Treffpunkt Klassik

In Hongkong, der internationalen Wirtschaftsmetropole an der Südküste Chinas, treffen westliche und chinesische Einflüsse in allen Bereichen zusammen – auch in der Musik. Vergangene Woche hat das Hong Kong Philharmonic Orchestra sein Programm für die kommende Saison vorgestellt. Mit seinem neuen Chefdirigenten ab Herbst 2026, dem finnischen Shootingstar Tarmo Peltokoski, kommt das Orchester im Herbst auch auf Deutschland- und Europatournee. Marie-Therese Rudolph hat die Stadt, die als Brücke zum Westen gilt, besucht und sich ein Bild vom klassischen Musikleben gemacht.

Seit sieben Jahren hat der Pianist Arcadi Volodos auf dem Plattenmarkt nichts mehr von sich hören lassen. Jetzt aber hat der gebürtige Russe ein neues Album vorgelegt: mit Robert Schumanns allbekannten „Kinderszenen“ und der „Gasteiner Sonate“ von Franz Schubert. Dass es von diesen Werken schon viele Aufnahmen gibt, räumt Volodos im Booklet der CD selbst ein. „Bevor man eine neue Version hinzufügt“, erklärt er da, „sollte man sicher sein, dass man etwas Eigenes zu sagen hat.“ Susanne Stähr hat sich die Live-Mitschnitte aus dem Jahr 2022 angehört. Und spürt dem „Eigenen“ von Volodos nach.

Mit seiner Musik prägte Werner Henze die deutsche Opernszene und erreichte im 20. Jahrhundert weit über Fachkreise hinaus ein großes Publikum. Im Juli 2026 wäre Henze 100 Jahre alt geworden. Doch ausgerechnet in seinem Jubiläumsjahr bleibt seine Musik erstaunlich leise. Henzes Werke seien in diesem Jahr zu selten im Programm deutscher Opernhäuser zu finden, der Komponist werde zu Unrecht nicht beachtet, findet Albrecht Selge.

„Das Hören von Vogelgesang ist auch eine ökologische Erfahrung“, sagt die Musikwissenschaftlerin Kathrin Lang, die ein Buch geschrieben hat über „Vogellieder in deutschsprachiger Lyrik und Vokalmusik“. In SWR Kultur spricht sie über kunstvoll komponierte Vogelmusik bei Beethoven, Liszt und Schönberg, über die Virtuosität und Schönheit von Nachtigallengesang und warum uns die Musik der Vögel dazu animieren sollte, genauer hinzuhören.

Klassische Musik neu denken – das ist der Anspruch des PODIUM Festivals in Esslingen. Hier treffen ungewöhnliche Konzertformate aufeinander, und das Publikum wird selbst Teil des Geschehens. Zwei Projekte zeigen das besonders deutlich: ein inklusiver Chor und ein Wunschkonzert, bei dem persönliche Geschichten im Mittelpunkt stehen. Sebastian Schroth war bei den Proben und Aufführungen dabei.

Welche Geschichte fehlt bislang auf der Opernbühne? Das war die Frage, mit der die Oper Stuttgart auf die Komponistin Sara Glojnarić zukam. Ihr war schnell klar: Es soll um die Stadtgesellschaft gehen.

In Stuttgart hat rund die Hälfte der Bevölkerung einen Migrationshintergrund. Viele von ihnen sind Kinder ehemaliger Gastarbeitern aus Italien, der Türkei und dem damaligen Jugoslawien. Ihre Geschichten wollte sie erzählen, sagt Glojnarić.

Vier Jahre Arbeit bis zur Partitur

Jetzt – nach vier Jahren Arbeit – liegt die frisch gedruckte Partitur vor. Es ging um viel mehr als Komponieren, denn das Material für die Oper kommt aus der Stadtbevölkerung selbst.

Die Komponistin hat dafür 27 Interviews geführt. Teilweise mit Mitarbeiterinnen der Oper, die Kinder von Gastarbeitern aus Südosteuropa sind, aber auch mit Leuten, die mit der Oper bislang nichts zu tun hatten.

Sicher spielte es auch eine Rolle, dass Sara Glojnarić selbst aus Kroatien kommt. Sie führte die Interviews mit Menschen aus dem ehemaligen Jugoslawien auf Bosnisch, Kroatisch, und Serbisch geführt, mit Menschen aus Italien und der Türkei auf Deutsch.

Ein Libretto aus Interviews

Die Interviewten wurden aufgefordert, Musik mitzubringen, die sie mit ihrem Zuhause verbinden. So ist die Komponistin mit Hilfe von Musik in die Familiengeschichten der Stuttgarter eingetaucht.

