Treffpunkt Klassik

In Freiburg organisiert Natasha Loges, Professorin an der dortigen Hochschule für Musik, das Projekt „Winterreise-Weltreise“. Dort wird am 15.03. der berühmte Zyklus Schuberts mit Stücken aus aller Welt verwebt. Schubert selbst war gar nicht so reisefreudig, wie man denkt, erzählt Natasha Loges im SWR2 Musikgespräch. Sie moderiert den Abend, der von SWR2 aufgezeichnet wird und am 25. März im Abendkonzert zu hören ist.

Mit dem Singen hat alles angefangen. Im Elternhaus von Roger Norrington gab es Musik nur live als Hausmusik zu erleben. Eines Abends im Jahr 1938, da war Norrington vier Jahre alt, hörte er von seinem Zimmer aus die Erwachsenen feiern und singen.

Das hat ihn nie mehr losgelassen. In den 1950-Jahren leitete er dann einen kleinen Chor mit Freunden und dann entdeckte er Heinrich Schütz.

Entdeckungsreise durch die Musikgeschichte

Mit Heinrich Schütz begann Norringtons aufregende Entdeckungsreise durch die Musikgeschichte. Für ihn wurde die Stimme, der Gesang und damit verbunden das Wort zum wesentlichen Faktor in der Musik.

1962 gründete er den „Schütz Choir“ und begann eine professionelle Karriere als Dirigent. 1969 wurde er als musikalischer Leiter an die Kent Opera berufen, für die er in fünfzehn Jahren über vierhundert Vorstellungen von vierzig verschiedenen Opern leitete.

Beethoven historisch interpretiert

1978 gründete er die London Classical Players, um die Aufführungspraxis mit Originalinstrumenten in der Zeit von 1750 bis 1900 zu erforschen.

Die Aufnahmen von Haydn, Berlioz, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Wagner bis hin zu Mahler vermittelten den Hörern eine Vorstellung davon, wie die Stücke zu ihrer Zeit geklungen haben könnten. Besonders die Beethovensinfonien ernteten viel Lob.

Roger Norrington war bis zum Ende als Gastdirigent sehr gefragt. Die Berliner und Wiener Philharmoniker, das Leipziger Gewandhausorchester, die Konzerthäuser in Amsterdam, Paris und in den USA sowie berühmte Opernhäuser wie Covent Garden luden ihn immer wieder ein.

1997 wurde Norrington von Queen Elisabeth der II. geadelt. Kurz darauf begann seine Chefdirigententätigkeit beim Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR, die er 13 Jahre lang innehaben sollte.

Zeitenwende beim RSO

Für das ehemalige RSO Stuttgart begann eine neue Zeit, ein neuer Musizierstil, ein Experiment, von dem man – eingeschlossen Norrington selbst – nicht wusste, ob es gelingen würde. Alles bisher Gelernte, Erfahrene und Erprobte übertrug Norrington nun auf einen modernen Sinfonieorchesterapparat.

Gemeinsam mit Musikern kam er zu einem verblüffenden Ergebnis: Wichtig ist nicht das Instrumentarium allein, sondern die Art, wie man es spielt, wie man phrasiert, wie man mit den Tempobezeichnungen umgeht.

„Stuttgart Sound“ erobert die Welt

Bedeutet ein Allegro oder Adagio von heute das gleiche wie damals? Wie dosiert man ein Vibrato richtig? Wichtig allein war, ein Gespür dafür zu bekommen, was historisch angemessen ist und den richtigen Zugang zu dem entsprechenden Jahrhundert zu bekommen. Dafür waren die Originalquellen von unschätzbarem Wert.

Norrington etablierte den sogenannten „Stuttgart Sound“, und zwar weltweit. Damit gemeint war seine Art, historisch-informiert zu musizieren. Das Radio-Sinfonieorchester Stuttgart war der Ausgangspunkt dafür - sein Lieblingsorchester, das nach ein paar Jahren harter Arbeit seine Ideen umsetzte und mit herausragenden und preisgekrönten Aufnahmen ins Licht der Weltöffentlichkeit rückte.

