Treffpunkt Klassik

Zuerst war er beim Bundesjugendorchester und dann in der Karajan-Akademie, bevor er Berliner Philharmoniker wurde: Philipp Bohnen ist zweiter Geiger und als Medienvorstand auch in die Planung der diesjährigen Osterfestspiele am Festspielhaus Baden-Baden involviert. Mehr über die gerade stattfindenden Proben der Oper „Elektra“ und das gesamte Programm der Festspiele erzählt er live in SWR2.

Bach ist Anfang und Ende aller Musik.

DNA der Musikgeschichte

Johann Sebastian Bach: Neben Beethoven und Mozart zählt er heute zu den bekanntesten klassischen Komponisten weltweit. Und Bach-Forscher behaupten: Seine Stücke seien Teil der DNA der Musikgeschichte.

Sein bekanntestes Werk? Bei Bach ist das schwer zu sagen. Das Weihnachtsoratorium? Oder doch eher das C-Dur-Präludium aus dem Wohltemperierten Klavier? Die h-Moll-Messe vielleicht? Oder die Goldbergvariationen? Nein, die d-Moll-Toccata für Orgel! Oder doch die Matthäuspassion?

Treffpunkt Klassik mit Bach-Experte Michael Maul

Es ist nicht einfach bei Bach. Fest steht: Bach beackert fast alle musikalischen Gattungen seiner Zeit. Er schreibt Präludien und Fugen, Fantasien und Toccaten, Suiten und Partiten, Konzerte, Motetten und Kantaten, Passionen, Oratorien und Messen – nur Opern nicht. Und das alles mit Techniken, die in der Barockzeit gang und gäbe sind: Imitation und Polyphonie, Generalbass und Kontrapunkt – ganz schön traditionell, dieser Bach!

Bach stammt aus einer Musiker-Dynastie

Und auch Bachs Leben passt in althergebrachte Überlieferungen. Er stammt aus einer Familie, die schon seit Generationen Musiker hervorgebracht hat: Komponisten und Kantoren, Stadtpfeifer und Organisten, Ratsmusiker und Singmeister. Auch sein Vater ist Musiker.

Als Bachs Mutter stirbt – und kurz darauf auch sein Vater –, ist Johann Sebastian knapp zehn Jahre alt. Er verlässt Eisenach, seine Geburtsstadt, und zieht zu seinem Bruder, einem Organisten. In Lüneburg geht er auf eine Klosterschule.

Erste größere Kompositionen entstehen erst, als er etwa fünfzehn ist. Und als Komponist ist er Autodidakt. Er studiert die Werke Anderer und sagt: „Ich habe fleißig sein müssen. Wer eben so fleißig ist, der wird es ebenso weit bringen können.“

Wir sind alle Stümper gegen ihn.

Vor allem in Leipzig wird's gesanglich

Mit 18 bekommt er seine erste Anstellung als Organist in Arnstadt. Vier Jahre später wird er Organist in Mühlhausen. Schon mit Mitte zwanzig hat er den Ruf, einer der besten Organisten weit und breit zu sein.

Der Hoforganist von Versailles will sich in einem Wettstreit mit ihm messen. Aber als er Bach hört, ergreift er angeblich die Flucht. Bach macht weiter Karriere und wird Organist am Hof in Weimar. In diesen Jahren entsteht der größte Teil seiner Orgelwerke. Aber Bach ist auch ein hervorragender Geiger.

Also wird er als Kapellmeister nach Köthen berufen und übernimmt danach das Collegium Musicum in Leipzig. So entsteht in dieser Zeit der größte Teil seiner Kammermusikwerke und seiner Konzerte. Und wäre Bach schließlich nicht Thomaskantor in Leipzig geworden: Es gäbe ganz sicher nicht den Großteil seiner Vokalmusik.

Moderne und Tradition vereint

Das alles aber würde Bach noch lange nicht zu einem außergewöhnlichen Komponisten machen. Traditionell ist sein Lebensweg, und zeittypisch ist die Fülle an Werken: in all ihrer Unterschiedlichkeit und Funktionsgebundenheit. Was aber macht Bach so unverwechselbar?

