Treffpunkt Klassik

Schon als Kind hat der Saxophonist Paul Scheugenpflug seine erste Jazz-Combo gegründet. Inzwischen gewinnt der junge Musiker einen Jazzpreis nach dem anderen, hat vor Kurzem sein Debüt-Album mit eigenen Kompositionen veröffentlicht und geht mit seinem Paul Scheugenpflug Quartett auf Tour. Über seine außergewöhnliche Biografie und die allumfassende Liebe zur Musik spricht er mit Jörg Lengersdorf.

Zwei Welten stoßen aufeinander: Klassik trifft Kurve. Das Stuttgarter Kammerorchester macht ein Konzert mit den Fußballfans des VFB Stuttgart. Zum ersten Mal findet dieses Format statt, und die Tickets waren zwei Stunden nach Verkaufsstart alle weg. Gelingt die Verständigung dieser Welten, von denen man meint, dass sie unterschiedlicher nicht sein können? Ilona Hanning hat sich ins Getümmel gestürzt.

Helmut Zacharias: Der Name dieses „Zaubergeigers“ war einmal für Millionen selbstverständlich, heute klingt er wenn, dann nach einem Echo aus der Rundfunk- und Fernsehgeschichte. Der Musikwissenschaftler Andreas Jakubczik hat genau hingehört und ein Buch mit unzähligen Dokumenten, Bildern und Fundstücken des einst berühmten Geigers geschrieben. Man blättert darin nicht durch ein Musiker-Leben, sondern hört förmlich mit, wie sich ein Jahrhundert verschiebt, meint SWR Kultur-Rezensent Andreas Maurer.

In ihrer neuen Folge zu den "Versteckten Gefahren der klassischen Musik" ist die Schriftstellerin und Performerin Mara Genschel beim Buchstaben I angekommen – und macht sich Gedanken zu Richard Wagners Isolde.

Das Leben der 1910 geborenen Komponistin Elsa Barraine ist spannend und vielfältig – und genau das ist auch über ihre Musik zu sagen. Als Komponistin wurde sie gleich zweimal mit dem renommierten Rom-Preis ausgezeichnet, sie hat als Dozentin am Pariser Konservatorium unterrichtet, beim Rundfunk und bei einem Schallplattenlabel gearbeitet, und sie war, vor allem während der deutschen Besatzungszeit im Zweiten Weltkrieg, eine politische Aktivistin in Frankreich. Das Orchestre National de France, mit dem die Komponistin schon zu Lebzeiten eng zusammenarbeitete, hat jetzt unter seinem Chefdirigenten Cristian Măcelaru zwei ihrer drei Sinfonien und zwei Tondichtungen aufgenommen.

Im Jahr 1926 wurden mehrere namhafte Komponisten geboren, die das 20. Jahrhundert auf unterschiedliche Weise musikalisch geprägt haben. Während György Kurtág als Meister der Knappheit und der kunstvollen Verdichtung gilt, hat Morton Feldman den entgegengesetzten Weg gewählt und Musik von teils außergewöhnlicher Länge komponiert. Hans Werner Henze zählt auch zu diesem Komponisten-Jahrgang. Er wiederum hat einen Weg eingeschlagen, der sich durch eine möglichst zeitlose Art des Komponierens auszeichnet, gepaart mit einer auffälligen Breite der Gattungen und literarischen Bezüge. Nun ist ein neues Buch erschienen, dass Henzes Zeit und seinen Stil beleuchtet. Christoph Vratz hat es gelesen.

Göttlicher Gesang

Vor kurzem habe ich ein wunderbares Buch über Montserrat Caballé in die Finger gekriegt. Wissen Sie noch? Die 2018 verstorbene Opernsängerin, die es durch ihr Duett mit Freddy Mercury sogar zu Pop-Ehren brachte. In dem Buch wurde sie als die letzte Diva beschrieben. 

Diva, die Göttliche! Das waren seit dem 18. Jahrhundert Opernsängerinnen und Schauspielerinnen, die besonders bewundert und verehrt wurden: Maria Malibran, Marlene Dietrich, Maria Callas, Barbara Streisand oder eben Montserrat Caballé. Oder würden Ihnen ganz andere Namen einfallen?

Und woran denken Sie überhaupt, wenn Sie das Wort Diva hören? An eine überirdisch schöne Frau, die auch noch berückend göttlich singt – oder wahlweise Elton John? Oder haben Sie eine streitsüchtige Zicke in auftoupierter Flittergarderobe vor Augen?

Der Begriff im Wandel

Als sprachaffiner Mensch fällt mir als erstes auf, dass sich das Wort Diva – wie so viele in den letzten Jahren – von einem positiven in einen negativen Begriff verwandelt hat.

Waren Diven früher der Inbegriff des Stars, Ausdruck unnahbaren Begehrens, so steht heute der Begriff Diva eher für launische Popsternchen oder Reality Stars, denen es wichtiger ist, uns daran teilhaben zu lassen, mit wem sie wann wo in den Pilzen waren; ihr Mittagessen bei Instagram zu posten oder in achtzehnstündigen Podcasts ihren ganz normalen Alltag darstellen.

Ich würde mir wünschen, dass die heutigen Berühmtheiten wieder ein bisschen mehr divenhafte Unnahbarkeit herstellen würden. Um nicht zu sagen: Distanz!

Was also zeichnet eine Diva wirklich aus? Ich finde: Ein gottgegebenes Talent zu schweben, ohne abgehoben zu sein; zu glänzen ohne sich aufpolieren zu müssen und vor allem Klasse, die Schule macht. So knockt sich Anna Netrebko selbst aus, wenn sie ihr Best-of-Album „Diva“ nennt, eine wahre Diva würde sich nie als solche bezeichnen. 

