Treffpunkt Klassik

Für mehr Gleichberechtigung in der Klassik

Female Classics, also: Weibliche Klassik – so nennt sich ein Schweizer Netzwerk, das sich für Gleichberechtigung in den Konzertprogrammen einsetzt.

Das ist dringend nötig wie eine deutschlandweite Studie von 2021 zeigt: gerade mal 2% aller Werke in den Spielplänen von Berufsorchestern sind von Frauen komponiert – ähnlich sieht es in der Schweiz aus.

Eigenes Festival für Musik von Komponistinnen

Deshalb macht Female Classics auf die Missstände aufmerksam, vermittelt Wissen zu Komponistinnen und organisiert das gleichnamige Festival.

Das Female Classics Festival hat vom 14. bis 16. März 2025 bereits zum vierten Mal stattgefunden, erstmals in Basel in der Skulpturhalle. Inmitten dieser Sammlung von Gipskopien antiker Skulpturen ist ausschliesslich Musik von Komponistinnen gespielt worden.

Ein kompromissloser Künstler

„Er war gnadenlos und kompromisslos, was die eigene Kunst betraf“, sagt Philipp Quiring über Arturo Benedetti Michelangeli. Der Filmemacher hat dokumentiert, wie der Pianist Maurice Ravels Klavierkonzert interpretierte und dabei auch zahlreiche Michelangeli-Bewunderer vor die Kamera gebracht.

Im Gespräch erzählt er über die einzigartige „Magie von Kontrolle und gleichzeitig Freiheit“, die das Spiel des Künstlers auszeichnete.

Ausschnitt aus der Dokumention

Die Dokumentation ist am 16. März bei Arte zu sehen und anschließend drei Monate lang in der Arte-Mediathek abrufbar.

Die britische Komponistin Dani Howard gilt in Großbritannien als Rising Star. Ihre Werke wurden bereits bei den BBC Proms oder vom London Symphony Orchestra gespielt. Auch in Deutschland wird ihre Musik zunehmend bekannter.

Howards Album „Orchestral Works“

Eine Frau komponiert Neue Musik in der Sowjetunion

Sofia Gubaidulina wurde 1931 geboren, kam aus einem nicht-musikalischen Elternhaus, studierte aber Komposition und Klavier in Kasan und Moskau und hat sich dann als Komponistin ein Leben aufgebaut.

Das war in zweierlei Hinsicht bemerkenswert: Zum einen war sie eine der damals nicht zahlreichen komponierenden Frauen in der Welt und zum anderen war es mit Neuer Musik in der Sowjetunion nicht gerade leicht.

Sofia Gubaidulina, so zart und klein diese Person war und so höflich sie auch manchmal auftrat, war eigentlich eine Kämpferin und zwar eine, die mit Extremen leben konnte.

Das System akzeptierte sie nicht

Stücke seien nicht aufgeführt worden, die zum Beispiel in eine religiöse Richtung gingen, erzählt Lydia Jeschke weiter. Der Einzige, der sie ermutigt habe, auf ihrem sehr eigenen Weg als Komponistin weiterzugehen, war Dimitri Schostakowitsch.

Ihre Lösung war, ihr Leben mit Filmmusik zu finanzieren und ansonsten weitestgehend für die Schublade zu schreiben.

Konzertvideo: Das Märchenpoem von Gubaidulina

Dem Dunklen etwas Helles gegenüberstellen

Allgemein spielte in ihrer Musik das Religiöse, das Spirituelle eine große Rolle. Dabei vermischten sich ganz verschiedene Glaubensrichtungen und Mystizismen, am stärksten sei aber der christliche Einfluss gewesen, so Jeschke.

Ihre Diagnose der Gesellschaft, und zwar sowohl in der Sowjetunion als auch dann später im Westen und in Deutschland, war sehr dunkel.

Sie habe in ihrer Musik dann versucht, der erlebten dunklen Welt etwas Helles gegenüberzustellen – und das war meist etwas Religiöses. Mit dieser Religiösität sei sie in der Landschaft der Neuen Musik sicher „eine Insel“ gewesen, „eine Komponistin, die einfach für sich steht“. Dennoch, oder gerade deswegen, wurde und wird sie viel aufgeführt.

Sie hatte diese starke Idee: Wir müssen etwas Besseres im Kopf haben als das, was uns umgibt.

Emigration nach Deutschland

Mit über 60 Jahren ist Sofia Gubaidulina dann nach Deutschland emigriert. Hier konnte sie noch viele Stücke schreiben und auf der Suche nach neuen Impulsen viel reisen.

