Treffpunkt Klassik

Keine Gebrauchsmusik für den Gottesdienst

Wenn der schwedische Komponist Thomas Jennefelt biblische Texte vertont, sucht er nicht den friedlichen Rückzug aus der Welt. In seinem Werk Dixit Dominus verarbeitet er die Traumata des Massakers von Srebrenica. Jennefelt komponiert keine Gebrauchsmusik für den Sonntagsgottesdienst, denn für ihn ist das Geistliche ein zutiefst humanistischer, reflektierender Raum.

Ich bin kein typischer Kirchenmusik-Komponist und an keine Kirche gebunden. Ich möchte in meiner Musik auch nicht predigen. Wenn ich über Religion schreibe, ist das eher ein Kommentar darüber, wie Religion an uns herangetragen wird und wie sie in der Gesellschaft wirkt. Was meinen eigenen Glauben angeht: Es fällt mir schwer, ihn zu beschreiben. Das ist einfach zu persönlich für mich. Dafür gibt es keine Worte.

Bedeutung der Religion in einer säkularisierten Welt

Der 1954 bei Stockholm geborene Jennefelt studiert in den 70er-Jahren Komposition, schreibt Opern und Orchesterwerke. Doch die Vokalmusik bildet von Beginn an das Zentrum seines Schaffens. Dass er sich darin immer wieder mit geistlichen Stoffen befasst, ist kein Widerspruch.

Für Jennefelt besitzen Kirchen und Religion auch im weitgehend säkularisierten Schweden ein immenses Gewicht. Täglich lasse sich in den Nachrichten beobachten, wie Religion das Leben beeinflusst – gerade in Kriegen und weltweiten Konflikten, meint der Komponist.

Die Nähe zu geistlichen Stoffen kommt bei Thomas Jennefelt nicht von ungefähr. Denn seine Vertrautheit mit der Chortradition ist zutiefst biografisch: Über zwei Jahrzehnte singt er selbst als Profi im legendären schwedischen Eric-Ericson-Kammerchor. Dort erlebt er unmittelbar, was das gemeinsame Singen im Menschen auslösen kann.

Die Bedeutung von Kirchenmusik habe er vor allem dann gespürt, wenn er im Chor Brahms' Requiem, Mozart oder zeitgenössische Musik gesungen habe. Die Kirchenmusik sei einer der Wege, um mit Religiösem in Kontakt zu kommen.

Der Chor als Säule der Kultur

Kirchenmusik gebe den Sängerinnen und Sängern außerdem ein tieferes Verständnis für die großen Fragen des Lebens, meint Thomas Jennefelt weiter. In seiner schwedischen Heimat verändert sich die Praxis des Singens in den letzten Jahren grundlegend. Dabei galt Schweden einst als das Land des Chorsingens.

Mit einem im weltweiten Vergleich außergewöhnlich hohen Standard der a-cappella-Kultur, maßgeblich beeinflusst von Eric Ericsson und dem sogenannten „schwedischen Chorwunder“. Doch diese traditionsreiche Kultur sieht Thomas Jennefelt heute in Gefahr.

Früher hatten wir in Schweden die Tradition, dass wir auf Feiern zusammen gesungen haben. Das macht heute niemand mehr. Die jungen Leute singen einfach nicht mehr so viel, das ist schade. Das Niveau der schwedischen Laienchöre ist heute nicht mehr ganz so hoch wie noch in den Siebzigern und Achtzigern. Das schwedische Chorwunder wackelt heute ein bisschen. Aber wir haben in Schweden immer noch sehr gute Profi-Chöre, und die traditionelle Schule von Eric Ericson ist nach wie vor lebendig.

Professionelle Chöre als unverzichtbare Säulen der Kultur – das gilt in Schweden wie in Deutschland. Mit seinen vielschichtigen Werken, die den Geist berühren, ohne dogmatisch zu sein, weist Thomas Jennefelt der europäischen Vokalmusik neue, humanistische Wege.

Das Klassikfrühstück bei „Das Fest“ in der Karlsruher Günther-Klotz-Anlage ist fester Bestandteil des Traditionsfestivals. Alle zwei Jahre wird der Brunch von der Badischen Staatskapelle begleitet, auch 2026. Generalsmusikdirektor Georg Fritzsch moderiert und leitet das musikalische Festessen und erzählt, warum das Genießen auf der Picknickdecke ausgerechnet mit Tänzen begleitet wird.