Abschied von Diven?

Sind Diven also vielleicht einfach wirklich nicht mehr zeitgemäß? Hat die Leistungsgesellschaft auch in der Kunst dermaßen Einzug gehalten, dass es nur noch um Können geht und nicht mehr um den exaltierten Zauber eines exzentrischen Talents?

Möglich. Ein Liberace, der zu Beginn seiner Shows in einem pinken Federkleid aus einem riesigen Fabergé-Ei tritt, um sich an einen strassbesetzen Flügel zu setzen, wirkt in unserer cleanen digitalen Welt schon ein wenig aus der Zeit gefallen. Also war es das wohl mit dem Diventum!

Na ja, vielleicht nicht ganz. Es gibt eine Diva in meinem Privatleben. Eine, die glänzt und funkelt. Eine, die es genießt, sich von vorn bis hinten bedienen zu lassen, am hellichten Tage einfach zu ruhen und die nachts zauberhafte Arien singt und damit um meine Aufmerksamkeit buhlt. Meine Katze. Und ich verehre sie dafür auch noch. In diesem Sinne: Viva la Diva!

Der Startenor Rolando Villazón sorgt für Wirbel: Für seine Mozart-Tour sucht er junge Sängerinnen, die mit ihm das berühmte Papageno-Papagena-Duett aus der Zauberflöte interpretieren. Der Haken: Eine Gage gibt es nicht. Ist das eine einmalige Karrierechance an der Seite eines Weltstars oder ein fragwürdiges Signal an den künstlerischen Nachwuchs? Zwischen Begeisterung und Empörung entfacht sich eine Debatte über Förderung, Fairness und den Wert von Kunst. Albrecht Selge mit einem Kommentar.

Lars Reichow will im Krankenhaus mal nach dem Rechten sehen - aber er hat auch wirklich Bauchweh. Und so begegnet ihm nicht nur ein vielstimmiger Mediziner-Chor, sondern auch: der Chefarzt. Eine besondere Erscheinung mit Wunderkräften. Davon kann Reichow jetzt - wiedergenesen - ein Lied singen.

Abschied, Einsamkeit und Wehmut

Ein Choral erklingt, Ton für Ton. Eine klagende Stimme ruft. Aber dann flattert eine Lerche in die Luft. Alles, was Abschied, Einsamkeit und Wehmut ausmacht, kommt in dieser Romanze von Michail Glinka zum Ausdruck. Jedenfalls, wenn sie so zartfühlend und tiefsinnig gespielt wird wie von Alexander Malofeev. 

Er gibt jedem Ton einen subtilen Nachhall und schafft damit ein Gefühl von Erinnerung und Ferne. Auch der Gesang der Lerche klingt wie von weit her. Malofeev gestaltet ihn fragil und kristallin, als etwas Unwirkliches und Kostbares. Und wenn dann die eigentliche Liedmelodie einsetzt, erinnert sie nicht an einen Frühlingsgruß, sondern an das Abbild einer eisigen und erstarrten Landschaft.

Erinnerungen, die in Wut enden können

Auch bei Nikolai Medtner geht es um das Entschwinden. Die „Danza rustica“ aus Medtners „Vergessenen Weisen“ wird von Malofeev nicht rustikal, sondern äußerst raffiniert gestaltet. Hier löst sich der vermeintliche Bauerntanz in der Erinnerung auf. Man könnte an einen Emigranten denken, der fern der Heimat über sein Leben nachsinnt und dabei auch mal in Wut ausbricht. 

Malofeev entwirft dazu ein subtiles Psychogramm und mischt die Gegenstimmen wie Zweifel oder Fragezeichen ein. Manchmal scheint er sogar zwei oder drei konkurrierende Tänze gleichzeitig anzustimmen. Genau wie sich auch im Rückblick auf die Vergangenheit verschiedene Eindrücke überkreuzen können.

Der Schmerz klingt mit

Frei nach Medtner hat Malofeev sein Album „Forgotten Melodies“ genannt. Und die findet er auch bei Sergej Rachmaninow. Malofeev legt diese Étude-Tableau so an, als müsse er eine vergessene Melodie erst suchen und rekonstruieren. Aber sobald sie Gestalt annimmt, wird sie von ihrem Schatten eingeholt.

Über alles legt sich ein Gefühl von Verlust und Entfernung. Getreu der Devise: Es ist doch sowieso vorbei. Malofeev verleiht dabei selbst den Begleitgirlanden Gewicht. So schafft er den emotionalen Raum, in dem sich die wiedergefundene Melodie schmerzhaft aufbäumen kann.

Auch bei Rachmaninow spielt Malofeev mit Echo und Nachhall. Seine Deutung wirkt nie vordergründig. Sie ist sinnvoll und erfüllt in allen Dimensionen. Aber wie schlägt er sich, wenn er Walzer tanzt?

Gespenst der Erinnerung

Zart und zerbrechlich wie eine Eisblume klingt der Walzer von Alexander Glasunow bei Malofeev. Aber er verleiht ihm auch Witz und eine gewisse Widerspenstigkeit. Bei aller Melancholie regen sich die Lebensgeister in diesem originellen Vortrag, der beweist, dass noch nicht alle Tänze getanzt sind.

Jeder Walzertakt wird von einer Art Doppelgänger verfolgt. Oder von einem Gespenst, das an vergangene Feste erinnert. Als würde man einen alten Ballsaal aufsuchen, in dem schon lange nicht mehr getanzt wird. Und der gleichwohl eine große Zukunft vor sich hat. Wie dieser Moskauer Pianist im Berliner Exil.