Treffpunkt Klassik

In Salvador, Bahia, an der Ostküste Brasiliens, herrscht Hochbetrieb: Es ist die letzte Woche vor dem Karneval, dem Höhepunkt des Jahres. In einem Tanzkurs proben 50 bis 60 Teilnehmende den Bloco Afro, eine besondere Art des Sambas, die tief in der afrobrasilianischen Geschichte verwurzelt ist.

Der Tanz ist nicht nur Ausdruck von Lebensfreude, sondern auch ein Symbol des Widerstands gegen Sklaverei und Unterdrückung. Rainha Vânia Oliveira, Tanzlehrerin und seit 25 Jahren Expertin für Bloco Afro, beschreibt ihren Kurs als identitätsstiftend für die schwarze Community.

„Unsere Tanzstunde spiegelt unser Leben wider. Unsere Ahnen lehren uns, den Schmerz, der uns widerfahren ist, in Freude umzuwandeln“, erklärt sie. Samba ist für sie nicht nur ein Tanz, sondern ein Weg, die eigene Geschichte zu bewahren und weiterzugeben.

Die Ursprünge des Sambas

Der Samba hat seine Wurzeln in der Zeit des Sklavenhandels, der Salvador über Jahrhunderte prägte. Der „Samba de Roda“ entstand als Ausdruck des Widerstands: Afrikanische Sklaven versammelten sich im Kreis, spielten Instrumente und schufen Melodien, die ihren Schmerz und ihre Hoffnung ausdrückten.

In den Favelas entwickelte sich später der moderne Samba, der zunächst kritisch von der weißen Oberschicht beäugt wurde. Luan Sodré, Musikprofessor an der Universität von Salvador, erklärt, dass es „den einen Samba“ nicht gebe. „Jede Region hat ihre Art des Sambas. Das hängt zum Beispiel damit zusammen, welcher Arbeit die Menschen nachgehen.“

Auch in Rio de Janeiro ist der Samba tief verwurzelt. Am Pedra do Sal, dem historischen Salzberg in Hafennähe, spielen jeden Montag Bands unter freiem Himmel. Hier, wo einst afrikanische Sklaven Salz verluden, wurde der Samba als kultureller Widerstand wiederbelebt.

In Salvador gewinnt der Samba-Reggae immer mehr an Popularität. In der barocken Altstadt tanzen die Menschen bis in die frühen Morgenstunden zu karibischen Rhythmen. Der Samba zeigt sich hier in seiner Vielfalt: Er ist nicht nur ein Tanz, sondern ein lebendiges Zeugnis brasilianischer Geschichte und Identität.

Der Gründer und langjährige Leiter der Internationalen Bachakademie Stuttgart ist am 11. Februar im Alter von 92 Jahren verstorben. „Was mich an ihm immer beeindruckt hat, war sein extrem emotionaler Zugang zu Bach“, sagt Schäfer, die heute Gesangsprofessorin in Berlin ist. Der Text sei bei Rilling immer im Mittelpunkt gestanden, was zu bewegenden, oft radikalen Interpretationen geführt habe.

Am Freitag, den 13. regiert traditionell der Aberglaube. Warum das so ist, ist eine lange Geschichte. Klar ist aber auch: In der Musik spielt der Aberglaube zwar nicht die erste Geige, aber manche prominenten Musikerinnen und Musiker hat er ihr Leben lang begleitet. Jan Ritterstaedt hat sich auf die Suche nach dem Aberglauben in der Musikwelt gemacht.

Der Dirigent Helmuth Rilling ist am 11. Februar im Alter von 92 Jahren verstorben. Der 1933 in Stuttgart geborene Musiker prägte über Jahrzehnte das internationale Musikleben.

1957 gründete er die Gächinger Kantorei, 1981 die Internationale Bachakademie, die er bis 2013 leitete. Maßstäbe setzte Rilling insbesondere mit seiner Auseinandersetzung mit dem Werk Johann Sebastian Bachs: als erster legte er im Jahr 2000 eine Gesamteinspielung des Vokalwerks vor.