Geburtstagsständchen für Sir Roger Norrington von 2018

Es ist der letzte Tag der Großbritannien-Tournee des SWR Symphonieorchesters unter der Leitung von Sir Roger Norrington 2018. Die Musiker überraschen ihren Dirigentin an seinem 84. Geburtstag mit einem herrlichen Arrangement ihres ehemaligen Musikerkollegen Georg ter Voert!

Norrington hat Herausragendes geschaffen

In der Stuttgarter Erinnerung ist Roger Norrington der Sir, der mit viel Humor und Musikalität seine Musiker inspiriert und geformt hat, mit Ihnen zusammen etwas Einzigartiges geschaffen hat, mit Ihnen mehrmals zu Gast in der Royal Albert Hall bei den BBC Proms war.

Ein Dirigent, der konsequent seine Interpretationen vertreten und auch begründet hat, herausragende Einspielungen von Haydn, Mozart, Beethoven, Brahms, Mahler Vaughan Williams, Berlioz oder Elgar hinterlassen hat und auch mal mitten im Konzert die Zügel aus der Hand gegeben und vom Bühnenrand aus zuhörte.
Happy Birthday, Sir Roger!

Eine gigantische rote Wolke ist ab dem 15. März im Museum für Neue Kunst in Freiburg zu sehen. Sie besteht aus etlichen Kabeln und stammt von Christina Kubisch.

In der Ausstellung sind zudem Glocken zu sehen, aber nicht zu hören. Ein Teil der Ausstellung findet also in den Köpfen statt. Warum man auch mit den Augen hören kann, erklärt Direktorin Christine Litz im Gespräch.

Alles wieder beim Alten nach dem 8. März?

Es geht schnell: Ein paar Tage nach dem 8. März fühlt es sich an, als sei alles wieder beim Alten. Die Graffitis und Banner von den Demonstrationen sind aus dem Straßenbild verschwunden, die Berichte über Feminismus und Ungleichheit rutschen in den Mediatheken und Newsfeeds immer weiter nach unten.

Und viele Frauen gehen weiterhin unter- oder unbezahlt arbeiten, sorgen sich weiter um Kinder und Alte, kochen Essen und putzen Häuser und bleiben dabei die allermeiste Zeit unsichtbar.

Klischeebehaftete Frauenfiguren in der Oper

Wenn wir in die Oper gehen, sehen und hören wir uns allzu oft weiterhin Geschichten von dominanter, zweifelnder, starker Männlichkeit an und akzeptieren demgegenüber klischeebehaftete Frauenfiguren, die lächerlich gemacht, vergewaltigt werden und sterben.

Wir fiebern bei den immergleichen heteronormativen Liebesgeschichten mit, wir übersehen allzu oft antisemitische und rassistische Stereotype.

 

Männer bekommen im Klassik-Betrieb mehr Geld

Auch wenn das überspitzt klingen mag, fest steht: Vieles im Klassik-Betrieb wird weiterhin von Menschen produziert und aufgeführt, die auf Grundlage ihres Geschlechts ungleich bezahlt werden.

2022 bekamen Frauen in Musikberufen 26 Prozent weniger Geld für ihre Arbeit als ihre männlichen Kollegen. Gleichzeitig investierten sie über 40 Prozent mehr Zeit in unbezahlte Care-Arbeit.

2022 bekamen Frauen in Musikberufen 26 Prozent weniger Geld für ihre Arbeit als ihre männlichen Kollegen.

Von 100 Personen am Dirigierpult waren 2022 nur 12 Frauen – und die Wahrscheinlichkeit, dass ein Mann eine Oper inszeniert, das Werk komponiert oder den Abend dramaturgisch gestaltet hat, liegt sowieso deutlich höher als die, dass eine Frau dafür verantwortlich war.

 

Der Diskurs geht an vielen vorbei

Das alles macht mich wütend. Und gleichzeitig gilt: Der Diskurs um Ungleichbezahlung und Unterrepräsentation in privilegierten Berufsgruppen geht an der Realität sehr vieler Menschen vorbei.

Die Autorin Sibel Schick bringt es in einem Podcast auf den Punkt: „Was bringt es einer Putzfrau, wenn sie genauso wenig verdient wie ihr männlicher Kollege?“

Heißt: Wenn wir uns ausschließlich darauf fokussieren, mehrfach privilegierte weiße Frauen in Führungspositionen zu hieven, verändert sich nichts an der Wurzel des Problems. Was also tun?

