Il nome Iosonouncane nasce dall’unione tra il brano Io sono uno di Luigi Tenco e il suo cognome Incani. Una scelta legata a un momento preciso della vita dell’artista. Jacopo Incani racconta come oggi guardi a quel nome con una certa distanza critica. Non lo rinnega, ma lo riconosce come il frutto di un’urgenza giovanile. All’origine c’era l’idea di un disco sociale, ma rivolto verso sé stessi. Non un dito puntato all’esterno, bensì un atto di esposizione. La figura del “cane” diventava così una maschera per stare dentro le contraddizioni raccontate, senza sottrarsi.

Il progetto Iosonouncane prende forma nel 2008, dopo lo scioglimento degli Adharma. La strada solista non nasce da una scelta romantica, ma da una necessità concreta. Incani lavora con ciò che ha a disposizione. Tra questi strumenti c’è una groovebox Roland acquistata quasi per errore. Nei primi anni, la tecnologia influenza il suono. Col tempo, però, l’approccio cambia. Con DIE arriva una consapevolezza diversa. La scrittura non è più legata allo strumento, ma a un’idea musicale più ampia.

Dal debutto con La macarena su Roma fino a IRA, il percorso appare frammentato solo in superficie. Iosonouncane rivendica ogni fase del suo lavoro. Anche i brani da cui oggi si sente lontano restano parte della sua storia. L’approccio resta artigianale, ma evolve. Scrivere oggi come nel 2010 sarebbe difficile. Suonare come allora, quasi impossibile. Eppure nulla viene escluso in astratto.

La sperimentazione, per Iosonouncane, non è un’etichetta. È una condizione necessaria dell’arte. Senza ricerca, i linguaggi si fermano. Anche il pop, da sempre, si nutre di esperienze nate ai margini. Dai Beatles ai Radiohead, la forma canzone è stata messa in discussione molte volte. Per questo Incani non vede una frattura netta tra canzone e destrutturazione. Il suo lavoro si colloca dentro un’idea ampia di pop, più vicina a quella degli anni Sessanta che alle definizioni attuali.

Oltre al lavoro solista, Iosonouncane produce altri artisti solo quando nasce un coinvolgimento emotivo totale. Collaborare significa condividere metodo, tempo e intensità. È un’esperienza diversa rispetto ai propri dischi, che restano il luogo di un’espressione totale. Ma è

Giada è danzatrice del ventre esperta e arteterapeuta, porta a Cagliari una danza del ventre orientale affascinante, nata nel Medio Oriente, fatta di storia, musica, costumi e accessori tradizionali. In Sardegna questa disciplina è ancora poco diffusa.

La danza del ventre è una danza orientale sviluppata nel Medio Oriente, inizialmente legata a celebrazioni, riti di fertilità e momenti di festa. I movimenti sinuosi e armoniosi raccontano storie ed emozioni, unendo eleganza e espressività corporea. Col tempo, la danza ha assunto varie forme e stili a seconda delle regioni e tradizioni locali.

Gli strumenti tradizionali accompagnano la danza del ventre orientale, creando ritmo e atmosfera. Tra i più utilizzati ci sono il darbuka, il qanun e il tamburello. La musica orientale, ricca di percussioni e melodie coinvolgenti, valorizza i movimenti dei danzatori e rende ogni performance unica.

I costumi e gli accessori sono elementi distintivi della danza del ventre. Veli, monili, cinture con campanelli e gonne ricamate arricchiscono le performance, aggiungendo colore e movimento. Gli accessori aiutano anche a sottolineare gesti e figure. Giada, oltre a esibirsi, è arteterapeuta e utilizza la danza come strumento di benessere emotivo, mostrando come questa disciplina possa stimolare emozioni e creatività.

Nonostante la crescente popolarità della danza del ventre in Italia, in Sardegna, e a Cagliari in particolare, rimane un’arte ancora poco praticata.

Entrare nel mondo della Scuola dell'Infanzia gestita dalla Fondazione Figlie di Maria significa immergersi in un ambiente stimolante. Qui ogni spazio è progettato per accogliere le esigenze dei più piccoli, seguendo le linee guida del Ministero dell'Istruzione e del Merito. Le educatrici lavorano quotidianamente per trasformare l'apprendimento in un'avventura entusiasmante. La centralità del bambino non è solo uno slogan, ma una pratica costante. Attraverso il gioco e l'esplorazione, gli alunni sviluppano competenze cognitive e sociali fondamentali. Il metodo adottato favorisce l'autonomia individuale, rispettando i tempi di crescita di ciascuno. La struttura offre percorsi che integrano tradizione e innovazione didattica, garantendo una preparazione solida per il futuro scolastico.

