Crematory主唱Felix和贝司手Marc创建了乐队，一年后他们发行了他们的第一张DEMO专辑：“The Light Of Day”，这张样带得到了媒体特别是乐迷的强烈反响！样带不仅仅在德国卖得好，而且在海外得到巨大广泛的赞誉并且卖了1500张。这时他们也首次和唱片厂牌取得联系。Crematory随后发展成为德国最重要的音乐团体。
Crematory乐队创造了一种灿烂的旋律化的歌特金属，他们的专辑“Awake”进入德国专辑排行榜第54位，其中歌曲“Temple Of Love”注定成为一首热门歌曲，Crematory乐队狂热的乐迷和报刊杂志的极高评价使他们成为歌特金属领导者的地位。

The Beatles在这张唱片创作上的主心骨基本上是2+1，三人为这张唱片的palette涂上了迥然的色调，这些迥然之中又贯穿着Beatles之魂。这样的创作团队可以在保证丰富性的同时兼顾和谐。我不怀疑他们当中的任何一人都可以拿出完全个人色彩的概念唱片，只是在这张唱片，这三人的特性融合得非常工整，几乎完美地规避了同质化带来的枯燥与创作核心碰撞可能产生的突兀。
前后两首同名曲是唱片概念的定海神针，提醒你是在一个酒吧里欣赏某乐队的专场演出。不太习惯迷幻摇滚的听众会在这两首歌里找到这张唱片中最爽快的摇滚进行。Paul的vocal delivery让人振奋（笔者听到"I don't really want to stop the show"时是有点小鹿乱撞）。
Ringo唱的"With a Little Help from My Friends"是一个规矩的开胃菜。基本上也是一般驻唱乐队在开场聊骚之后会选择的开篇方式，工工整整娓娓道来，让台下听众慢慢进入状态。
正菜第一道“Lucy in the Sky With Diamonds”，迷幻基调就此打下。chorus如万花筒般绚烂华丽，没嗑药胜似嗑药。
"Getting Better"和"Fixing a Hole"把“Lucy in the Sky With Diamonds”一下子带起的温度稍微回拉，进入常规节奏。当然后者已经开始渐入邪道。
"She's Leaving Home"继承"Fixing a Hole"的迷离光环的同时掺进了点落寞的伤感。这首歌也提供了全碟最优美的弦乐部分。
"Being for the Benefit of Mr. Kite!"回归了开头与台下互动的场景，依旧延续了浓郁的迷幻氛围，同时昭示进入中场。目前为止的半场由“Lucy in the Sky With Diamonds”领衔，整体格调迷幻而惬意，但我们都知道大菜还没上齐。接着走。
Harrison怪力乱神的印度风实验曲目"Within You Without You"直接亮相，至此迷幻氛围酝酿至顶峰。一张主流概念唱片也就容得下一首饱和度这么高的冥想意识流曲目了。
"When I'm Sixty-Four"果然悬崖勒马，上了一首清爽诙谐的小调。
"Lovely Rita"开始回归常规节奏，继承了"Getting Better"和"Fixing a Hole"的轻迷幻格调，又延续了"When I'm Sixty-Four"略上扬的情绪。
"Good Morning Good Morning"依然在从"When I'm Sixty-Four"开始的情绪脉络中，鸡飞蛋打的欢乐全垒打。也在容易疲惫的后半部分起到提神作用。
"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)"宣告演出结束，与开头同名曲首尾呼应。在下半场的小调循环后是不是有点没尽兴的感觉？等安可呗。
果不其然，"A Day in the Life"在最后来了一下猛的，直切全碟要害。这首歌可以看做是正场演出的缩影，有上半场的忧伤迷离，也有下半场的清脆抖擞，有宏大的交响乐合奏，也有撒野的实验段落。周而复始之后落在一个数十秒的迷幻fade out上。
整张唱片的抑扬起伏非常合理，并且全部套实在一个清晰的框架中。至于具体到每首歌中精彩的细节部分，相信每个人都会有自己的心得吧