Wenn wir uns ausschließlich darauf fokussieren, mehrfach privilegierte weiße Frauen in Führungspositionen zu hieven, verändert sich nichts an der Wurzel des Problems.

Weiterbildung muss überall stattfinden

Die Gesellschaft, jede und jeder einzelne, muss sich in dieser Hinsicht machtkritisch weiterbilden. Das kann bei Workshops in Unternehmen anfangen, gefolgt von Opern, Konzerten und Filmen, die ihr Publikum sensibilisieren, und es kann münden in absoluter Basis-Bildungsarbeit in Kindergärten und Schulen.

Es geht um eine gerechte Gesellschaft, in der alle Menschen gleiche Rechte haben und ohne Angst verschieden sein können. In der sich jeder und jede zu jeder Zeit respektiert und sicher fühlen kann.

Tagsüber und nachts. Zu Hause und im Beruf. Auf der Bühne und im Zuschauerraum. Und das brauchen wir nicht nur einmal im Jahr – es ist eine Daueraufgabe.

Wird hier schön gesungen! So empfunden, so einfach und unverstellt. Ein „Lied ohne Worte“ von Felix Mendelssohn – und wenn er schon keine Worte braucht, wozu mache ich dann eigentlich welche? Wobei es viel zu sagen gibt zur großartigen neuen Aufnahme von Sol Gabetta und Bertrand Chamayou.

Ohne Kitsch!

Die Kunst bei Mendelssohn besteht darin, emotional nicht auf die Tube zu drücken. Denn dann wird‘s kitschig, was Mendelssohn überhaupt nicht ist.

Die argentinische Cellistin Sol Gabetta und der französische Pianist Bertrand Chamayou beherrschen diese Kunst. Ihr Mendelssohn-Spiel ist schlackenlos, völlig frei von allen Rührseligkeiten – einfach, indem sie die Musik wirklich ernst nehmen.

Ihr Mendelssohn-Spiel ist schlackenlos, völlig frei von allen Rührseligkeiten.

Ja, ja, ich weiß, dass sagen heute alle, dass sie keine Vorurteile gegenüber Mendelssohn haben; stimmt aber nicht. Denn dann würde er ja immer so hinreißend klingen, wie hier, was er nicht tut; so explosiv und impulsiv und mitten aus dem Leben gegriffen.

Gabetta und Chamayou verstehen sich blind

Was für ein Furor, was für ein nervöser, drängender, pochender Puls! Und welche Klangintensitäten dabei, was für ein Ton! Zu Beginn der zweiten Cello-Sonate von Felix Mendelssohn kann man besonders gut hören, wie blindlings sich Gabetta und Chamayou verstehen.

Sie gehen ins Risiko – gemeinsam; sie springen – weil sie wissen, der/die andere kann auch fliegen; und sie horchen genau hinein in die Rhetorik und die Farben der Musik, die eben auch mal richtig düster sein können. Und im zweiten Satz, im Allegretto scherzando – hat man je eine grimmigere Elfenmusik gehört? 

Sol Dabetta zu Besuch im Brahms-Haus Baden-Baden

Bereits das dritte gemeinsame Album

„Mendelssohn“ ist das dritte Album, das Sol Gabetta und Bertrand Chamayou zusammen machen, und ausgerechnet mit Mendelssohns zweiter Cello-Sonate fing alles an, vor 18 Jahren.

Hier haben sich also zwei gefunden, sind einander auch treu geblieben, allen künstlerischen Wachstumsprozessen und Entwicklungsschüben zum Trotz. Oder gerade deswegen!?

Hier haben sich also zwei gefunden.

Auch die Wahl der Instrumente reflektiert das: Gabetta spielt ein Stradivari-Cello und Chamayou ein Blüthner-Fortepiano – oder sie kombinieren ein Goffriller-Cello mit einem Steinway D.

Mit auf der CD: Zeitgenössischen Auftragswerke

Neben drei anderen zeitgenössischen Komponisten – Heinz Holliger, Jörg Widmann und Francisco Coll – ist Wolfgang Rihm dem Ruf Sol Gabettas gefolgt und hat ein Auftragswerk geschrieben, ein heutiges „Lied ohne Worte“ nach Mendelssohn.

