Treffpunkt Klassik

Aus „Freude“ macht ein roter Stift „Freiheit“

Der westdeutsche Bariton Jan Hendrik Rootering und die Herren des Chors des Bayerischen Rundfunks sowie des Rundfunkchors der DDR singen die erste der konsequent geänderten Stellen aus Schillers Ode. Ein Gesang über Freiheit statt über Freude – dokumentiert ist er durch Fernsehaufnahmen vom ersten Weihnachtstag 1989 aus dem Schauspielhaus Berlin, dem heutigen Konzerthaus.

Später stimmt dann auch der Philharmonische Kinderchor Dresden in den Jubel ein. Ebenso hochsymbolisch ist die Mischung der Musiker im Orchester: Sie kommen aus München, Dresden, Leningrad, London, New York und Paris.

Für die Ausstellung in Bonn ist jetzt die Aufführungspartitur aus New York ausgeliehen worden. In ihr hat Leonard Bernstein handschriftlich mit rotem Stift „Freude“ durch „Freiheit“ ersetzt. Es ist, als habe sich damals, wenige Wochen nach dem Mauerfall 1989, erfüllt, was Schiller gedichtet hatte: „Alle Menschen werden Brüder“.

Das stimmigste Zusammentreffen von Bernstein und Beethoven

Leonard Bernsteins Tochter Jamie ist nach Bonn gekommen und erinnert sich an das Freiheits-Konzert aus dem Schauspielhaus. Sie sagt, es sei das Konzert ihres Vaters, an das sie sich heute am besten erinnern würde. Und das, obwohl sie es nur in der Live-Übertragung im Fernsehen gesehen hat, gemeinsam mit mehr als 100 Millionen weiteren Zuschauern in 21 Staaten.

„Ich habe das Konzert von der Couch aus verfolgt, in Conneticut, und fütterte dabei meinen Sohn. Ich war wirklich so stolz, dass mein Vater dafür in Berlin war“, erinnert sich Jamie Bernstein. „Und dass er es geschafft hatte, Beethovens Vorstellung von der Brüderlichkeit und sein Mitgefühl für die Menschheit in einem so bedeutenden Moment zum Leben zu erwecken.“

Dieses Konzert war das stimmigste Zusammentreffen von Bernstein und Beethoven im ganzen Leben meines Vaters.

Das Konzert am Ende der Geschichte

Den Konzertmitschnitt als Video gibt es in einem Extraraum der Sonderausstellung im Bonner Beethovenhaus zu sehen. Beethoven-Haus-Direktor Malte Boecker hat für die Ausstellung das damalige Programmheft der beiden Aufführungen der Neunten beigesteuert – zuerst in der Westberliner Philharmonie und zwei Tage später im Ostberliner Schauspielhaus.

Es stammt aus seinem privaten Leonard-Bernstein-Aktenordner. Boecker war als Fan kurz vor Beginn seines Studiums an Weihnachten 1989 nach Berlin gereist – an einen besonderen Ort in einer besonderen Zeit zu einem besonderen Menschen. Er erinnert an das berühmte Wort vom Ende der Geschichte, wie es Francis Fukuyama ausgedrückt hat.

„Man hatte damals für so einen kleinen Moment das Gefühl, diese großen Systemkonflikte zwischen Autokratien und Demokratien und wie immer sie das bezeichnen, das sei überwunden“, erinnert sich Boecker heute, „und die Menschheit braucht sich nicht mehr streiten und jetzt können alle ein freiheitlich-demokratisches Leben führen. So hat man das damals empfunden und spätestens Nine Eleven war das natürlich vorbei.“

Bernstein setzte Beethoven bei Menschenrechtskonzerten aufs Programm

Als Leonard Bernstein 1990 im Alter von 72 Jahren starb, endete eine Jahrzehnte lange Auseinandersetzung mit dem in Bonn geborenen Komponisten. Als Pianist trat er gerne mit Beethovens 1. Klavierkonzert auf. Als Komponist verarbeitete er Beethoven-Motive in einer „Meditation“ und in „Somewhere“ aus der „West Side Story“.

