Treffpunkt Klassik

In der Themenwelt Klassik der ARD-Mediathek gibt es auch zu Ostern viel zu entdecken: Natürlich die Passionsklassiker von Bach, aber auch die Auferstehungssymphonie von Mahler. Und wer Lust auf ein intensives Beethoven-Klaviererlebnis hat, kann Daniel Barenboim durch alle Klaviersonaten des Meisters begleiten. Cosima Obert berichtet aus dem Projektteam.

Das ist für mich immer eine Freude, mit jungen Musikern (...) zusammenzuarbeiten. Ich lerne wirklich sehr viel davon. Man hört nie auf mit dem Lernen, denn die jungen Leute haben eine andere Sicht.

Ein Komponist der Grenzüberschreitung

Nicht nur junge Musikerinnen und Musiker konnten von Péter Eötvös lernen, auch er lernte von ihnen. Auch Lydia Jeschke lernte den Komponisten und Dirigenten als einen sehr offenen Menschen kennen, der bereit war, umzudenken, erinnert sich die SWR Musikredakteurin. Eötvös sei für seine Studierenden fast wie so etwas wie eine Art Vaterfigur geworden.

Der ungarische Komponist und Dirigent wollte Grenzen aufheben: zwischen Neuer Musik und Musiktradition, zwischen sinfonischer Musik und Jazz. Auch geografisch überwand er Grenzen: Geboren in Transsilvanien, siedelte Eötvös' Familie in seiner Kindheit über nach Ungarn.

Peter Eötvös im Gespräch anlässlich der Donaueschinger Musiktage 2015

Mit 14 Jahren nahm ihn Zoltán Kodály an der Musikakademie Budapest auf. Hier schloss er sich noch im Teenager-Alter der Avantgarde an. 1966 führte ihn ein Stipendium an die Kölner Musikhochschule, wo er im Ensemble von Karlheinz Stockhausen wirkte. 1979 folgte er dem Ruf von Pierre Boulez nach Paris, wo er die Leitung des Ensemble Intercontemporain übernahm.

Péter Eötvös dirigiert das erste Konzert des SWR Symphonieorchesters (2016)

Kein Revolutionär, sondern ein sanfter Vermittler

Sie habe Eötvös als sanften Vermittler erlebt, so Lydia Jeschke. Er habe immer wieder unter verschiedenen politischen Systemen gearbeitet,und sich mit den gesellschaftlichen Gegebenheiten zurechtgefunden. 1991, direkt nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion, gründete der Komponist das Internationale Eötvös Institut für junge Komponistinnen und Dirigenten in Budapest.

Unvergessen sei auch Eötvös' Verbindung zu den Donaueschinger Musiktagen, die er erstmals 1978 als Dirigent besuchte. Hier war Eötvös regelmäßiger Gast. Seine Vermittlerqualitäten konnte er auch als Dirigent des ersten Konzertes des neu fusionierten SWR Symphonieorchesters am 22. September 2016 in der Stuttgarter Liederhalle unter Beweis stellen. Er wird fehlen, urteilt Lydia Jeschke.

Peter Eötvös dirigiert die Uraufführung von Helmut Lachenmanns „My Melodies“ (2018)

Minutiöse Detailarbeit am beliebten Mozart-Klassiker

Drei gewichtige Akkorde – mit denen beginnt die Ouvertüre der „Zauberflöte“. Für Laurenz Lütteken ist an dieser Stelle schon klar: Dieses Werk ist vollkommen ernst gemeint, trotz der komischen Elemente, trotz der manchmal unlogischen Handlung, trotz des Wiener Volkstheater-Singspiel-Charakters. Gleich in der Einleitung stellt der Autor außerdem klar:

Eine leitende Grundüberzeugung dieses Buches besteht [...] darin, dass die ‚Zauberflöte‘ nicht etwa ein Rätsel ist, das einer wie auch immer gearteten Lösung zuzuführen ist, sondern dass das, was an ihr rätselhaft und verwirrend erscheint, einer detaillierten Dechiffrierung bedarf – vor dem Hintergrund des 18. Jahrhunderts und anhand zahlreicher, mitunter entlegener, immer aber aussagekräftiger Quellen.

