Heute nehme ich dich mit in die Badewanne – als kreativen Raum für Fotografie‑Gedanken: Wasser als Lichtspur in Schwarz‑Weiß, Haltung zu KI zwischen Aufnahme und „digitaler Dunkelkammer“, Drohnen als Fine‑Art‑Werkzeug und die Wucht großformatiger Porträts (u. a. Bruce Gilden). Ich kommentiere meine O‑Töne, ordne ein und gebe dir konkrete Denkanstöße für Bildidee, Workflow und Präsentation.

Zitate:
• „Keine große Dramaturgie, kein Studio – nur Wasser, Zeit und Fotografie.“
• „Wasserflächen werden zu Tonwertbändern: Sie ziehen den Blick und strukturieren die Szene.“
• „Der Top‑Down‑Blick abstrahiert – Flüsse werden Kalligrafie, Felder Geometrie.“

Takeaways:
• Wasser bewusst als führende Tonwert‑„Straße“ in SW‑Kompositionen einsetzen.
• KI klar trennen: keine Content‑Erfindung in Reportage, aber smarte Masken/Denoise als Handwerk.
• Drohnen nur als Werkzeug – Fine Art entsteht aus Idee, Serie und Printqualität.
• Print wirkt im Raum anders als on‑screen: Größe, Papier und Abstand entscheiden.

Kapitelmarker:
(00:00) Cold Open – Wasser, Zeit & Fotografie
(00:25) Begrüßung aus der Badewanne
(02:52) Einleitung & fünf Stationen
(03:55) Wasser als Lichtspur (SW‑Komposition)
(07:30) KI: Aufnahme, Authentizität, Transparenz
(10:06) Postproduktion & Ethik („digitale Dunkelkammer“)
(12:24) Masking & AI‑Denoise im Workflow
(14:16) Drohnen: Perspektive von oben
(17:37) Fine‑Art‑Gedanke & Wettbewerbe
(19:12) Bruce Gilden: Nähe, Blitz, „Faces“
(25:09) Emotionen in großen Prints
(27:13) Abschluss & Hörerfragen
(28:36) Outro

Linkliste / Ressourcen:
• Instagram (Fotoprofil): https://www.instagram.com/tsephotolife
• Instagram (Podcast): https://www.instagram.com/tsptalkderpodcast/
• Portfolio/Website: https://thomasseidl-photography.smugmug.com
• Blogbeitrag zur Episode:

https://open.substack.com/pub/tsptalk/p/kreative-gedanken-in-der-badewanne?r=dcgrr&utm_campaign=post&utm_medium=web&showWelcomeOnShare=true

• Schicke mir gerne Audionachrichten für künftige Folgen: https://www.speakpipe.com/TSP_TALK

Credits:
Host & Produktion: Thomas Seidl – TSP‑Talk.

Call‑to‑Action:
Wenn dir die Folge geholfen hat, abonniere TSP‑Talk, teile sie mit Freund*innen aus der Fotografie und hinterlasse mir deine Gedanken – besonders zu Wasser als Leitmotiv, Drohnen‑Fine‑Art und Printformaten.

In dieser Folge spreche ich mit Olaf Schatta über seine Reise vom Hobbyfotografen zur Gründung eines Streetfotografie‑Kollektivs. Wir reden über die Magie des Moments, den Einfluss der Leica M (Haptik, Messsucher, Werteerhalt), bewusste Reduktion von Technik und warum Bildbesprechungen & Community die eigene Fotografie massiv nach vorne bringen. Dazu: ehrliche Einblicke in 28 mm vs. 35/50 mm, Zone‑Fokus, Jagen vs. Fischen in der Street und ein realistischer Blick auf Social Media.

Wenn dich Streetfotografie, Leica‑Look und gelebte Praxis interessieren – diese Episode ist für dich.

