Treffpunkt Klassik

Trennung von Pop- und Hochkultur in Deutschland besonders stark

„Ich glaube, es gibt in kaum einem anderen Land eine so starke Trennung in Hochkultur und eher populäre Kultur“, sagt Mandel. Sie würde sich sehr wünschen, dass wir uns davon lösen. Gerade auch öffentliche Kultureinrichtungen und der öffentlich-rechtliche Rundfunk sollten sich deutlich breiter aufstellen.

Hochkultur ja, aber was hat das mit mir zu tun?

Die Unterscheidung zwischen E- und U-Kultur, ernste Kultur und Unterhaltungskultur, sei nicht gut in Hinblick auf die kulturelle Teilhabe. Bevölkerungsbefragungen, die Mandel gemacht hat, zeigen: Viele haben zwar das Gefühl, klassische Hochkultur sei „unglaublich wertvoll für die Gesellschaft“, aber auch, dass sie „überhaupt nichts mit ihrem eigenen Leben zu tun“ habe. Dass sie das nicht verstehen, dass sie keinen Zugang haben und auch keine Lust drauf haben.

Kultur braucht mehr populäre Themen und Vermittlung

Zum einen müsse die Programmgestaltung in den öffentlich geförderten klassischen Kultureinrichtungen, in Theatern, Museen etc., deutlich durchlässiger werden, betont Mandel: mehr populäre Themen und vielfältigere Inhalte, nicht nur der klassische Kanon.

Kulturvermittlung ist kein fachwissenschaftliches Seminar

Aber es ginge natürlich auch darum, dass „eigentlich immer noch so anhand fachwissenschaftlicher Kriterien“ vermittelt wird. „Da hört man dann irgendwelche Einführungen und hat das Gefühl, man sitzt in einem kunsthistorischen oder musikwissenschaftlichen Seminar, statt wirklich klar verständliche, populäre, niedrigschwellige, spannende Geschichten“ zu hören.

Also von Schiller, Goethe, Beethoven, Mozart verabschieden?

„Nein“, sagt Birgit Mandel, das würde sie nicht machen, weil es ja ein unglaublicher Gewinn sei, unsere Tradition ganz viel Wert habe. Aber der Kulturbegriff von Menschen mit Migrationshintergrund in Deutschland sei deutlich weiter, sie hätten viel weniger Zugang zum westlichen Kanon und dafür andere kulturelle Ideen und Programme.

„Ich glaube, es ist wichtig, dass wir die Dinge miteinander verschränken“, findet Mandel, „dass wir viel mehr, vielleicht auch so Crossover-Veranstaltungen machen, was Leute ganz spannend finden.“

Überraschen statt formatieren  – Mehr Mut zum Crossover

Auch im öffentlich-rechtlichen Rundfunk wundert sich Mandel, „dass es immer noch solche Spartenprogramme gibt, wo dann quasi alles, was komplexe, elitäre klassische Kultur ist, zusammengepackt wird.“

Stattdessen solle man einfach versuchen, das auch in populären Programme einzubauen und Menschen, die das auch gar nicht erwarten, mal zu überraschen. Da kommt dann plötzlich zwischen der bekannten Popmusik auch mal ein kurzes, klassisches Stück, aber vermittelt mit einer spannenden Story.

In Zeiten der Spaltung kann Kultur Menschen zusammenbringen

Man müsse sich außerdem lösen von diesem eher elitären Sprachduktus, den Mandel oft wahrnimmt, wenn es um klassische Kultur geht. Für sie ist das „absolut notwendig“.

In Zeiten, wo die Gesellschaft so sehr auseinander driftet, könne Kultur wirklich das Potenzial haben, Menschen zusammenzubringen über soziale Milieus, politischer Auffassungen hinweg. Kultur habe dieses Potenzial, dürfe jedoch nicht in „Spartenprogrammen eingesperrt“ bleiben.

Kultur darf das – ja was denn eigentlich?