Die transkribierten Gespräche waren das Rohmaterial für das Libretto der Oper. Das hat die bosnische Theaterautorin Tanja Šljivar geschrieben, die zwischen Wien und Belgrad lebt.

Eine Busreise verbindet die Geschichten

Tanja Šljivar hat Geschichten von echten Personen aus den Interviews ausgewählt und sie in einer fiktiven Busreise entlang der Europastraße 5, der ehemaligen Hauptroute der Gastarbeiter zwischen Süddeutschland, dem Balkan und der Türkei, miteinander verbunden.

Die Reise beginnt an einer erdachten Stuttgarter Haltestelle: „Station Paradiso“. In der Oper fährt der Bus nicht streng geografisch entlang der Route; es geht zunächst nach Kroatien. Das Ziel ist dann Neapel.

Es ist wie eine Art Serie, in jeder Episode, an jeder Station, geht es um die Geschichte eines Passagiers im Bus. Und die anderen Reisenden erleben diese Geschichte mit.

Eine Mixtape-Oper

Die Musik dazu lehnt sich jeweils an die Musik an, die die Interviewten auf Schallplatten, Kassetten und CDs mitgebracht haben: Popsongs, Rock und Balladen der 1970er- bis 90er-Jahre.

Daraus ergibt sich ein ziemlich gutes Mixtape. Die Komponistin hat diese Mixtape-Musik mit zeitgenössischer klassischer Musik verwoben. Sie arbeitet mit charakteristischen Sounds und Instrumenten der Popsongs, im Orchestergraben sitzen deshalb gleich drei Synthesizer.

Seit Tasteninstrumente wie das Cembalo und das Klavier existieren, spielen Frauen auf ihnen mit genau so viel Begeisterung, Elan und Virtuosität wie Männer – doch heute kennt man weder ihre Namen noch ihre Werke. Woran liegt das? 1996 haben erstmals Monica Steegmann und Eva Rieger mit ihrem Buch „Frauen mit Flügel“ auf diesen Missstand aufmerksam gemacht. Jetzt legt die schottische Pianistin und Autorin Susan Tomes nach: mit ihrem Buch „Frauen am Klavier“ macht sie auf die dahinterliegenden patriarchalen Strukturen aufmerksam und zeichnet sie anhand ausgewählter Biografien nach. Sie stellt 50 herausragende Virtuosinnen vor, deren Geschichten wir uns fortan mehr erzählen sollten, findet Hannah Schmidt.

Meditative Toccaten

Der italienisch-australische Pianista Ferrucci, 32 Jahre, gehört zu den spannendsten Pianisten der klassischen Musikszene. Geboren in Florenz studierte er dort am Konservatorium, bei Giovanni Carmassi, und dann an der Guildhall School of Music and Drama in London.

Er hat sich vor allem mit der Musik von Johann Sebastian Bach einen Namen gemacht. Ferruccis Interpretationen Bachscher Werke sind klar, konzentriert und zugleich tief empfunden. Werke wie die Toccaten und die Goldberg-Variationen spielt er nicht nur technisch brillant, sondern mit einer einer fast schon meditativen Ruhe.

Genau hier kommt ein ungewöhnlicher Aspekt ins Spiel: Yoga.

Musik und Yoga sind für mich die beiden Seiten einer Medaille. Da war zuerst die Musik. Ich begann ja als Kind Klavier zu spielen. Yoga kam erst später dazu, vor rund acht Jahren, und hat mein Leben verändert, wie die Musik mein Leben verändert hat.

Tägliches Training

Für Jonathan Ferrucci ist Yoga weit mehr als körperliches Training. Es ist eine Praxis der Achtsamkeit, die seine gesamte künstlerische Arbeit prägt. Atmung, Haltung und innere Konzentration – all das fließt direkt in sein Klavierspiel ein. Die Musik von Bach wird dadurch nicht nur interpretiert, sondern regelrecht durchlebt.

Ferrucci ist nicht nur Pianist, sondern auch ausgebildeter Meister in Ashtanga-Yoga. Wenn immer möglich, trainiert er jeden Tag. Die Symbiose von Yoga und Bach ist kein Zufall. Bachs Musik ist geprägt von Struktur, Ordnung und spiritueller Tiefe. Eigenschaften, die sich auch im Yoga wiederfinden.

Yoga vor dem Konzert

Ferruccis Toccata-Interpretationen auf seiner ersten CD „The Toccatas“ wirken in diesem Sinn fast wie Klangmeditationen – intensiv, entschleunigend und zugleich hochkonzentriert. Er beweist damit, dass selbst jahrhundertealte Musik immer wieder neu erfahrbar wird, wenn man bereit ist, sie mit Körper und Geist gleichermaßen zu erfassen. Vorausgesetzt, das ist möglich.