Als Musikvermittler und Dirigent lag ihm das Spätwerk Beethovens besonders am Herzen. Bleiben wird seine Verknüpfung von Politik und Musik mit Beethoven als Brückenbauer, meint Museums-Leiterin Nicole Kämpken: „Dieser Homo politicus, der eben Beethoven Musik immer wieder für gesellschaftspolitische und Menschenrechtsdinge eingesetzt hat bei den entsprechenden Konzerten: bei der UN Democratic Convention oder bei allen möglichen Konzerten in Israel. Da ist er schon auch heute noch sehr präsent in unserem Denken.“

„L. B. – leider nicht van“

Was in der Bonner Ausstellung en passant mitgeliefert wird, ist der wortwitzige und sprachbegabte Leonard Bernstein. So liebte er die deutsche Sprache allein schon wegen eines Verbs: Er sagte viel lieber „musizieren“ statt „to make music“.

„Aufgefallen ist uns das hier: Als er 1989 beim Beethovenfest Artist in Residence war (...), hat ja auch das Beethoven-Haus besucht und hier auf einem Umschlag ein kleines musikalisches Fragment hinterlassen“, berichtet Direktor Malte Boecker über einen Archivfund. „Da hat er drunter geschrieben: ‚L. B. – leider nicht van‘. Und er spielte eben damit, dass er als Leonard Bernstein das L. B. hat, wie Ludwig Beethoven, aber leider nicht van. Und so hat er damit gespielt.“

 

Und er hatte dann eben auch den Mut, Friedrich Schiller leicht zu verändern. In der Ausstellung lernt man Leonard Bernstein nicht zuletzt auch als Mauerspecht kennen, wie er mit Hammer und Meißel die Berliner Mauer bearbeitet. Lauter sprechende Exponate, die wunderschön die gesungene Hauptbotschaft ergänzen.

Ein bedeutendes, unverstandenes Werk

Wien, 7. Mai 1824. Im Theater am Kärntnertor steht eine neue Sinfonie von Ludwig van Beethoven auf dem Programm: seine Neunte. Vielleicht wundert sich der eine oder andere im Publikum, warum da ein Chor auf der Bühne Platz genommen hat. Denn eine Sinfonie ist damals eigentlich ein reines Instrumentalwerk.

Drei Sätze lang läuft alles wie gewohnt. Doch dann kommt das Finale und ein Bariton erhebt plötzlich mahnend seine Stimme: „Oh, Freude!“

„Bei der Uraufführung hat man in Wien 1824 sehr wohl erkannt, dass das ein besonderes Werk ist, ein bedeutendes Werk“, erklärt die Musikwissenschaftlerin Beate Angelika Kraus vom Bonner Beethovenhaus. „Man hat gesagt, dass Beethoven diesen Tag als einen ganz besonderen in seinem Leben feiern kann. Gleichwohl hat man zu verstehen gegeben, dass man eigentlich nicht versteht, was er damit will.“

Wagner setzt sich sein Leben lang mit der Sinfonie auseinander

Dennoch: das Publikum ist nach der Uraufführung begeistert. Einige fühlen sich allerdings von der Länge der Musik überfordert. Gerade einmal zwölf Aufführungen gibt es noch zu Beethovens Lebzeiten. Der große Aufwand verhindert oft die Einstudierung des langen, sperrigen Werkes mit seinem Chorfinale.

Wenn die Neunte mal aufgeführt wird, dann sind die Zuhörerinnen und Zuhörer ziemlich beeindruckt. Das gilt auch für den jungen Richard Wagner. Er selbst habe die Neunte zuerst in Paris am Conservatoire gehört, so Kraus. „Er hat sich mit dem Werk praktisch sein Leben lang auseinandergesetzt, 1830 selbst einen Klavierauszug geschrieben und hat sie 1846 in Dresden aufgeführt.“

In der Zeit des Vormärz identifiziert sich das aufstrebende Bürgertum vor allem mit der Textzeile „Alle Menschen werden Brüder“ aus dem Finale der Neunten. Für manchen schwingen dabei im inneren Ohr aber noch die nicht vertonten Strophen aus Schillers Ode „An die Freude“ mit. Vom Gedicht verwendet Beethoven jedoch nur weniger als die Hälfte.