„Eigentlich alles“, resümiert Mandel und plädiert noch einmal intensiv für die gesetzlich verankerte Kunstfreiheit: „Kultur darf widersprüchlich sein. In der Kultur gibt es kein Richtig und kein Falsch. In der Kultur gibt es ganz unterschiedliche Wahrheiten und Perspektiven.“

Kultur könne alles zusammenbringen, alles ausprobieren. „Das ist das Wunderbare, mindestens in der Kunstkultur, dass sie ja dafür steht, dass sie keinen bestimmten Zweck hat und dass sie tendenziell utopisch ist. Alles ist möglich, alles kann man einfach spielerisch ausprobieren. Und dann sieht man weiter.“

Am Pult war Sir Neville Marriner nie ein Mann der großen Worte. Gesten, Blicke, kurze, oft auch mit britischem Humor gefärbte Anweisungen – ein Mann, der um die Privilegien seines Berufes und die eigene Herkunft immer gewusst hat.

Marriners Vater war Bauarbeiter mit Leidenschaft für Musik

Über seine Eltern erzählt er, dass sie immer sehr viel und sehr hart gearbeitet haben. Sein Vater habe sein ganzes Leben lang gearbeitet, er sei Bauarbeiter gewesen, aber seine wirkliche Leidenschaft war die Musik. Als junger Mann lernte er das Klavierspiel.

Außerdem habe es im Norden Englands eine bedeutsame Chortradition gegeben. Jeder habe gesungen. Als Marriner ungefähr fünf Jahre alt war, brachte sein Vater ihm das Geigenspiel bei.

Wenn Du Dirigent bist, freust Du Dich, in gewisser Weise Kontrolle über die Dinge zu haben. Als Orchestermusiker wiederum muss man alles sehr vorsichtig und akkurat beobachten.

Marriner als Geiger im im London Symphony Orchestra

Neville Marriner kommt am 15. April 1924 in Lincoln in Mittelengland zur Welt. Sein Studium in London muss er unterbrechen. Im Zweiten Weltkrieg wird er an die Front abkommandiert.

Verwundet kehrt Marriner zurück. Er nimmt seine Studien wieder auf, sammelt in einem Streichtrio und einem Quartett erste Erfahrungen in der Kammermusik. Doch sein Geld verdient er als Geiger, zuerst im Philharmonia Orchestra, dann – als Stimmführer der zweiten Geigen – im London Symphony Orchestra.

Zu seinen Erfahrungen dort derzählt er: „Der erste Dirigent, der mich überzeugte, dass es für ein großes Sinfonieorchester möglich ist, Musik im Stile des 18. Jahrhunderts zu machen – Mozart, Haydn, Beethoven – war Josef Krips. Er kam damals aus Wien nach London und veränderte den Klang des London Symphony Orchestra in kurzer Zeit.“

Die Academy of St Martin in the Fields wird geboren

In den späten 50er-Jahren lädt Marriner eines Tages mehrere Musiker zu sich nach Hause ein – zum zwanglosen Musizieren. „Es war aus reiner Freude“, sagt er. Einige von ihnen seien Kammermusiker, andere Solisten gewesen. Aber auf beiden Feldern war es sehr schwierig, eine erfolgreiche Karriere zu planen.

Ich war damals gerade zwei Jahre beim London Symphony, als drei oder vier Kollegen auf die Idee kamen, ein eigenes Orchester zu gründen – nur für Streicher.

Auf den ersten Programmen findet sich ausschließlich Barockmusik, doch die neu gegründete Academy of St Martin in the Fields erweitert ihr Repertoire immer weiter – und damit auch die Größe ihrer Besetzung. Im Fokus über viele Jahrzehnte steht die Musik von Wolfgang Amadeus Mozart.

