Treffpunkt Klassik

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By SWR
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Treffpunkt Klassik episodes

  • Die Geigerin Chouchane Siranossian ist Artist in Residence beim Bodenseefestival
    „Ich werde verschiedene Gesichter von mir zeigen“, sagt Chouchane Siranossian. Die französisch-schweizerische Geigerin ist Artist in Residence beim diesjährigen Bodenseefestival vom 27. April bis 20. Mai. In SWR Kultur spricht sie über ihren Werdegang und ihre Energiequellen, wie ihre Beschäftigung mit Alter Musik ihr Musizieren beeinflusst und warum ihr ein Festival-Konzert mit armenischer Musik besonders am Herzen liegt.
    7 min
  • Warum Gaming Music die Klassikszene erobert: Corinna Rottschy im Gespräch
    „Gaming Music ist zum Teil wie klassische Musik“, sagt Corinna Rottschy vom Westdeutschen Rundfunk. Als Redakteurin und Orchestermanagerin des WDR Funkhausorchesters ist sie verantwortlich für dessen Gaming-Sounds-Konzerte: Musik von Computerspielen, aufgeführt von einem klassischen Symphonieorchester – und das mit großem Erfolg vor allem bei einem jungen Publikum. In SWR Kultur spricht Rottschy über die aktuelle Attraktivität dieses Musikgenres, dem derzeit auch die ARD Mediathek in Form zahlreicher Konzertmitschnitte einen Schwerpunkt widmet.
    7 min
  • Mainz feiert den 200. Geburtstag des Komponisten Peter Cornelius
    Der Komponist Peter Cornelius feiert in diesem Jahr gleich zwei Jubiläen: Vor 200 Jahren wurde er geboren, vor 150 Jahren ist er gestorben. In Mainz – seiner Geburts- und Heimatstadt – gibt es ihm zu Ehren sogar ein ganzes Festival und eine Ausstellung in der Wissenschaftlichen Stadtbibliothek, die am 24. April eröffnet wird. Nina Waßmundt hat sich dort umgeschaut und schildert ihre Eindrücke zur Schau über den künstlerisch vielseitig begabten Mainzer.
    7 min
  • Intime Einblicke: Arnold Schönberg – Euer Ani, Ini, Arnold Daddi
    „Euer Arni, Ini, Arnold Daddi“ nennt sich das neue Buch von Karin Wagner, sie ist Musikwissenschaftlerin und Pianistin und unterrichtet an der Universitär für Musik und darstellende Kunst Wien. Bewusst, so scheint es, hat die Autorin ein verspieltes Zitat des Zwölftöners Schönberg als Titel genommen.
    Es stammt aus einem Brief, den Schönberg im November 1940 auf einer Zugfahrt an seine Familie schreibt. Der Komponist ist gerade auf dem Weg zu einer Plattenproduktion seines „Pierrot Lunaire“ und kaum hat der wackelige Zug den Bahnhof verlassen, greift er auch schon zur Schreibmaschine, wobei die Buchstaben ganz schön durcheinandergewirbelt werden. Die Autorin selbst liest vor: 
    Jetzt bin ich schon 16 Stunden von euch fort, und das ist nur ein kleiner Teil der Zeit, die ich abwesend sein werde. Das ist sehr unangenehm, aber noch unangenehmer. Und dieses Wort „unangenehmer“, da purzeln die Buchstaben hin und her. Ist es, in diesem wackeligen Zug zu schreiben. Das ist nur ein Spaß, aber es ist wirklich schwer. Ich weiß nie, welchen Buchstaben ich schreiben soll, weil mir die Maschine immerwährend des Schreibens davonrennt. Ich mache deswegen jetzt auch Schluss. Mir geht es gut und ich vermisse eure Bussis. Ihr müsst mir viele schicken. Ich sende euch – und jetzt kommt ein Eins mit elf Nullen. Bussis. Euer Ani. Ini. Arnold! Daddy.  