Keine schlechte Idee, das 19. ins 21. Jahrhundert zu transferieren auf diese Weise – für mich aber hätte es das, bei allem Respekt, nicht gebraucht. 

Für mich aber hätte es das, bei allem Respekt, nicht gebraucht.

Vielleicht ist das „Lied ohne Worte“ doch eine etwas aus der Zeit gefallene Gattung; vielleicht ist Mendelssohns Kammermusik aber auch so stark, so frisch, so vital, dass man als Zeitgenossin des 21. Jahrhunderts gar nichts vermisst. Zumal bei solchen Interpreten nicht. Sol Gabetta und Bertrand Chamayou mit „Mendelssohn“ – fünf Punkte!

„Memento Odesa” – Odessa nicht vergessen. Das hat sich Sebastian Studnitzky, Trompeter, Pianist, Komponist und künstlerischer Leiter des X-Jazzfestival in Berlin geschworen. Seit vielen Jahren setzt er sich für die Sichtbarkeit der ukrainischen Künstlerszene ein.

Ein Denkmal für die ukrainische Stadt Odessa

Gemeinsam mit der ukrainischen Sängerin und Produzentin Anastasiia Pokaz und dem Odesa Symphonic Orchestra hat er nun der Stadt und ihren Bewohnern inmitten einer ungewissen Zukunft ein musikalisches Denkmal gesetzt.

In Kiew haben sie mit dem Orchester seine Komposition „Memento Odesa” aufgenommen. Jetzt holen sie Orchestermitglieder nach Deutschland. Der Erlös der Tournee kommt ukrainischen Hilfsorganisationen zu Gute.

Offizielles Musik-Video zu „Memento Odesa” auf YouTube

Die wohl anspruchsvollste Beethoven-Sonate

Das so simpel erscheinende Intervall einer Terz – Ludwig van Beethoven baut um dieses Kernmotiv, eingebettet in wuchtige, orchestral wirkende Akkorde, den monumentalen ersten Satz seiner so genannten „Hammerklavier“-Sonate. Im Gegensatz dazu: ein kurzes lyrisches Nebenthema.

In weniger als zwei Minuten durchschreitet Beatrice Rana bereits die äußeren dynamischen Randzonen dieser wohl anspruchsvollsten aller 32 Beethoven-Sonaten.

Beatrice Rana untermauert ihre Ausnahmequalitäten

Scheu? Keineswegs. Das mag zunächst überraschen, schließlich hat Rana zuvor noch keine einzige dieser Sonaten aufgenommen; und jetzt erstürmt sie gleich den höchsten Gipfel – und das mit einem erstaunlichen Gespür für die dramaturgischen Prozesse dieser Musik. 

Man könnte 50 Pianistinnen und Pianisten davor warnen, die Auseinandersetzung mit Beethovens Sonaten ausgerechnet mit dieser B-Dur-Sonate op. 106 zu beginnen, und gefühlt würden 49 von ihnen damit scheitern.

Es spricht für die Ausnahmequalitäten von Beatrice Rana, dass sie diese Herausforderung mitnichten nur irgendwie bewältigt, sondern mit diesem Album ihre Stellung als einer der herausragenden Pianistinnen unserer Zeit nachdrücklich untermauert.

Das „Adagio sostenuto“ – eine Herkulesaufgabe

Schon ihre Einspielung der „Goldberg-Variationen“ von Johann Sebastian Bach habe ich als bravourös empfunden, und nun beweist sie erneut Weit- und Durchblick bei diesem so sperrigen Werk.

Das Scherzo deutet sie keck, aber nicht überdreht. Danach wartet einer der geheimnisvollsten Sätze der gesamten Klaviermusik: das „Adagio sostenuto“.

Es ist ein Satz, der danach verlangt, Bögen spannungsvoll zu formen, eine Balance zwischen den einzelnen Stimmen zu finden, gleichzeitig gesanglich zu spielen und dabei die Extreme des Ausdrucks abzubilden – eine Herkulesaufgabe. Beatrice Rana wagt – und gewinnt.