Sir Neville Marriner und die Academy auf YouTube

Musik von Mozart im Mittelpunkt

Begünstigt durch den Erfolg der Filmmusik zum Mozart-Kinohit „Amadeus“ entwickelt sich die Academy zu einem der erfolgreichsten Orchester ihrer Zeit und produziert eine Vielzahl an Aufnahmen, darunter fast sämtliche Sinfonien Mozarts, die meisten seiner Konzerte und Serenaden sowie die großen Opern, welche Marriner ganz besonders liebte:

„Die Sänger kamen damals und wohnten in unserem Haus und wir erzählten und gingen dann ins Studio. Das waren ideale Bedingungen. Mozart ist einer der Komponisten, ohne die ich nicht leben könnte.“

Strenger Verzicht auf Manierismen

Marriner ist Motor, Kopf, Manager, Spiritus rector und väterlicher Freund für seine Orchestermusiker. Er selbst aber sieht sich nur als Musikant – in des Wortes eigentlicher Bedeutung! Denn er ist kein Ideologe. Daher steht er auch der historisch informierten Spielweise verhalten gegenüber.

Sein musikalisches Ideal beruht auf Transparenz, einer Schlankheit des Tons und geschliffen gleichmäßigen Linien. Diese Vorstellungen verfolgt Marriner auch, als er 1983 die Leitung beim damaligen Radio-Sinfonieorchester Stuttgart übernimmt.

Auch hier beweist er einen strengen Verzicht auf Manierismen und jede Form von Exzentrik. Kritiker warfen ihm vor, eine eigene Handschrift vermissen zu lassen. Das aber hätte Marriner eher als Lob verstanden; denn mit seiner Art des Musizierens und den vielen Einspielungen wirkt er geschmacksbildend für viele Klassikliebhaber.

Ein Leben für die Musik

Neville Marriner erhält im Jahr 1985 den Ritterschlag. Seither darf er sich „Sir“ nennen. Doch die Erfüllung seiner Lebensträume bemisst sich für ihn nicht an Titeln und Erfolgen, sondern daran, wie sehr er die Musik lieben und für sie leben darf.

Die Idee ohne Musik zu leben? Ich wüsste nicht, was ich mit meinem Leben anfangen sollte.

Bis ins hohe Alter ist Marriner ein international gefragter Gast. Daneben ist er stets ein Familienmensch geblieben, der sich auch gern auf sein eigenes Anwesen zurückzieht.

Noch im betagten Alter moniert er lediglich, dass es mit dem Tennisspielen nicht mehr ganz so gut läuft. Am 2. Oktober 2016 ist Neville Marriner im Alter von 92 Jahren gestorben.

Regisseurin, Regisseur zu sein ist ein wirklich anspruchsvoller Job. An der Musikhochschule Karlsruhe kann man das Fach „Musiktheaterregie“ studieren und lernt dabei in Theorie und vor allem auch in der Praxis, wie man Operetten, Opern und Musicals inszeniert. Sven Scherz-Schade stellt den Studiengang Musiktheaterregie der Musikhochschule Karlsruhe vor.

Zum Bachelor-Studiengang „MusikTheaterRegie“ an der Hochschule für Musik Karlsruhe

Natürlich war Helen Buchholtz umtriebig – wie ließen sich sonst auch über 400 Seiten mit ihrer Lebens- und Werkgeschichte füllen? Sie war talentiert, ambitioniert, klug, zielstrebig, und sie hat in ihren 75 Lebensjahren 140 Werke komponiert: Lieder, Klavierstücke, Chor- und Orchesterwerke.

Heute populär, zu Lebzeiten nicht

In Luxemburg gehört sie mittlerweile zu den Bekanntesten unter den Komponistinnen und Komponisten des Landes – das war aber nicht immer so, wie Noemi Deitz schreibt:

 „Von ihren Kompositionen gelangte nur ein Bruchteil an die Öffentlichkeit – die Gründe hierfür sind vielschichtig. Wer von dem umfangreichen Gesamtschaffen wusste, ist unklar. Und falls ihre nächste Verwandtschaft davon in Kenntnis war, so maßen sie dem musikalischen Nachlass so wenig Bedeutung zu, dass sie ihn entsorgen wollten.“

Buchholtz' Neffe machte ihr Leben und Schaffen zugänglich

Derjenige, der kurz nach ihrem Tod vor 70 Jahren alle 200 Notenmanuskripte aus dem Müll fischte und sie Anfang der 2000er Jahre veröffentlichte, war ihr Neffe, François Ettinger.