    Quelle: Arnold Schönberg im Brief „An, die liebste Trude, die Liebste, nur ihr und den Liebsten rum“

    Privat humorvoll, in der Öffentlichkeit streng
    Während wir den Komponisten Schönberg, den strengen Zwölftöner mit der markanten Halbglatze und den großen Augen bereits aus vielen Publikationen kennen, widmet sich Karin Wagner in ihrem Buch bewusst ganz dem Familienmenschen Schönberg – und der erstaunt vor allem durch seine liebevollen Äußerungen und viel Humor. Ein Bild, das man beim Lesen, zumindest am Anfang, irgendwie gar nicht mit dem öffentlichen „strengen“ Schönberg zusammenbringen möchte. 
    Nach und nach gleitet man hinein, in die Erinnerungen der drei Schönberg-Kinder, Nuria, Ronald, und Lawrence – die das Zentrum des Buches bilden und denen die Publikation auch gewidmet ist. 
    „Lädt zum verschmitzten Schmunzeln ein“
    In jeweils neunstündigen Gesprächen mit der Autorin Karin Wagner, berichten die Geschwister vom originellen und verspielten Vater. Die Rückblicke sind selbsterklärend und bleiben im Buch auch unkommentiert. Kontextualisiert wird die nicht-chronologische Aufarbeitung von ausgewählten Essays der Autorin. 
    Das Ergebnis ist ein authentischer und zum Großteil unbekannter Blick auf den „privaten“ Komponisten, dieses ganz neue und doch irgendwie vertraute Bild, das auch zum verschmitzten Schmunzeln einlädt. Etwa wenn man erfährt, dass Schönberg ein Fan von Boxkämpfen war – sofort muss man sich den genialen Komponisten, mitfiebernd, vor dem Radiogerät vorstellen. 
    Leben im Exil
    Ebenso amüsant ist auch jene Passage, in der der strenge Komponist einmal Pause von der Systematisierung von Tonsystemen macht und sich stattdessen lieber der Ökonomisierung des Geschirrabwaschens widmet. 
    Trotz dieser vielen reizvollen Momente ist Karin Wagners Buch aber kein oberflächliches Heile-Welt-Familienalbum. Denn die Schilderungen der Schönberg-Kids erzählen auch von den außergewöhnlichen Zeitumständen, von Schönbergs Flucht in die USA und dem Leben im Exil. 
    Das Ende des Komponisten
    Ein zentrales Kapitel – „Gott zu finden und religiös zu werden“ –erstaunt sogar mit Schönbergs Weltanschauungen, hat doch der Komponist mit der Sozialdemokratie ebenso geliebäugelt wie mit der alten Monarchie und – kurzfristig – sogar mit deutschnationalen Ideen. Die Bedeutung des Judentums für den Komponisten, ja für den Menschen Schönberg erhält so ein neues Gewicht. 
    Schließlich sprechen die drei Schönberg-Kinder auch über Krankheit und Tod des Neutöners, ebenso, dass sich die Mutter die 500 Dollar für die Begräbniskosten von jemandem leihen musste, schien doch am Ende das Geld zu fehlen.
    Die Tochter erinnert
    Die intimen Erinnerungen von Nuria, Ronald und Lawrence Schönberg, die Karin Wagner mit ihrem Buch für die Nachwelt erhalten möchte, erlauben einen tiefen Blick in die Persönlichkeit des berühmten Komponisten, den es in dieser Form für eine breitere Leserschaft wohl noch nicht gegeben hat. Mit einem wehmütigen Auge – einer Erinnerung von Nuria Schönberg – schließt das Buch auch.
    Was ich mir oft wünsche: nach großartigen Aufführungen – wenn ich sehr glücklich bin, weil die Leute seine Musik lieben und ich auch so viele Briefe von Menschen bekomme, die das sagen – dann wünsche ich mir ständig, ihm das zu erzählen. Ich wünschte, ich könnte dann zu meinem Vater hinlaufen oder hingehen. Ich habe oft das Gefühl, als würde er noch leben und ich sage mir dann selber: „Nun muss ich gehen, um Daddy zu erzählen, welch großer Erfolg dies war. Und dass er recht hatte.“