Das Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR spielt die Neunte unter Roger Norrington

Beethovens Neune als „Zukunftsreligion“

„Bei dieser Textauswahl findet bereits ein starker Bedeutungswandel statt“, sagt Beate Angelika Kraus. „Beethoven hat alles ausgeklammert, was wirklich revolutionär war im Sinne von politischer Revolutions-Lyrik. Und er hat ausgeklammert, was dieses ‚An die Freude‘ zu einem Trinklied macht.“

Nachdem der Traum des Bürgertums von politischer Teilhabe vorerst geplatzt ist, ist wieder Platz für neue Deutungen. Beethovens Neunte und ihre Botschaft von der Gemeinschaft aller Menschen wird im Lauf des 19. Jahrhunderts endgültig in die Sphäre des Kultischen erhoben.

Der Geiger und Dirigent Joseph Joachim erklärt die Musik sogar zu einem religiösen Glaubensbekenntnis und spricht in einem privaten Brief sogar euphorisch von „Zukunftsreligion“.

Ein Deutscher vor dem schrecklichen Deutschland

Beethoven und seine göttliche Musik gehören allerdings nicht dem Bürgertum allein: Auch die aufstrebende Arbeiterbewegung des späten 19. Jahrhunderts reklamiert das Werk für sich. „Alle Menschen werden Brüder“ – diese Textzeile passt schließlich wunderbar zum Solidaritäts-Ideal des Sozialismus.

Doch dann bricht der Erste Weltkrieg aus. In Frankreich fragt sich der Schriftsteller Camille Mauclair, wie man jetzt noch Beethovens Neunte aufführen könne angesichts der Gräuel des Krieges. Er findet eine Lösung:

„Beethoven ist ein Deutscher, aber ‚un Allemand d‘avant l’Allemagne horrible‘, also ein Deutscher vor dem schrecklichen Deutschland“, sagt Expertin Kraus. „Man kommt zu dem Fazit: Die Neunte würde nach dem Sieg der Alliierten angesichts der Befreiung als ein Gesang der Brüderlichkeit die geeignete Dankesmesse abgeben praktisch für den Sieg über Deutschland.“

Eine Sinfonie, die allen Weltanschauungen offensteht

Zu dieser Aufführung kommt es nicht. Aber zu einer erstaunlichen Verirrung in der Rezeptionsgeschichte der Neunten. Ausgerechnet Beethovens sinfonisches Plädoyer für Humanismus und Brüderlichkeit gerät in die Hände der nationalsozialistischen Machthaber in Deutschland.

An Hitlers Geburtstag im Jahr 1937 erklingt die Neunte in Berlin unter Leitung von Wilhelm Furtwängler. Sicher ein Tiefpunkt in der Geschichte der Missverständnisse und des Missbrauchs von Beethovens Musik.

Die Neunte Sinfonie ein Werk, das quasi auch allen Weltanschauungen offensteht.

Zwischen Sozialismus und Bürgertum

So kann die Sinfonie ihren Siegeszug durch die ganze Welt antreten: die Neunte erklingt in Asien, in Afrika, auf dem amerikanischen Kontinent. Sie überwindet sogar den Eiserne Vorhang nach dem Zweiten Weltkrieg. Ost wie West identifizieren sich gleichermaßen mit der Message der Neunten. Beethoven wird munter vor jeden politisch-ideologischen Wagen gespannt.

Sowohl in der DDR als auch in der Bundesrepublik wird die Neunte gefeiert: „Das war quasi eine Ikone der jeweiligen Kultur. Und es gab eine spezielle Interpretation des Sozialismus.“, erklärt Kraus. „Man hat diese ‚sozialistische Neunte‘ ins Feld geführt gegen die ‚bürgerliche Neunte‘ des bürgerlichen Musiklebens im Westen.

Bernstein dirigiert das Finale der Sinfonie 1989 in Berlin

Erst mit dem Fall der Berliner Mauer und dem legendären Freiheits-Konzert mit Leonard Bernstein bekommt die Neunte wieder ihren universell-humanistischen Charakter zurück. Seit 1985 ist „Freude schöner Götterfunken“ sogar offiziell die Hymne der Europäischen Union.

