Voci dipinte

«Un museo è un organismo dinamico, chiamato a un continuo esercizio di re-immaginazione del suo ruolo, della collezione e dei suoi spazi».

Queste parole riflettono la visione del museo di Letizia Ragaglia, nuova direttrice del Masi – il museo d’arte della Svizzera italiana -, che in futuro intende puntare di più sulla valorizzazione delle sue collezioni, anche grazie agli sguardi di artisti contemporanei. Il museo – promette Ragaglia - sarà un’istituzione pronta a fare rete sul territorio, a collaborare con gli artisti locali e a coinvolgere il pubblico nelle sue attività dietro le quinte. Più aperto, inclusivo e a basso impatto ambientale. Questa la direzione in cui sembra andare la più grande realtà museale in Ticino. Voci dipinte incontra la direttrice del Masi.

Per la mostra della settimana andiamo alla Fondazione Rovati di Milano che fino al 10 gennaio ospita un’esposizione dedicata a Etruschi e Veneti, due civiltà pre-romane, tutta nel segno dell’acqua come elemento di contatto con il divino.

Quando un libro fa la sua comparsa tra le mani della Vergine Maria nell’iconografia dell’Annunciazione, tra Medioevo e Rinascimento, non si assiste soltanto a una rivoluzione visiva. Quell’immagine diventa per le donne del tempo un modello di emancipazione, uno spazio intimo di riflessione – una sorta di “stanza tutta per sé” ante litteram – e un potente stimolo all’alfabetizzazione e all’accesso al sapere.  Partendo dal saggio “La divina lettrice. Il libro tra le mani di Maria e delle donne” (Il Mulino) di Tiziana Plebani, Voci  dipinte esplora questa settimana la storia e i mutamenti della lettura al femminile. Dalle fonti antiche e dai capolavori assoluti, come l’Annunciata di Antonello da Messina, fino al successivo cambio di rotta post-tridentino – quando il libro tra le mani della Vergine lascerà spazio al cesto da cucito – riflettiamo sul profondo rapporto tra donne, libri e libertà.  Ospite l’autrice Tiziana Plebani, già docente all’Università Ca’ Foscari di Venezia.  Per la mostra della settimana ci spostiamo  a Basilea per visitare al Kunstmuseum la mostra “Van Gogh, Hodler e una cabriolet”, con la curatrice Géraldine Meyer.

Come nasce il nostro modo di guardare al mondo naturale? Nel Rinascimento la natura non è solo qualcosa da contemplare, ma una realtà da indagare, imitare e persino “inventare”. Dalla meraviglia dei miti antichi e delle figure gigantesche fino alle prime catalogazioni scientifiche, il Cinquecento rappresenta uno snodo fondamentale nel rapporto tra l’essere umano e il pianeta. Partendo dalla mostra “Inventare la natura. Leonardo, Arcimboldo, Caravaggio” a Palazzo Te di Mantova, “Voci dipinte” esplora questa settimana l’intricato confine tra natura e artificio. Tra fossili intesi come enigmi divini, meraviglie idrauliche nei giardini e l’unione tra rigore scientifico e invenzione artistica, si interroga con il co-curatore della mostra Guido Rebecchini, professore di Storia dell’arte del Rinascimento al Courtauld Institute of Art di Londra, su quale lezione possa offrirci l’arte rinascimentale per affrontare le inquietudini del nostro presente.

Nella seconda parte del magazine, per la consueta mostra della settimana, andremo al Kunsthaus di Zurigo che presenta un affascinante confronto tra le opere di due grandi pittori: Edvard Munch e Maria Lassnig.

“Arte che cura” è il titolo del saggio di Daisy Fancourt, appena apparso nell’edizione italiana per la casa editrice Johan e Levi. Un testo decisivo perché rappresenta il punto di arrivo di un percorso di legittimazione della cultura e delle arti come importanti risorse per la salute e il benessere degli individui e delle comunità. Un percorso che ha avuto come punto di partenza nel 2019 la revisione dell’Organizzazione mondiale della sanità che analizzava i risultati di oltre 3mila studi scientifici compiuti negli ultimi vent’anni, dalle neuroscienze all’epigenetica. La crisi globale legata alla pandemia di Covid-19 ha confermato che cultura e arti rappresentano risorse importanti nella promozione della salute, nella prevenzione e nel trattamento di patologie. E non sono soltanto le singole pratiche artistiche o i singoli progetti, ma è l’ambiente culturale nel suo complesso a modellare la salute delle persone lungo tutto l’arco della loro vita. Contribuendo a rafforzare la coesione e l’equità sociali. A “Voci dipinte” ospite l’economista della cultura Annalisa Cicerchia.