Anlass für die Emigration war wohl der Zusammenbruch der Sowjetunion, so Jeschke. Gubaidulina neigte dazu „die Apokalypse vor Augen zu sehen“ und sah Chaos ausbrechen. Der Westen, wo sie schon Preise gewonnen hatte, schien ihr ein sicherer Anker zu sein. Sie ließ sich dann in Hamburg nieder und blieb dort bis zu ihrem jetztigen Tod.

Wie wird man sie nun in der Musikwelt in Erinnerung behalten? Jeschke glaubt, dass es ihre Beharrlichkeit ist, die auch in ihrer Musik steckt: „dieser ständige Versuch, die anderen zu überzeugen und sich nicht irre machen zu lassen“.

„Die Beschäftigung mit der Musik war für mich von Anfang an die Hauptsache meines Lebens“, sagte Sofia Gubaidulina gegenüber SWR Kultur anlässlich ihres 85. Geburtstags im Jahr 2016. Am 13. März ist die große russische Komponistin verstorben.

Ein Blick auf das Unvollendete

Meinolf Brüsers neues Buch kreist vor allem um die einzige unvollendete Fuge aus Bachs „Kunst der Fuge“ und den eingefügten Choral „Wenn wir in höchsten Nöthen sein“. Der Autor lässt dabei zunächst einmal bewusst alle bisherigen Erkenntnisse außen vor und versucht sich auf eine neue Art und Weise den Problemen rund um die letzte Fuge zu nähern:

Wollte Bach sie noch zu Ende bringen? Und wenn ja: wie? Sollte sie überhaupt in den Druck aufgenommen werden? Brüsers Antwort auf die letzte Frage lautet auf jeden Fall eindeutig: ja!

„Wenn wir die Indizien bewerten, so spricht dafür unmittelbar die Überzeichnung des Custos, die von einer darunter liegenden Konzeption zeugt. Darüber hinaus fallen zwei kurze Beweisketten besonders ins Gewicht, die an starke Besonderheiten anknüpfen. Da ist zunächst die Umstellung des Choralvorspiels, dessen Zugehörigkeit zum Druck ohne die abbrechende Fuge nicht plausibel ist [...]“

Ius et musica

Indizien und Beweisketten – beide Begriffe sind ein Indiz für Brüsers Methodik. Er bedient sich der Technik der Beweisführung durch verschiedene Indizien. Der Autor stellt zunächst Hypothesen auf, die er dann dadurch wahrscheinlicher werden lässt, dass er alternative Hypothesen ausschließt.

So versucht er die Geschichte der Konzeption und des Drucks von Bachs Kunst der Fuge zu rekonstruieren. Vor allem aber möchte er eine Erklärung für den Abbruch der „Fuga a tre soggetti“ finden. Die Erklärung für diese Vorgehensweise steckt in der Person des Autors selbst: er ist Jurist und Musikwissenschaftler.

Kriminalgeschichte einer Fuge

Meinolf Brüser führt den Leser seines Buches durch eine Art Kriminalgeschichte über den Fall „Kunst der Fuge“. Schritt für Schritt schließt er alternative Hypothesen aus, überprüft zahlreiche Details, indem er sorgfältig die Gestaltung der erhaltenen Druckvorlagen und des Autografs der Kunst der Fuge unter die Lupe nimmt.

In seinem Fokus stehen vor allem Besonderheiten, kleine Kritzeleien oder Fehler auf dem Papier, die von der Norm abweichen. So kommt er schließlich zu einem verblüffenden Ergebnis:

„Bach inszeniert im Abbruch der Fuge metamusikalisch das Ende des eigenen Komponierens und thematisiert damit menschliche Unvollkommenheit vor Gott und damit den Vanitasgedanken. Der Schlüssel zum Verständnis dieser Konstruktion liegt in der als bewusst gefertigt zu erkennenden fehlerhaften Rastrierung.“

Damit meint Meinolf Brüser eine Stelle auf dem Blatt mit der abbrechenden Fuge, wo eine der fünf Notenlinien fehlt. Bach hat dafür eine Art Gabel mit fünf Zinken verwendet, die er dann in Tinte getaucht hat. So lassen sich leicht gerade Notenlinien auf einem Blatt Papier ziehen.

An dieser zentralen Stelle im Buch wird man allerdings stutzig: reicht dieses Detail wirklich aus, um die abbrechende Fuge zu einem bewussten Statement der eigenen Unvollkommenheit zu machen?

Wahrheit vs. Erfindung

Bach war ein gläubiger Christ und hat sicher den Gedanken der Vanitas, der eigenen Unvollkommenheit, gekannt. Aber warum sollte er diese Idee auf einem Blatt „inszenieren“ (so die Formulierung des Autors), das für nur wenige Augen bestimmt gewesen ist und mit den vermeintlich bewussten Fehlern sicherlich niemals in den Druck gegangen wäre?