Ist das nun gut oder schlecht für die Neunte und für Beethoven? MIt dem Thema des Missbrauchs von Beethovens Musik werde man sich auch weiter beschäftigen müssen, meint Beate Angelika Kraus, wann immer die Neunte aufgeführt wird.

Wie jedes Jahr ein Erlebnis für Jung und Alt: Im Schwarzwald hat sich am Wochenende alles um Vögel und ihren Klang gedreht. Zum siebten Mal fand das Soundcamp Vogelklang zwischen Furtwangen und St. Georgen statt. Christoph Regli hat sich vor Ort umgeschaut, vor allem aber, umgehört.

Gustav Mahler war für Amerika nicht bestimmt. Fernab seines gewohnten Ambiente wirft Mahlers holprige New Yorker Karriere - an der Metropolitan Opera und bei den New Yorker Philharmonikern - ein überdeutliches Schlaglicht auf seine Eigenheiten. Über den Menschen Mahler lernt man in Manhattan Dinge, die in Wien oder Budapest nicht so leicht zu beobachten waren. Das ist meine erste Prämisse. 

 Karriereboost in der Neuen Welt

Es gibt Bücher, die legt man nach wenigen Zeilen etwas enttäuscht zur Seite und es gibt Bücher, die ziehen einen sofort in Bann. Dazu gehört mit Sicherheit „Die Mahlers in New York“ von Joseph Horowitz. Nach einem kurzen, prägnanten Vorwort widmet sich der Autor seinem Thema. In vierzehn Kapiteln, die exakt in einer Zeitachse verlaufen, reflektiert er den Aufenthalt von Alma und Gustav Mahler in New York.

Im Dezember 1907 kamen die beiden dort an. Wien hatten sie nach Konflikten mit der Intendanz der Hofoper verlassen. Von der Neuen Welt erhofften sich die Mahlers einen Karriere-Booster.  

New York hatte mehr Oper als Wien - mehr Oper als jede andere Stadt der Welt. Allein Conried und Hammerstein boten zweihundert Aufführungen pro Saison. Und New York hatte zwei Orchester - das New York Philharmonic und das New York Symphony Orchestra. Ein Überangebot. Noch mehr, noch größer. Sogar im Bereich der Vergnügungen strebten diese Amerikaner nie nach Wiener Behaglichkeit, deren Vorzüge sie nicht verstanden. Die Ambitionen neuer, manchmal unheimlicher Kräfte hielten die wimmelnde Großstadt in ständiger Gärung. 

Lebendige Erzählung

Der Autor, Joseph Horowitz, war Musikkritiker der New York Times, ebenso Geschäftsführer des Brooklyn Philharmoic Orchestra und ist durch vielfältige Aktivitäten mit der Musikgeschichte der Metropole verbunden. Der Amerikaner erzählt sehr lebendig. 

Er lässt das New York jener Zeit für uns auferstehen, er schmückt aus und charakterisiert die Szenen trefflich. So etwa, wenn Alma Mahler einer berühmten und einflussreichen Sängerin in der Garderobe der Metropolitan Opera ihre Aufwartung macht. 

Das Parfum der Bouquets, die man ihr vor einer halben Stunde zugeworfen hatte, war ein Vorgeschmack auf die vielen, zwischen einer fleckigen Wand, nackten Lampen und einem ramponierten Klavier allgegenwärtigen Blumen. Fremstad hatte sich des Bühnen-Makeups und der blonden Perücke noch nicht entledigt. Sie ruhte auf einem weißen Bärenfell, das auf einem Sofa drapiert war. Ihr langes Gesicht mit der scharf geschnittenen, leicht gebogenen Nase und den unergründlich blauen Augen war schön und gebieterisch zugleich. Eine karmesinrote Robe umhüllte locker ihren beträchtlichen Brustkorb und ihre schönen Beine. Auf den beiden Stühlen des kleinen Raumes saßen eine dralle Frau und ein beleibter, übergewichtiger Herr, dessen römische Nase, Hängebacken und blinzelnden Augen Wichtigkeit beanspruchten. 