Also geht Laurenz Lütteken in den ersten Kapiteln seines „Zauberflöte“-Buches erst einmal in die Details. Haarklein nimmt er Elemente der Bühnenhandlung, des Bühnenbilds, der Umstände der Produktion und der Musik unter die Lupe.

Spurensuche in historischen Quellen

Immer wieder zieht er Begriffsdefinitionen aus zeitgenössischen Lexika zu Rate oder wirft einen Blick auf andere Musiktheater-Produktionen im Wien des späten 18. Jahrhunderts. Schon auf Seite 87 lässt er dann plötzlich durchblicken, wohin diese Reise durch die Details am Ende gehen soll:

Spiegelbild eines radikalen Umbruchs

Laurenz Lütteken versteht „Die Zauberflöte“ als Reflexion auf den Zeitgeist im Wien des späten 18. Jahrhunderts. Erst spät kommt er in seinem Buch darauf zu sprechen, was es denn eigentlich mit dem „josephinischen Zeitalter“ auf sich hat: ein radikaler Umbruch der gesellschaftlichen Strukturen, im Sinne der Aufklärung gelenkt vom Monarchen Joseph II.

Doch schon bald mehren sich in Wien Zweifel an der neuen Gesellschaftsordnung. Das spiegelt sich im Bühnengeschehen der Zauberflöte wider:

Der Zuschauer wird zu einem Beobachter einer unermesslich gewordenen Fülle von Erscheinungen, die ernst und bedeutungshaltig sein wollen, die sich aber einer linearen Auflösung, Zuordnung oder Bewertung durch die Urteilskraft verweigern. Die ‚große Oper‘ erweist sich damit als Reaktion, ja als Antwort auf Zeitumstände, in denen der Mensch als Beobachter dem Geschehen nur noch ausgesetzt ist.

Was ist wahrhaftig, was künstlich?

Mit Figuren wie der Königin der Nacht kann man sich nur schwer identifizieren. Erst ist sie die fürsorgliche Mutter, dann die bösartige Furie. Dasselbe gilt für ihren Gegenspieler Sarastro: Dieser macht einen auf gutmütig und weise und lässt doch Menschen mit Stockhieben bestrafen. Vom seltsamen Vogelmenschen Papageno einmal ganz zu schweigen.

Am Ende des Zeitalters der Aufklärung steht also totale Verunsicherung: Was ist wahrhaftig, was künstlich? Besonders deutlich wird das für Lütteken gleich am Beginn der Oper dem ersten Auftritt des Prinzen Tamino.

Diese ‚Arie‘, die immerhin ein 17-taktiges Orchestervorspiel aufweist, dauert gerade eine einzige Minute, der vokale Teil ist nur geringfügig länger als der instrumentale. Ein irgendwie gearteter musikalisch-formaler Zusammenhang soll sich also gar nicht erst entfalten können. Die ersten vier Verse erscheinen zwar wie ein erster Teil, diesem folgt dann aber ein Bruch durch die Ohnmacht und das Verstummen des Helden.

Angenehm lesbar und macht Lust auf eine Neubegegnung mit Mozart

Laurenz Lütteken hält, was er in der Einleitung zu seinem Buch verspricht: Er bietet keine allumfassende Deutung der Zauberflöte oder eine einfache „Lösung“ der Probleme des Werkes an. Er zeigt vielmehr gut nachvollziehbar auf, dass „Die Zauberflöte“ von Mozart und seinem Librettisten Schikaneder bewusst so konzipiert worden ist wie sie ist.

Sie soll ein Abbild vom verunsicherten Zeitgeist auf der Bühne sein – am Ende des leuchtenden Zeitalters der Aufklärung. Von einer Deutung im Sinne der Freimaurerei hält er erstaunlicherweise nichts.