    Quelle: Schlusssätze des Buches „Arnold Schönberg – Euer Ani, Ini, Arnold Daddi“

    6 min
  • Nahbare Neue Musik von Guicheff Bogacz
    Trügerische Naturidylle
    Die ersten Töne erinnern an einen schrägen Vogel. Man hört Wiederholungen hoher Töne und Gleitbewegungen. Immer wieder ertönt die Vogelstimme, leise antworten repetierte Töne von Klavier und Woodblock. „Vos, seguime“, übersetzt: „Folge mir!“ heißt das erste Stück auf einer CD, die den Komponisten Vladimir Guicheff Bogacz porträtiert.
    Der Aufforderung folgt man gerne, denn das Stück zieht einen in die Klänge hinein. Es hat einen eigenen Sog. Aber Vorsicht! Wer dachte, hier ginge es um eine musikalisch imitierte Naturidylle, der wird ziemlich rasch eines Besseren belehrt.
    Ton-Jongleur
    Der Vogel vorhin war natürlich nur eine verkleidete Violine, die zu einem Klaviertrio gehört. Dieses Ensemble bleibt aber nicht ungestört. Der Schlagzeuger am Holzblock ist Teil eines zweiten Trios, das sich ganz langsam einschleicht in das Stück. Eine Tuba tupft sanfte Töne unter feine Geigentremoli und unter knarzende Klänge des Cellobogens.
    Und so sehr der Perkussionist den Specht auch weiterhin hämmern lässt: Neben die Naturidylle tritt jetzt die Kunst. Immer wieder nimmt Vladimir Guicheff Bogacz die Klänge auseinander, kombiniert oder färbt sie neu, fügt mikrotonale Schwebungen hinzu, lässt den Schlagzeuger mit unterschiedlicher Dämpfung und diversen Schlaggeräten experimentieren.
    Der Komponist führt Instrumente so lange parallel, bis die Klänge sich kaum mehr voneinander unterscheiden, jongliert mit Kontrasten in Dynamik, Artikulation und Registern. Ein launisches Spiel, das die Musizierenden des Ensembles Musikfabrik kunstvoll mitspielen.
    Gesprenge Genregrenzen
    Der Uruguayer Guicheff Bogacz ist Gitarrist und sagt von sich, dass er Instrumente immer erst berühren und mit seinem eigenen Körper spüren muss, um für sie schreiben zu können. Tatsächlich hat das spielerische Ausprobieren, von dem alle seine Werke leben, immer etwas sehr Direktes, Körperliches.
    Für Dramaturgie hat Vladimir Guicheff Bogacz ein gutes Gespür. Auch wenn er immer wieder alle Genregrenzen sprengt, nimmt er die Zuhörenden an die Hand – und ebenso die Musizierenden, die deshalb auch mit hörbarer Freude bei der Sache sind.  Wer diesem Komponisten aufmerksam zuhört, darf sich vor allem zweier Dinge sicher sein: erstens, dass hier überhaupt nichts sicher ist; und zweitens, dass das Ungewisse richtig viel Spaß macht.
    6 min
  • Auf dem „untersten Platz“: Immanuel Kant und die Musik
    Die Musik auf dem letzten Platz
    Man kann es einfach nicht anders sagen: Mit der Musik verband ihn alles andere als eine innige Zuneigung. Dem rationalen Aufklärer Immanuel Kant war die Tonkunst einfach zu gefühlig, zu wenig begrifflich und auch ihr, wie er sagte, »transitorischer Eindruck«, also ihre Flüchtigkeit in der Zeit, war ihm suspekt. Dementsprechend stand für ihn die Dichtkunst an der Spitze der Kunstrangliste, während es für die Musik weniger gut aussah.
    Wenn man den Wert der schönen Künste nach der Kultur schätzt, die sie dem Gemüt verschaffen, und die Erweiterung der Vermögen, welche in der Urteilskraft zusammenkommen müssen, zum Maßstabe nimmt, so hat Musik unter den schönen Künsten den untersten Platz, weil sie bloß mit Empfindungen spielt.