Il progetto educativo della Scuola dell'Infanzia punta molto sulla creatività espressiva. I laboratori artistici permettono ai bambini di manipolare materiali e scoprire nuovi linguaggi. La collaborazione tra pari viene incoraggiata costantemente per costruire una comunità solida. I momenti conviviali e le attività di gruppo insegnano il valore del rispetto reciproco, come promosso dai progetti pedagogici di Save the Children. In questo contesto, le Figlie di Maria portano avanti una missione educativa storica ma estremamente attuale. Il legame con le famiglie è un altro pilastro essenziale del servizio offerto. Il dialogo costante tra scuola e genitori assicura una coerenza educativa preziosa per lo sviluppo del minore. La serenità degli ambienti contribuisce a rendere l'esperienza scolastica un ricordo positivo indelebile.

Un elemento distintivo della nostra Scuola dell'Infanzia è l'attenzione verso l'outdoor education. Gli spazi aperti sono considerati vere e proprie aule didattiche dove osservare il mutare delle stagioni. Il contatto diretto con la natura stimola la curiosità innata dei bambini e favorisce il benessere psicofisico. Muoversi all'aria aperta migliora la salute fisica e la capacità di concentrazione. Le attività motorie vengono svolte con regolarità per affinare la coordinazione e la consapevolezza del corpo. Questa visione olistica dell'istruzione prepara i piccoli ad affrontare il mondo con fiducia. La Fondazione investe costantemente nel miglioramento delle strutture per offrire sicurezza e comfort. Ogni dettaglio viene curato per garantire un'accoglienza calorosa a ogni nuovo iscritto.

La dimensione spirituale e valoriale caratterizza da sempre la Scuola dell'Infanzia della Fondazione. L'insegnamento di principi solidi aiuta i bambini a distinguere ciò che è bene per la comunità. Si educa alla pace, alla solidarietà e alla gentilezza verso il prossimo. Questi insegnamenti diventano le fondamenta su cui costruire la personalità degli adulti di domani, seguendo i principi della didattica inclusiva dell'UNESCO. La professiona

Lancia automobile torna al centro del dibattito culturale e tecnico con un convegno che mette in luce il ruolo decisivo del marchio nello sviluppo dell’ingegneria automobilistica. A Cagliari, il sapere accademico incontra la passione per le auto storiche, in un appuntamento pensato per studenti, studiosi e appassionati.

Il convegno “I contributi della Lancia allo sviluppo dell’automobile” tenutosi giovedì 18 dicembre 2025 nell’Aula Magna della Facoltà di Ingegneria e Architettura di Cagliari. L’iniziativa nasce dalla collaborazione tra il Circolo Sardo Auto Moto d’Epoca S.C.Q., il Lancia Club Italia e la Commissione Nazionale Cultura dell’ASI. L’obiettivo è chiaro: raccontare come Lancia automobile abbia influenzato soluzioni tecniche, stile e visione industriale lungo oltre un secolo di storia. Un percorso che parte dalle origini e arriva alle competizioni, senza perdere di vista il valore del restauro e della conservazione.

Il convegno entra nel vivo con interventi mirati. L’ingegner Lorenzo Morello aprirà con una relazione sui contributi di Lancia automobile allo sviluppo del settore. Seguirà l’approfondimento dedicato alla Lancia Augusta, da parta di Angelo Melis e una riflessione puntuale sul restauro condotto secondo criteri filologici. Il racconto si chiuderà con le Lancia da competizione, capitolo che restituisce l’immagine di un marchio capace di vincere e innovare. Ogni intervento costruisce un mosaico coerente, fatto di dati, esperienze e passione.

La scelta della sede universitaria rafforza il legame tra ricerca e divulgazione. Studenti e docenti potranno confrontarsi con professionisti del settore, mentre gli appassionati avranno accesso a contenuti di alto livello. Lancia automobile diventa così un caso di studio, utile a comprendere l’evoluzione dell’automobile moderna. Nel piazzale antistante l’Aula Magna saranno esposti modelli storici e contemporanei, creando un dialogo visivo tra passato e presente.