Mich hat beim Lesen vor allem Lüttekens sorgfältige Detailarbeit überzeugt. Außerdem gefällt mir sein Ansatz, die Zauberflöte mit ihren vielen Widersprüchen und Brüchen aus dem Geist ihrer Zeit heraus zu verstehen.

Ob Mozart und Schikaneder mit ihrem Bühnenstück aber wirklich den „Abschied von der Aufklärung“ zelebrieren wollten, wie es der Untertitel des Buches andeutet, das scheint mir ein bisschen zu weit gegriffen. Dennoch: Laurenz Lüttekens Buch ist angenehm lesbar geschrieben und macht richtig Lust darauf, sich die Oper nochmal unter dem einen oder anderen neuen Gesichtspunkt anzuschauen.

Seine Chopin-Einspielungen wurden zur Jahrhundertaufnahme

Seine Aufnahmen von Chopins Klavieretüden wurden zur Jahrhundertaufnahme. Kein Weltschmerz, keine schwindsüchtige Lethargie schwingt in Pollinis Interpretation mit. Es ist eine kühne, klare und lebensfrohe Musik, die gegen alle Chopin-Vorurteile anspielt.

Das sagt der FAZ-Musikredakteur Jan Brachmann. Er verfasste auch in der Frankfurter Allgemeinen Zeitung den Nachruf auf den Mailänder Ausnahmepianisten, der am 23. März im Alter von 82 Jahren verstarb. Pollini galt zu Lebzeiten als einer der besten Pianisten der Welt. Seine Aufnahmen, so Brachmann, musste man gehört haben.

Ein Verfechter der neuen Musik

Pollini selbst fürchtete, einzig für seine Chopin-Einspielungen in die Geschichte einzugehen. Dabei engagierte er sich zeitlebens auch sehr für die Präsenz der modernen Musik. Er war etwa der erste Pianist, der das komplette Klavierwerk von Arnold Schönberg einspielte.

Mit Komponisten wie Luigi Nono arbeitete Pollini leidenschaftlich zusammen. Als er 1996 mit dem Siemens-Musikpreis, dem „Nobelpreis der Musik“, ausgezeichnet wurde, wollte er mit dem Preisgeld die Sichtbarkeit der zeitgenössischen Musik im traditionellen Musikprogramm fördern.

Seine politische Haltung sah man Pollini, der sich selbst als Kommunist identifizierte, nicht an. Immer in feinstes Tuch gekleidet war der Pianist, der einen Palazzo nahe des Mailänder Domes bewohnte. Brachmann vergleicht den Kommunismus-Begriff Pollinis mit dem von linken italienischen Kulturschaffenden wie Luchino Visconti. Er sei mehr von Idealismus als von einer wirklich greifbaren Verbindung zum Proletariat geprägt gewesen.

Unvergessliche Chopin- und Beethoven-Einspielungen

Pollini habe immer deutlich zwischen politischer Haltung und künstlerischem Werk zu trennen vermocht. So bewunderte er den Dirigenten Karl Böhm trotz dessen Nähe zum NS-Regime. Aus ihrer Zusammenarbeit bleiben die unvergesslichen Einspielungen von Beethovens Klavierkonzerten.

Was sonst bleibt von Pollini? Wahrscheinlich neben seinen Chopin-Einspielungen die nicht minder legendären Einspielungen von Beethovens letzten Klaviersonaten, meint Jan Brachmann. Die habe er überragend vollendet gespielt.

Die Matthäuspassion zählt zu Johann Sebastian Bachs bekanntesten Werken. Aber wie gut kennen wir sie wirklich? Der Dirigent und Alte-Musik-Experte Reinhard Goebel wirft einen neuen und überraschenden Blick auf das imposante Werk. Anhand ausgewählter Nummern erläutert er die kunstvolle Machart und aufführungspraktischen Hintergründe von Bachs Musik. In Folge 1 spricht er über den faszinierenden Eingangschor des Werks.