Der Bayreuther Musik- und Theaterwissenschaftler Anno Mungen zählt zu den Experten für Werk und Leben Richard Wagners. Jetzt hat er – rechtzeitig zum 150-Jahr-Jubiläum der Bayreuther Festspiele – ein Buch mit dem Titel „Von Bayreuth nach Auschwitz“ vorgelegt und beleuchtet darin das Verhältnis von Oper, Politik und Gewalt. Christoph Vratz über den Hauptverdienst dieser Neuerscheinung: „Durch die Auswertung neuer Quellen wird die These, dass eine nationalsozialistische Wagner-Rezeption Massenmorde zur NS-Zeit begünstigt hat, glaubwürdig erhärtet.“

Unzählige Liebeserklärungen an Tytus Woyciechowski

Ich gehe mich waschen, küss’ mich jetzt nicht, denn ich habe mich noch nicht gewaschen. — Du? Auch wenn ich mich mit byzantinischen Ölen einreiben würde, würdest Du mich nicht küssen, wenn ich Dich nicht auf magnetische Art dazu zwingen würde.

Das hier sind vielleicht die erotischsten Sätze der gesamten erhaltenen Korrespondenz zwischen Frédéric Chopin und seinem langjährigen Geliebten, Tytus Woyciechowski.

Weiter heißt es: „Es gibt irgendeine Kraft in der Natur. Heute wirst Du träumen, dass Du mich küsst. Ich muss es Dir für den widerwärtigen Traum heimzahlen, den Du mir heute Nacht heraufbeschwört hast.“

Die Gefühle, die Chopin gegenüber Woyciechowski formuliert, sind „exklusiv und einzigartig“, schreibt Moritz Weber. Niemandem sonst habe er je so etwas geschrieben. Unzählige Liebeserklärungen haben Frédéric und Tytus einander über die vielen Jahre ihrer Beziehung zugeschickt – sie sind auch zusammen auf Reisen gegangen und haben zeitweise miteinander gelebt.

Woyciechowski als Muse Chopins

Außerdem widmet Chopin seinem Partner mehrere Kompositionen – er lebt seine Liebe zu ihm also auch künstlerisch aus. In seinem Buch „Chopins Männer“ wirft Moritz Weber jetzt einen Blick auf dieses Zusammenspiel zwischen dem Privatleben des Komponisten und seiner Kunst: Chopin habe sein Begehren nicht nur in Worten festgehalten, schreibt Weber, sondern „vertraute diese Seite seiner Persönlichkeit auch dem Klavier an und drückte sie durch seine Musik aus“.

Den langsamen Satz seines Klavierkonzerts in f-Moll etwa schreibt Chopin „im Andenken“ an Tytus, genau wie seinen späteren Walzer in Des-Dur. Chopin habe beides extra für Woyciechowski geschrieben, die Gedanken an ihn seien die Inspiration gewesen, so Weber. Inspirationsquelle, Adressat und der Hintergrund des Mittelsatzes des f-Moll Klavierkonzerts seien ein und dieselbe Person: Tytus Woyciechowski.

Queerfeindlichkeit von damals bis heute

Die Liebe zwischen den beiden Männern dauert von ihrer gemeinsamen Jugend bis zu Chopins Lebensende im Jahr 1849. Deshalb widmet Moritz Weber ihr in seinem über 500 Seiten starken Buch auch das ausführliche erste Kapitel. Ihre Liebe übersteht dabei nicht nur lange Phasen der räumlichen Trennung, sondern auch ein politisches Klima, in dem Homosexualität mindestens gesellschaftlich stark geächtet, wenn nicht sogar gerichtlich bestraft wird.

Die Queerfeindlichkeit und Misogynie des 19. und 20. Jahrhunderts reichen bis in unsere moderne Zeit. Sie haben Generationen von Chopin-Forscherinnen und -Forschern und mit ihnen das allgemeine Wissen über den Komponisten beeinflusst. Moritz Weber beleuchtet in seinem Buch anhand von neuen Quellen genau diese Themen, die lange Zeit tabu waren und zensiert wurden.

Mehr Forschung zu Chopins Männern gefordert

Bis heute halten sich zum Beispiel hartnäckig Erzählungen über vermeintliche Liebesbeziehungen, die Chopin zu Frauen gehabt haben soll. Oder über eine heimliche Verlobung mit der 17-jährigen Maria Wodzińska – die es aber nie gegeben hat.

Im Buch fordert Weber, dass die alten Narrative kritisch hinterfragt und weiter aufgearbeitet werden. Es liege im Interesse der Forschungsgemeinschaft, mehr Primärquellen zu den Chopin nahestehenden Männern zu suchen.

Vieles verschollen

In seinem Buch, das sich zeitweise liest wie ein aufregender Liebesroman, räumt Weber mit den etablierten Erzählungen über Chopins Privatleben auf. Er stützt sich dabei auf ungefähr 800 Briefe, verschiedene Nachlässe und auch Archivalien aus der Polnischen Bibliothek in Paris oder den Akten der Polizeipräfektur von Paris.