Nel suo intervento, Angelo Melis guida il pubblico dentro la genesi della Lancia Augusta, prodotta tra il 1933 e il 1936. Non un semplice excursus cronologico, ma un racconto che mette in luce come Lancia automobile abbia anticipato soluzioni tecniche e concettuali in un periodo complesso per l’industria. L’Augusta nasce come vettura leggera, accessibile, ma progettata con una cura ingegneristica che riflette la visione di Vincenzo Lancia. Melis sottolinea come questa automobile rappresenti un equilibrio raro tra innovazione e concretezza.

Dall’intervista emerge con chiarezza l’attenzione di Melis per gli aspetti meno visibili della Lancia automobile. Telaio, distribuzione dei pesi, soluzioni costruttive e scelte stilistiche diventano elementi di una storia più ampia. Lancia non si limitava a seguire il mercato, ma spesso lo anticipava. La Lancia Augusta, secondo Melis, è l’esempio perfetto di una casa c

Giovanni Trudu introduce un viaggio dentro il teatro contemporaneo sardo, attraverso la carriera di un attore e performer capace di attraversare drammaturgie tradizionali e sperimentali. Giovanni Trudu è oggi riconosciuto per la sua versatilità e per l’impegno in compagnie teatrali che sperimentano linguaggi nuovi, rivolti a un pubblico adulto o giovane.

Giovanni Trudu si definisce “teatro artist” — attore, drammaturgo, occasionalmente costumista e creatore — e vanta una carriera che si estende dalla prosa al teatro ragazzi, fino a performance contemporanee e sperimentali. Ha recitato, scritto e diretto spettacoli come “Emilia Vola”, con cui è stato in scena a Cagliari, in cui emerge la sua sensibilità per storie alternative e toccanti.

Il suo impegno si estende oltre la semplice interpretazione: nelle sue creazioni confluiscono corporeità, drammaturgia, scenografia, regia e costume, elementi che rendono il suo lavoro uno spazio di ricerca e contaminazione artistica.

Un tratto distintivo del lavoro di Trudu è la sua apertura a proposte teatrali per bambini e famiglie: rappresentazioni come “Jack e il fagiolo magico” e altri spettacoli in contesti della rassegna “Famiglie a teatro” hanno visto la sua partecipazione, dimostrando la capacità di veicolare contenuti anche a un pubblico giovane.

Allo stesso tempo, non manca l’impegno nel teatro d’autore e nella contemporaneità: la sua partecipazione a progetti con compagnie di ricerca sottolinea la volontà di esplorare nuove forme espressive e di contribuire al rinnovamento della scena teatrale isolana.

Per Trudu, il teatro non è solo recitazione: è un luogo dove corpo, parola, costume e messaggio si intrecciano. In lavori recenti — scritti, diretti e interpretati da lui — emerge una forte dose di originalità e coraggio artistico, qualità rare in un panorama spesso dominato da forze convenzionali.

Questa dimensione “laboratorio” fa sì che ogni spettacolo diventi un esperimento, un modo di raccontare il presente con strumenti non necessariamente tradizionali, ma spesso sorprendentemente efficaci e profondi.

In un’isola come la Sardegna, caratterizzata da una forte identità culturale, l’attività di artisti come Trudu assume un valore sociale e culturale importante. Le sue performance, spesso realizzate con compagnie locali o realtà indipendenti, contribuiscono a tenere vivo un tessuto culturale vitale e sensibile.

Inoltre, portare avanti un teatro sperimentale significa anche avvicinare il pubblico a linguaggi non convenzionali: questo induce all’ascolto, alla riflessione, all’immaginazione — componenti fondamentali per lo sviluppo di una comunità artistica autentica e dinamica.

Giovanni Trudu rappresenta una speranza e un laboratorio vivente per il futuro del teatro in Sardegna. Con la sua sensibilità verso nuove forme di espressione, la sua apertura a progetti di diversa natura e la sua determinazione nel continuare a sperimentare, può fungere da

Un approfondimento sul ruolo della Sardegna nello scenario mediterraneo contemporaneo, attraverso la partecipazione di Salvatore Cherchi, presidente di ISPROM, al Terzo Rapporto SarMed dedicato a geopolitica, cooperazione e sviluppo.