Chuck Berry 　　
　　超越贝多芬，把这个消息告诉柴柯夫斯基。”
　　布鲁斯、乡村、一点点的拉丁…在上个世纪五十年代中期，Chuck Berry将这些音乐风格全部融入到了他的个人招牌式的摇滚当中。作为当时的吉他灵魂人物之一，Chuck创造了最基本的12小节摇滚solo的乐句模式，他的吉他licks至今仍被众多的吉他手模仿和研究。他在舞台上弹奏吉他时跳着滑稽的"鸭子步"和煽情的摇摆舞也是让众多歌迷疯狂地爱上吉他音乐的原因。六十年代，两支欧美最受欢迎的摇滚乐队Beatles和the Rolling Stones都受到了Chuck Berry的影响。可以说正是Chuck这位黑人开创了白人摇滚的神话。
　　忘记"猫王"吧，Chuck Berry才是真正的摇滚乐之父。他汇集布鲁斯和乡村音乐的风格，以激烈的吉他演奏标志着吉他这种乐器开始成为摇滚乐中的重要角色。Berry用大音量的吉他licks和充满暗示的歌词着实把50年代的一本正经的听众们惊呆了。人们从那时开始意识到摇滚乐有着超越贝多芬的力量。显示活力的double stop（在独奏中同时弹奏两个和弦音）和轻松幽默的推弦是他的演奏特点。
　　作为杰出的词曲作者、歌手和乐手， Chuck Berry已成为以后那些富于自制力的摇滚艺术家们卓越的楷模。如果没有他，The Rolling Stones乐队的Keith Richard乃至Bob Dylan甚至Beatles的出现都是不可想象的。 列农说过：如果要给摇滚乐一个名字，只能是 Chuck Berry。
　　Chuck Berry，摇滚乐真正的先行者，凭着一把老吉他在摇滚乐这片待开垦的草原上纵横驰骋，挥洒自如。滚石杂志在吹捧猫王的时候说，“很多人都认为摇滚乐是1954年在孟菲斯诞生的”，但这话绝对经不起推敲，1954年猫王才刚出道，Chuck Berry却已经驾轻就熟地弹着吉他唱起他自己的摇滚作品了。
　　这张专辑精选了Chuck Berry在1955－1965年间最为脍炙人口的28首歌，曲风很明显是从乡村民谣向摇滚过渡的风格，欢快舒畅，清新质朴，毫无矫饰，听着让人情不自禁地想要一起边唱边跳。Chuck Berry是个如此伟大的吉他手、创作者和歌手，60年代大红大紫的民谣和摇滚歌手无不受到他的音乐熏陶，有人说，如果没有他，Beatles、Bob Dylan等人的出现全都是不可想象的。
　　然而，就是这样不知影响了多少人的经典专辑在滚石500张最强专辑的排行榜中却仅仅名列第21位，对此我不得不说，滚石的标准又一次让人看不懂了。
　　（引自bbb朋友在http://lib.VeryCD.com/2006/05/27/0000104474.html的介绍）
　　Lionel Chuck Berry：布鲁斯、乡村、一点点的拉丁…在上个世纪五十年代中期，Chuck Berry将这些音乐风格全部融入到了他的个人招牌式的摇滚当中。作为当时的吉他灵魂人物之一，Chuck创造了最基本的12小节摇滚solo的乐句模式，他的吉他licks至今仍被众多的吉他手模仿和研究。他在舞台上弹奏吉他时跳着滑稽的"鸭子步"和煽情的摇摆舞也是让众多歌迷疯狂地爱上吉他音乐的原因。六十年代，两支欧美最受欢迎的摇滚乐队Beatles和the Rolling Stones都受到了Chuck Berry的影响。可以说正是Chuck这位黑人开创了白人摇滚的神话。
　　忘记"猫王"吧，Chuck Berry才是真正的摇滚乐之父。他汇集布鲁斯和乡村音乐的风格，以激烈的吉他演奏标志着吉他这种乐器开始成为摇滚乐中的重要角色。Berry用大音量的吉他licks和充满暗示的歌词着实把50年代的一本正经的听众们惊呆了。人们从那时开始意识到摇滚乐有着超越贝多芬的力量。显示活力的double stop（在独奏中同时弹奏两个和弦音）和轻松幽默的推弦是他的演奏特点。
　　Chuck Berry有时很像一个马戏团里的表演者：他把吉他放在脑袋后面或者双腿之间弹奏，像鸭子那样走路。他从中享受着莫大的乐趣，一切在他手中，都显得如此的从容自然。当一支乐队开始操练他们的音乐的时候，他们必须听一听Chuck Berry。如果你想学习摇滚乐，如果你想玩摇滚乐，你就得从听Chuck Berry开始，没办法，这是必须完成的功课。”
　　Chuck Berry在37年前，说：“超越贝多芬，把这个消息告诉柴柯夫斯基。”他凝缩了1956年摇滚乐迷们对古典音乐的态度。如今摇滚乐的历史并未按照当年乐迷们的最基本的观点写下去。 摇滚乐的历史是由那些诸如Chuck Berry本人等根本不屑一顾、根本不注意他们来自何处，并写出十分美妙音乐的音乐家们写下去的。
　　作为杰出的词曲作者、歌手和乐手， Chuck Berry已成为以后那些富于自制力的摇滚艺术家们卓越的楷模。如果没有他，The Rolling Stones乐队的Keith Richard乃至Bob Dylan甚至Beatles的出现都是不可想象的。Berry创造了青少年们自己的民谣，展现了亚文化群的语言、习俗、风格、态度和日常生活（例如 School Days一曲中表现的枯燥的学校生活）。对于他目睹并经历过的社会病，他也不曾回避：Brown-Eyed Handsome Man一曲中反映的种族歧视问题；Memphis一曲中反映的单亲家庭问题；Too Much Monkey Business一曲中对单调工作的厌烦等等。《The Great Twenty-Eight》是Berry的拉什莫尔峰（美国南达科他州的一座著名山峰，其上雕刻有华盛顿、杰斐逊、林肯和西奥多•罗斯福的巨大石头像），直至今日，它仍是不容超越的。