Szenen, die beinahe körperlich spürbar sind

Tarquinio Merulas „Canzonetta sopra la nanna“ ist ein Wiegenlied – aber ein schmerzerfülltes. Maria blickt auf das unschuldige Wesen in ihren Armen, wünscht ihrem Sohn Jesus einen friedlichen Schlaf und ahnt das Grauen doch schon voraus: „Es kommt die Zeit“, singt sie, „da wird man weinen müssen.“

Ich kann die beschriebene Szene beinahe körperlich spüren: Vor dem inneren Auge sehe ich eine karge Stallwand, spüre eisigen Wind zwischen den Balken hereinpfeifen. Das liegt nicht nur an den vielen Krippenspielen aus Kindheitserinnerungen, sondern auch an der Interpretation.

Nur mit einzelnen Tönen auf der Basslaute besetzt das Ensemble Musica Getutscht die Begleitung. Im Kontrast zu Pia Davilas zittrig-warmer Singstimme wirkt das wie eine Metapher bitterer Armut.

Ästhetischer Wandel um 1600

Die Musikerinnen und Musikern möchten mit diesem Album den ästhetischen Wandel um 1600 spürbar machen. Größte Neuerung dieser Zeit: die Erfindung der Oper. Das hat Spuren hinterlassen, auch in der Kirchenmusik.

An Stelle verworrener Mehrstimmigkeit tritt die reduziertere, aber umso kunstvollere Klangrede in ihren beiden wichtigsten Formen: Rezitativ und Arie.

Claudio Monteverdi hat mit seinem „Salve Regina“ einen Hilferuf an die Muttergottes komponiert. Seine Musik bildet tonmalerisch die Gefühlswelt nach: „Zu dir seufzen wir, trauernd und weinend, in diesem Tal der Tränen“, heißt es im Text. Und Monteverdi imitiert dieses Seufzen und Weinen in seiner Melodie. Pia Davila verstärkt die Wirkung durch Tremoli – als würde sie von Heulkrämpfen durchgeschüttelt.

Verführerisch vorgetragen von Pia Davila

Um beim Publikum die größtmögliche Wirkung zu erzielen, entwickelten sich im 17. Jahrhundert auch neue Gesangstechniken, etwa virtuose Koloraturen.

Den Lobpreis auf Maria könnte man schon als Flirt bezeichnen. Denn Komponist Giovanni Rovetta schwärmt so süßlich von der schönen Gestalt Marias, dass die erotische Ebene unüberhörbar ist – zumindest, wo so verführerisch gesungen wird wie hier von Pia Davila. Sie hat sich zuletzt im Bereich der Neuen Musik und Liedgesang einen Namen gemacht, etwa als Solistin in der Oper „Licht“ von Karlheinz Stockhausen.

Mit diesem Album ruft sie eindrücklich ihre Kunst des Geschichtenerzählens bei älterer Musik in Erinnerung. Und hat dabei Musikerinnen und Musiker an ihrer Seite, die diese Kunst auch instrumental fabelhaft beherrschen. Deutlich wird das in den Werken von Salmone Rossi, die das Ensemble Musica Getutscht zwischen den Arien eingestreut hat. 

Musica Getutscht und Hana Blažíková interpretieren Domenico Mazzocchi

Auch nach 400 Jahren kann Monteverdi mitreißen

Barockgeigerin Mechthild Karkow und Blockflötist Claudius Kamp werfen einander in lustvollem Wechselspiel die Phrasen zu, gestalten mit allen Mitteln der barocken Verzierungskunst. Besonders spannend gelingt der Kontrast an Farben: Kratzige Darmsaiten-Kauzigkeit gegenüber eleganter Flötenwärme, zackige Zungenstöße neben Geigengesängen.