Über 30.000 Bücher sind bislang über ihn geschrieben worden, alle auf der Suche nach dem Geheimnis seiner Musik. Was Bach auszeichnet vor all den Zeitgenossen: Sein künstlerischer Einfallsreichtum im Konstruieren musikalischer Formen; seine Tiefsinnigkeit beim Vertonen religiöser Texte; sein unbedingter Wille, anspruchsvolle und modernste Musik zu schreiben.

Was er von seinen Vorgängern vorfindet, entwickelt Bach weiter, steigert es in seinem Formen- und Ausdrucksreichtum. Mit seiner Lust an der Innovation führt Bach die Tradition – über alles Zeitgenössische hinaus – zu neuen Höhen!

Nicht Bach sollte er heißen, sondern Meer.

Nur 10 Prozent überliefert

B-A-C-H: allein sein Name ist Musik. Rund eintausend Werke sind von Bach überliefert. Die Bach-Forschung aber geht davon aus, dass das nur ein Zehntel seines Gesamtschaffens gewesen sein muss. 90 Prozent seiner Kompositionen sind uns bislang also noch unbekannt! Wie konnte Bach da noch Zeit bleiben fürs eigene Musizieren? Und Zeit für seine Familie? Von seinen 20 Kindern aus zwei Ehen erreichen immerhin 10 Kinder das Erwachsenenalter.

Bach musiziert und unterrichtet, er komponiert und probt. Und in den letzten 27 Jahren seines Lebens, als Leipziger Thomaskantor, bringt er nahezu jeden Sonntag eine Kantate zur Aufführung. Ein Leben wie im Rausch. Das Leben eines Workaholics? 1750, mit 65 Jahren, stirbt Bach: erblindet und entkräftet, vermutlich an Diabetes und einem Schlaganfall.

Renaissance seit dem 19. Jahrhundert

Und man vergisst ihn schnell nach seinem Tod. Es ist die Zeit der Vorklassik, des „Sturm und Drang“: Eine Aufbruch-Stimmung sondergleichen. Die Kritiker meinen, Bachs Musik würde „die Annehmlichkeit“ fehlen. Er würde seinen Stücken „durch ein schwülstiges und verworrenes Wesen das Natürliche entziehen und ihre Schönheit durch allzu große Kunst verdunkeln“.

Nach ihrer Renaissance im 19. Jahrhundert zählt Bachs Musik heute wieder zur allergrößten. Sie fasziniert Menschen über alle Sprach- und Landesgrenzen hinweg – und das trotz ihrer Kunstfertigkeit und Komplexität! Und nicht nur Bach-Chöre in aller Welt jauchzen und frohlocken und preisen Bach. Er ist längst – wie seine Musik – ein universelles Phänomen geworden.

Manuel Fischer-Dieskau spielt Bach

Manuel Fischer-Dieskau trägt nicht bloß den großen Namen seines Vaters, des Sängers Dietrich Fischer-Dieskau. Er selbst hat sich einen Namen gemacht als Solo-Cellist und Kammermusiker. An der Mainzer Gutenberg-Universität unterrichtet der Verfechter der historisch informierten Aufführungspraxis als Professor Violoncello und Kammermusik.

Nun hat Fischer-Dieskau die sechs Cello-Suiten von Johann Sebastian Bach für eine Videoproduktion neu eingespielt, im Potsamer Palais Lichtenau. Die Aufnahmen fanden ohne Publikum statt, doch Fischer-Dieskau wollte so spielen, als säße da ein Publikum. Das verrät der Cellist im Gespräch mit SWR2.

Die Gefahr bei Aufnahmen sei grundsätzlich, es zu perfekt machen zu wollen. Dabei könne die Stimmung verloren gehen: der Charakter der Tänze und das Spirituelle. Er versuche sich vorzustellen, es wäre ein Konzert mit Publikum, so der Cellist.