Kapitelmarker:
(00:00) Intro & Teaser
(00:07) Vom ersten Klick bis zum Kollektiv
(00:41) Olafs Weg in die Fotografie
(03:57) Erster Wettbewerb & der „Jetzt‑erst‑recht“-Effekt
(07:31) „Fotografie beginnt im Kopf“ – Warm‑schießen & Denken in Licht
(12:27) Von Produkt‑ zu Streetfotografie
(17:59) Technische Reise: Canon → R‑System → Leica
(28:17) Leica M: Haptik, Monochrom & Messsucher‑Mindset
(34:15) Persönliche Herausforderung: Fokus, Brille, Ruhe finden
(43:07) Werteerhalt & Objektivwahl: Summicron vs. Summilux
(50:50) Sony A7CII: Familien‑ & Alltagskamera
(54:10) 35 mm vs. 50 mm – was wann funktioniert
(57:56) Befreiung durch Reduktion: ein Setup, ein Look
(01:07:59) Streetfotografie: Der Moment zählt (nicht die Perfektion)
(01:15:57) Strategien: Jagen vs. Fischen in der Street
(01:16:48) 28 mm Komfort vs. 50 mm Nähe
(01:17:38) Begegnungen, Etikette & Datenschutz auf der Straße
(01:21:17) Kollektiv gründen: Motivation, Walks, erste Ausstellungen
(01:23:36) Instagram als Impulsgeber – warum echte Betrachtung offline passiert
(01:37:31) Bildbesprechungen: Lernen durch ehrliche Kritik
(01:40:42) Gruppendynamik, Freundschaft & gemeinsame Projekte
(01:48:22) Schlusswort & Verabschiedung

Zitate:
„Fotografie beginnt im Kopf, bevor man die Kamera in die Hand nimmt.“ – Thomas Seidl
„Für mich ist der Weg manchmal wichtiger als das Foto.“ – Olaf Schatta
„Mit der Leica gehe ich bewusst fotografieren.“ – Olaf Schatta

Takeaways:

• Moment > Perfektion: Street lebt vom Augenblick.
• Reduktion befreit: Ein Body, ein Objektiv.
• Leica-Mindset: Achtsamkeit statt Autofokus.
• Community schlägt Algorithmus: Kollektiv & Walks.
• Social Media = Impulsgeber, echte Betrachtung offline.

Links:

Blogpost zu dieser Episode:

https://open.substack.com/pub/tsptalk/p/olaf-schatta-uber-streetfotografie?r=dcgrr&utm_campaign=post&utm_medium=web&showWelcomeOnShare=true

Olaf Schatta:

https://www.instagram.com/olaf.street/

🎧 Podcast: https://open.spotify.com/show/6ReYc0LEnFya47AJXh851G
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Bleib kreativ – und allzeit gutes Licht!

In dieser Folge von TSP-Talk spricht Host Thomas Seidl mit der Streetfotografin Christina Förster aus Aachen. Christina teilt ihre persönliche Reise von den ersten Schritten in der Fotografie bis hin zu ihrem unverwechselbaren Stil, der durch Minimalismus, grafische Elemente und den sensiblen Umgang mit Persönlichkeitsrechten geprägt ist.

Wir beleuchten nicht nur die Definition von Streetfotografie, sondern auch die Frage: Kunst oder Dokumentation?Außerdem geht es um Technik, Workflow, Community und die Herausforderungen, die entstehen, wenn man den perfekten Moment sucht.

Catch

Was macht Streetfotografie so faszinierend? Ist es der spontane Moment, das Spiel von Licht und Schatten oder die künstlerische Freiheit, die sich zwischen Linien und Formen entfaltet? In dieser Episode tauchen wir mit Christina Förster tief in die Welt der Streetfotografie ein – und entdecken, warum sie mehr ist als nur das schnelle Drücken des Auslösers.

Takeaways

✔ Christinas Werdegang – Vom Lockdown zur Leidenschaft für Streetfotografie
✔ Stil & Philosophie – Warum Minimalismus, Licht und Schatten ihre Bildsprache prägen
✔ Technik & Ausrüstung – Fuji X-T5, Festbrennweiten und warum sie Automatik meidet
✔ Workflow & Nachbearbeitung – Bildauswahl, Cropping und der Weg zur Harmonie
✔ Community & Sichtbarkeit – Instagram, Ausstellungen und Limited Prints
✔ Ethik & Persönlichkeitsrechte – Wie Christina Grenzen setzt und trotzdem kreativ bleibt
✔ Zukunft der Streetfotografie – Trends, Experimente und die Rolle von KI

