Treffpunkt Klassik

Musikalische Verführung

Eine Prise finnischer Humor ist wohl dabei, wenn sich Tomi Mäkelä just auf den Hit von Manuela bezieht. Manuela singt im Jahr 1963 von der Verführbarkeit der Musik: „Denn, wenn einer Bossa Nova tanzen kann, dann fängt für mich die große Liebe an“, heißt es im Text zum erfolgreichen Schlager. Die Engführung von Liebe, von Rausch und inniger Zuneigung gehört zur Musik wie Jean Sibelius zu Finnland – doch der im finnischen Lahti geborene Mäkelä erhebt Einspruch:     

Das Hinterfragen des Musenglücks ist im global-westlichen Milieu unüblich, wogegen Verherrlichung seit Langem salonfähig ist. Sogar aufgeklärte Medien versäumen es, naheliegend kritische Fragen zu stellen, wenn es um das Musikleben und -geschehen geht.

Zur Rolle der Musik

„Heilsame, mächtige und sündhafte Töne im Wandel der Zeiten“ lautet der Untertitel des mehr als 300-seitigen Buches. Mäkelä nähert sich der Musik aus kultursoziologischer Perspektive und hinterfragt offenbare Instrumentalisierungen von Musik und er fragt nach sinnvollen Rollen, die Musik in der Gesellschaft spielen kann.

Als versierter und traditionell ausgebildeter Pianist kennt Mäkelä den auf Leistung getrimmten instrumentalen Ausbildungsbetrieb. Wettkampf, schön und gut, gerade junge Menschen wollen sich gern messen. Aber das Kompetitive hat eben auch seine Kehrseiten, unter anderem, wenn es unter großer Anspannung einmal zu einem immer möglichen Blackout des kleinen Kindes kommt, das vielleicht gerade eine ungeheuer heikle Partita von Bach spielt, die ja zu Ursprungszeiten gar nicht gedacht war zur öffentlichen Wiedergabe.

 Glosse zur Kehrseite von Wettbewerben

Zu viel Beethoven?

Man kennt die Geschichten, die auch Tomi Mäkelä erzählt: Geläufigkeitsübungen, Auftrittsangst und der Drill des Instrumentallehrers verleiden vielen Menschen das eigene Musikmachen. Ein Hochleistungsanspruch sei der falsche Ansatz – das gilt auch für Musikkonservatorien, in denen aufgrund einer instrumentalen Spezialisierung die humanistische Bildung der Studierenden eklatant zu kurz komme.

Auf durchaus mutiges Terrain begibt sich Mäkelä, wenn er meint, dass es zu viele Spitzenmusiker und Spitzenorchester gebe, die in kühler Perfektion die nächste Beethoven-Symphonie rauf und runter spielen. Sein Ideal ist ein anderes:

Ich fühle mich ethisch, ökologisch und ästhetisch am wohlsten, wenn ich den reflektierten und rücksichtsvollen Rausch erlebe, den ein Universitätsorchester ausstrahlt, das ohne professionelle oder professorale Hilfe auskommt.

Nicht nur klassische Musik

Man spürt in diesem Buch die Liebe zur Musik. Ebenso Mäkeläs Wunsch, sich nicht nur einem Fachpublikum zuzuwenden. Seine Sprache ist nicht akademisch, Analysen werden dem Leser erspart.

Mäkelä garniert seine Beispiele mit oft witzigen Passagen wie Filmszenen. Und er beschränkt sich bei Weitem nicht nur auf die so genannte europäische Kunstmusik, sondern bezieht offenbar geschätzte Metalbands ein oder auch die britische Band Queen, deren Message weitaus komplexer sei als ein bloßes We will Rock you oder We are the Champions.

Eher entsprächen die Texte einem melancholischen Blues, der auch mit Freddie Mercurys Homosexualität zu tun habe, die in den 70er-Jahren noch anders gelebt werden musste.

Respekt vor der Musik

Mäkeläs Töne stimmen nachdenklich – auf der anderen Seite aber auch hoffnungsvoll: Aus Liebe zur Musik plädiert er in schwierigen Zeiten für einen respektvollen, möglichst breitenwirksamen Umgang mit Klängen und Rhythmen jeglicher Couleur.

Letztlich geht es darum, jenen ideologischen Ballast loszuwerden, an dem die Geschichte ihren Anteil hat. Inklusive Professionalisierung, Inszenierung und einer lange unter falschen Prämissen agierenden Musikpädagogik – sei es in der Schule oder bei der individuell-instrumentalen Ausbildung. Mäkeläs Fazit ist nichts hinzuzufügen:

Ein erfolgreicher Umgang mit Musik – nicht nur pädagogisch und individuell, sondern auch politisch – setzt voraus, dass die Komplikationen erkannt werden, die mit ihr als Kunst, Vergnügen und Medium einhergehen.