Er hat nicht nur viel über sie gesprochen, sondern auch seine Erinnerungen aufgeschrieben – an ihnen hangelt sich auch Noemi Deitz in ihrem Buch entlang. Ettinger schreibt zum Beispiel:

„Ihre Lebensart war ganz speziell. Sie liebte Extravaganzen, etwa das Haar bodenlang zu tragen, lange Fingernägel zu tragen trotz Klavierspielen!“

Bedingung an die Ehe: Keine Kinder

An anderer Stelle will der Neffe sich daran erinnern, wie die 36-jährige Helen Buchholtz ihrem Ehemann vor der Hochzeit zwei Bedingungen gestellt haben soll: dass er ihre innere und zeitliche Freiheit respektieren sollte, die sie zum Komponieren brauchte – und dass er auf Kinder verzichtet.

Noemi Deitz bezieht sich immer wieder auf die Memoiren des Buchholtz-Neffen, aber geht dabei vor wie eine Detektivin. Ettinger war zum Zeitpunkt der Hochzeit gerade sechs Jahre alt – wie viel hat er tatsächlich davon mitbekommen? Und aus wievielter Hand hat er die Anekdote später gehört?

Noemi Deitz stellte viele Fragen

Wozu dienen Narrative wie dieses überhaupt? Wie verlässlich sind vergleichbare Quellen, wenn es darum geht, nicht nur eine Komponistin künstlerisch zu entdecken – sondern sich auch ihrem Wesen und Leben anzunähern? Noemi Deitz schreibt:

 „In diesem Buch geht es keinesfalls darum, eine ‚biografische Wahrheit‘ oder eine ‚objektive Biografie‘ vorzulegen, sondern vielmehr darum, das heute zugängliche Quellenmaterial zu kontextualisieren und kritisch auszuwerten – es gilt stets ‚mit Fragen an Quellen heranzutreten, anstatt eindeutige Antworten von ihnen zu erwarten‘.“

Kritischer Umgang mit Quellen spannend wie ein Krimi

Diese Kontextualisierung und kritische Auswertung der Quellen über Helen Buchholtz liest sich dabei zwischenzeitlich spannend wie ein Krimi: Die Autorin nimmt ihre Leserinnen und Leser mit in Archive, private Briefe und auf Ausflüge in den historischen Kontext Luxemburgs zu Helen Buchholtz‘ Zeiten.

Sie erforscht Musik- und werktheoretische Fragen und immer wieder in besonderer Tiefe den Notentext, sie zeichnet die Stationen und Entscheidungen im Leben ihrer Protagonistin so detailliert nach wie es nur geht – und bleibt dabei stets hellwach, offen für Zweifel und Fragen.

Helen Buchholtz wollte wahrgenommen werden

Gängige Narrative wie zum Beispiel, dass Helen Buchholtz vielleicht gar kein Interesse daran hatte, groß herauszukommen, ihr Oeuvre zu publizieren und ernsthaft als Komponistin wahrgenommen zu werden, kann die Autorin auf diese Art und Weise sehr überzeugend widerlegen:

„Die Überlegung, Buchholtz sei in späteren Jahren weniger an der Publikation ihrer Werke interessiert gewesen, ist kaum haltbar. Hinzu kommt, dass die Kriegsjahre von 1939 bis 1945 kaum günstige Bedingungen für die Erscheinung neuer Kompositionen boten. Konnte Buchholtz also die Werke nicht veröffentlichen? Erneut stellt sich die Frage nach möglichen Gründen. Die Drucklegung ihrer Werke wäre wohl kaum an den Finanzen gescheitert, verfügte sie doch über die entsprechenden Mittel, die Kosten im Zweifel aus eigener Tasche zu decken.“

Keine Aktivistin, aber ein Frau mit politischer Haltung

Brennende Fragen auch nach Helen Buchholtz‘ politischer Gesinnung und ihrer Positionierung etwa im Hinblick auf die Frauenbewegung oder die Zeit des Nationalsozialismus in Deutschland – immerhin hat sie mehrere Jahre in Wiesbaden gelebt –, beantwortet das Buch teilweise nur sehr vorsichtig, und das macht es so wertvoll.

