen Grammophon in der Tasche.

Auf dem ersten Album für sein neues Label vereint der in Bad Homburg geborene Senkrechtstarter zwei Komponisten, die nur selten in einem Atemzug genannt werden – den Mystiker Alexander Skrjabin und den barocken Sonatenkomponisten Domenico Scarlatti.

Ein ungewöhnliches und ungewöhnlich-gelungenes Album.

YouTube-Video: Julius Asal spielt Scarlatti

Das Amelio-Trio mit Johanna Schubert an der Geige, Philipp Kirchner am Klavier und Merle Geißler am Cello, ergänzt um den Bratschisten Takehiro Konoe und den Kontrabassisten Vilmos Mohácsi: Fünf junge Musikerinnen und Musiker, die vergangenes Jahr beim ARD-Musikwettbewerb gewonnen haben, touren in den kommenden Wochen durchs Land. Sie sind Anfang bis Mitte 20 und damit im besten Alter, um einen spannenden Lebensweg in der Welt der Klassik anzutreten. Auf ihrer Preisträger-Tour musizieren sie in verschiedenen Kammermusik-Formationen, vor allem aber als Klavier-Quintett. Sven Scherz-Schade hat sie bei ihren Proben in Baiersbronn getroffen.

Das neue Repertoire wäre vor kurzem noch undenkbar gewesen

37 Sängerinnen und Sänger proben voll Freude „Circle of Life“, den Titelsong aus dem Film „Der König der Löwen“. Ein Lied, das vor zwei Jahren noch nicht unbedingt auf den Noten- und Liedblättern der Chormitglieder gestanden hätte.

Vieles ist anders geworden seit 1898, als sich stimmgewaltige Männer entschlossen, den Männergesangverein „Freundschaftsbund“ Wallroth-Buchholz zu gründen. 21 Jahre später zogen sie ins benachbarte Büllesbach, überlebten zwei Kriege und feierten 1948 ihr 50-Jähriges Bestehen. Doch zum 125.Geburtstag gab es ein Problem: mit den 13 verbliebenen Männerstimmen ließ sich nicht mehr vierstimmig singen. Und dann kam auch noch die Corona-Pandemie.

„Die ersten drei Monate haben wir geprobt. Dann gab es die ersten Corona-Fälle und wir sollten online proben“, erinnert sich Chorleiter Andrey Telegin. „Da war schon der ein oder andere weg aus der Chormannschaft (...) Und dann haben wir uns entschieden einen Projektchor zu gründen.“

Weibliche Mitglieder bauen Vorbehalte ab

Nicht alle im alten Männergesangverein waren anfangs Feuer und Flamme. Norbert Gehrmann, damals schon 18 Jahre im Verein, hatte große Bedenken, mit Frauen zusammen zu singen, aber dann überwog der Respekt vor der Leistung der Damen: „Bei unseren Frauen, die wir im Chor haben, kann ich nur sagen: Chapeau. Ich ziehe alle Hüte, die ich nicht habe.“

„Das ist einfach nur ein geiler Gesang, den die Frauen machen“, meint Gehrmann heute. „Und dann kommen wir Männer dazu und unterstützen sie. Es ist einfach nur ein Erlebnis das erleben zu dürfen und hoffentlich bleibts lange erhalten.“

Plakate und Gespräche bringen neue Mitglieder

Mit Plakaten und vielen Gesprächen warben die Männer um neue Sängerinnen und Mitglieder. Bei Nicole Nüchel stießen sie auf große Begeisterung. Die hatte die Männer schon bei ihrem Hobby, dem Reiten, singen gehört.

 „Zu Corona-Zeiten haben die Herren ja noch im Stall geprobt. Und das habe ich halt immer mitgehört und mitgeträllert, während ich mein Pferd putzte“, erinnert sich die Sängerin. „Und hab gedacht: Das ist doch klasse. Und dann bin ich so dazugekommen.“

 Heute ist sie stellvertretende Vorsitzende des MGV Singing Kölsch -Büllesbach. Das „M“ in MGV steht jetzt für „Mein“ Gesangverein. Und der ist für Nicole Nüchel was ganz Besonderes, beispielsweise bei der Probe: „Du kommst freitags hier rein, hast eine stressige Woche hinter dir und da fällt alles ab mit dem ersten Ton, den Du singst. Es ist eine super Gemeinschaft, es macht mega Spaß und die Sorgen sind für die Zeit, in der du singst einfach weg.“

„Wir sind auf einem guten Weg“

Vor wenigen Wochen ist der Gesangverein im Kölner Dom aufgetreten. Es ist der Höhepunkt des jungen, alten Vereins: „Es ist einfach nur überwältigend, wen man in so einem Gotteshaus steht und auch eine unbeschreibliche Akkustik“, schwärmt Chorleiter Andrey Telegin. „Wir sind auf einem guten Weg und ich glaube der Chor ist gut.“

Er ist hochzufrieden. Das Repertoire sei vielseitiger geworden, freut er sich. Und jeden Monat kämen 1-2 neue Sängerinnen und Sänger hinzu, einige würden dauerhaft bleiben.