Kapitelmarken

(00:00) Teaser & Intro – Warum Streetfotografie mehr ist als ein Schnappschuss
(01:01) Christinas fotografische Reise – Vom Lockdown zur Leidenschaft
(06:41) Das erste bewusste Foto – Ein Bächleboot und ein Aha-Moment
(10:06) Definition von Streetfotografie – Zufall, Instinkt und öffentlicher Raum
(13:12) Kunst oder Dokumentation? – Christinas Sichtweise
(14:33) Grenzen & Persönlichkeitsrechte – Ethik in der Streetfotografie
(20:57) Spontan oder inszeniert? – Wie viel Planung erlaubt ist
(22:28) Humor in Bildern – Absicht oder Zufall?
(27:22) Christinas Stil – Minimalismus, Harmonie und der perfekte Moment
(31:12) Schwarz-Weiß oder Farbe? – Wann welche Entscheidung fällt
(33:31) Wiederkehrende Motive & Licht – Linien, Formen und Experimente
(38:09) Experimentieren mit Licht & Schatten – Herausforderungen und Ideen
(41:39) Technik & Ausrüstung – Fuji X-T5, Festbrennweiten und Objektivwahl
(52:22) Bildzuschnitt & künstlerische Freiheit – Regeln und Ausnahmen
(56:39) Community & Instagram – Sichtbarkeit, Austausch und Motivation
(1:01:46) Der Weg zur Anerkennung – Ausstellungen, Magazine und Limited Prints
(1:07:17) Perfekte Drucke & Präsentation – Papier, Rahmen und Ästhetik
(1:13:44) Fazit & Ausblick – Tipps für Einsteiger und Christinas Zukunftspläne

Warum du reinhören solltest

Diese Episode ist ein Muss für alle, die Streetfotografie lieben, sich für kreative Prozesse interessieren oder einfach Inspiration für den eigenen fotografischen Weg suchen. Christina zeigt, wie man mit Respekt, Intuition und TechnikBilder schafft, die Geschichten erzählen – ohne laut zu sein.

🎧 Jetzt reinhören und inspirieren lassen!
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Festivalfilm, Backstage‑Emotionen & Social‑Media‑Strategie: Mit Maximilian Jecker sprechen wir über seinen Weg vom Partyfotografen zum Festivalfilmer, Storytelling statt Perfektion, DaVinci Resolve & Blackmagic‑Workflows, DJI‑Setups, Sichtbarkeit auf Social Media, Fehlerkultur und warum seine Kinodoku auf der größten IMAX‑Leinwand lief.

Maximilian Jecker ist Fotograf, Videograf und Social‑Media‑Stratege – und jemand, der die deutschsprachige Festival‑ und Ballermann‑Szene über Jahre von innen begleitet hat. In dieser Episode sprechen wir über seinen Weg vom Partyfotografen zum Festivalfilmer, über Storytelling statt Perfektion, Fehlerkultur, Sichtbarkeit im Netz und darüber, warum Nähe zum Menschen die stärksten Bilder ermöglicht. Max erzählt, wie Clubhouse und Instagram‑Filter während der Corona‑Zeit zur beruflichen Wende führten, warum er DaVinci Resolve und Blackmagicnutzt, wo DJI‑Lösungen für ihn Sinn ergeben und wie seine erste Kinodoku ausgerechnet auf der größten IMAX‑Leinwand der Welt in Leonberg lief.

Wir gehen tief rein in Eventfotografie & Künstlerbegleitung: von Backstage‑Emotionen und langen Wartestrecken auf Tour bis zu Postproduktion, Datenmengen und Social‑Media‑Formaten, die wirklich funktionieren. Außerdem: Analog vs. Digital, Leica‑Look, Mittelformat‑Gedanken, Fisheye‑Experimente im Wahlkampf und die Frage, wie man zwischen Nähe und Nicht‑Stören die Balance hält.