Ja, Helen Buchholtz war mit „einigen liberal und fortschrittlich denkenden Persönlichkeiten“ befreundet, die zum engeren Kreis der Frauenbewegung gehörten und hat Texte politisch schreibender Autorinnen vertont.

Ja, sie frönte, wie viele Luxemburgerinnen und Luxemburger, einem gewissen Nationalstolz. Ja, sie setzte sich 1942 in einem Werk mit der Verwüstung auseinander, die der Zweite Weltkrieg im Norden Luxemburgs hinterließ. Eine Aktivistin schien sie dennoch nicht zu sein.

Beste Rahmenbedingungen für das Komponieren

Die kinderlose Helen Buchholtz, die aus einer wohlhabenden Familie stammte und wenige Jahre nach der Hochzeit von ihrem verstorbenen Ehemann ein kleines Vermögen erbte, genoss die wohl besten Rahmenbedingungen für das Komponieren.

Sie konnte schreiben „wann sie wollte, wo sie wollte, vor allem aber auch was und wie sie wollte“ – und diese Freiheit hat sie, vor allem ästhetisch, ausgekostet.

Musik wurde als „weiblich“ herabgesetzt

Bei all dem war sie aber noch immer eine Frau – und als solche von höheren Musikberufen ausgeschlossen. Ihre Musik wurde von Rezensenten immer wieder als „weiblich“ charakterisiert und damit auf ihren Platz verwiesen – vielleicht wurde ihr Werk also auch nicht von allen ganz ernst genommen.

Umso mehr rüttelt Noemi Deitz‘ Buch nun dahingehend auf: Schauen wir uns diese Komponistin in Zukunft bitte mehr und genauer an.

Gut, es ist noch ein bisschen hin. Genauer: erst in drei Jahren wird der finnische Dirigent Klaus Mäkelä seine neuen Chef-Positionen in Amsterdam und Chicago antreten. Dann wird er nicht mehr 28, sondern immerhin 31 Jahre alt sein und weitere Erfahrungen gesammelt haben bei seinen aktuellen Ämtern in Paris und Oslo.

YouTube-Video: Mäkelä dirigiert das Concertgebouw Orchestra

Zu wenig Erfahrung?

Doch rechtfertigt dieser Zeitpuffer die jetzige Ernennung, die Inthronisierung bei zwei der weltweit bedeutendsten Orchester? Auf der einen Seite steht das Concertgebouw in Amsterdam als Vertreter für Old Europe mit seinem warm-bronzenen Timbre, dort das auf Perfektion ausgerichtete, blechblitzende Chicago Symphony.

Beide Aufgaben sind, schon für sich genommen, riesige Herausforderungen (Andris Nelsons, der den Spagat in Boston und Leipzig vollzieht, dürfte das bestätigen).

Beide Aufgaben sind, schon für sich genommen, riesige Herausforderungen.

Und beide Ämter verlangen – neben Talent und Begabung – vor allem Erfahrung. In diesem letzten Punkt hege ich derzeit leichte Zweifel, inwieweit Klaus Mäkelä dafür der Richtige ist, ohne sich zu überheben. 

Orchester erhoffen künstlerische Impulse

Doch hat Mäkelä sich beide Ämter nicht selbst erfochten, er ist von den jeweiligen Orchestern gewählt bzw. gefragt und ernannt worden.

Man sollte den Verantwortlichen in Amsterdam und Chicago unterstellen, dass sie bei ihrer Entscheidung nicht allein aktuellen Trends oder gar dem Medienhype um Mäkelä gefolgt sind, sondern sich ernsthafte künstlerische Impulse von ihm erhoffen. Inwieweit er diese Ansprüche auch erfüllen kann, bleibt abzuwarten. 

Inwieweit er diese Ansprüche auch erfüllen kann, bleibt abzuwarten. 