Ein großer Teil seiner Schriften und der Korrespondenz zwischen Chopin und seinen Liebhabern und Freunden sind allerdings verschollen. Auch viele Antwortbriefe der ihm nahestehenden Männer fehlen bis heute, was die Aufarbeitung ihrer Verhältnisse zueinander schwierig gestaltet. Trotzdem überrascht beim Lesen, wie detailliert, wie ausführlich und wie extrem deutlich die überlieferten Texte sind.

Chopins angebliche Liebhaberinnen

Andererseits widmet Weber aber auch gut 50 Seiten den vermeintlichen Liebhaberinnen Chopins und ordnet ihre eigentliche Bedeutung in seinem Leben ein. Keiner der Liebesbriefe sei an eine Frau geschrieben worden, stellt Weber fest. An Frauen seien insgesamt verhältnismässig wenige und auch nur kurz Briefe geschrieben worden.

Darin, so Weber, seien auch nie romantische oder leidenschaftliche Zeilen zu finden, wie in den Briefen an Tytus oder andere Männer. Chopin gebe in seiner Korrespondenz selbst Hinweise auf seinen ziemlich berechnenden Umgang mit Frauen, schreibt Weber:

Er beschreibt mehrmals, dass er in Liebesdingen ein Doppelleben führt, ganz im sozialpsychologischen Sinn: Er trennt sein öffentliches und privates Leben bewusst und sorgfältig. […] Er legt einen Deckmantel über sein eigentliches, homophiles Begehren und verhüllt so seine wahren Gefühle, die er in seiner Zeit nicht offen zeigen kann.

Das formuliert Chopin selbst in einem Brief an Tytus: „Ich hätte dich gerne hier – Du glaubst nicht, wie traurig ich hier bin, dass ich mich mit niemandem aussprechen kann. Du weißt, wie einfach ich Bekanntschaften mache […] aber ich kann mit niemandem zusammen seufzen. — Was meine Gefühle anbelangt, bin ich immer in Synkopen mit den anderen. Deshalb quäle ich mich.“

Moritz Webers Buch ist nicht nur eine wichtige Abrechnung mit der bisherigen Chopin-Forschung und liefert zentrale Neudeutungen und Ergänzungen. Es erweist sich darüber hinaus als unglaublich aufschlussreicher Text über queeres Leben im 19. Jahrhundert. Spätestens jetzt ist, wie der Autor schreibt, die Zeit gekommen, diese Lebensrealitäten anzusprechen und zu erforschen. Dieses Buch ist ein kräftiger Anstoß dazu, den es offenbar gebraucht hat.

Heilung in Bad Wildbad

Im Zentrum des diesjährigen Festivals steht eine Rarität: die konzertante moderne Erstaufführung der französischen Fassung von Rossinis „Semiramide“ im Bad Wildbader Kurhaus.

Dass Bad Wildbad jedes Jahr das Rossini-Festival feiert, ist Gioachino Rossinis Reise in den Kurort zu verdanken. 1856 kam er in den Nordschwarzwald – 64 Jahre alt, im Ruhestand und gesundheitlich angeschlagen. Seine zweite Ehefrau Olympe Pélissier habe den Kurort mit der Begründung gewählt, dass das Wasser dort sehr mild sei, erzählt der Intendant des Festivals, Jochen Schönleber.

Ob die Kur tatsächlich geholfen hat, sei zwar nicht belegt, dafür würde aber sprechen, dass Rossini seine Arbeit an der Sammlung „Péchés de vieillesse“ (deutsch: Die Alterssünden) hier begann.

Vom Weltstar zum Privatier

Ruhm erlangte Rossini zunächst in Italien, auch in England und Frankreich wurde er als Star verehrt. Bereits im Alter von 37 Jahren schrieb er seine letzte Oper, danach lebte er in Paris als Privatier. Für seine neue Wahlheimat lies er einige seiner italienischen Opern für das französische Publikum von seinem guten Freund Michele Carafa umarbeiten.

Eine von ihnen „Semiramide“, die in der französischen Fassung als „Sémiramis“ nun auch in Bad Wildbad erklingt. Für Intendant Jochen Schönleber ist das das besondere Merkmal seines Festivals: „Wir sind immer daran interessiert, Sachen zu spielen, die andere nicht spielen.

Besonders an der Version sind die Ballettmusiken, die extra für die Pariser Oper eingefügt wurden. In Bad Wildbad wird das Stück konzertant und ohne Tanz aufgeführt.

Intrigen, Liebe, Rache und Mord

„Sémiramis“ bietet eine dicht psychologisierte Geschichte, hochkomplex und voll Intrigen, Liebe, Rache und Mord.