Dieses Album lässt bei Barockfans keinerlei Wünsche offen und dürfte durch die emotionale und individuelle Interpretationskunst sogar auch den letzten Zweifler davon überzeugen, dass die musikalische Rede des Frühbarocks selbst vierhundert Jahre nach Monteverdi noch mitreißen kann.

Ukrainische Lieder am Ort der Singenden Revolution

Solidarität auf estnisch: In der riesigen Chormuschel in Tallinn sangen im vergangenen Jahr mehrere tausend Menschen mehrstimmig ukrainische Volkslieder – unter Leitung des landesweit bekannten Chordirigenten Hirvo Surva.

Die Chormuschel war der gleiche Ort, an dem vor über dreißig Jahren in Estland die legendäre Singende Revolution stattfand. Hier sang die estnische Bevölkerung ihre eigenen Volkslieder, die in der Sowjetunion verboten waren. Doch die Esten kannten damals ihre Lieder noch. Hirvo Surva nennt den Grund dafür.

„In der Sowjetzeit, da haben wir unsere Gesangstradition in den Familien bewahrt“, erklärt Surva. „Ich erinnere mich sehr gut, wie meine Großmutter für mich sang, wie wir zu Weihnachten in die Kirche gingen und die Weihnachtslieder hörten und so weiter.“

Normalerweise hat jede Generation ihre eigene Musik. Aber in Estland kommen alle Generationen zusammen und singen die gleichen Lieder.

Einer allein bewegt nicht viel

Der musikalische Widerstand gegen die sowjetische Obrigkeit hat sich damals vor allem im Privaten vorbereitet. Die zivilgesellschaftliche Solidarität mit der Ukraine trägt in der Musikszene Estlands nun eine ähnlich private Handschrift.

Das beobachtet der Komponist Jüüri Reinvere. In seinen Augen ist gerade das musikalische Engagement in Estland so etwas wie eine politische Graswurzelbewegung. Im Einzelnen unauffällig, aber wirksam.

„Alle haben so eine Skepsis, was die große Politik schaffen kann“, meint Reinvere. „Deshalb: Was die Leute persönlich machen, auch wenn es kleine, winzige Sachen sind – also ein Chorlied innerhalb des Chorkonzerts oder ein Orgelsolo irgendwo: Das ist das, was sie machen. Allerdings machen sie das sehr viel. Und dieses „Sehr viel“ macht auch sehr viel aus.“

Estland verweigert Russen die Einreise

Die große Politik in Estland nutzt andere Hebel. Estland ist eines von ganz wenigen Ländern Europas, das russischen Staatsbürgern seit dem Angriff auf die Ukraine die Einreise komplett verweigert. Das hat nicht nur positive Auswirkungen – zum Beispiel ausgerechnet auf die Chorszene.

2025 findet wieder das berühmte internationale Chorfestival in Tallinn zum achtzehnten Mal statt. Dafür musste die Geschäftsführerin des Chorverbands Kaie Tanner ein wenig umplanen: „Eigentlich hatten wir vorgehabt, den Kinderchor Vesná aus Moskau einzuladen. Er ist einer der besten Kinder- und Jugendchöre der Welt. Aber stattdessen haben wir jetzt den Lettischen Mädchenchor – weil es zur Zeit unmöglich ist, einen russischen Chor nach Estland einzuladen.“

Tanner gibt sich flexibel und will die Auswirkungen des Kriegs auf die estnischen Kultur nicht überbewerten. Ohnehin orientiere man sich seit über drei Jahrzehnten vor allem an Westeuropa, wie auffällig oft betont wird.

Bewusstsein für politische Zeichen in der Musik

Doch auch die persönlichen und kulturellen Beziehungen zu Russland sind in Estland weiterhin stark, sagt der Komponist Jüüri Reinvere, der auch als politischer Journalist arbeitet. Er bemerke eigentlich keine bedeutende Russophie.