Il Mediterraneo continua a essere una delle aree più complesse e decisive del mondo contemporaneo. Per comprenderne meglio i cambiamenti, torna il Terzo Rapporto SarMed – Sardegna Mediterraneo, un appuntamento che approfondisce temi cruciali come sicurezza, mobilità umane, politiche europee e cooperazione internazionale.

All’interno di questo percorso di analisi e dialogo, parteciperà anche Salvatore Cherchi, presidente dell’ISPROM – Istituto di Studi e Programmi del Mediterraneo, figura di riferimento nello studio delle trasformazioni sociali, politiche ed economiche dello spazio mediterraneo.

ISPROM, da anni impegnato nella ricerca e nella promozione del dialogo tra sponde diverse, contribuisce in modo attivo alla costruzione di una visione mediterranea contemporanea.

La partecipazione di Cherchi assume un valore particolare perché, attraverso il suo intervento, si inserisce una prospettiva che unisce analisi geopolitica, conoscenza territoriale e attenzione ai processi di sviluppo.

Il Rapporto SarMed, infatti, si propone come uno strumento utile non solo per studiosi e ricercatori, ma anche per amministrazioni locali, istituzioni e cittadini interessati a comprendere gli scenari futuri.

La Sardegna non è soltanto un’isola al centro del mare. È un punto strategico nel dialogo euro-mediterraneo. Per questa ragione, il Rapporto SarMed dedica ampio spazio al ruolo dell’isola nei nuovi equilibri geopolitici.

Secondo gli studi presentati nell’incontro, la Sardegna può diventare protagonista in molti settori:

La presenza di Cherchi offrirà un contributo essenziale per comprendere come queste opportunità possano trasformarsi in strategie concrete.

Il valore dell’iniziativa risiede anche nell’approccio interdisciplinare. Nel Rapporto SarMed, infatti, convergono voci provenienti da ambiti diversi: accademia, ricerca, istituzioni e società civile.

Questa diversità di sguardi permette di analizzare il Mediterraneo come un arcipelago di culture, economie e identità che si intrecciano.

L’intervento del presidente di ISPROM contribuisce a rinsaldare il legame tra studio teorico e applicazioni pratiche, sottolineando la necessità di politiche condivise e di una visione comune tra regioni e Paesi che si affacciano sul mare.

Il Terzo Rapporto SarMed diventa così un’occasione preziosa per riflettere sul ruolo della Sardegna in un mondo in continua trasformazione.

La partecipazione di Salvatore Cherchi rafforza l’importanza del dialogo aperto, della ricerca e della cooperazione internazionale. E ricorda ch

Il FIND – Festival Internazionale Nuova Danza 2025 accoglie una delle voci più significative della scena contemporanea italiana: Valerio Longo, coreografo, docente e vicedirettore artistico del Balletto di Roma. Sabato 22 novembre Longo guiderà la masterclass Spiritual Body Experience presso la Scuola di Danza Assunta Pittaluga, un appuntamento atteso da danzatori, studenti e appassionati.

La lezione approfondisce la relazione tra corpo, spazio, ritmo ed emozione. Longo invita i partecipanti a un viaggio interiore, trasformando il movimento in strumento di esplorazione personale. Equilibrio, peso, articolazioni e dinamica non sono solo elementi tecnici, ma porte d’accesso alla consapevolezza artistica.

La Spiritual Body Experience nasce dall’idea che il gesto non sia soltanto esecuzione, ma un territorio sensibile in cui disciplina e libertà convivono. Longo sottolinea come lo studio costante, la perseveranza e l’ascolto interiore conducano a una forma di autenticità scenica, capace di rivelare la parte più profonda del danzatore. In questo senso, la passione originaria diventa bussola, memoria e motore creativo.

Sempre sabato 22 novembre, a seguire, la giornata prosegue a Sa Manifattura – Sala Officine con lo spettacolo DislocAzioni in Danza, firmato Balletto di Roma. Diretto da Francesca Magnini, il lavoro presenta coreografie di Marcello Giovani, Martina Licciardo e Valerio Longo, interpretate da Paolo Barbonaglia, Alessio Di Traglia, Martina Licciardo e Ainhoa Segrera.

Lo spettacolo è una lente sulle molteplici identità del movimento: dalla danza accademica alle urban dance, fino ai linguaggi performativi contemporanei. È un incontro fertile tra spazio, corpo e spettatore, una fusione spontanea di poetiche e generazioni.