Wenn die Chemie stimmt, können Kammermusik-Ensembles ein beachtliches Alter erreichen. So feiert das Trio Wanderer im nächsten Jahr bereits seinen 40. Geburtstag – im schnelllebigen Musikgeschäft eine stolze Zahl. In diesen knapp vier Jahrzehnten hat sich das französische Ensemble ein breites Repertoire erschlossen, vor allem mit Werken der deutschen Romantik. Doch noch wähnt man sich nicht am Ziel, wie das neue Doppel-Album zeigt: „Art Nouveau“ lautet der Titel. Auf dem spielt das Klaviertrio „mit all seiner Erfahrung, aber ohne einen Hauch von Routine“, meint SWR Kultur-Kritiker Christoph Vratz.

Kultur und Politik – ein heikles Thema, auch ganz abgesehen von allen Debatten um Haushalte, Kürzungen und den Wert von Kunst. Wollen wir mit der Kunst in den Elfenbeinturm entfliehen? Oder im Gegenteil mit Karacho Kurs auf die Realität nehmen? Oder irgendwas dazwischen? SWR Kultur-Kommentator Albrecht Selge hat sich dazu Gedanken gemacht.

Philip Glass sagt die Uraufführung seiner Sinfonie über Abraham Lincoln im Kennedy Center ab, Bad Bunny setzt in der Halftime-Show des Super Bowl politische Zeichen: In den USA sehen sich Künstlerinnen und Künstler zunehmend politischen Eingriffen in das kulturelle Leben ausgesetzt. Vor diesem Hintergrund spricht Ulla Zierau mit dem Musikwissenschaftler Mario Dunkel über die Bedeutung einer freien Kulturszene für eine demokratische Gesellschaft.

Vor hundert Jahren, am 26. Mai 1926, wurde in einer Kleinstadt am Mississippi einer der über den Jazz hinaus einflussreichsten Musiker des letzten Jahrhunderts geboren: der afroamerikanische Trompeter Miles Davis. Auch wenn diesen Musiker etliche Mythen umgeben, hat er doch von den 50er- bis in die 80-Jahre des letzten Jahrhunderts der Jazzentwicklung einige wichtige Impulse gegeben. Der Hamburger Musikjournalist Stefan Hentz widmet sich dem bedeutenden Musiker in der neuen Biografie: „Miles Davis. Sound eines Lebens“.

Huangci spielt Scherzo „Februar“ am Schnellsten

Die mehrfach preisgekrönte Pianistin Claire Huangci hat ihr achtes Soloalbum zum ersten Mal ausschließlich der Musik von Frauen gewidmet. Das liegt im Trend. Allein von Fanny Hensels Klavierzyklus „Das Jahr“ gibt es ja schon ein Dutzend Gesamtaufnahmen.

Huangci spielt das Scherzo „Februar“ aus Hensels Klavierzyklus mit Abstand am Schnellsten. Doch trotz dieser virtuosen Raserei realisiert Huangci treulich alle Vortragsangaben. Nicht nur in punkto Binnendynamik, auch in Artikulation, Farbgebung und Phrasierung ist alles aufs Feinste ausdifferenziert. Das Klangbild leuchtet.

Dieser vergnügte Stakkato-Hüpftanz in lichthellem Fis-Dur ist wirklich sehr weit weg vom deutschen Winter. Hensel komponierte das Stück auf ihrer italienischen Reise, im Februar 1840 in Rom, wo sie auf den Straßen mit Mann und Sohn eintauchte in den römischen Karneval.

Bekanntes Repertoire neu interpretiert: Clara Schumanns Klavierkonzert

Huangci erarbeitete für ihr neues Album zwei Dutzend romantisch inspirierte Klavierstücke, sämtlich aus der Feder von Frauen, teils deutsche, teils amerikanische. Dabei darf eine nicht fehlen, die zwischen Brahms und Schumann steht und quasi das Herz der musikalischen Romantik repräsentiert: Clara Wieck-Schumann.   

Bei Clara Schumann sieht die diskographische Lage ähnlich aus wie bei Fanny Hensel: Fast alles ist schon mehrfach eingespielt worden. Auch ihr einziges Klavierkonzert, dass sie mit vierzehn Jahren schrieb.