乐队成员：主唱：阿杰/ 吉他：关双 /贝斯：三宝/ 鼓手：何岩
　　十月一日： 徐州国际绿音音乐节
　　十月十日： 安图声专辑首唱会巡演 青岛站 （Downtown-Bar）
　　十月十一日：安图声专辑首唱会巡演 烟台站 （哈瓦那酒吧）

发源于牙买加，其根源来自New Orleans的R&B。 当时牙买加的乐手根据广播中听到的New Orleans快节奏R&B，发展成属于自己的R&B音乐。 这种称为Ska的音乐型态
，在当时60年代相当盛行。然而在一次非常热的夏天， 当地的人无法在高温的户外弹奏如此快节奏的音乐及跳舞。 当地的乐手就将音乐放慢，而形成了 Reggae音乐。
它不仅融合了美国节奏蓝调的抒情曲风，同时还加入了拉丁音乐的热情。另外，雷鬼乐十分强调vocal的部份，不论是独唱或
合唱，通常它是运用吟唱的方式来表现，并且藉由吉他、打击乐器、电子琴或其他乐器带出主要的旋律和节奏。而在雷鬼乐当中，你还会发现电贝斯占了相当重要的比例！
雷鬼乐是属于四四拍的音乐，重音落在第二和第四拍。从音乐中大鼓的部份，我们可以清楚的听出一个明显的节奏和固定的旋律线。拥有自成一派、懒洋洋的独特节奏。
Reggae这个字是源自于「Ragged」，代表牙买加不修边幅的舞蹈形式

黑色安息日（Black Sabbath）是英国重金属乐团。它的成员有奥齐・奥斯本（Ozzy Osbourne，主唱），托尼・艾奥米（Tony Iommi，吉他），吉泽・巴特勒（Geezer Terrance Butler，贝司）和比尔・沃德（Bill Ward，鼓）。它们通常被认可为第一个真正的重金属乐队，被美国VH1音乐台列为百位优秀硬摇滚乐队的第二位，仅次于齐柏林飞船。

1969年乐队把原名“Earth”改成了“BLACK SABBATH”他们以使用纯正音色，极度简化的音乐和魔术般的联想著称。1970年推出了第一张同名专辑《BLACK SABBATH》。他们的第二张专辑《PARANOID》中的同名专辑也取得了一次瞬间的轰动。乐队的演出结合了核战争与死亡的主题，还显示了毒品，青年反叛的厄运和毁灭与队的感染力是建立在于青年观众一对一的确定的基础上。但几乎没有电台乐于给他们播放唱片，其中最著名的就是《MASTERS OF REALITY》和《SABBATH BLOODY SABBATH》他们的巡演也几乎场场爆满。在八十年代BLACK SABBATH的人员一直在处于不断的变化中，只有IOMMO一人一直留在乐队中。到了九十年代BLACK SABBATH已渐渐的被人遗忘，但他们早期的唱片仍能给新一代的乐队和听众带来灵感。

艾尔肯，维吾尔族，出生于新疆喀什(叶城)，自幼开始学习吉他至今。1999年自中央民族大学毕业后，因酷爱音乐而走上了职业音乐人的道路，组建了艾尔肯乐队，音乐风格以弗拉门戈为主线，同时融入拉丁、乡村、爵士等，创作出别具一格更具国际化的音乐风格。《巴郎仔》：熟悉的维族音乐节拍、典型的弗拉门戈曲风、带点拉丁风格，跨界民族与流行、古典与现代的音符，从未有过的新鲜叫醒你的耳朵。
从前我们不知道，西域的姑娘，是不是都带着面纱，能歌善舞，对于我们高傲自大的中原人来说，西域如同我们拉面店里挂着的丝绸画，只可远观，不知所以。

听艾尔肯的音乐，如见一位姑娘自西边走来，弹着热瓦普，唱起我们熟悉的歌，歌里有我们没听过的十二木卡姆，有我们不会颂的达斯坦。

我看见她，轻轻揭开面纱，我终于看见她的面容，如此陌生，可又一见如故。

Amorphis（芬兰死亡金属）中文译名：不定型物，他们在不同时期的音乐风格正如他们的中文译名那样的不定型，从早期的死亡金属，到后来的民谣金属，厄运金属、前卫金属，可谓风格多变，但是名气最大的专辑还属这张“千湖传说”，该专辑旋律非常出色，而且还带有点Doom的色彩。因此，这张作为该乐队的最佳专辑真是毋庸置疑啊！这是一张旋死风格里极具里程碑式的专辑！本人特别喜欢“Thousand Lakes”和“Black Winter Day”这两首，而且专辑的意境和专辑封面的风格非常一致，同样讲述着千湖之国的不朽传说。