• (00:00) Intro: Vom Partyfotografen zum Festivalfilmer
• (00:05) Ein kreativer Weg zum Festivalfilmer
• (00:15) Die Anfänge der Fotografie
• (07:29) Der Wendepunkt während Corona
• (08:35) Wie Clubhouse & Instagram‑Filter Türen öffneten
• (12:24) Tour‑Leben: 3000 km‑Wochenenden, Backstage & Alltag
• (15:44) Emotionen hinter der Kamera: Nähe als Schlüssel
• (18:39) Eventfotografie: Druck, Dauerbereitschaft & Warten
• (22:28) Persönlicher Bezug zu Künstler:innen – warum er zählt
• (26:25) Storytelling in Serie: Rituale, Details & „Schnürsenkel‑Momente“
• (29:43) Nähe vs. Nicht‑Stören: die Balance im Team
• (30:51) Kreative Handschrift & Technik: Leica‑Look, Fisheye‑Ideen
• (33:48) Canon + Blackmagic: Optiken, EF‑Mount & Workflows
• (35:49) Tools im Einsatz: Gyro‑Stabi, 360‑Kamera, Drohnen‑Ersatz
• (41:43) Der Weg zur Kinoproduktion
• (43:53) Emotionen auf der großen Leinwand (IMAX)
• (47:26) Interviews führen: Chancen & Fallstricke
• (47:32) Fotografie vs. Filmmaking: Blick schärfen, Aufbau/Abbau
• (49:49) Social Media: Formate, Redaktionspläne & Kennzahlen
• (51:26) Analog vs. Digital: Erfahrung, Look & Praxis
• (54:38) Analoge Entwicklung – Erlebnis statt Geschwindigkeit
• (59:10) Fehlerkultur: offen bleiben, lernen, besser werden
• (01:19:28) Unwiederbringliche Momente – und wie man sie absichert
• (01:27:00) Ausblick: Agentur, Strategie & weniger Wochenenden
• (01:34:32) Abschluss & persönliche Reflexionen

Zur Person:

• Maximilian Jecker – https://maximilianj.de

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In dieser Folge treffe ich Kerstin Döring – Street‑ und Dokumentarfotografin aus Regensburg – zu einem tiefen, ehrlichen Gespräch über ihre 30‑jährige Reise in die Fotografie, den Einfluss des Architekturstudiums auf Bildaufbau und Proportionen, den bewussten Einsatz von Technik (Fuji X‑T30 II, X100V, TTArtisan/Manuellfokus) und darüber, warum Street für sie „Meditation in Bewegung“ ist.

Wir sprechen über das Warten auf den flüchtigen Augenblick, mutige Begegnungen auf der Straße, den Unterschied zwischen Street‑Porträt und Porträt, die Rolle von Community (Fotoclub Regenstauf), das haptische Erlebnis von Prints und Ausstellungen – bis hin zu Sichtbarkeit, Philosophie & Zielen. Ein Gespräch voller Praxis, Klarheit und Gefühl – für alle, die Bilder nicht nur machen, sondern erzählen wollen.

Key Takeaways

• ​Architektur schärft den Blick: Proportionen & Komposition als Fundament.
• ​Street als „Meditation in Bewegung“: Manuelles Fokussieren für bewusste Momente.
• ​Technik als Werkzeug, nicht als Selbstzweck – Fuji, TTArtisan & Co.
• ​Porträt vs. Street‑Porträt: Austausch vs. flüchtiger Moment.
• ​Community & Sichtbarkeit: Warum Clubs, Ausstellungen & Prints wichtig sind.
• ​Workflow: Weniger Vorgaben, mehr Beobachtung, konsequente Auswahl.
• ​Tipp für Einsteiger:innen: „Fotografieren, fotografieren, fotografieren.“

Zitate

„Fotografie ist für mich wie Malerei, nur dass das Bild schneller fertig ist.“ – Kerstin Döring„Fotografie ist so eine Art Meditation in Bewegung.“ – Kerstin Döring„Ich lasse meine Bilder für mich sprechen.“ – Kerstin Döring„Fotografieren, fotografieren, fotografieren. Die Kamera ist immer dabei.“ – Kerstin Döring„Das Bild macht der Mensch – die Kamera hilft nur, die Vision umzusetzen.“ – Thomas Seidl

Kapitelmarker

• ​(00:06) Einführung in die Fotografie
• ​(00:54) Kerstins Weg zur Fotografie
• ​(02:14) Architektur und Fotografie vereint
• ​(05:57) Fotografie als Kunstform
• ​(07:07) Technik & Kamerawahl
• ​(09:49) Manuelles Fokussieren & Kreativität
• ​(11:43) Die Meditation der Fotografie
• ​(17:52) Was ist Street‑Fotografie?
• ​(19:44) Momentaufnahmen in der Stadt
• ​(24:38) Begegnungen auf der Straße
• ​(31:03) Debatte über Street‑Fotografie
• ​(32:39) Der flüchtige Moment
• ​(38:48) Unterschied: Porträts vs. Street‑Porträts
• ​(40:55) Menschen aktiv ansprechen
• ​(54:20) Bedeutung von Community
• ​(54:31) Die Kunst des Druckens
• ​(59:22) Ausstellung in der Zahnarztpraxis
• ​(61:31) Philosophie der Fotografie
• ​(67:37) Ein kreativer Tag im Leben
• ​(75:15) Post‑Processing
• ​(75:28) Kunst oder Dokumentation?
• ​(78:37) Träume & Ziele in der Fotografie