Kultur gegen Geld

Die beiden Protagonisten des Buches, Alma und Gustav Mahler, kommen in der neuen Gesellschaft ins straucheln. Das wird bei der Lektüre mehr und mehr klar. Ihre Welt ist nicht die Neue Welt sondern die alte Donaumonarchie samt Kaiser und Gefolge. Auf die New Yorker wirkt das wie die Besetzung einer Operette.

Ihre Lebensrealität ist eine ganz andere. Aufstrebertypen mit harten Bandagen regieren die Metropole. Wer Kultur machen will, braucht Geld. Auch wenn Mäzene welches locker machen, ist damit noch lange nichts gewonnen.

Wenn Higginsons Bostoner Symphonieorchester aus handverlesenen Hengsten besteht, dann sind die New Yorker Philharmoniker im Vergleich dazu überhaupt kein Orchester - allenfalls eine Herde von Gäulen. Bei der Probe hatten sie sich bedeutungsvoll zugezwinkert, als sei Mahler nichts als ein Exzentriker. Was das Talent angeht, so sind sie Dilettanten. Die schlechte Intonation, die fehlerhafte Balance, die stilistischen Grobheiten des Solo-Horns und der Flöte: fatal! Das göttliche Siegfried-Idyll - verpatzt!

Krise bei den Mahlers

Zwischen 1907 und 1911 halten sich die Mahlers immer wieder in New York auf. Gustav erlebt künstlerische Niederlagen aber auch Sternstunden als Dirigent. Doch gesellschaftlich bleibt das Paar weitgehend isoliert. Auf persönlicher Ebene schlittern die Mahlers in eine tiefe Krise.

Alma hat eine leidenschaftliche Affäre mit dem Architekten Walter Gropius. Sie folgt ihm nach Paris und Gustav reist das letzte Mal alleine nach New York. Dort ist mittlerweile nicht nur die Konkurrenz sehr groß, auch das Publikum zeigt seiner Musik die kalte Schulter. 

Es reicht nicht aus, diesen Mann als jemanden auszumachen, der mehr Unrecht erlitten als begangen hat. Statt auf das ihm zugedachte Publikum einzugehen, spaltete und vergrätze er es. Seine strikte Weigerung, erläuternde Programme für Aufführungen seiner eigenen Werke zu genehmigen, war egoistisch und anmaßend.

Keine Beschönigungen

Das Scheitern von Gustav Mahler an den New Yorker Gegebenheiten resümiert Horowitz deutlich und unmissverständlich. Mahler sei nicht Teil der musikalischen Gesellschaft gewesen, sondern habe sich regelmäßig nach Österreich in sein abgelegenes Komponierhäuschen zurückgezogen - umgeben von einem Stacheldrahtzaun. Seine zu sinfonischen Gebilden aufgeblasenen Volkslieder ließen die Kritiker als Wetterleuchten aus Tirol abblitzen. 

Mahler wiederum hatte nichts für die amerikanische Musik übrig. Er gab ihr keine Impulse und nahm erst recht keine von ihr an. Sein taktloser Umgang mit der Presse und den eigene Musikern war stadtbekannt. Von der demokratischen Idee, mit billigen Tickets breiteren Schichten seine Musik zugänglich zu machen, hielt er überhaupt nichts. So zieht Horowitz eine gemischte Bilanz. 

Aus einer Fülle von Belegen lässt sich ableiten, dass Mahler sich allmählich von der Größe, der Energie und der Neuartigkeit New Yorks verführen ließ - und dass ihm dabei seien Neigung zu titanischer Selbstverliebtheit im Wege stand. Er blieb ein chronischer Außenseiter. Gustav Mahler war nicht wirklich dazu geschaffen, Musikdirektor eines amerikanischen Orchesters zu sein, mit einem Gespür für die Bedürfnisse der Kunstgemeinde, ihrer Chronisten, Zuhörer und Gönner. Er hatte Wichtigeres zu tun. 

„Äußerst spannend"

Als Gustav Mahler am 8. April 1911 bereits todkrank New York Richtung Europa verließ, blieben in der Musikmetropole wenige Freunde, treue Fans und zahlreiche Gegner zurück. Vom verfeindeten Musikkritiker bis zur wohlhabende Witwe haben alle ihren Auftritt in „Die Mahlers in New York“.