    Quelle: Aus Immanuel Kants Kritik der Urteilskraft, § 53 Vergleichung des ästhetischen Werts der schönen Künste untereinander

    Nicht sonderlich erkenntnisfördernd sei die Musik. Keine Begriffe, keine Gedanken — nur Affekte. Und sie habe, zumindest aus der Sicht Immanuel Kants, noch einen weiteren Makel: man hört sie — ob man will oder nicht. 
    Der Musik hängt ein gewisser Mangel der Urbanität an, dass sie nämlich ihren Einfluss weiter als man ihn verlangt ausbreitet, und so der Freiheit anderer Abbruch tut. Es ist hiermit fast so, wie mit der Ergötzung durch einen sich weit ausbreitenden Geruch bewandt. Der, welcher sein parfümiertes Schnupftuch aus der Tasche zieht, traktiert alle um und neben sich wider ihren Willen, und nötigt sie, wenn sie atmen wollen, zugleich zu »genießen«.  

    Quelle: Aus Immanuel Kants Kritik der Urteilskraft, § 53

    Sensibles Gehör
    Wider Willen beschallt zu werden, musste dem Philosophen der Freiheit natürlich ein Graus sein. Schließlich handelten aufdringlich musizierende Nachbarn dem kategorischen Imperativ aufs Schärfste zuwider. Und sicher würde niemand wollen, dass die Erzeugung von »Musiklärm« allgemeines Gesetz würde.
    Aber vielleicht war Kants Abneigung gegen akustische Nötigungen gar nicht so sehr ethisch motiviert. Der Philosoph scheint nämlich, wie sein Privatsekretär Wasianski zu berichten weiß, eine durch und durch geräuschempfindliche Person gewesen zu sein.
    Eine Zeit lang wohnte er bei dem Direktor Kanter, aus dessen Hause ihn aber ein Nachbar vertrieb, der auf dem Hofe einen Hahn hielt, dessen Krähen unseren Kant im Gange seiner Meditationen zu oft unterbrach. Für jeden Preis wollte er ihm dieses laute Tier abkaufen und sich dadurch Ruhe verschaffen, aber es gelang ihm bei dem Eigensinn des Nachbars nicht, dem es gar nicht begreiflich war, wie ein Hahn einen Weisen stören könnte.

    Quelle: Aus: Immanuel Kant. Ein Lebensbild: nach Darstellungen der Zeitgenossen Jachmann, Borowski, Wasianski

    Ob das Schicksal des Hahns, hätte Kant ihn verkauft bekommen, mit dem kategorischen Imperativ vereinbar gewesen wäre, sei dahingestellt.
    Waren es wirklich nur Geräuschhaftigkeit und Gefühlsüberschwang, die ihm die Tonkunst verleidet haben? Oder war dem präzisen Denker, dem Regeln und Prinzipien über alles gingen, die Musik einfach nicht rational genug — und damit am Ende zu »gefährlich«?
    Er selbst spielte kein Instrument, auch riet er keinem, der sich den Wissenschaften widmete, zur Musik, weil man durch sie zu leicht von wissenschaftlichen Beschäftigungen abgehalten würde. Auch hielt er es für rätlich, dass man eine Tochter eher von einem Koch in der Kochkunst unterrichten lassen möchte als von dem Musikmeister in der Tonkunst, weil sie sich bei ihrem künftigen Manne weit mehr Achtung und Liebe erwerben würde, wenn sie ihn nach vollbrachter Arbeit mit einer wohlschmeckenden Schüssel ohne Musik als mit einer schlechtschmeckenden mit Musik aufnehmen möchte.

