Treffpunkt Klassik

In der ARD Mediathek gibt es nicht nur Livemittschnitte von Konzerten der ARD-Klangkörper, sondern auch Playlists und stilvoll in Szene gesetzte Studioproduktionen – neuerdings auch zehn kurze Videos mit herausragenden jungen Pianist*innen in einem bunt ausgeleuchteten Studio: „Next Generation Piano“. Warum diese Produktion klanglich und visuell besonders ansprechend geworden sind, erläutert Ulrich Wiederspahn vom ARD-Klassik-Team.

Die MaerzMusik, das Berliner Festival für Neue Musik, steht in diesem Jahr mehr denn je im Zeichen der Gegenwart. Es widmet sich bis 30. März „soziopolitischen, kulturellen und ökologischen Dringlichkeiten“ und fragt nach neuen Wegen des Zusammenlebens. Im Gespräch mit SWR Kultur berichtet SWR-Musikredakteurin Lydia Jeschke vom Festival-Auftakt.

Stuttgart ist schon lange eine multikulturelle Stadt. Seit 2010 gibt es dort auch das „Orchester der Kulturen“. Was zunächst mit überwiegend türkischen Instrumenten begann, bringt inzwischen Musiker*innen aus aller Welt zusammen. Am 21. März feiert das Orchester das Release seines neuen Albums „Das Lied“ mit einem Konzert in der Stuttgarter Liederhalle. Sophie-Caroline Danner hat mit dem Orchestergründer Adrian Werum über das neue Album gesprochen.

Sie kommen aus der Stuttgarter Musikhochschule, und ihr Name „Calens“ verweist bereits auf ihr künstlerisches Credo: „leidenschaftlich brennend“. Die jungen Musiker*innen des Calens Vokalensembles singen erst seit 2022 zusammen, gewannen aber beim renommierten A-cappella-Wettbewerb in Leipzig bereits mehrere Preise. Eva Pobeschin über die bisherige Erfolgsgeschichte des jungen Ensembles.

Weltersteinspielung

Es gibt Kompositionen, die der Komponist selbst nie gehört hat. Das gilt keineswegs nur für Beethoven. Zum Beispiel die Ouvertüre in a-Moll geschrieben von Georges Bizet – aber er hatte kein Orchester dafür.

 Diese verschollene Ouvertüre von Georges Bizet tönt romantisch in a-Moll, sie ist ausufernd mehrteilig wie eine Opernouvertüre und liegt jetzt erstmals in einer Einspielung vor, mit dem „Orchestre National de Metz Grand Est“ unter Leitung von David Reiland. Vermutlich ist sie ein Jugendwerk.

Doppel-Jahrestag

Bizet begann seine Laufbahn früh, er war so etwas wie ein Wunderkind. Mit neun Jahren nahm man ihn, per Sondergenehmigung,  auf am Pariser Konservatorium. „Talent ist nicht abhängig vom Alter“, schreibt Alexandre Dratwicki, der musikwissenschaftliche „Mastermind“ vom Palazzetto Bru Zane, im Vorwort zu der brandneuen Bizet-Box dieser Stiftung – ediert zum 150sten Todestag des Komponisten, zugleich aber auch zur Feier der 150sten Wiederkehr der Uraufführung der Oper „Carmen“. Das war zeitlebens der größte Erfolg von Bizet gewesen.

Manche behaupten sogar: Der einzige. Was nicht ganz zutrifft! Zum Beweis könnte „La marguerite a fermé sa corolle!“ dienen.

Diese Arie, im Stil eines Boleros, gilt als ein Paradestück für alle Soprane. Schon Erna Sack hat sie gesungen, Joan Sutherland, Cecilia Bartoli. Das Stück „Vasco de Gama“, woraus dieser Hit stammt, blieb allerdings unbekannt.  

Hervorragende Besetzung

„Vasco de Gama“ ist eine symphonische Ode. So nannte der zweiundzwanzigjährige Georges Bizet dieses bizarre Machwerk. Es ist eine Kreuzung zwischen Oratorium und Konzert, mit Sturm-Musik und Gebet, bestens geeignet für die Bühne. „Vasco de Gama“ wurde vom Palazzetto Bru Zane komplett ersteingespielt und hervorragend besetzt: Melissa Petit singt die Sopranpartie, der Tenor ist Cyrille Dubois. 