Eine Aufnahme mit Ausrufezeichen

Ihr Piano – mehr noch: ihr Pianissimo – ist geheimnisvoll. Rana deutet vieles an, spricht aber nicht alles aus. Der Satz atmet unter ihren Fingern und lässt zugleich in die Tiefe blicken. Subtil der Einsatz des Pedals, klar artikuliert ihr Anschlag, sonor im Bass, leuchtend im Diskant. Das alles ist bangend, nachdenklich und tröstlich zugleich.

Das Finale ist gespickt mit Trillern und Läufen, architektonisch zusammengehalten durch die Form der Fuge. Rana begnügt sich nicht damit, die Aufgabe rein technisch zu bewältigen. Sie ist vielmehr ihr eigener Dirigent: antreibender Motor und Übersichtswalter zugleich. 

Spätestens jetzt ist klar: Rana hat sich nicht verhoben, sie setzt mit dieser Aufnahme ein Ausrufezeichen. Denn bei allem Gewicht, bei aller Kraft, die dieses Finale braucht, Rana bewahrt gleichzeitig eine gewisse Lockerheit: die Töne perlen. 

YouTube-Video: Beatrice Rana spielt den 4. Satz aus Beethovens „Hammerklavier“-Sonate

Auch bei Chopin beweist Rana Augenmaß und Tiefsinn

Neben der „Hammerklavier“-Sonate hat Beatrice Rana auch die b-Moll-Sonate von Frédéric Chopin aufgenommen, die mit dem berühmten „Trauermarsch“. 

Auch hier: Rana beweist Augenmaß und Tiefsinn. Ihr Spiel erinnert an Gesang, weil sie die einzelnen Phrasen abrundet, weil sie natürliche Übergänge erzeugt, weil sie dem Notentext Botschaften entlockt. Auch im geraunten, spukhaften Finale, aus dem einzelne Höhepunkte wie Leuchtkugeln herausragen, bevor kräftige Akkorde dem Irrlichtern ein Ende bereiten. In Summe eine sehr überzeugende Einspielung.

Harriet Cohen: Keine Angst vor großen Namen

Harriet Cohen sagt Pablo Picasso direkt ins Gesicht, dass sie die Bilder von Henri Matisse liebt, seinem Konkurrenten. Sie sagt geradeaus, was sie denkt. Und das nicht erst, als sie international als Pianistin gefeiert wird, sondern schon als junge Studentin.

I got quite friendly with him, young, as I was. Cheekily told him I adored the pictures of Matisse. He didn't mind and he told me that he collected Matisse pictures. Yes.

Sie ist selbstbewusst und lässt sich von großen Namen wie Picasso nicht einschüchtern. Auch nicht vom berühmten Komponisten Manuel de Falla. Als der für ein Konzert nach London kommt, blättert sie ihm die Noten um – und behält auch hier ihre Meinung nicht für sich.

„Das ist ja eine Art Gitarrenmusik!“, sagt sie unter anderem zu ihm, sodass das ganze Orchester und der Dirigent völlig entsetzt geguckt habe.

Selbstbewusstsein zahlt sich aus

Manuel de Falla nimmt ihr die Kritik nicht übel und fragt sie sogar, ob sie die nächste Aufführung selbst spielen möchte. Ein Schlüsselmoment für Harriet Cohen. Ihr selbstbewusstes Auftreten hat sich ausgezahlt. Sie wird schließlich zu einer der wichtigsten Pianistinnen, die seine Musik spielen.

Die Leidenschaft und Energie, mit der Harriet Cohen Klavier spielt und auf die Bühne geht, begeistert alle: Komponisten, Zuhörerinnen und Zuhörer, Politikerinnen und Politiker. Die englischen Medien stürzen sich auf sie, schreiben und fotografieren sie.

Erfolgreiche Imagepflege

Zeitweise ist sie in Großbritannien die Musikerin, die am häufigsten fotografiert wird und über die am meisten geschrieben wird. So ein Image ist wichtig für eine erfolgreiche Karriere – erklärt Melanie Unseld, Professorin für Musikwissenschaft in Wien. 

Jeder, der auf die Bühne geht, braucht ein Image: Männer wie Frauen. Und die Ausgestaltung dieses Images betrifft nicht nur das visuelle Erscheinungsbild oder den Habitus, sondern zum Beispiel auch das Repertoire. Da dürfen wir uns keiner Illusion hingeben, das Erscheinungsbild auf der Bühne ist nicht zufällig.