Linksammlung

Homepage Kerstin Döring:

https://kerstin-doering.jimdosite.com

Kerstin Instagram:

https://www.instagram.com/fotografie.und.art/

Blogbeitrag zu dieser Episode

Hashtags

#TSPTalk #ThomasSeidl #KerstinDöring #StreetPhotography #Dokumentarfotografie #Reportagefotografie #SchwarzWeiss #Monochrom #Regensburg #FujiX #XT30II #X100V #TTArtisan #LeicaM6 #Lightroom #Photoshop #LFI #FotoclubRegenstauf #Peoplefotografie #FineArt #Analog #Porträt #Podcast #StreetPhoto #StreetPortrait #StreetPhotographyInternational #StreetPhotographyCommunity #StreetPhotographyArt #StreetPhotographyLovers #StreetPhotographyPassion

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In dieser Episode von TSP-Talk spricht Thomas Seidl mit Kai Rogler – einem Fotografen, Kurator, Festivalmacher und Visual Content Creator, der die Fotografie als kulturelle Brücke versteht. Kai gibt einen tiefen Einblick in seine Entwicklung vom Autodidakt in den 90er Jahren bis hin zu internationalen Ausstellungen in Paris, Mailand und New York. Er erzählt von seiner Philosophie, dass Fotografie mehr ist als Technik – sie ist Kommunikation, Emotion und gesellschaftlicher Ausdruck.Besonders spannend sind seine Projekte wie der Fotopark Forchheim, der Kunst in den öffentlichen Raum bringt, und die Pirmasenser Fototage 2025, die unter seiner kuratorischen Leitung stehen. Kai spricht über die Herausforderungen beim Kuratieren, die Unterschiede zwischen Ausstellungen und Bildbänden, und wie Vertrauen zwischen Fotograf und Model entsteht.Ein weiteres Highlight ist sein Bildband 'Iverson 1', der seine Schwarzweiß-Modelfotografie über viele Jahre dokumentiert. Außerdem geht es um KI in der Fotografie, Fotoreisen nach Island, Workshops zur Bildgestaltung und die Bedeutung von Storytelling. Diese Episode ist ein Muss für alle, die Fotografie als Kunstform und Kommunikationsmittel verstehen wollen.

⏱️ Kapitelmarken

(00:00) – Einführung in die Fotografie

(01:02) – Ein Tag im Leben eines Fotografen

(04:03) – Die Leidenschaft der Fotografie

(04:52) – Der Weg zur Fotografie

(06:34) – Die Rolle von Kritik

(07:59) – Veränderungen im fotografischen Blick

(16:32) – Kombination von Stilen

(20:52) – Kulturelle Unterschiede in der Fotografie

(25:39) – Kommunikation durch Fotografie

(26:26) – Der Fotopark Forchheim

(31:07) – Ausstellungen und ihre Entstehung

(34:56) – Der Aufwand einer Ausstellung

(40:36) – Traumprojekte und Visionen

(44:47) – Unterschiede zwischen Ausstellung und Bildband

(49:14) – Die Pirmasenser Fototage

(58:23) – Der Blick auf Menschen verändern

(1:05:09) – Der Bildband 'Iverson'

(1:22:12) – Workshops und Fototraining

(1:23:37) – Zukünftige Projekte und Herausforderungen

(1:26:25) – Digitale Präsenz und Kontaktmöglichkeiten

📌 Takeaways

• ​ Fotografie ist mehr als Technik – sie ist Begegnung, Bühne und Brücke.
• ​ Kai Rogler fotografiert am liebsten mit Available Light und in Schwarzweiß.
• ​ Der Fotopark Forchheim bringt Kunst in den öffentlichen Raum.
• ​ Die Pirmasenser Fototage 2025 stehen unter seiner kuratorischen Leitung.
• ​ Kai spricht über die Herausforderungen und Chancen von KI in der Fotografie.
• ​ Sein Bildband 'Iverson 1' zeigt seine Modelfotografie über viele Jahre.