Ein weiterer fürs Theater zu entdeckender Einakter, ebenfalls hier ersteingespielt, heißt „Clovis et Clothilde“. Damit gewann George Bizet achtzehnjährig den Prix de Rome. Teile daraus hat er später in seinen „Perlenfischern“ recycelt. 

Ein Tipp für die Opernhäuser und Festivals

Schließlich: „Djamileh“, noch ein Einakter, nach einem Stoff von Alfred de Musset. Bizet selbst hat von diesem Werk behauptet: Damit habe er endlich seinen „eigenen Weg“ gefunden.

Die Opéra Comique „Djamileh“ war ein Schlüsselwerk für Bizet. Sie sei, sagte er, sein Durchbruch zu „Carmen“ gewesen. Sie ist auch das Herzstück dieser vierteiligen Bizet-Edition und die erste Aufnahme mit historischen Instrumenten. Und in ihrer Wucht und Farbigkeit hoffentlich ein Ansporn für die Opernhäuser und Festivals, zuzugreifen.

Raritäten aus der Hand eines Meisters

Sieben Ersteinspielungen von verschollenen Werken Georges Bizets bietet diese längst überfällige Edition. Alle übrigen auf den vier CDs präsentierten Stücke sind aber ebenfalls Raritäten. Ich habe Ihnen heute vor allem die für die Bühne bestimmten und geeigneten Werke vorgeführt.

„Chromatische Variationen“ hat Georges Bizet, zum Beispiel, eine düstere Studie für Klavier genannt. Sie  zeugt von der pianistischen Exzellenz dieses Komponisten, der zu seiner Zeit in Paris auch als Salontastenlöwe herumgereicht wurde.

Aber sie zeugt auch von seinem Mut zum Experiment. „Diese Musik“, sagte sein Mentor und Freund Antoine Marmontel, „ist geschrieben von der Hand eines Meisters.“  Genau, so ist es, dem ist nichts hinzu zu fügen.

Jakob Bänsch ist Jazztrompeter und hat letztes Jahr, mit Anfang 20, den deutschen Jazzpreis gewonnen. Vor kurzem ist sein zweites Album „All the Others“ erschienen. Welche Held*innen er dort vertont und warum er vor allem im Schwarzwald komponiert, berichtet er in SWR Kultur.

Ein anderes Publikum ansprechen

Der Countertenor Alois Mühlbacher hat Michael Jacksons Hit „Billie Jean“ in einem neo-barocken Gewand neu interpretiert. Damit will er seine Countertenor-Stimme einem Publikum präsentieren, dass eher nicht in Händel-Opern gehen würde.

Woher die Idee stammt, warum das Video dazu im Stift St. Florian gedreht wurde und wie das Projekt weitergeht, erzählt er im Gespräch.

Es ist super spannend, was so ein unglaublicher Hit mit einem macht, wenn man ihn ernsthaft musiziert. Da entstehen Emotionen, die man sonst nicht so kennt.

Mühlbacher Version von „Billie Jean“ auf YouTube

Was aber kaum jemand weiß: 2025 ist nicht nur Strauss- sondern auch Salieri-Jahr. 1825, also vor 200 Jahren starb der italienische Wahlwiener in der Donaumetropole, am Zentralfriedhof ist er auch begraben. Zu diesem Anlass wurde – parallel zum Strauss-Jahr – auch ein musikalisches Salieri-Jahr ins Leben gerufen. Parallel dazu ist ein neues Buch im Böhlau Verlag erschienen, das zur „Neuentdeckung eines Verkannten“ einlädt. Andreas Maurer hat es gelesen.

Eine selbstgerechte Pose?

„Das wird den Ami aber wurmen.“ So lautete der Kommentar eines Münchner Musikkritikers, als bekannt wurde, dass der Geiger Christian Tetzlaff aus Protest gegen die Politik von Donald Trump seine geplante USA-Tournee abgesagt hat.

Ich fühlte mich wie ein Kind, das einen Horrorfilm sieht.

Dieser sarkastische Kritiker ist übrigens kein konservativer Knochen, eher ein linksliberaler Feingeist. Hat er Recht? Ist eine Entscheidung wie die von Tetzlaff sinnlos, ist es vielleicht bloß selbstgerechte Pose, als klassischer Musiker das Trump-Amerika zu boykottieren?