Mäkelä hätte auch ablehnen können

Ich möchte mal ein Gegenbeispiel zu Mäkelä anführen. Patrick Hahn ist nur wenigen Monate älter als sein finnischer Kollege und hätte bereits höhere Aufgaben übernehmen können. Doch er hat sich ganz bewusst dazu entschieden, noch ein paar Jahre als Generalmusikdirektor im beschaulichen Wuppertal zu bleiben.

Dort kann er sein Repertoire erweitern und sein Handwerk verfeinern, bevor er eines Tages bei renommierteren Orchestern als Chef gehandelt werden wird – eine Kapellmeisterlaufbahn, wie sie viele prominente Dirigenten vor ihm durchlaufen haben, ob Karajan, Furtwängler, Günter Wand und andere.

Hype um Jungspunde?

Natürlich gab es auch in der Vergangenheit Ausnahmen wie Leopold Stokowski, der mit 27 Jahren als Chef in Cincinetti für Furore gesorgt hat – aber eben nur mit einem Amt als Chefdirigent im Rücken.

Skepsis ist angebracht.

Skepsis ist angebracht, wenn sich das internationale Dirigenten-Karussell mehr und mehr um wenige Jungspunde dreht, wie eben Klaus Mäkelä.

Natürlich hat er eine faire Chance verdient. Nutzt er sie, haben die beiden Orchester mit ihrer Entscheidung alles richtig gemacht. Dann würde der Finne alle Skeptiker Lügen strafen, auch mich.

Wie kann ein klassisches Musikstück allen schmackhaft gemacht werden? Wortkünstler Timo Brunke und Dirigentin Friederike Kienle wagen ein solches Musikvermittlungsprojekt.

Gemeinsam mit dem Ensemble Balance Stuttgart haben sie schon die Oper „La Traviata“ und Saint-Saëns „Karneval der Tiere“ einfach und kurz erzählt ins Hier und Jetzt gebracht. Im Gespräch erzählt Friederike Kienle, wie man Beethovens „Egmont“ der jüngeren Generation zugänglich macht.

Ein sehr persönliches Album

Das Werk „Sun Without The Heat“ der US-Cellistin und Sängerin Leyla McCalla ist sehr persönlich und beschäftigt sich zum ersten Mal mit Leyla McCalla selbst.

Spaß und pure Freude, aber auch Ängste, Isolation und Selbstzweifel thematisiert Leyla McCalla. Sie horcht in sich hinein, spürt ihren Träumen, Gedanken, Wünschen, Fantasien, Ängsten und Zweifeln nach.

Transformation und Verwandlung als Thema

Transformation und Verwandlung beschäftigen sie hier wie etwa im Song „Tree“: eine Geschichte über eine Frau, die großen Schmerz empfindet, weil sie dem gesellschaftlichen Druck nicht standhalten kann: 

Ich habe mir eine Frau vorgestellt, die sich in einen Baum verwandelt. Sie wendet sich von der Gesellschaft ab und will sich selbst versorgen – autark sein. Denn sie zweifelt daran, jemals geliebt werden zu können.    

Leyla McCalla mit „Tree“ auf YouTube

Haitianische Wurzeln prägen unverwechselbaren Sound

Als Tochter haitianischer Eltern und Aktivisten, die in den sechziger Jahren vor dem Diktator Duvalier ins Exil in die USA geflohen sind, ist McCalla 1985 in New York geboren und in New Jersey aufgewachsen. 

Sie wurde durch das soziale, politische und kulturelle Engagement ihrer Eltern nachhaltig geprägt und entwickelte eine Faszination für Haiti und seine Kultur. Ihr Interesse an musikalischen, sozialen und historischen Zusammenhängen hat sie seitdem nicht mehr losgelassen. 

Leyla McCalla hat einen unverwechselbaren Sound entwickelt, der ihre Wurzeln und Erfahrungen widerspiegelt. „Songwriting ist eine Methode, die Geschichten zu erzählen, die erzählt werden müssen“, sagt sie. „Manchmal sind es schmerzhafte Geschichten, die erzählt werden müssen.“

Artenübergreifende Überlebensstrategie

In „Scaled to Survive“ geht es um das Geborenwerden und die Verbindung, die wir zu unseren Eltern haben, besonders zu unseren Müttern.