Geschäftsführer Georg Hewelt ergänzt, dass es kaum einen Monat ohne Auftritt, Grillen, Freundschaftssingen oder Konzerte gebe. Im Herbst ist eine dreitägige Chorreise nach Rom geplant. Aus dem anfänglichen Projektchor sei eine echte Chorgemeinschaft geworden, die Transformation sei perfekt geglückt.

Mehr Informationen auf der Homepage des MGV Freundschaftsbund Kölsch-Büllesbach 1898

Bach ist hochaktuell

Dass die Musik von Bach und ihre Texte über die Schwierigkeiten der menschlichen Natur noch nie so aktuell waren wie heute, davon ist Hans-Christoph Rademann überzeugt. „Wenn man sich anschaut, die Welt jetzt tickt, dann glaube ich einfach, dass das total aktuell ist. Das ist keine alte Musik.“

Wie zeitlos die Musik von Johann Sebastian Bach immer noch ist, erlebt Rademann täglich in seiner Arbeit als Leiter der Internationalen Bachakademie Stuttgart. Bach hat dort immer Hochkonjunktur. Doch seit knapp einem Jahr ganz besonders: Im Mai 1723 tritt Bach nämlich seine Stelle als Thomaskantor in Leipzig an.

Innerhalb seines ersten Jahres komponiert er über 60 Kantaten,obwohl das Komponieren gar nicht zu seiner Stellenausschreibung gehört. Für jeden Sonntag und jeden Feiertag eine Kantate. Manche recycelt er von früher und ändert sie ein wenig ab. Aber ein Großteil dieser gottesdienstlichen Gebrauchsmusik wird für Leipzig komponiert.

„Ich stelle fest: Du kennst den Komponisten nur halb“

Hans-Christoph Rademann würdigt Bachs enorme Arbeit mit einem musikalischen Großprojekt unter dem Titel „Vision.Bach“. Die Vision seines Teams: alle der über 60 Kantaten des ersten Leipziger Jahrgangs aufzuführen, historisch getreu in den von Bach vorgegebenen Besetzungen und in ihrer chronologischen Reihenfolge.

Nun ist das erste Jahr fast zu Ende. Was lernt Hans-Christoph Rademann als Bachspezialist noch selbst von diesem Projekt?  „Meine hauptsächliche Feststellung ist, dass ich geglaubt habe, den Komponisten gut zu kennen“, erzählt der Musiker.  „Und jetzt musste ich mir etwa 20 bis 25 Kantaten neu erschließen, die ich noch nicht aufgeführt habe. Ich stelle fest: Du kennst den Komponisten nur halb.“

Erste Monate im Amt ist Bach experimentierfreudig

Im Unterschied zu Bachs späteren Kantaten seien jene aus dem ersten Jahr in Leipzig experimentierfreudiger, meint Hans-Christoph Rademann. Als hätte Bachs sich hier noch ausprobiert, seinen Stil weiter gefestigt, seinen musikalischen Gedankenhorizont erweitert.

Es sind somit auch wissenschaftliche Erkenntnisse, die für Rademann das Projekt „Vision.Bach“ besonders macht und Bachs Rolle als Visionär untermauert: Er habe inhaltlich schwierige, theologische Themen angefasst in seinem Kantatenwerk, so Rademann weiter.

Mit seiner Musik habe er eine Erleichterung hergestellt, durch die jeder Mensch diesen komplexen Themen folgen und sie für sich adaptieren kann. Ob im Jahr 2024 oder eben damals vor 300 Jahren zu Bachs Zeiten.

Rademann dirigiert Bachs Kantate „Sehet! Wir gehn hinauf ...“ (BWV 159)

Was bedeutet das Bild des Jesus als guter Hirte?

Neben der Musik ist die Auseinandersetzung mit theologischen Themen ein wichtiger Aspekt für das Projekt „Vision.Bach“. Hans-Christoph Rademann liegt es vor allem am Herzen, dass Bachs Musik und deren Texte nicht nur von Theologen erklärt werden. Es geht vielmehr darum, die über 300 Jahre alten Kontexte für uns heute greifbar zu machen. 