Meinolf Brüsers letzte Schlüsse zur Funktion der abbrechenden Fuge überzeugen nicht auf ganzer Linie. Dazu lehnt der Autor entsprechend seiner indiziellen Beweisführung die wenigen Schriftzeugnisse zur Kunst der Fuge als durchweg unwahr ab.

„Die von den Herausgebern des Drucks der Erstauflage vorangestellte ‚Nachricht‘ ist falsch, aber nicht frei erfunden. Sie enthält – wie falsche Geschichten häufig – einen Wahrheitskern, nämlich die von Bach inszenierte Geschichte.“

Sehr lesenswert

Das Buch könnte den Eindruck erwecken, dass sich Meinolf Brüser zu sehr von seinem persönlichen Bach-Bild des unangefochtenen Genies der Fuge leiten lässt. Bach kann und darf seiner Meinung nach offenbar nicht scheitern: er muss das letzte Blatt mit der abbrechenden „Fuga a tre soggetti“ mit einem übergeordneten Sinn erfüllt haben.

Meinolf Brüsers Buch trägt den Titel „Es ist alles Windhauch“. Mit diesem Bibelzitat spielt er auf seine These von Bachs Inszenierung des christlichen Vanitas-Gedankens an. Ganz unabhängig davon zeigt der Autor aber eindrucksvoll auf, welche spannenden Ergebnisse sich mit kriminologischer Methodik bei musikwissenschaftlichen Fragestellungen erzielen lassen.

Insgesamt also ein sehr lesenswertes Buch mit vielen neuen Detail-Erkenntnissen zu Bachs „Kunst der Fuge“. Für 39,99 Euro ist das 177 Seiten starke Buch beim Verlag Bärenreiter/Metzler oder im Handel zu haben.

Langsamer Satz der barocken Tanz-Suite

Leichte Eins, betonte Zwei: Getragen und würdevoll, so kommt die Sarabande in d-Moll von Georg Friedrich Händel daher:

Wir kennen die Sarabande heute vor allem als langsamen Satz der barocken Tanz-Suite mit elegantem Nachdruck. Sarabande beziehungsweise Sarabanda: Was bedeutet das eigentlich?

Sarabanda ist das schönste Missverständnis der Musikgeschichte.

Indizien für nicht-europäische Herkunft

Und nicht nur ein Missverständnis, sondern sogar ein Mysterium, wenn man ins Lexikon „Die Musik in Geschichte und Gegenwart“ schaut. Dort heißt es gleich zu Beginn des Artikels zur Sarabande:

„Seit dem 17. Jahrhundert wurde über die Herkunft des Wortes Sarabande spekuliert. […] Ebenso wie die Herkunft des Terminus ist die des Tanzes umstritten, grundsätzlich kommt die iberische Halbinsel wie auch Mittelamerika in Frage, wobei die Indizien eher für die erste Hypothese sprechen.“

Und obwohl es Indizien für eine nicht-europäische Herkunft des Tanzes gibt, konzentriert sich der restliche Artikel auf die besser belegbare europäische Tradition der Sarabande.

Geschichtsschreibung aus europäischer Sicht

Auch Rubén Dubrovsky ist klar, dass Wissenschaft ohne Noten und geschriebene Quellen schwierig ist. Aber die Art und Weise wie die Geschichte erzählt wird, ist für ihn ein Zeichen von größeren historischen und gesellschaftlichen Zusammenhängen.

Man könne immer wieder beobachten, dass Geschichte von denen geschrieben werde, die gewonnen haben. Er selbst sei in Buenos Aires aufgewachsen, habe aber Musikgeschichte aus europäischer Sicht gelernt.

Aus Lateinamerika bis nach Deutschland

Hätte man sich in Deutschland in der Zeit Bachs danach erkundigt, woher die Sarabande kommt, wäre die Antwort gewesen: aus Frankreich. In Frankreich hätte man auf Spanien verwiesen und die Spanier hätten zugegeben, dass der Tanz aus der neuen Welt käme und inquisitorisch verfolgt würde.

Wie kam Bach dann überhaupt an die Sarabande, wenn diese doch verboten war? Und warum verbietet die Kirche überhaupt den Tanz? Die Sarabanda war nicht immer so, wie wir sie heute von Bach und anderen Komponisten kennen, sondern eher so:

Sarabanda ist eine Gottheit aus Afrika

Weit entfernt von den europäischen Höfen hat dieser Tanz seinen Ursprung. Und sehr früh entsteht das Missverständnis, von dem Rubén Dubrovsky spricht:

„Sarabanda ist gar kein Musikstück. Sarabanda ist eine Gottheit aus Afrika und an diese Gottheit haben die Afrikaner am Feld gebetet, in Mexiko in dem Fall, mit Rhythmus, mit Tanzen, mit Trommeln und mit Singen. Sarabanda ist eine Gottheit, die die Reisenden beschützt. Und was für eine logische Wahl, wenn man aus Afrika eine Zwangsreise unternehmen muss.“

Das Wort „Sarabanda“ war laut Dubrovsky so prägnant, dass es als Titel für diesen Rhythmus übernommen wurde. Die Verbindung zur ursprünglichen Religion besteht allerdings weiter und weil die Inquisition damals das Ziel hatte, andere Religion auszulöschen, wurde der Tanz kurzweg verboten.