    Quelle: Aus: Immanuel Kant. Ein Lebensbild: nach Darstellungen der Zeitgenossen Jachmann, Borowski, Wasianski

    Ein Fan der Wachtparade
    Nicht unbedingt ein Plädoyer für die musikalische Bildung. Aber womöglich eine Bestätigung der These, dass die Tonkunst in Kants Verständnis einfach zu viel Unruhe ins Leben bringt. Dazu passt auch, dass eine Erscheinungsform von Musik, die der Königsberger Philosoph — laut seinem Privatsekretär — dann doch zu schätzen wusste, mit äußerster Disziplin zu tun hat.
    Eine augenblickliche Unterhaltung gewährte ihm die Musik beim Aufziehen der Wachtparade. Er ließ, wenn sie bei seinem Hause vorbeizog, sich die Mitteltür seiner Hinterstube, in der er wohnte, öffnen und hörte sie mit Achtsamkeit und Wohlgefallen.

    Quelle: Aus: Immanuel Kant. Ein Lebensbild: nach Darstellungen der Zeitgenossen Jachmann, Borowski, Wasianski

    Müssen wir uns Immanuel Kant tatsächlich als Liebhaber preußischer Militärmusik vorstellen? Dabei hätte er doch eigentlich Joseph Haydn, seinen »Kollegen« in Sachen Aufklärung mit »Achtsamkeit und Wohlgefallen« hören müssen! Aber letztlich muss man ja nicht musikalisch sein, um einen genialen Philosophen abzugeben.
    6 min
  • Valerie Eickhoff wird Mitglied der Semperoper und erhält Opus Klassik
    Die Mezzosopranistin Valerie Eickhoff wird seit zwei Jahren als SWR Kultur New Talent gefördert – und beginnt in der nächsten Saison ein neues Kapitel in ihrer noch jungen Karriere: Sie wird Mitglied im Ensemble der Dresdner Semperoper. In SWR Kultur spricht sie über ihr bevorstehendes Debüt, die künftigen Aufgaben und ihr neu erschienenes Album mit Hanns Eislers „Hollywood Songbook“.
    Ihr Lieblingslied des Songbooks ist Eislers „Über den Selbstmord“, hier zeige Eisler, wie subtil Musik sein könne, erst im allerletzten Takt erschließt sich die Bedeutung des Liedes, erklärt Eickhoff.
    9 min
  • Komponist*in Mart*in Schüttler: Was darf Kultur?
    „Kunst ist keine Kultur und Kultur ist keine Kunst!“, sagt Komponist*in Mart*in Schüttler zur Frage des erweiterten Kulturbegriffs, den Schüttler sehr viel größer fasst. Kultur soll nicht beruhigen, sondern herausfordern und das Unbekannte in uns ansprechen, so Schüttlers Meinung.
    9 min
  • Wie uns etwas verloren ging: „Das Echo der Zeit“ von Jeremy Eichler
    „Geiste Tradition“
    Der Untertitel von Jeremy Eichlers Buch lautet in deutscher Übersetzung: „Die Musik und das Leben im Zeitalter der Weltkriege“. Dieses Leben wird mitunter beschrieben durch eine Anekdote wie diese: Stefan Zweig, der vor 1933 erfolgreichste österreichische Autor, investierte seine enormen Einnahmen vor allem in Devotionalien der Musikgeschichte – sozusagen in Reliquien:
    So besaß er von Mozart einen Ehevertrag; von Beethoven einen Kompass, eine Geige und einen Sahnelöffel. Der Gegenstand, den Zweig am meisten schätzte und den er bis zum letztmöglichen Augenblick bei sich behielt, war Beethovens Schreibtisch. Er benutzte ihn als eigenen Schreibtisch und bezeichnete ihn als ‚Familienheiligtum‘.
    Im Buch von Jeremy Eichler scheint es völlig plausibel, dass ein Geistesmensch wie der jüdische Autor Zweig seine Wohnung in den Jahrzehnten zuvor mit einer musikhistorischen Aura deutschen Akzents ausgestattet hatte. Zweig lebte in einer geistigen Tradition, auch wenn er kein Musiker war. Das Staunen über diese Tradition aus der Sicht eines Amerikaners durchzieht Eichlers Buch.