💬 Zitate aus der Episode

• ​ "Ich fotografiere eigentlich gar nicht gern – ich habe nur gern schöne Bilder." – Kai Rogler
• ​ "Fotografie ist Kommunikation – mit dem Motiv und mit dem Betrachter." – Thomas Seidl
• ​ "Ich würde am liebsten fotografieren können, ohne Kamera." – Kai Rogler
• ​ "Der Fotopark Forchheim soll Kunst für alle zugänglich machen." – Kai Rogler

🏷️ Hashtags

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BLOGBEITRAG zur Episode:

https://open.substack.com/pub/tsptalk/p/kai-rogler-uber-fotografie-als-kulturelle?r=dcgrr&utm_campaign=post&utm_medium=web&showWelcomeOnShare=true

🔗 Links

Kai Rogler Website: https://www.kairogler.com

Kai Roglers 2. Website: https://www.iverson.eu

Foto Forum Forchheim (FoFoFo): https://www.fofofo.de

Pirmasenser Fototage: https://fototage.pirmasens.org

Atlas of Humanity: https://www.atlasofhumanity.com

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In dieser Sonderfolge von TSP-Talk widmen wir uns dem Vermächtnis von Robert Redford, der am 16. September 2025 im Alter von 89 Jahren verstorben ist. Doch dies ist kein klassischer Nachruf – es ist eine Hommage an einen Mann, der das visuelle Erzählen geprägt hat wie kaum ein anderer.
Wir sprechen darüber, was Redford für Kreative, Fotograf:innen und Storyteller bedeutet, warum seine Philosophie des Sehens und seine Liebe zum natürlichen Licht auch für die Peoplefotografie relevant sind – und warum der Film „Spy Game – Der finale Countdown“ für Leica-Fans ein echtes Highlight ist.

Du erfährst:

• Wie Redford mit dem Sundance Institute eine Schule des Sehens geschaffen hat
• Warum seine Regiearbeit (A River Runs Through It, The Horse Whisperer) ein Lehrbuch für Lichtführung ist
• Welche 5 Lehren Peoplefotograf:innen aus seinem Werk ziehen können
• Und wie Brad Pitt mit einer Leica M6 in Spy Game undercover Geschichte schreibt

Diese Episode ist ein Aufruf, die eigene Bildsprache zu reflektieren, Vertrauen in den kreativen Prozess zu setzen und Fotografie als Brücke zwischen Menschen zu verstehen.

Takeaways

✅ Story vor Stil – Redford ordnete die Form der Geschichte unter
✅ Natürliches Licht als Charakter – Vertrauen ins vorhandene Licht
✅ Mentorship & Vertrauen – Ohne Beziehung kein authentisches Bild
✅ Leica-Momente in „Spy Game“ – Haltung schlägt Hardware
✅ Ökologie des Blicks – Bilder tragen Verantwortung

Zitate aus der Episode

„Robert Redford hat gezeigt, dass Bilder Brücken sind – zwischen Menschen, Orten und Zeiten.“
„Wir rahmen nicht nur, wir schaffen Begegnungen.“
„Die Leica ist hier nicht Fetisch, sie ist Werkzeug. Und der Mensch bleibt im Mittelpunkt.“

Kapitelmarker

• (00:00) Robert Redford: Ein Name, der für Licht und Geschichten steht
• (00:42) Intro – Warum diese Folge mehr ist als ein Nachruf
• (01:55) Kontext & Anlass – Redfords Einfluss auf Kino und Kreativität
• (04:05) Sundance: Schule des Sehens – Authentizität statt Glanz
• (06:15) Regieblick: Licht, Natur & Gesichter – A River Runs Through It & The Horse Whisperer
• (08:16) Schauspiel & visuelle Öffentlichkeit – Available Light & Integrität
• (09:43) Case Study: Spy Game – Leica-Momente & visuelle Glaubwürdigkeit
• (11:57) All about Peoplefotografie – 5 Lehren für deine Fotopraxis
• (13:38) Mini-Toolbox – Übungen für Licht, Pacing & Story
• (14:56) Bildkultur & Aktivismus – Sundance & Umweltengagement
• (15:48) Community & Call to Action – Deine Redford-Momente
• (16:30) Outro – Danke, Robert

Linkliste für die Shownotes

• Film-Tipp: Spy Game – Der finale Countdown (2001)
  https://www.imdb.com/title/tt0266987/

• Sundance Institute & Festival:
  https://www.sundance.org

• Redford Center (Umwelt-Engagement):
  https://redfordcenter.org

  
  