Per la mostra della settimana vi proponiamo la seconda parte della visita guidata dal curatore Vincenzo De Bellis all’ampia retrospettiva dedicata a Iannis Kounellis, intitolata “Io sono un pittore”. L’ultimo progetto espositivo della Collezione Olgiati a Lugano. 

​​È certamente uno dei massimi protagonisti della pittura settecentesca tra Lombardia e Svizzera italiana, eppure, nonostante una fortuna critica mai messa in discussione, attorno alla figura di Giuseppe Antonio Petrini permangono zone d’ombra, enigmi biografici e interrogativi aperti. Attraverso una selezione di circa ottanta opere tra le più alte della sua produzione – che affianca capolavori assoluti come il Sonno di San Pietro in arrivo dal Louvre a importanti inediti riemersi di recente in Spagna –, affiora il ritratto di un maestro complesso e vibrante. Un artista intriso di un potente naturalismo d’impronta caravaggesca, capace non solo di orchestrare una bottega dinamica per rispondere a prestigiose commissioni internazionali, ma anche di proiettare l’antico borgo di Carona sulle rotte culturali dell’Europa del suo tempo. A “Voci dipinte” ripercorriamo questo affascinante itinerario storico-artistico e le recenti scoperte d’archivio insieme ai curatori della mostra: la storica dell’arte Laura Damiani Cabrini e il direttore della Pinacoteca Züst, Elio Schenini. Nella seconda parte del magazine, per la consueta mostra della settimana, ci spostiamo a Lugano allo spazio Olgiati dove in collaborazione con l’archivio Kounellis di Roma Vincenzo De Bellis ha curato l’allestimento di “Io sono un pittore” che ripercorre le principali tappe dell’intera carriera dell’artista greco naturalizzato italiano. ​ 

Se esiste un’arte del perturbante e dell’“uncanny” in grado di trasformare oggetti famigliari e spazi intimi in qualcosa di sottilmente inquietante, l’opera di Kaari Upson potrebbe essere un esempio eclatante. Upson è stata una delle protagoniste dell’arte americana degli ultimi anni, esponente di quella scena californiana che ha saputo raccontare i lati oscuri e le contraddizioni dell’ “American dream”, trasformando i traumi personali in traumi collettivi. Diplomata alla CalArts - come molti altri nomi importanti: da Suzanne Lacy a John Baldessari, da Mike Kelley a Mark Bradford, Kaari Upson si iscrive anche in una tradizione di artiste che hanno indagato lo spazio domestico facendone una metafora della condizione femminile, ma anche un riflesso del proprio mondo interiore. Per parlarne a Voci dipinte è ospite la storica dell’arte Francesca Benini.

La puntata si apre con la visita alla retrospettiva di Kaari Upson presentata al Masi, in compagnia del suo stretto collaboratore e amico Michael Benevento.

C’è un gesto antico che unisce il telaio sardo alla trama dei tessuti indonesiani: il potere di raccontare storie senza bisogno di parole. Racconti senza tempo, che uniscono saperi ancestrali e riti collettivi in un viaggio affascinante lungo il quale la materia si fa pensiero e memoria condivisa.

Voci dipinte dedica la puntata di questa settimana all’arte tessile partendo da due mostre che con modalità e con opere di stampo molto diverso affrontano entrambe l’evoluzione di questi manufatti da opere di raffinatissimo artigianato a un pieno statuto di artefatti. La prima mostra è quella in corso al museo delle culture di Lugano (Musec) che fino al 25 ottobre ospita Trame – Capolavori di arte tessile da Bali a Timor. La seconda è quella dedicata dal Museo Madre di Napoli al lavoro di un’artista capace di creare un linguaggio visivo e una poetica radicalmente originali come Maria Lai, Maria Lai. Essere è tessere il titolo dell’esposizione aperta fino al 12 ottobre.

Nella seconda parte del magazine, per la consueta mostra della settimana, ci spostiamo a Bellinzona al museo Villa dei Cedri dove è allestita una mostra dedicata alle opere su carta di Pierrette Bloch - importante esponente d’origine svizzera dell’astrattismo del secondo Dopoguerra.

Con Paolo Maiullari responsabile della ricerca e delle attività espositive, la docente universitaria Annalisa Izzo e la presidente dell’Archivio Maria Lai Maria Sofia Pisu.