„Natürlich gibt es auch, dass die Leute jetzt weniger russische Musik spielen. Dass die Werke, die sehr deutlich groß-russisch sind, dass die jetzt weniger vorkommen“, erklärt Reinvere. „Ich kann mir zum Beispiel sehr schlecht vorstellen, dass irgendjemand im Baltikum jetzt freiwillig ‚Alexander Newski‘ von Prokofiew spielen würde.“

Tatsächlich ist man sich in Estland sehr bewusst, dass Musik politisch starke Zeichen setzen kann. Und wenn man sie auf der ganz großen Bühne setzt, haben sie auch eine starke Wirkung nach außen – wie sie der deutsche Star-Geiger Christian Tetzlaff vor wenigen Wochen erlebt hat, als er in Tallinn mit dem Nationalen Sinfonieorchester Estlands auftrat.

Jedes Konzert beginnt mit der ukrainischen Nationalhymne

„Als ich gehört habe, dass das estnische Orchester jedes seiner Konzerte mit der ukrainischen Nationalhymne beginnt, da war ich so gerührt“, erinnert sich der Geiger. „Und ich war gleichzeitig entsetzt, wenn ich das sehe: dieses kleine Land, direkt in der Nähe von Russland und Belarussland. Ich weiß auch von Paavo Järvi, mit dem ich darüber gesprochen habe: Diese direkte Bedrohung empfinden die nicht seit dem Ukraine-Krieg, sondern viele viele viele Jahre vorher.“

Ende vergangenen Jahres versah das Nationale Sinfonieorchester Estlands dann Shakespeares „Macbeth“ mit einer Begleitmusik. „Macbeth“ ist vielleicht derjenige Theaterklassiker, der am deutlichsten einen Zusammenhang zeigt zwischen der Machtgier eines Diktators und seiner Neigung zu kriegerischer Aggression nach außen.

Die Begleitmusik basiert auf Sinfonien des estnischen Komponisten Lepo Sumera. Damit begibt sich das Orchester eindeutig aus seiner künstlerischen Komfortzone – eine Komfortzone, in der Estland als ganzes schon längst nicht mehr liegt.

Ein ehrlicher Austausch zwischen Orchester und Komponistinnen und Komponisten ist eine Menge wert. Bei einem Meisterkurs „Orchesterkomposition“ in Kooperation zwischen dem SWR Symphonieorchester und der Staatlichen Hochschule für Musik und darstellende Kunst Stuttgart findet genau dieser Austausch statt. Mehr dazu erzählt Martina Seeber im SWR2 Musikgespräch.

„Mein ganzer Alltag besteht eigentlich aus Bach“

Als ich Michael Maul vor fünf Jahren getroffen habe, damals hatte er gerade die Intendanz des Leipziger Bachfestes übernommen, nannte er mir sein persönliches Lebensmotto: „Alles mit Bach und nichts ohn' ihn“. Gilt dieser Leitspruch für ihn auch heute noch?

„Ich hatte manchmal in meinem Leben schon so ein bisschen die Sorge – weil ich das so intensiv mit dem Bach betreibe – dass vielleicht irgendwie mal dieses Feuer ausgeht“, verrät Michael Maul im Gespräch. „Und meine Erfahrung ist aber jetzt doch: Meine Begeisterung ist noch größer geworden. Und dieses ‚Alles mit Bach und nichts ohn' ihn‘ gilt wahrscheinlich heute mehr denn je.“

Michael Maul beantwortet Hörer-Fragen zu Johann Sebastian Bach

Angelehnt ist dieser Spruch an den Titel einer Arie, die der junge Bach in Weimar komponiert hat: „Alles mit Gott und nichts ohn' ihn“. Die schlummerte rund 300 Jahre lang im Archiv der Herzogin-Anna-Amalia-Bibliothek in Weimar. Bis Michael Maul sie 2005, damals gerade am Anfang seiner Karriere als Musikwissenschaftler, entdeckt und eindeutig als Werk Bachs identifiziert hat.