Der kurze Mittelsatz in As-Dur ist unkonventionell. Manche sagen sogar: unfertig.  Diese „Romanze – Andante non troppo con grazia“ führt Claire Huangci so vor, als sei es Kammermusik.

Huangci legt Wert darauf, dass kein einziges Quotenstück dabei ist, denn das berge die Gefahr, dass die Qualität leidet. Jedes der 23 großen und kleinen Charakterstücke des Albums ist für sich genommen ein Juwel. Dieses Album ist musikalisch und editorisch eine Großtat.

Flöte gut, Bruttoinlandsprodukt gut

Wie immer in Krisenzeiten geraten Sparmaßnahmen im Kulturbereich zur Routine. Ebenso routiniert folgt der Einwand aus dem Kulturbetrieb: Kunst und Kultur seien von hoher gesellschaftlicher Relevanz — und nicht zuletzt demokratiefördernd.

Das stimmt! Dennoch ahne ich manchmal vor lauter Rechtfertigungsdruck eine vorauseilende Verzweckung von Kunst. Und nun auch noch das: Eine neue Studie hat ergeben, dass Musik doch nicht schlau macht. Verloren also das Argument, man müsse ganz viel Musik fördern, damit Kinder – die ja unsere Zukunft sind – schlauer werden.

Mit überdurchschnittlichem Flötenspiel, dachte man, erlangt man aberwitzige Fähigkeiten in den MINT-Fächern. Mit mehr Mathe wird man ein guter Ingenieur, und solche „Tüftler“ braucht die lahmende Wirtschaft ja wirklich dringend. Flöte gut, Bruttoinlandsprodukt gut.

Endlich wieder der Kunst an sich zuwenden

Die Studie nimmt uns also eines der letzten Argumente! Sehr gut, sage ich da ganz selbstbewusst. Dann ist dieser Quatsch endlich vom Tisch! Dass Kühe mehr Milch geben, wenn sie Mozart hören, ist ja, wenn ich mich recht entsinne, auch längst widerlegt.

Denn, beim Teutates: Wenn auch die letzte Rechtfertigungsfloskel gefallen ist, dann können wir uns getrost der Kunst an sich wieder zuwenden, die – um den Komponisten Helmut Lachenmann zu zitieren – dazu da ist, uns daran zu erinnern, dass wir geistbegabte Kreaturen sind.

Es bedarf keinerlei Umwegrenditen über bessere Mathenoten, um die Existenz von Musik, von Kunst im Allgemeinen zu rechtfertigen. Die Existenz von Sauerstoff, Wasser und Kohlehydraten bedarf auch keiner besonderen Begründung – das gehört zum Menschsein nun einmal dazu.

Grundlos der Musik an sich widmen

In der Digital Concert Hall der Berliner Philharmoniker schaue ich gerade die Aufzeichnung eines Konzerts mit Mahlers Achter Sinfonie. Wenn der berühmte Schlusschor auf die Zielgerade einbiegt, sieht man einen älteren Herrn im Publikum, der die Arme vor Begeisterung hochreißt.

Begeisterung – so ein herrliches Wort! Der Herr hat in diesem Augenblick vermutlich nicht daran gedacht, was Musik so alles kann – und ob sein Steuerberaterbüro oder seine Experimente im lokalen Teilchenbeschleuniger so gut laufen, weil er so viel Mahler gehört und womöglich Skalen auf der Bratsche geübt hat.

Ich glaube, er ist einfach begeistert und läuft über vor Freude – und das ist schon eine ganze Menge. Vermutlich gibt es auch längst eine Studie darüber, dass Musik auch das Sozialverhalten nicht positiv beeinflusst.

Ich bin ständig von Musikerinnen und Musikern  umgeben – viele von uns nehmen täglich eine hohe Dosis „Egoprofen forte“ zu sich. Auch hier können wir Sekundärtugenden geschwinde abräumen und uns grundlos der Musik an sich widmen, die – wie immer – neben mir am Schreibtisch sitzt, lächelt und seufzend sagt: „Endlich!“