“Vedere non è guardare. Lo sguardo non è mai un atto passivo”: lo sosteneva Rudolf Arnheim, l’autore di “Arte e percezione”, il saggio fondamentale del 1954 che applica la filosofia della Gestalt allo studio dell’arte. Guardare significa anche organizzare il reale, costruire il mondo e interpretarlo, mettere alla prova le nostre certezze. Così accade con l’arte: il significato dell’opera si svela in alcuni casi soltanto nell’atto percettivo, cambiando posizione o prospettiva, come accade nel caso delle anamorfosi moderne di Felice Varini e Markus Raetz. Esiste una lunga tradizione che lega arte e percezione, ma soltanto nel corso del Novecento alcuni movimenti d’avanguardia riportano con forza e metodo l’attenzione sui meccanismi della visione e sui fenomeni percettivi, come l’Optical art, l’arte cinetica e programmata, nata in Italia negli anni Sessanta nel contesto di una nuova visione dell’arte e della società. A Voci dipinte ne parleranno lo storico dell’arte Marco Franciolli e il critico e saggista d’arte Marco Meneguzzo.

Lo scorso 20 agosto Il Giornale dell’Arte ha rilanciato una notizia destinata a far discutere il mondo dell’arte: nei depositi del Kunsthistorisches Museum di Vienna è riaffiorato il dipinto «Ritratto di uomo anziano», finora catalogato come opera di un anonimo, che la storica dell’arte e curatrice Gudrun Swoboda propone ora di attribuire a Gian Lorenzo Bernini. Un’ipotesi affascinante e complessa per un maestro celebre per le sue sculture e opere architettoniche, ma di cui si conservano pochissimi dipinti.

«Ritratto di uomo anziano» sarà al centro della mostra «Bernini pittore e scultore», in programma al Palais Lobkowitz di Vienna dal 2 dicembre al 4 aprile del prossimo anno.

Siamo di fronte ad una scoperta che ci consente di scrivere una nuova pagina della storia dell’arte?

Da questo presunto dipinto del Bernini fino alla celebre e controversa attribuzione a Leonardo da Vinci del Salvator Mundi, battuto all’asta per 450 milioni di dollari, il mondo dell’arte continua a essere scosso da clamorosi ritrovamenti e accesi dibattiti.

Tutti questi casi sollevano anche una questione metodologica che sta alla base della ricerca scientifica: Come si fa a riconoscere la mano di un artista?

Ospite: Philippe Costamagna, storico dell’arte, già direttore del Palais Fesch Musée des Beaux-Arts di Ajaccio, autore di opere come il catalogo ragionato dell’opera pittorica del Pontormo e il saggio Avventure di un occhio (Johann & Levi editore). Costamagna fa anche parte del comitato scientifico della grande mostra monografica dedicata al Pontormo che sarà allestita alla Scuderie del Quirinale dal 9 ottobre 2026 al 7 febbraio 2027.

Stanze silenziose, luci soffuse e sottili variazioni all’interno di un contesto familiare: al Kunsthaus di Zurigo è allestita la prima mostra museale completa in Svizzera dedicata a Vilhelm Hammershøi. Emanuela Burgazzoli l’ha visitata insieme alla curatrice Sandra Gianfreda.

Possono le macchine fare arte? Parte da questa domanda, semplice ed estremamente complessa al tempo stesso, il saggio di Luigi Bonfante Arte senza artista (Johan & Levi Editore), al centro della puntata di Voci dipinte.

I passi da gigante compiuti dall’intelligenza artificiale generativa rendono le immagini create da software come DALL-E, Midjourney o Stable Diffusion sempre più difficili da distinguere dalle opere di artisti in carne e ossa. Ma questi sistemi possono davvero sostituire l’essere umano in una delle sue attività più emblematiche e inafferrabili? Se trovare una risposta univoca è difficile – e forse persino ozioso –, porsi questo interrogativo significa già riflettere su cosa sia la creatività e su cosa intendiamo oggi con la parola “arte”.

Insieme a Luigi Bonfante, ci muoveremo in una riflessione sospesa tra storia, tecnica e filosofia: un percorso che non cerca verdetti definitivi, ma che permette di comprendere a fondo le radici e i meccanismi della nostra espressività e, in definitiva, di noi stessi.

Nella seconda parte del magazine, per la consueta mostra della settimana, ci spostiamo a Milano. Alla Fondazione Luigi Rovati, Salvatore Settis cura una piccola e raffinatissima esposizione dal titolo “Storia di un gesto”, che interroga il legame tra reperto archeologico e arte contemporanea.