Pflicht-Repertoire für Cellisten

Einmal im Leben sollte ein Cellist die sechs Bach-Suiten aufgenommen haben, meint Manuel Fischer-Dieskau. Es sei für ihn ein schönes Gefühl, dies endlich zu tun, aber auch eine große Verantwortung, deren er sich bewusst sei.

Ob die Videoproduktion auch die Grundlage für eine CD sein könnte? Der Cellist ist da skeptisch. Eine CD-Einspielung sollte heutzutage möglichst makellos sein, beim Video sei der Gestus mitunter wichtiger. Ausschließen möchte Fischer-Dieskau es aber nicht, je nachdem, wie die Aufnahme geworden ist.

Manuel Fischer-Dieskau spielt die Cello-Suite Nr. 6

Das wunderbarste Musikstück für Cello

Besonders wird die Aufnahme auch durch die Instrumente, die der Cellist für seine Aufnahme gewählt hat. Neben einem Barock-Cello spielt Fischer-Dieskau auch ein Violoncello piccolo.

Das Instrument, für das Bach seine sechste Cellosuite komponiert hatte, war über Jahrhunderte in Vergessenheit geraten. Es hat zusätzliche Saiten, je nach Instrument eine zusätzliche Bass-Saite oder, im Falle von Fischer-Dieskau, eine hohe E-Saite, durch die das Cello in den Sopran gehen kann, ohne dass der Spieler in die kompliziertere hohe Daumenlage wechseln muss.

Das Ergebnis, findet Fischer-Dieskau, ist ein reizvoller Klang, der an die Gambe erinnert. Passend für die sechste Cello-Suite, die für den Interpreten das „wunderbarste Musikstück, was es für Cello gibt“ ist.

Ein Album für ruhige Stunden

Abende können magisch sein: ruhige, leise Stunden, in denen ein Mensch über den Tag und das Leben nachsinnen kann, zur Ruhe kommt, reflektiert, vielleicht in Sicherheit weinen kann, allein oder zusammen mit anderen.

Die Mezzosopranistin Elīna Garanča schreibt im Booklet ihrer CD „When Night Falls“: „Ich möchte mit dem Album ein Gefühl vermitteln für jene Zeit am Tag, in der man (…) nach Hause kommt, die Tür zumacht und sich in einem geschützten Rahmen ganz dem eigenen, privaten Leben widmet.“ Das hier geht also raus an alle, die Familie, Freundinnen und ein warmes zu Hause haben, in dem sie sich wohl und sicher fühlen – oder die sich danach sehnen.

Gekonntes Spiel mit der Nostalgie

Elīna Garanča singt Volkslieder, Lieder aus Opern, Schlaf- und Kunstlieder und Stücke, die ein befreundeter Zeitgenosse komponiert hat. Dabei spielt Garanča gekonnt mit Nostalgie: Sie singt bekannte spanische, italienische, deutsche und lettische Melodien, die ihre Hörerinnen und Hörer gezielt da abholen, wo sie die CD kaufen werden.

Arrangiert sind die Stücke für Klavier und Gitarre, mit Oboe oder kleinem Ensemble und sogar Orchester – auch hier soll wohl für jeden und jede etwas dabei sein. In Humperdincks „Abends will ich schlafen gehen“ aus der Oper „Hänsel und Gretel“ hat Garanča sogar beide Stimmen selbst eingesungen:

Professionell, aber mitunter distanziert und kühl

Garančas Stimme schwingt in diesen Liedern immer gleich glatt und warm und klar, trotz ihres Volumens wird sie nie zu dick oder schwer. Die Interpretationen sind professionell, wirken mitunter aber etwas distanziert und kühl, wie zum Beispiel in Luciano Berios „Loosin Yelav“ nach einem armenischen Traditional – dabei ist dieses Stück musikalisch noch eines der interessantesten auf dem Album:

Vielleicht entsteht diese gefühlte Distanz auch nach und nach durch die etwas einfallslose Dramaturgie des Albums: Ein Wiegenlied folgt auf das nächste, die Texte erzählen naturgemäß im Grunde alle das Gleiche, sie romantisieren Mutterschaft und Einschlaf-Begleitung.