Der schillernde Text wird aufgelockert durch Briefzitate, Kritiken und historische Fotografien. Über 283 Seiten ist Joseph Horowitz so eine äußerst spannende Erzählung und Einordnung gelungen.

Forschungsgruppe untersucht die Rolle der Frau in der Musik

Wie kann man weibliche Stimmen und Positionen in der Musik sicht- und hörbarer machen? Mit dieser Frage setzt sich das transnationale, EU-finanzierte Forschungsprojekt „Voices of Women“ auseinander, an dem Hochschulen aus Deutschland, den Niederlanden und Norwegen beteiligt sind.

Das Projekt wolle einen Rahmen schaffen für neue Formate zur Auseinandersetzung mit weiblichen Stimmen in der Musik und gleichzeitig Studierende dazu animieren, sich mit diesen Stimme zu beschäftigen. Das erklärt Dr. Lena Haselmann-Kränzle, Professorin für Gesang und Stimmbildung an der Weimarer Hochschule für Musik, im Gespräch mit SWR Kultur. Die Forscherin und Sängerin gehört zum Konsortium des Forschungsprojekts.

Das Projekt profitiert von internationaler Vernetzung

Begonnen habe „Voices of Women“ mit einem Fokus auf Komponistinnen und Musikerinnen des 19. Jahrhunderts. Mittlerweile beschäftige sich das Projekt aber auch mit den Musikerinnen in der Renaissance und der aktuellen Musik. Die Fragen, die die Forschenden dabei stellen, seien je nach Epoche völlig andere.

Das Projekt profitiert dabei stark von der internationalen Vernetzung. Gerade Skandinavien sei in Fragen der Gleichberechtigung Vorreiter, so Haselmann-Kränzle, auch schon in vergangenen Zeiten. Entsprechend wertvoll sei hier die Zusammenarbeit mit den Hochschulen in Tromsø und Stavanger.

Ein beachtliches historisches Beispiel für die norwegische Fortschrittlichkeit in der Vergangenheit: Bereits im 19. Jahrhundert stammte ein Drittel der publizierten Kunstlieder in Norwegen von Frauen. Diese Komponistinnen kamen zum Studium nach Deutschland und schrieben hier vornehmlich Werke mit deutschen Texten. Das Forschungsprojekt beschäftige sich nun etwa mit der Frage, was heute mit diesen Liedern passieren solle.

Bis heute ist unsere Vorstellung vom Musik-Genie männlich konnotiert

Doch nicht nur historische Fragen untersucht „Voices of Women“. Ganz aktuelle, gesellschaftliche Fragen, die im Rahmen des Projektes diskutiert werden, sind etwa die Sinnhaftigkeit der Definition nach Geschlechtern und die Frage nach feministischer Praxis im Musikunterricht.

Wie kann es etwa gelingen, auch zukünftig junge Menschen für das Thema Geschlechtergerechtigkeit in der Musik zu sensibilisieren? Und muss es vielleicht ein Umdenken in der Nutzung des althergebrachten Klassik-Kanons geben?

Noch immer, so Haselmann-Kränzle, sei unsere Vorstellung vom Musik-Genie und den großen Werken der Musik stark männlich geprägt. Vielen jungen Frauen fehle es daher an Mut und Bestärkung, sich als Komponistinnen zu versuchen.

Weitere Informationen auf der Homepage von „Voices of Women“

Eine Bergbeschreibung getrieben von Begierde

Vor ein paar Monaten, zwischen Weihnachten und Neujahr, verbrachte ich mit meiner Familie ein paar Tage in Avignon. Wie es dort zur Kultur dazugehört – jedenfalls sagte das mein Reiseführer – ließ ich mich von der lokalen Küche begeistern und verputzte ein paar Froschschenkel.

Als begeisterter Europäer mit einer ausgeprägten Frankophilie, dachte ich, das müsse jetzt mal sein. Es schmeckte, ich war happy. Kurz darauf, der Himmel blau und kein Wölkchen in Sicht, konnte ich vom Papstpalast aus in der Ferne auf den Mont Ventoux blicken, jenem Berg also, den Francesco Petrarca einst einfach so bestieg, ohne konkreten Grund – getrieben einzig „von der Begierde“, wie er schrieb, „diese Höhenregion mit eigenen Augen zu sehen“.