Welches Duo kann das schon von sich behaupten: über 55 Jahre der musikalischen Zusammenarbeit? Diese Marke hat bisher außer den klavierspielenden Schwestern Katia und Marielle Labèque kein renommiertes Ensemble erreicht – das Beaux Arts Trio trennte sich nach 53 Jahren, das Klavierduo Kontarsky nach fast 40. Die Labèque-Schwestern feiern diesen historischen Moment jetzt mit einer CD-Box, mit der sie nicht nur sich selbst ein Denkmal setzen, sondern auch eine besondere Lanze brechen für Komponistinnen. Hannah Schmidt ist in ihren Kosmos eingetaucht.

Er ist Kommunikator, Denker und Vernetzer: Der Musiker und Kulturmanager Kian Jazdi lebt in Hamburg, gestaltet gemeinsam mit Julian Prégardien das Liedstadtfestival, hat iranische Wurzeln und Schulmusik und Mathematik studiert. All das beeinflusst seine Arbeit. Am Wochenende hat er den TONALi-Award “Mut zur Utopie“ verliehen bekommen. Ein Preis für gesellschaftlich wirksame Kulturarbeit, bei dem künstlerische Praxis mit gesellschaftlicher Verantwortung verbunden werden. Was eine „soziale Symphonie“ ausmacht und was bei Musikprojekten auch mal „too much“ sein kann, berichtet er in SWR Kultur.

Für über 20 Millionen Euro wurde vor kurzem eine MacDonald-Bratsche verkauft. Dass Streichinstrumente mit Namen wie Stradivari und Guarneri teuer sind, ist bekannt. Ein Stuttgarter Geigenbauer weiß auch, wieso: Mit 16 Jahren ist Hieronymus Köstler in die Lehre gegangen und dafür von München nach Mittenwald gezogen. Dort gibt es die berühmte Geigenbauschule. Nach seiner Ausbildung taucht er tief ein in die Welt der alten Streichinstrumente. In Stuttgart ist er spezialisiert auf die Restaurierung und macht Gutachten für historische Instrumente wie Stradivaris und Co. Er erzählt mehr über das Phänomen Stradivari-Geige und was wertvolle, historische Instrumente ausmacht.

Studentenleben vor 100 oder 200 Jahren – da denken viele an strenge Regeln, dunkle Hörsäle und ernste Gesichter. Doch ein Blick in die damaligen Studentenlieder zeigt eine ganz andere Seite: Es geht um Heimat, Freiheit, Liebe, und nicht zuletzt ums gemeinsame Feiern. Diese Lieder erzählen viel über den Alltag und das Lebensgefühl vergangener Studentengenerationen. Arne Mikusin hat sich auf die Spur dieser musikalischen Zeitzeugen begeben.

Am 4. Juli ist “Independence Day”, und das zum 250. Mal. Schon das 200. Jubiläum wurde mit einem breiten künstlerischen Programm begleitet, das bereits vor dem eigentlichen Stichtag seinen Anfang nahm und über ihn hinaus andauerte. Auch musikalisch tat sich viel, so auch in der Musikmetropole New York und mit dem städtischen Hausorchester der New York Philharmonic. Der damalige Chefdirigent war Pierre Boulez, und er hat einige Auftragswerke initiiert und geleitet, die SWR-Musikredakteur Bernd Künzig in den Blick nimmt.

Die Sängerin und sogenannte “Queen of Gospel” Mahalia Jackson wird 1947 berühmt mit „Move up a little higher”. Überhaupt zählt sie zu den Begründerinnen dieses Genres und als Bürgerrechtsaktivistin in den USA ist sie mitverantwortlich für die legendäre „I have a Dream“-Rede von Martin Luther King. Wie? Das erzählt Thilo Plaesser im Gespräch mit Christiane Peterlein über sein Buch „She had a dream“.

Am 1. Juli wäre Hans Werner Henze 100 Jahre alt geworden. SWR-Musikredakteur Rafael Rennicke nimmt drei „Henze-Faszinationen“ in den Blick, die sich wie ein roter Faden durch das Schaffen des Komponisten ziehen.

Er beleuchtet jede dieser Faszinationen an einem ausgewählten Werk, manchmal auch nur an einer einzigen Stelle. In Folge 3 geht es um eine Faszination, die erst in den späten Werken des Komponisten ausdrücklich wird: die Auseinandersetzung des erklärten Atheisten mit Gott und dem Glauben.

Streichtrios sind musikgeschichtlich eine weniger aufgeladene Gattung als Quartette. Heißt auch: Man kann Trios komponieren ohne dieses erdrückende Gewicht von Beethoven-Spätwerken, Schubert, Brahms im Nacken. In Frankreich nennt man Streichtrios auch „conversations à trois“, also „Gespräche zu dritt“. Und genauso heißt ein neues Album des Trio Boccherini. Darauf wird trotz des Ensemblenamens kein Boccherini gespielt, sondern seltene französische Kammermusik. Albrecht Selge hat sich das Album angehört.

Der „Cantiere internazionale d’Arte“ wurde in den 1970er Jahren von Hans Werner Henze als Festival im toskanischen Montepulciano gegründet. Ein demokratisches, emanzipatorisches und partizipatives Kulturprojekt. In diesem Jahr findet der Cantiere zum 51. Mal statt. Was existiert noch von Henzes Grundideen in Montepulciano?