阿修罗乐队，诞生于2000年11月中旬。在经历了多次的人员变动和风格变动后，成为今天现在最为固定的阵容。阿修罗2004年初在成都独立厂牌“小酒馆”旗下发布的第一张EP为乐队在全国赢来了很好的口碑，引起了很多唱片公司的注意，最后成功签约并在2005年全国发布了乐队成军6年来的首张大碟《唤醒沉睡的你》，这张将乐队个性和商业品味巧妙融合的专辑再次使乐队上升到一个新的平台，阿修罗频频露面于国内各大音乐节，并在2005年底被日本邀请参加在东京举办的为期三天的第二届“亚洲音乐节”做了压轴演出。很快中国移动邀请阿修罗为动感地带创作了三首励志歌曲，国际运动品牌NIKE又在其2006年的街球形象片中选用了阿修罗的单曲《唤醒沉睡的你》，2007年华语乐坛天后张惠妹更在其新专辑《STAR》中用主打曲目来翻唱了阿修罗的另一支单曲《永远的快乐》，2009年乐队主唱泰然再次受邀为动感地带旗下公益部落创作了主题曲《因为爱》，这一切都是对长期坚持原创态度的阿修罗的一种肯定。 阿修罗从成立至今坚持在音乐中表达独立、积极、乐观、健康的思想，关注自己这一代在生活中所经历的各种情感。在音乐中宽容接纳所有好的音乐元素，多年来在坚持原创态度的同时也将各种音乐元素融合在自己的作品中，努力追寻属于阿修罗自己的音乐标签。作品中充满了动感的节奏，上口的旋律和生活化的歌词，寻找着更多人的共鸣。

介绍: LAKE OF TEARS是一支徘徊在doomy边缘的乐队，很多人因为它的音乐美妙凄凉而称之为Gothic Metal，实际上乐队也是由类似PARADISE LOST一般的Death Doom Metal，到与MOONSPELL相近的Gothic Metal，到融入许多PINK FLOYD式的迷幻元素，在这其中又加入了不少Stoner颗粒般的质感，最终乐队用舞曲般的步调离开了Metal这个舞台。以这样的过程诠释乐队的变化，总体来说忧郁的氛围是乐队力求追逐的目标，无论是采用哪一种方式，始终围绕这个宗旨。 92年LAKE OF TEARS在瑞典成立，成员分别来自其它乐队如Death Metal乐队CARNAL ERUPTION还有FORSAKEN GRIEF，93年春末乐队录制了第一张demo，这张Demo很快受到Black Mark 厂牌的注意，并一次与乐队签定了五张唱片的协议。 93年12月首张专集”Greater Art”在Stockholm的Sunlight录音室用了两个星期的时间录制完。 95年LAKE OF TEARS又开始准备第二张专集”Headstones”，这次由于有优秀的录音师参与，并且时间延长至一个月，这张专集令乐队有了很大的进步，同时”Headstones”也受到了好评和来自各处的掌声。这张专集之后乐队参与了许多巡演，包括在欧洲国家的一些小型演出，这期间与VADER，TIAMAT，CREMATORY，EDGE OF SANITY，SAVATAGE，RAGE，THE GATHERING等乐队同台。经过一段现场演出的历练后，乐队又钻进录音室开始了第三张专集”A Crimson Cosmos”的准备，97年1月在Stockholm的Soundtrade录音室，乐队完成了这张专集，这张专集较上一张又更大的突破，并且受到了舆论的推崇，爬上了德国Rock Hard当月最佳专集的排行榜。乐队在创作录制新作品及现场演出练习临场经验之间徘徊，发行完第三张专集LAKE OF TEARS连续举行了三场演出，一场是与THEATRE OF TRAGEDY，HEAVENWOOD的，第二场是在Wacken open air和当地乐队一起，还有一场是在欧洲Out of the Dark节上与CREMATORY，THERION，DARK，GRAVEWORM等乐队一并。 99年代乐队继续发行专集，即他们的第四张专集”Forever Autumn”，乐队在原来的基础上加入了更忧郁的情绪，速度更慢，专集里有部分歌曲仍然是Metal的模式，但是有一些歌已经完全脱离了Metal的风格。 LAKE OF TEARS的风格到如今已经脱离了Metal的格局，但是直到去年乐队依旧和他们的老东家 bonding在一起，2002年的新作”The Neonai”依旧由他们发行，这正说明了乐队的作品还是适应市场的需求。