Imaginärer Dialog mit Bach in Buchform

27 Jahre war Michael Maul alt, als er die vergessene Bach-Arie entdeckt hat. Damit wurde er schlagartig bekannt, nicht nur in der Szene der Bachforschung, sondern auch unter Bachfans in aller Welt. In der Folge veröffentlichte er die erste umfangreiche Monografie über die Geschichte der Thomasschule und des Thomanerchors und weitere spannende wissenschaftliche Bände.

Sein jüngstes Buch ist im Herbst vergangenen Jahres erschienen, im Rahmen der bekannten Insel-Bücherei. Es heißt „Wie wunderbar sind deine Werke“ und richtet sich bewusst an Bach-Liebhaber und solche, die es werden wollen. Der literarische Kniff dabei: Michael Maul tritt mit dem Komponisten in einen imaginären Dialog.

„Dass ich da so absatzweise den Bach direkt anspreche, ihm meine Fragen stelle“, lacht Maul, „natürlich leider keine Antworten bekomme. Das hat mir aber total Spaß gemacht und das ist so im Augenblick das Statement, wie ich zu meinem Bach stehe.“

Podcast mit dem „Bach-Erklärbär“

Und dieser Beziehung kann man auch hörend nachspüren, denn gemeinsam mit dem Musikwissenschaftler Bernhard Schrammek hat Michael Maul beim Mitteldeutschen Rundfunk in den letzten drei Jahren einen wöchentlichen Bach-Kantaten-Podcast gestaltet.

Der hat längst Kultstatus. Nicht zuletzt deshalb, weil Michael Maul die gehobene Variante des Leipziger Dialekts spricht, auch „Gewandhaus-Sächsisch“ genannt. Das passt einfach perfekt zu seinem Dasein als „Bach-Erklärbär“, meint er augenzwinkernd: „Dass ich so schön helfen darf, ihn mit zu verbreiten, ist ein ganz großes Geschenk.“

Die Pandemie bereitete dem Bachfest-Intendanten Kopfzerbrechen

Die Hauptaufgabe von Michael Maul ist, trotz seiner vielfältigen Aktivitäten, die Intendanz des Bachfestes Leipzig. Diese Aufgabe hat ihm den letzten Jahren bisweilen tüchtig Kopfzerbrechen bereitet. Die Pandemie hatte zwei lang geplante Festivalprogramme zerschossen. Diese Probleme sind zum Glück überwunden, die Saison 2024 ist planerisch unter Dach und Fach.

Häufig gefragt wird Michael Maul nach seiner Lieblingskomposition von Bach. Da, gibt er zu, muss er erstmal überlegen: „Ich würde mal sagen: Du kommst einfach der Matthäuspassion nicht vorbei, du kommst an der h-Moll-Messe nicht vorbei.“

Schließlich kommt Michael Maul aber doch ein Stück Bach in den Sinn, das ihn nicht loslässt. Es sei ein Anker für ihn, der ihn wieder aufrichte, wenn es ihm nicht so gut gehe: „Die Arie „Bleibt ihr Engel, bleibt bei mir“ aus der Kantate BWV 19, wo Bach praktisch den Schutzengel anfleht, ihn im Leben immer zu begleiten, aber auch auf der letzten Reise. Es nimmt einen in Noten in den Arm.“

Musikwissen kompakt über Johann Sebastian Bach

Was für ein Charakter war Johann Sebastian Bach? Wie hat er es geschafft, inmitten seines Arbeits- und Familienalltags diese Fülle an Werken zu komponieren? Und warum berührt uns bis heute seine Musik, obwohl sie schon über 300 Jahre alt ist und so konstruiert und kunstvoll wie nur Weniges in der Musikgeschichte?

In SWR2 beantwortet der Leipziger Bach-Forscher und Bach-Vermittler Michael Maul die Fragen der Hörerinnen und Hörer und von Moderatorin Christiane Peterlein.

Bach-Experte Michael Maul im Porträt