Repertoire aus der Barockzeit und viel Modernes

Harriet Cohen entscheidet sich häufig für relativ kurze Kleider mit Ausschnitt, Schuhe mit Absätzen und dafür, die Haare zusammen zu binden. So geht sie auf die Bühne, oft mit gutem, altem Repertoire aus der Barockzeit. Neben Johann Sebastian Bach spielt sie auch die Engländer: Musik von William Byrd, Henry Purcell - oder Orlando Gibbons.

Harriet Cohen spielt auch viel Modernes. Sie ist oft die Erste, die das Neuste aus Russland, von Dmitri Schostakowitsch oder Dmitri Kabalewski, nach England bringt. Ralph Vaughan Williams schreibt extra für sie sein einziges Klavierkonzert.

Macht sich stark für Frauenrechte

Harriet Cohen nutzt ihr Promi-Dasein, um Gutes zu tun. Sie sammelt Geld mit Konzerten und zapft ihre Kontakte bis in die höchsten politischen Kreise an, um vor allem jüdische Intellektuelle aus Nazi-Deutschland rauszuholen und nach Großbritannien zu bringen. 

Und: Sie nimmt sich neben all den Konzerten und Proben auch noch Zeit, sich für die Rechte von Frauen stark zu machen. Schließlich übernimmt sie sogar das Amt der Vizepräsidentin der „Women’s Freedom League“.

Proteste ja, aber ohne Gewalt, ist das Credo. Die „braunen Frauen“, benannt nach den braunen Mänteln, die das Erkennungszeichen sind, starten Aktionen: Weigern sich Steuern zu zahlen, kritisieren die Regierung, auch über eine eigene Zeitung; so machen sie auf sich aufmerksam. 

Tragisches Missgeschick unterbricht Karriere

Harriet Cohen kämpft da, wo es nötig ist, wo sie sich einbringen kann. Sie spannt geschickt ihre Netze, baut ihre Karriere auf und pflegt ihre Freundschaften.

Doch dann geschieht ihr ein unglückliches Missgeschick mit fatalen Folgen. Harriet Cohen verletzt sich an einem zerbrochenen Brillengestell. Das kaputte Glas durchtrennt die Arterie ihrer rechten Hand. Klavierspielen geht nicht mehr und das für einige Jahre.

Ein Concertino für die linke Hand allein

Ihr Liebhaber, der Komponist Arnold Bax unterstützt sie, so gut er kann, finanziell. Und: Er schreibt ihr ein Concertino für die linke Hand allein. Es soll sein letztes bedeutendes Stück sein. 

Harriet Cohen wohnt in einer Villa in London, die Bax für sie gekauft hat. Glücklich wird sie aber erst wieder, als ihr Arm verheilt ist und sie endlich wieder Klavier spielen kann.

Hat Bach auch eine Markuspassion komponiert?

Die Matthäus- und Johannespassion von Johann Sebastian Bach ist bekannt, aber gibt es auch eine Markuspassion? Nur der Text nach Picander ist erhalten geblieben, die Musik von 1731 ist verschwunden.

Viele Fragen stehen zu dieser Passion im Raum: Ist es ein Original von Bach gewesen, oder doch ein geistliches Pasticcio, zusammengesetzt aus vorhandenen Stücken von verschiedenen Komponisten?

Neue Komposition mit dem Text von damals

Vieles wissen wir nicht, aber eines steht seit Neustem fest: Es gibt eine Markuspassion mit dem Text von damals, aber neu komponiert von Komponist Nikolaus Matthes. Mehr über die Suche nach den Fußspuren von Bach und wie das Werk nun klingt, erzählt er im Gespräch.

Die US-amerikanische Pianistin und Sängerin Vienna Teng ist zwischen Musik und Ökologie hin- und hergerissen. Nach einer mehr als zehnjährigen Pause macht sie eine Deutschlandtour und setzt auf ihre Popularität.

Die außergewöhnliche Künstlerin gibt Konzerte am 7. März in Freiburg, am 10. März in Karlsruhe und am 11. März in Heidelberg. Alle Tourdaten sind zu finden auf der Homepage von Vienna Teng.

YouTube-Video: Vienna Teng mit „Level Up”