Ein Konzert in Deutschland: Tetzlaff spielt Mozart

Eine Ameise würgt einen Elefanten

Einerseits ja: sinnlos. Nämlich dann, wenn man meint, es fiele messbar ins Gewicht. Es gibt den Witz von einem Elefanten, der in einen Ameisenhaufen trampelt: Eine Ameise schafft es bis auf den Rücken des Elefanten und krabbelt ihm in den Nacken, da rufen die anderen Ameisen von unten: „Los, Charly, würg ihn!“

Ähnlich groß dürfte der Eindruck sein, den die Absage eines klassischen Musikers auf einen Präsidenten-Bully macht, der bekannt dafür ist, dass er niemals ein Buch liest. Andererseits ist auch die Klassiknische, so gering ihr politisches Gewicht sein mag, eine heftige Kampfzone.

Solidarität mit den amerikanischen Künstlern

Trump hat direkt zu Beginn seiner neuen Präsidentschaft auf das Washingtoner Kennedy-Center zugegriffen, dort den fanatischen Kulturkämpfer Richard Grenell als neuen Interimsdirektor installiert: Man will den Klassiktempel von allen linken oder sogenannten woken Impulsen reinigen. Die berühmte Sopranistin Renee Fleming hat sich aus Protest gegen diese rechte Cancel culture als Beraterin zurückgezogen. 

Eine Entscheidung wie die von Tetzlaff, derzeit nicht in den USA aufzutreten, kann man also auch als Akt der Solidarität mit den amerikanischen Künstlern verstehen, die von Trump zu Feinden des Volkes erklärt werden.

Keinen Penny Steuern für das neue Amerika

Außerdem gibt es einen ganz konkreten Aspekt: Tetzlaff verwies auf die Steuern, die von seinen Gagen an den amerikanischen Staat abgehen. Auch wenn es für die dortige Milliardärs-Oligarchie nur Peanuts sein mögen, will Tetzlaff das, was der Welt von diesem neuen Amerika droht, mit keinem Penny unterstützen.

Und nicht zuletzt mag es auch der eigenen Psycho-Hygiene dienen: keine Teilnahme an irgendeiner Normalitäts-Simulation. Auch das ist legitim. Im Übrigen sind die Kommentare amerikanischer Zeitungsleser in sozialen Medien zu der Tetzlaff-Nachricht überwiegend positiv.

Lisa Batiashvili glaubt noch an das gute Amerika

Klar, die New York Times-Leser sind das Gegenteil von Trump-Klientel. Aber sie bewerten Tetzlaffs Entscheidung als Zuspruch zu ihrer eigenen Gegenwehr. Auch diese Menschen sind, lieber Herr Musikkritiker, „der Ami“. Im Kennedy-Center wurde übrigens gerade der Vizepräsident J. D. Vance, der dort aufkreuzte, vom Publikum ausgebuht.

Auch sowas zeigt, dass die USA natürlich längst nicht an den Autoritarismus verloren sind. Die georgische Geigerin Lisa Batiashvili sagte kürzlich im Interview mit dem Musikmagazin VAN, sie glaube, dass es Amerika gelingen werde, sich das Gute wieder zurückzuholen.

Deshalb lehnt sie für sich einen USA-Boykott ab. Sie beharrt auf dem Unterschied zwischen den abgedrifteten USA und absoluten Diktaturen wie Russland oder China, wo Tetzlaff natürlich auch nicht auftritt. 

Nicht die Hoffnung verlieren

Ich finde, beide Standpunkte verdienen Respekt: Batiashvilis und Tetzlaffs. Denn beide stehen ja auf der gleichen Seite von Demokratie und Freiheit. Und, auch das ist leider wahr, weder die eine noch die andere Entscheidung wird den Gang der Welt sonderlich beeinflussen, auch zwei, drei oder mehr Charlys werden den großen Zertrampler nicht erwürgen können.

Aber darum geht es vielleicht auch gar nicht. Sondern eher darum, dass Millionen Ameisen nicht die Hoffnung verlieren. Da kann auch eine Ameise den anderen Mut machen und ihnen zurufen: Wir sind noch da, und wir leben! Und ganz bestimmt: Irgendwann kippen auch orange leuchtende Horror-Elefanten um, oder platzen vor Hass.