    Musikalische Splitter
    Deutschland als Idee, die in Musik aufgehoben war, bis die Nazis diese Idee pervertierten – indem sie zum Beispiel Komponisten von Mendelssohn bis Mahler verboten. Strukturiert wird das Buch durch die tragischen Lebenswelten von Arnold Schönberg, Richard Strauss, Dmitri Schostakowitsch und Benjamin Britten.
    Es geht um die Trümmer und die Splitter jenes ideellen, in der Musik aufgehobenen Deutschlands. Es sind Splitter, die sich, un- oder willentlich, in Werk und Persönlichkeit dieser Komponisten eingruben. 
    Sei es Benjamin Brittens widersprüchlicher Pazifismus oder Richard Strauss’ selbstgerechte Nazi-Anbiederung: Der Amerikaner Eichler stößt manchmal auf eine unheimliche Gegenwart der Vergangenheit, so in Garmisch-Partenkirchen:
    Mein Gastgeber, ein sympathischer Musikwissenschaftler, der das Richard-Strauss-Institut leitet, nickte verständnisvoll. Fast vier Monate danach erhielt ich ein Schreiben dieses Leiters. Darin teilte er mir mit, dass die Familie Strauss keines der erbetenen Dokumente zugänglich machen würde.
    Zweckentfremdete Musik
    Aber Jeremy Eichler, geboren 1974, hat auch den Abstand, um auf Strauss’ Denken und Handeln, auf seine Attitüde des Nietzscheanischen Übermenschen sehr analytisch zu blicken. Ausgangspunkt ist ein musikalischer Motivsplitter in Strauss’ resignativem Streicherstück „Metamorphosen“ aus dem Jahr 1945.
    „Alle Menschen werden Brüder“: Deutsche Musik war seit dem neunzehnten Jahrhundert bis 1945 nie nur Musik, nie frei von Humanismus als universeller Idee – das musste auch der alte Strauss noch erfahren. Und diese Tatsache wirkte weit über Deutschland hinaus. Selbst Schostakowitschs dunkle Dreizehnte Sinfonie über das Massaker der Deutschen Wehrmacht im ukrainischen Babi Jar stammte letztlich von der musikalischen Poetik des deutschen Musikheros Beethoven ab. 
    Verlorengegangener Sinn für humanistische Bedeutung
    Und noch einmal recherchiert Jeremy Eichler so obsessiv, dass sich historischer Abstand und Nähe auf schockierende Weise treffen. Eichler fährt noch kurz vor Putins Angriff zu dem Ort, wo das Sowjet-Regime jede nur erdenkliche Spur zur deutschen Untat an ukranischen Juden verwischen ließ – die Schlucht Babi Jar wurde buchstäblich aufgefüllt.
    Jeremy Eichlers „Das Echo der Zeit“ richtet sich an musikalisch wie historisch Interessierte. Die sehr gute Übersetzung stammt von Dieter Fuchs.
    Das Buch stößt uns, ohne es zu betonen, auf eine Tatsache: Im Land Beethovens selbst ist etwas verloren gegangen – und das ist nicht unbedingt die Musik selbst: Es ist der Sinn für die humanistische Bedeutung, die sie in diesem Land einmal hatte. Da können wir noch so viele Mendelssohn-Denkmäler rekonstruieren.
    6 min
  • Rachel Portmans Suite für Violine: Konzeptalbum von Niklas Liepe
    Immer heißer
    Die ach so zivilisierten Gesellschaften der wohlhabendsten Staaten dieser Welt haben es geschafft: das Klima, und mit ihm das menschliche Leben auf diesem Planeten, stehen auf der Kippe. 1,5 Grad – dieses Ziel hat die Weltgemeinschaft so gut wie verfehlt, allen voran die reichsten Industrienationen Kanada, Australien, die USA, Saudi-Arabien, China und Deutschland.