Da schaute ich auf den Berg und – verzeihen Sie mir mein Pathos – schon der Blick machte mich mehr als happy: So ein Glück, dachte ich, dass der da damals raufmarschiert ist und die Entwicklung dessen, was die europäische Kultur ausmacht, auf eine neue Stufe gehoben hat.

Zeitwort: Petrarca besteigt den Mont Ventoux

Würde Petrarca heute mit den Augen rollen?

Und was für ein Glück auch, dass ich – wenn ich es schon nicht verstehen, so doch wenigstens ein bisschen ahnen kann – welche wundervollen, bewegenden Kunst- und Kultur-Hervorbringungen auf Petrarcas eigentlich schlichte Entscheidung zum Gipfelsturm folgten: von der Sixtinischen Kapelle über den einleitenden G-Dur-Akkord in Beethovens 4. Klavierkonzert bis in die Gegenwart.

Wenn in arg verzwergten Diskussionen Kultur zum milliardsten Mal mit schlichtem Brauchtum verwechselt wird, etwa dem Verzehr einschlägiger Würstchen- oder Biersorten, dann stelle ich mir Petrarca vor, wie er bei Markus Lanz sitzt, frustriert mit den Augen rollt und sagt, dass er wegen solch würstchenhafter Plattitüden nicht da hochgekraxelt sei.

Außerdem, so Petrarca, sei auch die Fähigkeit des bloßen Aufsagens eines Gedichts, etwa aus der Feder des geschätzten Kollegen Goethe, ja ganz schön, aber auch nicht viel wert, wenn es nur ums bloße Aufsagen geht und nicht darum, dass man zulässt, nach dem Lesen des Gedichts womöglich ein anderer zu sein. „Da“, so Petrarca zum erstaunten Markus Lanz, „müsse man sich mal ehrlich machen“.

Auch der Kulturmensch ist dem Menschen ein Wolf

Natürlich hat, jenseits der gefühlt neun Millionen Kulturbegriffe, schon das Wort „Kultur“ für mich als Musiker einen zunächst durchweg positiven Klang. Dennoch: bei all dem gerade bejubelten Wahren, Schönen und Guten – nie darf vergessen werden, dass auch weit entwickelte Kulturen die dunkelsten Seiten des Menschen zu Tage treten lassen können.

Leider ist auch der Kulturmensch dem Menschen ein Wolf. Kultur, das ist also weder nur das Würstchen noch nur der Ablenkung versprechende Musentempel. Kultur – das sind wir. Wir können schön sein und wir können gefährlich sein.

Im Sommer, das habe ich mir vorgenommen, will ich wieder zum Mont Ventoux. Auf den Gipfel schaffe ich es sicher nicht, aber ich werde es wenigstens mal versuchen.

Der 24. Januar 1975: In Köln findet ein Konzert statt mit dem Jazzpianisten Keith Jarrett. Was da noch niemand weiß: Das Konzert wird legendär. Die Aufnahme des Konzerts ist die meistverkaufte Jazz-Soloplatte aller Zeiten.

Legendäre Livekonzerte müssen keine tote Materie sein und können wiederentdeckt werden, wie beispielsweise von der Pianistin Maki Namekawa. Sie spielt das „Köln Concert“ am 4. Mai im ZKM Karlsruhe. Über das magische Konzertereignis von damals und ihren Zugang zu Jarretts Musik erzählt sie in SWR Kultur.

„In Enescu steckt so ziemlich alles“

Großes, Geheimnisvolles kündigt sich zu Beginn der dritten Sinfonie von George Enescu an. Komponiert wurde sie ursprünglich von 1916 bis 1918, aber in den folgenden Jahrzehnten hat Enescu sie immer wieder überarbeitet – ein Lebenswerk. Es geht um alles. Aus der etwa zweiminütigen Einleitung des Kopfsatzes entwickeln sich heftige Kämpfe.

Das Klangbild dicht wie bei Richard Strauss, aber auch harsche Architektur wie von Brahms. Vor allem in anderen Werken auch rumänische volkstümliche Einflüsse, dazu französische Finesse des Wahl-Parisers: In Enescu steckt so ziemlich alles. 