Leyla wurde von der afroamerikanischen Schriftstellerin Alexis Pauline Gumbs' Buch „Undrowned“, „Unertrunken: Wie ich als Schwarze Feministin von Meeressäugetieren lernte“ inspiriert. Gumbs sieht die transformativen Lektionen der Meeressäuger als Rezepte für das Überleben an, und zwar solche, die artenübergreifend sind.

 Leyla McCalla mit „Scaled to Survive“ auf YouTube

Leyla McCalla hat mehr zu sich gefunden und auch musikalisch überzeugt sie mit ihrer Offenheit für neue Stile und wie immer mit ihrem virtuosen Cello-, Banjo- und Gitarrenspiel. Sie hat wie immer etwas zu sagen und verbreitet wichtige Botschaften, die zum Nachdenken anregen.

Das ist die Idee des Albums: beide legitimen Fassungen von Richard Strauss' „Vier letzten Lieder“ zu präsentieren – einmal mit Markus Hinterhäuser am Flügel, einmal mit dem Orchèstre Philharmonique de Radio France unter Mikko Frank. Ist das eine gute Idee? 

Richard Strauss denkt fürs Orchester

Definitiv: ja. Weil der Vergleich zeigt, wie sehr Strauss fürs Orchester denkt. Diese Polyphonie, diese innere Bewegtheit! Das schafft das Klavier nicht. Das Interessante, geradezu Fatale an dieser Aufnahme aber ist, dass der Pianist Hinterhäuser so viel mehr von Strauss zu verstehen scheint als der Dirigent Mikko Frank. 

Das Interessante, geradezu Fatale an dieser Aufnahme aber ist, dass der Pianist Hinterhäuser so viel mehr von Strauss zu verstehen scheint als der Dirigent Mikko Frank. 

Irre Klangfarben, schlechte Textverständlichkeit

Asmik Grigorian hat irre Farben. Sie mischt, dunkelt ab, hellt auf, folgt intuitiv den kleinsten harmonischen Rückungen. Das Problem ist nur: Ich verstehe kein einziges Wort, weder mit Klavier noch mit Orchester. Wer die Hesse- und Eichendorff-Texte der Lieder nicht kennt, ist verloren.

Der Strauss-Klang von Mikko Franck und dem Orchèstre Philharmonique de Radio France bleibt leider recht allgemein. Es klingt schön, hat aber so gar keine Raffinesse, nichts Subversives oder Gebrochenes. 

Ergreifend radikale interpretatorische Lösungen

Asmik Grigorian hat eine Strauss-Stimme, keine Frage. Sie ist eine tolle Salome – aber eben keine Marschallin, keine Arabella oder „Capriccio“-Gräfin. Fürs Liedersingen ist das nicht ideal, im Grunde ist die Stimme zu schwer.

Mit einem klugen Kopf und sensitiven Pianisten wie Markus Hinterhäuser an der Seite aber findet sie ergreifend radikale interpretatorische Lösungen, wie im letzten Lied.

Robert Neumann ist Pianist und ehemaliges SWR2 New Talent. Nun geht er außerdem noch unter die Festivalveranstalter: Cannstatter Klavierfrühling heißt sein erstes Festival.

Was sein Antrieb zu diesem Event war, welche großen Pianistinnen und Pianisten er dazu einlädt, und was sonst noch auf dem Programm steht, erzählt er im Gespräch.

Tilman Michael ist bereits zur Schulzeit in etlichen Chören gewesen und behielt das Hobby auch während des Studiums bei. Dann machte er es zum Beruf. Seit 2014 ist er Chordirektor der Oper Frankfurt.

Nun wechselt er zu einem der bekanntesten Opernhäuser der Welt: der Metropolitan Opera in New York City. Im Gespräch verrät er seine Geheimzutat für die Karriere: die Liebe zur Musik.