    Über 40 Milliarden Tonnen wurden im Jahr 2023 vor allem durch fossile Energiegewinnung in die Atmosphäre gepustet. Arten sterben aus, der Ozean leert sich, die Eisvorräte des Planeten schmelzen. Wirbelstürme verwüsten Städte, Fluten reißen Häuser ein, Feuer zerfressen die Landschaft. Es wird heißer und heißer.
    Das Verhältnis des Menschen zur Umwelt
    Was kann Kunst, was kann Musik in so einer Zeit leisten – oder ist sie gar belanglos angesichts des realen Leids überall? Kann Kunst die sich auflösende Welt irgendwie zusammenhalten? Kann Musik vielleicht sogar Veränderung anstoßen?
    Der Geiger Niklas Liepe, die Komponistin Rachel Portman und der Dichter Nick Drake glauben daran. Sie haben sich dazu entschieden diese Fragen selbst zum Thema zu machen. Auf ihrem Album „Tipping Points“ – „Kipppunkte“ verbinden sie auf zwei CDs Musik von Rachel Portman und Antonio Vivaldi miteinander, die sich im Großen und Ganzen mit dem Verhältnis des Menschen zur Umwelt befassen – Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ hat Komponist Wolf Kerschek dabei für Geiger Niklas Liepe umarrangiert zu einem filmmusikalischen Großwerk.
    „Tipping Points“: Die vier Elemente
    Zentrum des Album-Projekts ist aber das 2022 uraufgeführte gleichnamige Werk „Tipping Points“ von Rachel Portman: ein spartenübergreifender Zyklus, der Portmans Musik mit eingesprochenen Gedichten von Nick Drake verbindet.
    Alles beginnt mit einer Anrufung, einer Erinnerung daran, dass diese Veränderung gerade keine natürliche ist – sondern eine menschengemachte und eine bedrohliche. Dann widmen sich die Interpretinnen und Interpreten, das WDR Funkhausorchester unter Leitung von Erina Yashima, Solist Niklas Liepe und Sprecherin Grainne Dromgoole, einem jeweils musikalischen Porträt jedes der vier Elemente – Luft, Wasser, Feuer und Erde.
    Alle Augen richten sich hier also auf die Natur, ihre Schönheit, ihre Verletzlichkeit, aber auch ihre Kraft. Die Musik klingt dabei mitunter so harmonisch und sanglich, und der Text balanciert seine sprachlichen Mittel so sauber, dass beides zusammen regelrecht entrückt wirkt, märchenhaft-filmisch, wie aus einer fantastischen Saga – als hätte jemand auf „Pause“ gedrückt, um der Geschichte noch eine Moral hinzuzufügen.
    „Ehrlicher Versuch“
    Allerdings: Man kann nicht auf „Pause“ drücken. Ist Rachel Portmans Komposition also der Soundtrack zur Apokalypse, von den und für die Privilegierten, die sich erschrecken, wenn sie in den Nachrichten Bilder von brechenden Eisbergen, Hunger und Zerstörung sehen?
    Vielleicht. Zuerst aber ist dieses Album ein sehr ehrlicher Versuch, mittels Text und Musik der Ohnmacht, Angst und Überwältigung Ausdruck zu verleihen, die wohl jeder und jede spürt, wenn sie sich nur ein bisschen tiefer mit der Katastrophe beschäftigt.
    So nachvollziehbar wie dieses Gefühl ist auch die Musik, ist auch der Text, und das ist okay. Als Zeitzeugnis ist dieses Album daher sehr wertvoll. Und wenn schon alles andere nicht hilft, vielleicht schafft es ja die Kunst ein paar von uns aus ihrer Passivität herauszuholen.
    Zur gesamten Aufnahme von Rachel Portmans „Tipping Points“ mit dem WDR Funkhausorchester und Niklas Liepe
    6 min

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