Und alles gönnt sich auch die dritte Sinfonie, im Finale erklingen Glocken und Chor. Kosmisch übersteigert – aber nicht auftrumpfend oder lärmend pompös, sondern verklärend, philosophisch, auch diffus erotisch. Ein bisschen Szymanowski, ein bisschen Zauberer von Oz.

National bekannt

In Rumänien ist Enescu überall bekannt. Der Bukarester Flughafen ist nach ihm benannt, wie auch ein wichtiges Musikfestival und sein Heimatdorf. Aber anders als seine Generationsgenossen Schönberg, Strawinsky, Bartók oder Ravel wird Enescu weltweit eher wenig gespielt und schon gar nicht eingespielt.

Verdienstvoll also, dass sich das Orchestre National de France mit dem rumänischen Dirigenten Cristian Măcelaru jetzt Enescu vorgenommen hat: gleich drei Sinfonien auf drei CDs, dazu die beiden frühen Rumänischen Rhapsodien, von denen zumindest eine im Konzertbetrieb halbwegs präsent ist.

Langsame Sätze

Aber die erste Sinfonie von 1905 ist umso unbekannter, dabei ist sie reizvoll, vor allem der gefühlsinnige zweite Satz. Überhaupt gefallen Enescus langsame Sätze. Auch in der zweiten Sinfonie, die ab 1912 entstand. Immer wieder wird man daran erinnert, dass Enescu auch ein herausragender Geiger war und Lehrer von Yehudi Menuhin.

Dichte, manchmal dicke Musik sind zur hören, sie sind verschachtelt und sinnlich. Melomanisch mäandernd, aber nicht melodiös im Sinne von Ohrwürmern. Und man muss Enescus erschlagende Großwerke öfter hören, um einigermaßen durchzusteigen – am Anfang ist das ein durchaus strapaziöses Vergnügen. 

Ein Problem der Aufnahme

Der Dirigent Cristian Măcelaru ist auch Geiger. Enescu nennt er ein großes Genie und seinen persönlichen Helden. Tiefe Sehnsucht ist für Măcelaru, was alle Werke Enescus verbindet. 

Ideale Voraussetzungen also für dieses Album. Und doch gibt es für mich einen Dämpfer, und zwar im Wortsinn: Die Einspielung klingt in meinen Ohren stumpf. Hohes Holz kommt schön zur Geltung, aber das Blech klingt gedeckelt, der Bass trägt nicht, Harfen und Pauken kommen von sonstwo. Alles, was „hinten“ ist, fehlt in der Aufnahme. Das ruft bei mir manchmal einen verwaschenen Eindruck hervor. Kein Problem des Komponisten oder der ausführenden Interpreten, sondern der Aufnahme. 

Empfehlenswerte Alternative

Insofern wären im spärlichen Enescu-Katalog eine Alternative etwa die Aufnahmen des finnischen Tampere Philharmonic Orchestra unter dem Dirigenten Hannu Lintu im Label Ondine: Sie sind feuriger interpretiert, was Geschmackssache ist – vor allem aber brillanter aufgenommen.

Măcelarus Interpretationen sind eher breit, gediegener – das hat auch etwas. Und jedenfalls liefert auch sie einen kompakten Einstieg in die großorchestrale Orchesterwelt von Enescu.

Arnold Schönberg wurde vor 150 Jahren in Wien geboren. Die Musik des Erfinders der Zwölftontechnik und Begründers der zweiten Wiener Schule gilt allerdings noch immer als sperrig und ist nur in Teilen im Kanon des Opern- und Konzertbetriebs angekommen. In seiner Geburtsstadt widmet sich nun das Theater an der Wien dem Geburtstagskind mit einer außergewöhnlichen Produktion.

Eigentlich leitet sich die Walpurgisnacht von der heiligen Walburga ab. Sicherlich eine Frau, aber nicht unbedingt eine Hexe. Dennoch hat sich der Legende nach eine Art Alternativfeier auf dem Brocken oder volkstümlich Blocksberg herausgebildet. Ein Hexensabbat, ein heidnisches Naturfest, mit dem in den Mai getanzt wird. Und der hat auch musikalische Spuren hinterlassen.