Oggi ai microfoni di Unica Radio abbiamo il piacere di ospitare Roberta Maimone, coreografa, performer e ideatrice del metodo di movimento MEM, tra le protagoniste del Festival FIND 2025. Maimone condurrà una masterclass venerdì 21 novembre, dalle 14 alle 16, alla Scuola di Danza Assunta Pittaluga, un’esperienza immersiva che unisce gioco, immaginazione ed espressività corporea. La stessa sera presenterà a Sa Manifattura lo spettacolo ALEX, un viaggio psicologico che attraversa identità, riflessi interiori e incontri significativi.

Il metodo MEM nasce dal bisogno personale di Roberta di prendersi cura del proprio corpo, segnato da scoliosi e iperlordosi, e dalla necessità di trovare un approccio che unisse struttura, attenzione e libertà. Non trovando tecniche abbastanza adatte, ha costruito un linguaggio che parte dall’ascolto del corpo e dalla presenza nel momento. Attraverso voce guida, ritmo, giochi ed esercizi immaginativi, MEM scioglie tensioni e attiva la muscolatura profonda, trasformando il movimento in un’esperienza viva, consapevole e profondamente espressiva.

La dimensione giocosa, unita alla narrazione visiva, aiuta i partecipanti a connettersi con emozioni, caricature e sensazioni. È un invito a muoversi non solo “bene”, ma in modo autentico, seguendo ciò che accade dentro e fuori dal corpo.

Il percorso di Maimone intreccia danza, illustrazione e ricerca performativa, creando un linguaggio ibrido dove l’immagine guida e orienta il movimento. In collaborazione con illustratori, costruisce veri e propri graphic storytelling, da cui nascono anche gli sticker del Memic Project, piccoli segni che anticipano emozioni e scene dello spettacolo.

Lo spettacolo ALEX nasce da una scintilla intima: il sentirsi diversi ogni giorno davanti allo specchio. Da questa instabilità emotiva prende forma un lavoro che esplora identità, percezione e riflessi psicologici. L’incontro con l’altro diventa specchio, rivelando ciò che dobbiamo osservare e trasformare.

In scena compaiono anche personaggi cartonati, caricature emotive che rimandano al tratto del fumetto. La loro drammaturgia amplifica gesti, forme ed emozioni, favorendo una relazione immediata con il pubblico.

La sua esperienza artistica tra Italia, Olanda, Spagna e Portogallo ha arricchito il suo linguaggio, permettendole di comprendere come ogni cultura reagisca diversamente all’espressività. Questo dialogo costante ha affinato la sua sensibilità di coreografa e performer.

Al pubblico di ALEX, Roberta desidera lasciare un sorriso, una leggerezza che addolcisce anche le emozioni più complesse. Ai partecipanti della masterclass MEM, invece, augura di portare con sé cura, ascolto e una presenza più autentica nel proprio corpo.

Oggi ai microfoni di Unica Radio abbiamo avuto il piacere di incontrare Alessandra Ruggeri, coreografa e direttrice artistica della Misanga Dance Company, ospite al FIND 2025. In occasione dell'evento, Ruggeri terrà una Masterclass di Urban Fusion venerdì 21 novembre, dalle 12 alle 14, presso la Scuola di Danza Assunta Pittaluga. Un percorso aperto a danzatori di ogni stile, dedicato alla fusione tra tecniche urbane e contemporanee.

La stessa sera, a Sa Manifattura , Ruggeri porterà in scena Hà-Bi-Tùs, un lavoro che indaga l’identità e il rapporto tra corpi ereditati e costruiti, selezionato per la Vetrina della Giovane Danza d’Autore – Network Anticorpi XL 2024.

Per Ruggeri, fondere linguaggi urbani e contemporanei significa aprire uno spazio di libertà comunicativa. Grazie alla padronanza delle tecniche, il corpo diventa un canale capace di raccontare molto più del semplice gesto: un vero linguaggio coreografico, personale e in continua trasformazione. L’Urban Fusion permette di superare i limiti degli stili codificati, attingendo alle peculiarità di ogni tecnica per ricreare ogni volta nuove possibilità espressive.

Il suo lavoro di ricerca sul movimento parte sempre dalle caratteristiche dei danzatori: con professionisti si parte dalla tecnica per poi stravolgerla, con amatori o attori si lavora su sensazioni, immagini, gesti istintivi. L’obiettivo è guidare ciascuno verso una fisicità autentica, contaminata ma coerente.