Unreflektierte Wiedergabe problematischer Texte

Im Fall zweier jüngerer Stücke von Xavier Montsalvatge und dem noch lebenden José María Gallardo del Rey geht es problematischerweise um Schwarze Kinder, die mit dem spanischen N-Wort bezeichnet werden. In einem Lied träumt das Kind von seiner Mutter, die es zu „Rumba“-Klängen in einem Baum in den Schlaf schaukelt. Das wiederum ist kein Schlaflied, sondern Kolonialherren-Fantasie.

Man fragt sich, warum solche Texte im Jahr 2024 noch unreflektiert auf Soloalben landen. Darüber kann dann auch selbst ein hinreißend gesungenes lettisches Schlaflied nicht hinwegtrösten:

Leicht verkäufliche Ware für Garanča-Fans

Im Booklet heißt es, „When Night Falls“ sei ein besonders persönliches Album. Mit Blick auf einzelne Lieder – vor allem das lettische „Aijā žūžū lāča bērni“ – und die Art und Weise, wie Elīna Garanča diese singt, glaube ich das auch.

Zum großen Teil allerdings wirkt das Album auf mich vor allem uninspiriert und kitschig – sowohl mit Blick auf die Stückauswahl als auch die Interpretation. Es scheint, als ginge es hier vor allem um leicht verkäufliche Ware für Garanča-Fans.

Das ist künstlerisch zwar uninteressant, aber wenn es Menschen abholt und an einem ruhigen Abend glücklich macht, dann sei ihnen das von Herzen gegönnt.

Ungarischer Tanz Nr. 5 mit Akkordeon

Nur wenige Tage vor Festival-Beginn sehen sich die jungen Musikerinnen und Musiker das erste Mal und können zusammen proben. Die Probe findet in einer alten grauen Halle statt. Doch kaum setzt Charlotte Thiele den Bogen auf ihre Geige, sprühen die Funken der Musik.

„Ich glaube, das Besondere an diesem Format ist, dass wir sehr kreativ mit dem Konzertformat umgehen können“, sagt die 23-jährige Geigerin. „Es ist häufig auch mit Aufwand verbunden, weil man versucht, Sachen umzusetzen, die noch nie gemacht wurden. Aber das ist ja auch der Reiz daran.“

Thiele will zusammen mit Akkordeon-Spieler Julius Schepansky den Ungarischen Tanz Nr. 5 neu interpretieren. Doch viel Probenzeit haben die beiden nicht, in der sie verschiede Varianten des Arrangements ausprobieren.

Möglichkeit für junge Musiker, sich kreativ auszutoben

Das Format Brahms.LAB ist aus Sicht der jungen Musikerinnen und Musiker eine besondere Möglichkeit, sich kreativ auszutoben und ihre künstlerische Freiheit in einem Festivalrahmen zu präsentieren. Projektleiterin Franziska Spohr weiß aber auch um die Herausforderungen, die das mit sich bringt: „Das hat durchaus zwei Seiten. Das ist auch ein ganz großer Anspruch.“

So denkt man bei Brahms wohl nicht direkt ans Akkordeon. Doch die Kompositionen auf diesem Instrument zu interpretieren, sich auszuprobieren, darin liegt für Julius Schepansky bei dem Projekt der Reiz.

„Ich nehme nicht den Brahms wie er geschrieben ist, sondern mache einen Akkordeon-Brahms daraus“, sagt der Akkordeonist. Zwar habe nicht alles so wie geplant und es gebe wohl noch Änderungen bis zum Konzert, „aber das macht es auch interessant und setzt so berühmte Stücke wie den Ungarischen Tanz Nr.5 in ein bisschen anderes Licht.“ 

Igor Levit, Co-Künstlerischer Leiter, über Johannes Brahms:

Versuch, neue Publika zu erschließen

Mit den Brahms.LAB Projekt soll auch ein anderes Publikum erreicht werden. Manche Konzerte sind deshalb kostenlos oder es werden andere Spielstätten genutzt. So findet ein Konzert beispielsweise in einem Studierendenwohnheim statt.