Naivität und Ironie als Merkmale eines Genies

Was sind die wesentlichen Merkmale eines wahren Genies? Nach einer Aufführung von Haydns Oratorium „Die Schöpfung“ verfasste der Komponist Carl Friedrich Zelter einen Aufsatz darüber und bezeichnete als wichtigste Merkmale des wahren Genies: Naivität und Ironie.

Mit diesen Begriffen ist auch das neue Buch von Alfred Brendel übertitelt. Dazu schreibt er:

„Diese beiden Qualitäten erscheinen uns als Gegensätze wie Vertrauen und Zweifel, Unmittelbarkeit und Distanz, Natur und Idee, Einfachheit und Kompliziertheit, Spontaneität und Rationalität. […] Der springende Punkt ist nicht, entweder naiv oder ironisch zu sein, sondern beides.“

Über die musikalischen Bedürfnisse Goethes

Die titelgebende Formulierung „Naivität und Ironie“ steht über dem ersten von insgesamt fünf Essays, die die erste Abteilung von Brendels Buch bilden. Der Eingangstext handelt von den „musikalischen Bedürfnissen“ Goethes. Die Musik, so Brendel, war dem berühmten Dichter ein Grundbedürfnis, vor allem in den Formen Lied und Gesang. 

Brendel wagt auf rund 20 Seiten eine tour d’horizon über ein in weiten Teilen komplexes Thema, das andere Autoren zu ganzen Büchern animiert hat. Insofern ist dieser Essay ein Streifzug, ein Aperçu – nicht mehr, nicht weniger, auswählend, kurzweilig, wissend.

Haynd oft unterschätzt

Die drei folgenden Essays beschäftigen sich mit den Komponisten, mit denen sich Alfred Brendel auch als Pianist ein Leben lang intensiv auseinandergesetzt hat: Beethoven, Mozart und Haydn, dessen oft unterschätzten Rang Brendel mit wenigen Zeilen auf den Punkt bringt:

„Er war ironisch, ‚sophisticated' […], dabei revolutionär, aber auch simpel. Er war der Hausfreund, der immer willkommen ist, uns aber nichts Neues mehr zu bieten hat, oder auch ein Meister der Überraschung und Verblüffung. Er verkörpert zugleich Harmonie und Widerspruch, Risiko und innere Sicherheit.“

Brendel arbeitet genau heraus, warum Haydn den Begriff Genie verdient: weil er nicht nur komponiert, sondern „Musik immer wieder neu erfunden“ hat; weil er mit dem Hörer spielt und wir als Hörerinnen und Hörer dieses Spiel dankbar annehmen. Brendel nennt, ganz konkret, eine Reihe von Ausdrucksmitteln, mit denen Haydn seine einzigartige Wirkung erzielt:

„Scheinbare Geistesabwesenheit, die plötzlichen Unterbrechungen, die Motivwiederholungen, das Auf-der-Stelle-Treten, die unvermittelten Kraftausbrüche, die vorgetäuschte Naivität neben der echten, das musikalische Augenzwinkern, der Einfall, ein Werk statt mit dem Anfang mit dem Schluss zu beginnen, das grundlose Insistieren, die Freude am Unerwarteten. Nicht zu vergessen die Pointen der Instrumentation.“ 

Alfred Brendel spielt Haydns Klaviersonaten

Was bedeutet eigentlich Spätstil?

Auf die Essays folgen drei sehr unterschiedliche Gespräche mit verschiedenen Gesprächspartnern: zunächst geht es um Ferruccio Busoni, den Pianisten, Komponisten, Pädagogen, Schriftsteller, Herausgeber; anschließend um den Roman als Gattung, schließlich um das Thema Altern, verbunden mit der Frage: Was bedeutet eigentlich Spätstil?

Es scheint, als würden im Alter physische Schwächen und Gebrechen durch künstlerische Energie kompensiert.

Alfred Brendel erweist sich in diesem lesenswerten Buch als ein gelassener, beschlagener Conférencier, als jemand, der all seine Erfahrungen nicht plakativ ins Schaufenster stellt, sondern sein lesendes Publikum mit seinen An- und Einsichten gewinnen möchte, locken und verlocken möchte.

Wissen und der Umgang mit Wissen können bereichern, ohne erhobenen Zeigefinger. Alle Erfahrung verdient schließlich ein Augenzwinkern.

Wenn es einen Altersstil in der Interpretation gibt, dann ist es ein Kompromiss mit der Arthritis.