Ich lebe in London. Da nimmt man die U-Bahn – tausend Werbeplakate, Mobiltelefone läuten, Instagram schauen, der Verkehr, Lärm – und dann betritt man eine Konzerthalle, und von einer Sekunde auf die andere soll man sich auf die Musik konzentrieren können. Nach dieser Welt der Brutalität für unsere Sinne!

Deshalb, so der Pianist, wäre ein wenig Yoga vor Konzerten sicherlich die beste Möglichkeit, sich auf Musik vorzubereiten. Im November erscheint Jonathan Ferruccis zweite CD, ein Doppelalbum, mit den Englischen Suiten Bachs. Man darf sich darauf freuen.

Über 150 Erlkönig-Vertonungen

Wer reitet so spät durch Nacht und Wind? Der Erlkönig, eine Ballade von Johann Wolfgang von Goethe, ist deutsches Kulturgut. Eigentlich ist es auch ein Musikkulturgut. Vor allem ist es natürlich als grandioser Klavierliedkrimi von Franz Schubert bekannt. Aber der Erlkönig wurde durchaus öfter vertont, nämlich mehr als 150 Mal.

Einen kleinen Überblick, wie vielfältig diese musikalischen Erlkönige sind, gibt eine neue Aufnahme vom Bariton Johannes Held und der Liedpianistin Doriana Tchakarova. 13 Erlkönig-Vertonungen haben sie nach jahrelanger Recherche ausgewählt, darunter zum Beispiel ein Werk eines noch lebenden Komponisten oder zwei mit Gitarrenbegleitung.

Vielfältige Kompositionen

Die Unglückzahl 13 ist dabei nicht zufällig gewählt, erzählt der Bariton Johannes Held. Doch obwohl das Kind in der Geschichte der Ballade am Ende stirbt, vertonen manche Komponistinnen und Komponisten das Gedicht überwiegend in Dur. Bereits das zeigt, so Held, wie vielfältig die Kompositionen zu einem literarischen Werk sein können.

Eine Herausforderung für die Sänger ist das unterschiedliche Textmaterial. So weiche zum Beispiel Louis Spohr von der Goethe-Vorlage ab.

Zu verstehen sei sein Album ein Stück weit auch als Konzeptalbum, meint Johannes Held. Man kenne den Text zwar nach zwei oder drei Stücken, doch man finde immer wieder neue Interpretationen und Lesarten, die immer neu fesseln.

Tragik und Unterhaltung im gleichen Gedicht

Schubert setzt bei seinem Erlkönig auf das Klavier, doch das Album weicht auch von diesem Standard ab und präsentiert Interpretationen mit Gitarre und auch Geige. Auch bei den Flügeln und Klavieren hatten Johannes Held und die Pianistin Doriana Tchakarova eine breite Auswahl und präsentieren die Stücke sowohl auf einem modernen Steinwayflügel als auch auf älteren Instrumenten.

Tchakarova kann so den Ritt auf dem Pferd unterschiedlich gestalten, sei es wild und theatralisch wie bei Schubert oder gut gelaunt und unterhaltend wie bei der Komposition von Corona Schröter.

Für den Bariton ist jedoch die Version von Louis Schlottmann das Highlight des Albums, auch für ihn war der Komponist eine Entdeckung. Innerhalb des Stückes faszinieren ihn die großen Intervallsprünge mit übermäßigen Septimen, die Schlottmann „wahnsinnig expressiv“ eingebettet habe.

Salonkonzerte mit ganz viel Erlkönig

Teil der CD-Produktion war auch das sogenannte Crowdfunding. Hier spenden Fans, um das Projekt zu unterstützen. Die Produktion hätte laut Held zwar auch ohne das Crowdfunding stattfinden können, doch es helfe nun, um das Album bekannt zu machen. Auch ermöglichte das Geld, die Gestaltung der physischen CD inklusive Booklet aufzuhübschen.

Teil des Fundings waren auch Hauskonzerte: Dreimal gab Johannes Held in gemütlicher Runde Konzerte bei Spenderinnen und Spendern, passend für das Salonkonzert.

Dass Christoph Graupner im Jahr 1722 der Berufung zum Thomaskantor in Leipzig nicht folgte, hat der damalige Arbeitgeber des Komponisten verhindert. So ist Bach in Leipzig zum Zug gekommen. Der hoch produktive Graupner hingegen hat die Musik am Darmstädter Hof zwar zu großer Blüte geführt, steht aber bis heute im Schatten seiner großen Kollegen. Es gibt nicht einmal eine Porträtzeichnung des Komponisten. Jetzt aber hat das Ensemble Il Gardellino unter der Leitung des belgischen Flötisten, Dirigenten und Graupner-Forschers Floran Heyerick einige von Graupners 112 Sinfonien aufgenommen.