Es ist der Anspruch von Projektleiterin Franziska Spohr, dass die außergewöhnlichen Ideen der Musikerinnen und Musiker nicht an organisatorischen Gründen scheitern. Doch es geht auch ums Ausprobieren und darum, Grenzen zu erfahren: „In einem Konzert widmen wir uns der Frage, wie wir mit Menschen mit Flucht-Hintergrund zusammen ins Konzerterleben kommen können.“

Solche Ideen und neuen Ansätze machen das Brahms.Lab auch aus. Intendant Thorsten Schmidt freut sich deshalb nicht nur auf die Konzerte an sich, sondern auch auf den Austausch mit den Künstlerinnen und Künstlern: „Ich bin sehr gespannt und freue mich sehr drauf, was da entsteht.“

Auf der Suche nach Frauen und Anerkennung

Der ebenfalls aus Österreich stammende Autor Florian Sedmak unternimmt in „Dickschädels Reisen“ eine fiktive Tour mit Anton Bruckner zu 35 oberösterreichischen Orten, die im Leben des genialen Sonderlings eine Rolle spielten. Zu seinen Lebzeiten wurde der Exzentriker Bruckner oft angefeindet, oder verspottet, auch für seine Kleidung und seine Hüte.

Und so ist er auf dem Buchcover mit klassischer oberösterreichischer Goldhaube abgebildet, die an hohen Kirchenfeiertagen von jungen Frauen getragen wird. Zugleich ist dies ein ironischer Bezug auf den Gottgläubigen Bruckner und seine Verbundenheit zur Kirche, aber auch eine Anspielung auf seine zeitlebens anhaltende erotische Verklemmung und sein ewiges Werben um junge Frauen. Und stets hat er um Anerkennung als Komponist gerungen.

„Entspannung“ auf dem Land

Anton Bruckner, künstlerisch ein Spätstarter und erst jenseits der Lebensmitte in seiner Traumstadt Wien angelandet, wurde nie Teil der dortigen Öffentlichkeit. Auch wenn er als Musiker in den großen Städten in Deutschland, Frankreich, England und der Schweiz von Tausenden gefeiert wurde, liebte und brauchte er seine Reisen in die ländliche Heimatregion.

Er traf dort alte Kollegen und Verwandte und traktierte manche Orgeln so heftig, dass sie anschließend repariert werden mussten. Sedmak führt uns in Gasthäuser wo Bruckners teils maßlos speiste und zechte. Man lernt die Umgebung seiner Sommerfrischeerlebnisse kennen, oder erfährt einiges über seine Faszination für das Morbide.

Erdkundeunterricht inklusive

Bruckner reiste auch in die Region um Musikunterricht zu geben, von einer schweren psychischen Krise zu genesen und um seine persönliche Bestzeit im Tauchen zu verbessern.  Zur besseren geographischen Orientierung stellt Autor Sedmak jedem Kapitel eine Karte voran, auf der die zahlreichen Reisebewegungen Bruckners aufgezeichnet sind.

Da Bruckner zweimal länger in Linz und, seinen bis heute andauernden Aufenthalt als Mumie eingerechnet, dreimal in Sankt Florian gewesen ist, sind diesen beiden Orten dementsprechend viele Kapitel gewidmet.

Fakten, Spekulation, Kritik

Florian Sedmak nimmt uns in „Dickschädels Reisen“ auf eine ungewöhnliche Tour zu den 35 unterschiedlichen Lebens- und Besuchsstationen Bruckners mit. Klischees und Anekdoten prägen das Bild von Bruckners Leben. Oft ist die Realität schwer von nicht Belegbarem zu trennen. Sedmak erwähnt das immer wieder, spekuliert aber auch gerne selbst mal.