Die namensgebende babylonische Königin wird von ihrem Mann, dem König, schlecht behandelt. Sie hasst ihn so sehr, dass sie ihn unter Beihilfe ihres machthungrigen Liebhabers ermorden lässt. Ihr Sohn wird vor dem Mordkomplott gerettet und ins sichere Exil gebracht. Später kehrt er als Sohn eines Satrapen zurück an den babylonischen Hof. Sémiramis verliebt sich, ohne zu ahnen, dass es sich um ihr eigen Fleisch und Blut handelt.

Bei der Adaption ins Französische handele es sich allerdings nicht um eine einfache Übersetzung, erklärt Schönleber. Rossini ließ die gesamte Struktur der Oper verändern und an den Pariser Operngeschmack des frühen 19. Jahrhunderts, die Grand Opéra, angepassen. Nun können auch die Besucherinnen und Besucher in Bad Wildbad diese besondere Fassung wieder auf der Bühne erleben.

Wer nach Heidenheim (Brenz) fährt, kann das Schloss hoch oben auf dem Hellensteinfelsen nicht übersehen. Jetzt im Sommer ist es mit der Ruine einer ehemaligen Stauferburg ein besonderer Besuchermagnet, vor allem für Kulturgenießende. Vor 62 Jahren gab es hier die erste Schlossserenade, später Konzerte und Spielopern, Mitte der 70er Jahre schließlich die erste große Operninszenierung. Heute sind die Opernfestspiele Heidenheim mit der Open-Air-Bühne im sogenannten Rittersaal der Ruine für viele das Highlight der Saison. Nicht nur, weil das Festival Musiker*innen aus aller Welt versammelt, sondern auch, weil es eine der spektakulärsten Kulissen hat. In diesem Jahr mit der Verdi-Oper Otello. Katja Stolle-Kranz war vor Ort.

Die klassische Musik braucht eine Frischzellenkur! Davon war schon Béla Bartók überzeugt – und suchte das Neue im Alten, in der archaischen Bauernmusik des Balkans. In seinen 44 Duos für zwei Violinen hat er originale Volksweisen aufgegriffen, und die klingen oft radikal modern. Zumindest bei der Geigerin Alexandra Preucil und dem Bratschisten Antoine Tamestit: Sie koppeln die 44 Miniaturen auch noch mit ihren Vorlagen, mit den historischen Tonaufnahmen, die Bartók bei seinen Feldforschungen aufgezeichnet hat. Die Musik lebt vom Musizieren, sagt Susanne Stähr.

48 Stunden Busfahrt, stundenlange Grenzkontrollen und trotzdem kommen sie jedes Jahr wieder nach Rheinland-Pfalz. Das Jugendsinfonieorchester der Ukraine probt gerade in Schloss Engers bei Neuwied. Warum die jungen Musiker diese Reise auf sich nehmen und warum der Krieg in ihrer Heimat selbst dort manchmal ganz nah ist, darüber berichtet Clemens Sarholz.

Eine Schallplatte mit Bachs zweitem Brandenburgischen Konzert entfacht Reinhold Friedrichs Liebe zur Trompete. Der Junge aus Weingarten wird früh gefördert, gewinnt Wettbewerbe, studiert in Basel und Paris und steigt zu einem der prägenden Trompeter seiner Generation auf. Als Solist auf den großen Bühnen und Professor in Karlsruhe prägte er viele Nachwuchsmusiker. Nun endet seine Professorenzeit – er verabschiedet sich mit einer Konzertwoche, die sein Spektrum bündelt: Bach mit rund 50 Trompetern, neue Musik im Wolfgang-Rihm-Forum und Konzerte in Schloss Weikersheim.

Bei kaum einem anderen Musiker ist noch heute der Diskurs so aufgeladen wie bei Herbert von Karajan. Die einen verehren ihn als absolutes Genie und verfallen in der Begründung dieses Ansatzes nicht selten in elitäre und arrogante Argumentationsmuster.

Andere wollen offenbar alles daran legen, Karajan als den extrem mächtigen Akteur des globalen Musikbetriebs, der er war, zu demontieren. Und oft setzten Musikwissenschaftler und Publizisten ihre Kapazitäten dafür ein, Karajans schwerwiegende nationalsozialistische Vergangenheit und Überzeugung zu bagatellisieren oder zu entschuldigen.

Wolfgang Rathert hat jetzt ein weiteres Buch zu dem Dirigenten veröffentlicht: „Herbert von Karajan: Macht – Ohnmacht – Vermächtnis“. Der Professor für historische Musikwissenschaft an der LMU München geht dabei aber einen entscheidenden Schritt zurück und vermittelt den Eindruck, ohne ideologische Vorfärbung auf Werk und Leben des Dirigenten zu blicken.