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🎙️ Island mit der Kamera entdecken – Laura Kopold über Natur, Begegnungen & kreative Freiheit

TSP-Talk – EP#056

> „Ich glaube, man bereut eher, dass man es nicht getan hat, als dass man es getan hat.“ – Laura Kopold

In dieser Folge nimmt dich Thomas Seidl gemeinsam mit Fotografin Laura Kopold mit auf eine emotionale und kreative Reise durch Island. Laura erzählt von ihrer tiefen Verbindung zur Natur, den Herausforderungen beim Fotografieren in rauer Landschaft und den bewegenden Begegnungen mit den Menschen vor Ort. Sie teilt ihre Erfahrungen, wie man Island mit der Kamera erleben kann – jenseits der Touristenpfade, mit offenen Augen und offenem Herzen.

Ob du selbst eine Reise nach Island planst oder dich einfach inspirieren lassen möchtest – diese Episode ist ein Plädoyer für Spontaneität, kreative Freiheit und das bewusste Erleben.

📌 Kapitelmarken

(00:00) Intro

(00:31) Willkommen im TSP Talk Podcast

(01:10) Islands Magie entdecken

(09:09) Reiseplanung und Fotografie

(11:40) Kameratechnik und Ausrüstung

(18:30) Herausforderungen und Improvisation

(22:34) Der Blick durch die Kamera

(29:36) Menschen und Begegnungen

(31:34) Kreative Prozesse und Notizen

(33:08) Veränderungen im fotografischen Stil

(33:55) Tipps für Islandreisende

(37:01) Geheimtipps und persönliche Erlebnisse

(38:28) Lektionen aus Island

(39:35) Erinnerungen und Gefühle

(41:23) Abschließende Gedanken und Empfehlungen

✨ Takeaways

- Warum Island mehr ist als spektakuläre Landschaften – und wie man seine stille Magie entdeckt

- Wie man mit minimalistischer Ausrüstung starke Bilder macht

- Warum Spontaneität und Intuition oft die besten Reisebegleiter sind

- Wie echte Begegnungen mit Menschen den fotografischen Blick verändern

- Was Laura über sich selbst gelernt hat – und was sie anderen mit auf den Weg gibt

📣 Call to Action

Hat dich diese Folge inspiriert?

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📖 Neugierig auf Lauras Bildband „Iceland: Living with the Elements“? Schau vorbei auf www.laurakopold.de

📷 Folge Laura auf Instagram: @laurakopold

🎧 Mehr von Laura? Hör auch in Folge #027, #028, #029 und #055 rein!

Bleibt kreativ – und allzeit gut Licht.

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In dieser Episode von TSP-Talk tauchen wir tief in die Welt der neuen Leica Cine Hektor Objektive ein. Diese Linsen sind inspiriert von der Leica-Tradition der 30er- und 50er-Jahre und bringen den Vintage-Look zurück – kombiniert mit moderner Präzision. Ursprünglich für Filmemacher entwickelt, eröffnen sie auch Fotografen völlig neue kreative Möglichkeiten.

Wir sprechen über:

• Historischer Kontext: Warum der Name „Hektor“ eine Leica-Legende ist
• Technische Details: Sechs Festbrennweiten (18, 25, 35, 50, 73, 100 mm), T2.1 Lichtstärke, austauschbare Mounts (L, E, RF, Z)
• Der Look: Sanfter Schärfeverlauf, cineastische Flares, Farbtreue
• Warum spannend für Fotografen: Vintage-Charakter ohne die Nachteile alter Linsen
• Preis & Positionierung: Rund 7.500 € pro Linse – lohnt sich das?
• Praktische Tipps: Kreative Setups für Porträt, Reportage, FineArt und Street
• Fazit: Leica schlägt die Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft

Wenn du wissen willst, wie du mit diesen Linsen authentische, zeitlose Bilder erschaffen kannst, ist diese Episode ein Muss!

✅ Key Takeaways aus der Episode

1. Leica bringt mit der Cine Hektor Serie sechs neue Festbrennweiten (18, 25, 35, 50, 73, 100 mm) – alle mit konstanter Lichtstärke T2.1 und austauschbarem Mount-System (L, E, RF, Z).

2. Vintage-Look trifft moderne Technik: Sanfter Schärfeverlauf, subtile Aberrationen und cineastische Flares – kombiniert mit moderner Vergütung für Farbtreue und weniger optische Fehler.