Er erzählt lebendig, mit Augenzwinkern, aber nicht unkritisch. Er verknüpft historisches mit aktuellem Zeitgeschehen und Wandel, thematisiert beispielsweise Landschafts-, Gesellschafts-, Technik- oder Klimaentwicklungen. Und so ist ihm auf 272 Seiten ein unterhaltsamer Brückenschlag in die Gegenwart gelungen. 

„Geeignet für Kenner und Einsteiger“

Zusätzlich verfügt der Band über ein Verzeichnis der Lebensstationen und Wirkungsstätten Bruckners. Gut gefällt, dass es am Ende eines jeden Kapitels einen QR-Code gibt, der auf eine entsprechende Musikprobe passend zum Ort verweist. Das jeweilige Stück ist kurz verständlich kommentiert. So kann man sich dem Menschen Bruckner und der Landschaft nähern und in seinen musikalischen Kosmos einzutauchen.

Zudem imponiert das handliche Reiseführerformat des im Salzburger Pustet Verlag zum Preis von 25.- Euro erschienen Buchs. Es ist geeignet für den Kenner gleichermaßen wie für den Einsteiger. Und da zu jedem Ort auch gleich die Koordinaten mitgeliefert werden, erleichtert das die Anreise in Oberösterreich.

Meilenstein der modernen Operngeschichte

Nahezu nackt tritt der König vors Publikum – zumindest stimmlich. Denn die ersten Worte kommen ohne Orchesterstütze über die Bühne. So lässt der Komponist Aribert Reimann 1978 den Sänger Dietrich Fischer-Dieskau bei der Uraufführung seiner Oper „Lear“ in der Bayerischen Staatsoper auftreten.

Danach findet ein gigantisches Crescendo statt, ein Anwachsen aller klanglichen Mittel, die sich im Chaos eines Sturms entladen, der das Erdenrund flach schlägt. Es ist ausgerechnet die finstere Opern-Tragödie nach William Shakespeares Trauerspiel „König Lear“, die dem Komponisten Aribert Reimann Weltruhm einbringt.

Das gewaltige Werk ist bis heute ein Meilenstein geblieben und festigt Reimanns Ruf als einer der innovativsten und ausdrucksstärksten Komponisten des Musiktheaters im 20. und frühen 21. Jahrhundert. Die Oper wird weltweit nachgespielt, in großen und kleinen Häusern. Bis 2017 sollten sechs weitere Bühnenwerke folgen.

Geprägt durch Bombennächte

Das expressive, abgründig-finstere Stück täuscht über die eigentlich lyrische Disposition des Komponisten hinweg. Die Stimme ist in seinem Werk immer dominant geblieben. Liedzyklen und Werke für das Musiktheater überwiegen, Orchesterwerke nehmen eher eine Randstellung ein.

Reimann hat sensible, verinnerlichte Texte von Hölderlin, Celan oder Emily Dickinson vertont. Aber die Brutalität des Menschen als des Menschen Wolf in seiner Shakespeare-Oper hat ihn dennoch geprägt. Der 1936 in Berlin geborene Reimann erlebt die Bombennächte des Zweiten Weltkriegs als prägendes und traumatisierendes Ereignis.

In diesem Schrecken verliert er auch den geliebten älteren Bruder Dietrich, ein Trauma, dem er in seinem letzten Werk für das Musiktheater 2017 ein tönendes Denkmal setzt. Mit „L’Invisible“ vertont er das markerschütternde Sterben eines von unheimlichen, unsichtbaren Kräften zu Tode gequälten Kindes in Maurice Maeterlincks Vorlage „Der Tod des Tintagile“. Die Oper ist dem Andenken des 1944 umgekommenen Bruders gewidmet.

Zweites Standbein: Liedbegleitung

Reimann ist der Sohn eines Kirchenmusikers und beginnt mit zehn Jahren zu komponieren, den Feinschliff erhält er beim Komponisten Boris Blacher. Der komponierenden Nachkriegsavantgarde in Darmstadt ist er dagegen ferngeblieben. Das erste Geld verdient er sich aber als begnadeter Klavierbegleiter. Dieses zweite Standbein sollte er nie aufgeben.