„Wir hatten in unserem Konzept auch den Plan und den haben wir auch umgesetzt: Dass immer Leute kommen und zu den aktuellen Themen sprechen“, erklärt Rademann. „Also wenn zum Beispiel von Jesus als gutem Hirten die Rede ist (...), dann wollen wir von einem Schäfer wissen, was es bedeutet, eine Herde zu weiden. Dass einfach das Publikum über dieses Bild (...) ein bisschen mehr nachdenken kann.“

Das Projekt mündet in einer CD-Einspielung

Es ist also ein allumfassendes Projekt, mit dem sich die Internationale Bachakademie Stuttgart zusammen mit der Gaechinger Cantorey und Hans-Christoph Rademann noch bis Ende Mai aktiv beschäftigt. Alle dieser ersten Leipziger Kantaten werden außerdem auf CD eingespielt.

Ob in den nächsten Jahren weitere Ausgaben von Vision.Bach entstehen, das sei noch dahingestellt, meint Rademann. Genug Material in Form von Bach-Kantaten ist auf jeden Fall vorhanden.

Ein Happening auf der Geige

Eugène Ysaÿe eröffnet seine zweite Solosonate mit einem Bach-Zitat – und führt uns in die Irre. Denn was folgt, ist ein Happening auf der Geige, das gleich ins „Dies irae“ mündet.  

Wir erleben hier einen Virtuosen im Duell mit seinem Instrument und seinen großen Vorgängern. So hat es Ysaÿe komponiert, und so spielt es der armenische Geiger Sergey Khachatryan.

Khachatryan spielt Ysaÿes eigenes Instrument

Khachatryan hat die sechs Solosonaten auf Ysaÿes eigenem Instrument aufgenommen, einer Guarneri del Gesù. Das ist eine Weltpremiere. Er gestaltet diesen Satz, den Ysaÿe „Obsession“ nannte, als Miniaturdrama: theatralisch und dämonisch, aber mit äußerster Klarheit und Gedankenschärfe.  

Das „Dies irae“, dieser Mönchsgesang vom Ende der Welt, zeigt, dass sich hier Abgründe öffnen. Doch Khachatryan opfert nichts dem Effekt, er geht der Sonate auf den Grund: musikalisch wie psychologisch. Und dann das: radikale Reduktion!

Diese gezupfte Sarabande aus der vierten Sonate hat mit dem Illusionstheater der zweiten nichts gemein. Khachatryan betont den Minimalismus auch noch: Er demonstriert, wie aus der Lücke und der Leere eine Melodie entsteht.

Die Violine darf singen

Das ist paradoxe Kunst! Alles wird nur knapp angedeutet, zugleich aber erklingt der große Bogen, die gesangliche Linie.

Khachatryan gibt jedem Satz ein eigenes Gesicht. Die Danse rustique aus der fünften Sonate lebt vom saftigen Vortrag. Khachatryan spielt sie mit glühendem, herzzerreißendem Ton, sehr leidenschaftlich und inständig. 

Die Violine darf singen, beinah schluchzen und romantisch schwelgen. Oder auch zart flüstern. Als wolle sie ein Geheimnis in die Luft hauchen.

Khachatryan auf der Höhe seiner Kunst

Sergey Khachatryan, mittlerweile 39 Jahre alt, ist auf der Höhe seiner Kunst angekommen. Die Wandlungsfähigkeit ist sein Trumpf. Und natürlich auch, dass ihm in puncto Intonation, Temperament und Klangcharakter kaum Grenzen gesetzt sind.

Wenn man ihn auf Ysaÿes Instrument hört, hat man das Gefühl, dem legendären belgischen Virtuosen selbst zu begegnen.

Meister der kontrollierten Extase

Und dann wäre da noch die virtuose Hybris: In der dritten Sonate, der Ballade, die Ysaÿe für George Enescu komponierte, steigert Khachatryan die Virtuosität fast bis zum Irrsinn. Er wartet teilweise mit schrillen, grellen, geräuschhaften Tönen auf und reizt den psychischen Exzess dieser Musik schonungslos aus. Wir fliegen aus der Bahn.

Man glaubt, nicht eine einzige, einsame Geige zu hören, sondern ein komplettes Orchester. Die Details aber bleiben immer klar und verständlich. Khachatryan ist ein Meister der kontrollierten Ekstase.