Hà-Bi-Tùs nasce da una riflessione sul corpo come luogo di eredità e costruzione. L’opera prende ispirazione dal concetto di “indossare panni non nostri”: abitudini, comportamenti, strutture sociali che diventano una seconda pelle. La scenografia – un patchwork di abiti personali delle danzatrici Anya e Kyda Pozza – diventa metafora delle identità che accumuliamo.

Essere selezionati dal Network Anticorpi XL ha rappresentato per Ruggeri e il collettivo un momento cruciale: una vetrina nazionale che ha permesso allo spettacolo di viaggiare e trovare nuovo pubblico, consolidando un progetto già maturo.

Come direttrice artistica della Misanga Dance Company, Ruggeri cerca nei danzatori unicità, consapevolezza e desiderio di ricerca. La fusione tra mondi urbani e contemporanei genera un linguaggio condiviso, interdipendente, vivo.

Al pubblico di Hà-Bi-Tùs Ruggeri augura di portare con sé un frammento personale, un ricordo o una sensazione che dialoghi con il racconto scenico, ai partecipanti della masterclass, invece, la speranza è quella di ritrovare energia, curiosità e libertà dal giudizio, per abitare davvero il proprio corpo.

Un viaggio nella vita artistica di Tiziana Martucci, tra debutti inattesi, teatro come identità, anni di ricerca, collaborazioni internazionali e nuovi progetti che uniscono voce, corpo e sperimentazione musicale.

Il percorso artistico di Tiziana Martucci non nasce da un piano, ma da un incontro fortuito, uno di quelli che spostano il baricentro della vita. Studentessa di ingegneria, timida e convinta che il palcoscenico non facesse per lei, viene spronata a tentare. Un piccolo corso al Crogiolo con Mario Faticoni e Rita Zeri diventa l’inizio di una strada lunga trent’anni.

Il primo ruolo con Acroama, assegnato da Lelio Lecis e Alice Capitanio, segna l’avvio di un percorso intenso. Ogni spettacolo, racconta Tiziana, “mi regala una parte nuova di me”, perché recitare significa trasformarsi, crescere, esporsi.

Tra le produzioni più importanti di oggi, spicca “Come vent’anni fa”, un monologo che intreccia una commessa contemporanea con la tragica figura di Ecuba. Il risultato è un’alternanza scenica complessa, dove l’enfasi della tragedia classica lascia spazio alla naturalezza cinematografica del presente.

Per Martucci, il teatro vive nel rapporto con il pubblico. A differenza del cinema, dove tutto è frammentato, sulla scena l’interprete respira con la platea, ne avverte i silenzi, le tensioni, le emozioni. È questo scambio che rende ogni replica unica e irripetibile.

In quasi trent’anni, Acroama è diventata per lei una casa, una famiglia scelta. Una compagnia che costruisce spettacoli essenziali e visionari, dove la scena si fonda sul corpo dell’attore, sulle luci e sui suoni più che sulla scenografia.

Un teatro poetico, rarefatto, che deve molto all’impronta estetica di Lelio Lecis e che Tiziana ha imparato ad amare anche dopo numerosi studi con maestri internazionali, da Jean-Paul Denizon a Emma Dante.

Anche il teatro per ragazzi fa parte di questa dimensione: tra i prossimi impegni, un divertente spettacolo natalizio diretto da Elisabetta Podda, dove interpreterà una strega cattiva “più convincente di quanto si pensi”.

La crescita artistica non si è mai fermata: workshop, regie, collaborazioni con il Ctb di Braga e spettacoli come “Spettri” di Ibsen hanno arricchito la sua visione e affinato la sua sensibilità scenica.

Parallelamente al teatro, Martucci porta avanti un progetto musicale con i Black Solanas, collettivo guidato da Valentino Murru. Qui esplora lo spoken word, una forma di narrazione vocale che definisce “come dipingere con la voce”.

Prodotto da un’importante etichetta tedesca, il progetto ha già pubblicato due EP e continua a evolversi, fondendo elettronica, parola e ricerca sonora.

Tra tournée, nuovi spettacoli e collaborazioni internazionali, Tiziana continua a navigare fra linguaggi diversi, mossa da quella curiosità creativa che da sempre la guida. Una vita in scena che si rinnova continuamente, dove la ricerca è l'unica vera direzio