Sarabandas bei Bach

Ein theoretisches Verbot, kann die Musik aber nicht aufhalten. Die Sarabanda schafft es über Italien und Frankreich nach Deutschland. Mit der Zeit wurde nur das Tempo langsamer. Was bleibt ist die markante Betonung des zweiten Schlages.

In den tollsten Kirchenmusikstücken von Bach, in seinen Passionen, kommen Sarabandas vor.

Wie erstaunlich, dass die sakrale Musik der tanzenden Sklaven es mit Bachs Passionen bis ins Zentrum der christlichen Kirchenmusik geschafft hat. Und bitter, dass wir trotz Forschung heute nicht sicher wissen, dass sie ihren Ursprung wahrscheinlich bei den Gesängen und Tänzen von Sklaven hatte.

Projekt geht auf Nikolaus Harnoncourt zurück

Am 7. März startete der Tölzer Knabenchor in der Münchner Himmelfahrtskirche mit einem Auftaktkonzert eine Reihe von CD- und Videoaufnahmen von Bach’schen Kantaten.

Sie wollen das, was Nikolaus Harnoncourt und Gustav Leonhardt vor gut 50 Jahren mit den Tölzer und Wiener Knabenchören begonnen haben, fortsetzen.

Es ist die erste Aufnahme auf CD und als Video für Social Media, die mit Knabenstimmen, historischen Instrumenten und auch noch der von Bach gewünschten Chorbesetzung aufwartet: der sogenannten Entwurff-Besetzung.

Julia Merz, Expertin für Digitale Kommunikation und Influencer-Marketing, erklärt: „In der Klassik ist es oft schwierig, Dinge ganz knapp herunterzubrechen.“ Social-Media-Videos müssen in wenigen Sekunden ihre Zuschauer ködern. Da bleibt oft nicht viel Zeit für kompliziertere Themenansätze oder tiefgreifende Werkinterpretationen.

Millionen Klicks mit Innenstadt-Aktionen und Challenges

International erfolgreich ist etwa der 36-jährige taiwanesisch-australische Violinist Ray Chen, der auf Instagram über eine Millionen Follower mit seinen Videos erreicht, die ihn bei Orchesterproben zeigen oder bei Musik-Aktionen an belebten Orten wie Innenstädten oder Bahnhöfen. Ein Video eines Spontankonzerts wurde etwa über 12 Millionen mal geklickt:

Der 21-jährige Deutsche Louis Philippson (knapp 800.000 Follower auf TikTok) begeistert sein Publikum hingegen mit Challenges, bei denen er sich nach Gehör in kürzester Zeit Musikstücke auf dem Piano beibringt:

Die Elbphilharmonie hat einen „Creator in Residence“

Beeindruckend sei es auch, wenn Influencer wie die Komponistin Nahre Sol oder Marti Fischer über klassische Inhalte sprechen und mit ihrem Fachwissen und ihrer Leidenschaft für die Musik begeistern können. Nahre Sol (790.000 Follower auf YouTube) ist aktuell Creator in Residence an der Elbphilharmonie und bringt so wieder ihre Social-Media-Kenntnisse in den Konzertalltag ein.

Marti Fischer, der im vergangenen Jahr gemeinsam mit Kabarettist Bodo Wartke mit dem Song „Barbaras Rhabarberbar“ viral ging (14 Millionen Aufrufe auf YouTube), sei zwar kein alleiniger Klassik-Influencer, er schaffe es aber, verschiedene Musik-Genres, darunter auch die Klassik, für eine neue Zielgruppe verständlich aufzubereiten.

Pianisten und Geiger als Influencer – Mit klassischer Musik zum TikTok-Star

Sucht man in der Musikgeschichte nach den düstersten Bekenntnissen am Ende eines Komponisten-Lebens, so landet man im 20. Jahrhundert schnell bei Dmitri Schostakowitsch.

Rund ein Jahr vor seinem Tod schreibt er eine Suite nach Gedichten von Michelangelo, deren Inhalt ständig von Trauer, Verlust und Tod erzählt. Ein zutiefst eindringliches Werk, das jetzt der Bariton Matthias Goerne an der Seite des Orchestre Philharmonique de Radio France aufgenommen hat.