3. Warum spannend für Fotografen?

   • Konsistente Farbcharakteristik über alle Brennweiten
   • Servicefreundlich (Frontlinsen tauschbar)
   • Adaptierbar für verschiedene Systeme
   • Ideal für bewusste, entschleunigte Fotografie

4. Preis & Positionierung: Rund 7.500 € pro Linse – günstiger als klassische Cine-Linsen, aber Premium im Fotobereich. Zielgruppe: Profis, FineArt-Fotografen, Hybrid-Shooter.

5. Kreative Einsatzmöglichkeiten:

   • Porträt: 50 mm für harmonisches Bokeh
   • Reportage: 35 mm für Storytelling
   • Flares: 73 mm für cineastische Lichtspiele
   • FineArt: 100 mm für abstrakte Kompositionen

6. Workflow-Tipps: Fokus Peaking nutzen, feste ISO/Belichtungszeiten für Konsistenz, natürliches Licht bevorzugen, bei Kunstlicht warmes Dauerlicht oder LED mit Diffusor.

7. Fazit: Leica schlägt mit der Hektor-Serie eine Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft – für Fotografen, die Charakter und Handwerk schätzen.

Kapitelmarker:

(00:00) Intro & Teaser – Warum Leica Cine Hektor ein Gamechanger ist
(00:50) Einführung & Historischer Kontext – Die Leica-DNA und der Name „Hektor“
(03:46) Technische Basis – Sechs Brennweiten, T2.1, austauschbare Mounts
(05:52) Der Look – Vintage trifft Moderne: Schärfeverlauf, Flares, Farbtreue
(07:58) Warum spannend für Fotografen – Vorteile und kreative Freiheit
(08:56) Preis & Positionierung – Für wen lohnt sich die Investition?
(09:44) Praktische Tipps & kreative Ideen – Porträt, Reportage, FineArt
(13:25) Fazit & Ausblick – Leica als Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft

Weiterführende Links (Klartext):

• Leica Cine Hektor Produktseite:
  https://leitz-cine.com
• Leica SL-System:
  https://leica-camera.com/de-DE/fotografie/sl#

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In dieser Episode von TSP-Talk spreche ich mit der Fotografin Laura Kopold über ihren neuen Bildband „Iceland – Living with the Elements“. Der Band ist eine Hommage an die Verbindung zwischen Mensch und Natur in Island – erzählt durch eine sehr persönliche Bildsprache, die Emotionen statt Klischees transportiert.

Laura gibt tiefe Einblicke in ihren kreativen Prozess, die Herausforderungen der Bildauswahl, die gestalterischen Entscheidungen und die Bedeutung des Mediums Buch in einer digitalen Welt. Wir sprechen über die Balance zwischen dokumentarischer Genauigkeit und künstlerischer Freiheit, über die Rolle von Schwarz-Weiß-Fotografie und über die Kraft von Zitaten als zusätzliche Erzählebene.

Diese Folge ist ein Muss für alle, die sich für Peoplefotografie, Dokumentarfotografie, Reportage, Fotografiekulturund den kreativen Prozess hinter einem Bildband interessieren.

„Ich hatte beim Durchblättern das Gefühl, als würde mir der isländische Wind über den Nacken wehen. Lauras Bildband ist nicht nur visuell stark, sondern auch emotional tief – genau das macht ihn so besonders.“ - Thomas Seidl

🎧 Takeaways:

• Wie aus einem Herzenswunsch ein Bildband wurde – ganz ohne konkreten Auslöser
• Warum Island nicht nur Landschaft, sondern auch Mensch bedeutet
• Wie man Klischees vermeidet und stattdessen eine persönliche Bildsprache entwickelt
• Der lange Weg der Bildauswahl – zwischen Konzept, Intuition und emotionaler Bindung
• Warum Schwarz-Weiß-Fotografie als Stilmittel für Begegnungen funktioniert
• Die Bedeutung von Haptik, Papierwahl und Gestaltung für ein ganzheitliches Bucherlebnis
• Warum ein Bildband auch ohne Text funktionieren sollte – und wie Zitate eine zusätzliche Ebene schaffen
• Tipps für angehende Bildbandmacher: Konzept, Durchhaltevermögen und persönliche Botschaft

👉 Lauras Bildband „Iceland – Living with the Elements“ ist erhältlich auf: https://www.laurakopold.de
👉 Folgt Laura auf Instagram: @laurakopold

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