Er ist das Ideal jedes Liedsängers: ein diskreter Begleiter, stets präzise, immer an den stimmlichen Gegebenheiten orientiert und doch ausdrucksstark. Das machte ihn zum idealen Partner für den Sänger Dietrich Fischer-Dieskau. Dessen Wunsch nach einer großen Opernpartie hat er schließlich nachgegeben: der „Lear“ ist dem Jahrhundertsänger auf den Leib geschrieben.

Legendär wurde aber auch eine glasklare Aufnahme von Schuberts Zyklus „Die Winterreise“ mit der Reimann nicht weniger verbundenen Brigitte Fassbaender.

Und für Frauenstimmen hatte der Opern-Komponist ohnehin das größte Faible. Die Strindbergopern „Ein Traumspiel“ und „Die Gespenstersonate“, das für die Schwetzinger Festspiele entstandene Ökodrama „Melusine“, die Antikriegsoper „Troades“, die radikale Lorca-Vertonung „Bernarda Albas Haus“ mit ihren Vierteltonklavieren und die antike Leidenstragödie der „Medea“: sie alle sind ganz große Frauenstücke, geschrieben für große Interpretinnen wie Julia Varady, Helga Dernesch oder Marlis Petersen.

„Dominiert von den Schrecken und Schönheiten des Nächtlichen“

Nach all diesen Großtaten für Stimmen, nach der kompositorischen Umkreisung von großer Weltliteratur wie der Kafka-Oper „Das Schloss“, gab es dann doch auch Orchestrales. Die 1993 entstandene Orchesterkomposition mit dem lapidaren Titel „Neun Stücke“ etwa: klanglich fein austarierte Miniaturen, die das Sangliche des Vokalzyklus „Eingedunkelt“ instrumental weitergeschrieben haben.

„Eingedunkelt“ – das hätte über Aribert Reimanns Gesamtwerk stehen können, dominiert von den Schrecken und Schönheiten des Nächtlichen. Am 13. März ist der letzte Großmeister der Opernform im Alter von 88 Jahren gestorben. Sein Werk wird auf den Opernbühnen weiterklingen.

Roger Norrington war viele Jahre lang der Chefdirigent des SWR Rundfunksinfonieorchesters Stuttgart. Am 16. März feiert er seinen 90. Geburtstag. Dirk Altmann, der Soloklarinettist des jetzigen SWR-Symphonieorchesters, hat ihn während seiner Stuttgarter Zeit ganz nah miterlebt und kann sagen: „Keine Probe mit ihm war langweilig!“

Über Norrington als Dirigent und Mensch, und über den sogenannten „Stuttgart Sound“, der prägend für das Orchester war, erzählt er im SWR2 Musikgespräch. Besonders die britische Musik war für Norrington von großer Bedeutung, zum Beispiel die Enigma-Variationen von Edward Elgar.

Den Hype um junge und besonders begabte neue Musikerinnen und Musiker kennt man. Viele haben einen wahrhaften Wettbewerbs-Marathon hinter sich gebracht, bis sie von einem größeren Kreis wahrgenommen und bejubelt werden. Und dass sie sich danach weiterhin behaupten, ist keine Selbstverständlichkeit. Bei einem dieser neuen jungen Stars am Klassikhimmel scheint es gerade aber ziemlich rund zu laufen: Dem 23-jährigen Pianisten Lukas Sternath. Er hat beim ARD-Musikwettbewerb 2022 gleich mehrere Auszeichnungen gewonnen und seitdem schreitet seine Karriere unaufhaltsam voran. Nun gibt er sein Debüt beim Heidelberger Frühling.

Die Schweizer Geigerin Rachel Kolly hat mit ihrem Klavierpartner Christian Chamorel eine Neuaufnahme aller drei Violinsonaten von Brahms vorgelegt, ergänzt durch das Scherzo, welches Brahms zur Gemeinschaftskomposition der F.A.E.-Sonate (mit Robert Schumann und Albrecht Dietrich) beitrug.