Diaframma Podcast

L'estranea di Paolo strippoli riesce a condensare in un solo film le suggestioni dell'horror, e l'orrore di un dramma familiare vissuto dall'interno dello spazio psicologico di una madre come una vera e propria psicosi. 

Dall'illusione di benessere degli anni Novanta alle conseguenze della crisi economica del 2008, il film attraversa le contraddizioni della società italiana, raccontando il progressivo sgretolarsi del successo e della prosperità di questa famiglia alto-borghese. Prima del dramma economico c'è però quello familiare: genitori che proiettano sui figli le proprie ambizioni irrealizzate, trasformando l'affetto in aspettativa e il desiderio di proteggerli nella necessità di controllarli. Quanto si è disposti a sacrificare per realizzare i propri desideri? E quanto di ciò che un genitore desidera per i suoi figli è legato a ciò che avrebbe desiderato per sé?

Halloween non è il vero capostipite del genere slasher, come molti pensano, ma sicuramente è il film che è riuscito a definirne il canone, con un killer mascherato armato di coltello, un gruppo di vittime e la final girl. In questo episodio raccontiamo attraverso Halloween sia il contesto in cui nasce il film, sia il genere slasher e la sua successiva canonizzazione anche attraverso stereotipizzazioni che forse non erano del tutto presenti nel film di Carpenter. Approfondiamo poi che cosa rappresenta secondo noi il mostro Michael Mayers, alla luce del contesto socio-politico degli anni Settanta, delle paure dell'epoca e del contesto suburbano scelto da Carpenter per ambientare il film.

Dopo quasi dieci anni di lavorazione, Alejandro González Iñárritu torna con Digger, una satira (o forse una farsa?) con Tom Cruise nei panni di Digger Rockwell, magnate del petrolio le cui trivellazioni finiscono per provocare una catastrofe climatica di proporzioni mondiali. Mentre Digger, il Presidente, gli scienziati e i militari cercano di contenere le conseguenze del disastro, il loro vero interesse sembra essere solo quello di cercare qualcuno su cui scaricare la colpa. Il film sembra voler andare oltre l'ormai vista e rivista critica alle élite economiche e politiche. Iñárritu ridicolizza sì i potenti, ma poi ribalta lo sguardo sul pubblico, su di noi. Perché la nostra società necessita così tanto di un capro espiatorio? Forse per la comodità di attribuire la responsabilità di ciò che ci accade sempre a qualcun altro? A differenza di film come Don't Look Up, dove si fa il conto alla rovescia per la fine del mondo mentre tutti fingono di non vederla arrivare, qui il disastro è già avvenuto, e resta da capire cosa ne sarà dell'umanità. Il regista interroga direttamente lo spettatore con una domanda scomoda: e se anche dopo la catastrofe nulla cambiasse? 

Cos'hanno in comune due film come Fitzcarraldo (1982), di Werner Herzog, e Adaptation (2002) di Spike Jonze? A prima vista nulla, ma leggendo un po' più in profondità sono strettamente connessi.Fitzcarraldo narra di un visionario che, per finanziare un teatro dell'opera nella giungla amazzonica, trascina letteralmente una nave a vapore oltre una collina. Adaptation segue invece lo sceneggiatore Charlie Kaufman che, incapace di adattare un saggio che racconta del collezionista di orchidee fantasma John Laroche, inserisce se stesso e il proprio blocco creativo nel film. Entrambe le opere celebrano la ricerca dell'inutile, ai protagonisti non interessa il profitto, ma riuscire a trasmettere ideali astratti e puri come la musica lirica o la bellezza di un fiore. Lo sforzo titanico di Fitzcarraldo sulla montagna diventa la perfetta metafora visiva del calvario mentale di Kaufman, della spasmodica ricerca dell'orchidea fantasma di Laroche e della ricerca della storia perfetta da raccontare di Orlean, autrice del saggio. Questa urgenza artistica sfocia in una follia creativa, in cui l'ossessione per il processo conta più del risultato. Alla fine, il fallimento pratico e commerciale delle due imprese si tramuta in un successo. La musica risuona sul fiume e la sceneggiatura viene completata, e forse la vera vittoria risiede proprio nell'aver inseguito l'impossibile.La follia dei protagonisti altro non è che specchio di quella dei loro veri autori. Herzog sfidò la fisica e la natura ostinandosi a trascinare una vera nave da 300 tonnellate nella giungla, Kaufman invece distrusse le regole narrative utilizzando la propria nevrosi per scrivere una delle sceneggiature più belle degli ultimi decenni.

Nel Flow di questo mese parliamo di sei film, ma purtroppo solo alcuni di questi ci hanno convinto. Partiamo da Spiderman Brand New Day, quarto capitolo della saga di Spiderman dell’MCU, interpretato da Tom Holland e diretto da Destin Daniel Cretton, che confeziona un film migliore dei precedenti, ma che, pur essendo godibile, non convince ancora del tutto.Parliamo poi di Hokum, horror imperfetto, ma ben riuscito, di Damian McCarthy. Con il suo sapore folk horror, gli accenni agli spazi liminali, ed una sottotrama quasi thriller, Hokum riesce a creare una fortissima tensione iniziale, che però purtroppo si esaurisce troppo presto come un fuoco di paglia. Il terzo film di cui parliamo è The Dog Stars di Ridley Scott, tratto dall’omonimo romanzo di Peter Heller del 2012. Ambientato in una Denver post apocalittica dopo che una malattia ha decimato la popolazione, il film con protagonista Jacob Elordi delude le aspettative, creando una storia in cui i tempi non funzionano bene, i personaggi sono poco approfonditi, che rappresenta l’assenza totale di senso di comunità, soprattutto nella società americana, ma non riesce a criticarla. Il quarto film a cui dedichiamo il nostro tempo è poi La fine di Oak Street, di David Robert Mitchell. Purtroppo anche qui la storia evidenzia una mancanza totale di senso di comunità, ma anche come i rapporti umani già tesi, si deteriorino a causa di una catastrofe. Un film che, nonostante le premesse interessanti, a noi non è piaciuto, soprattutto a causa della narrazione poco credibile e di personaggi troppo stereotipati. Parliamo poi di The Desth of Robin Hood di Michael Sarnoski, che ragiona con il suo film sulle narrazioni tramandate oralmente dalla tradizione e su che ruolo quelle narrazioni hanno avuto sulla società medievale. Il film, con protagonista Hugh Jackman, avrebbe giovato di una piccola asciugatura, ma tutto sommato è ben riuscito, sopratutto a livello estetico. L’ultimo film di oggi è Resident Evil, di Zach Cregger, che dopo Weapons torna sul grande schermo con un film dal forte sapore videoludico che non ha come obiettivo aggiungere qualcosa di nuovo alla saga principale, ma mostrare attraverso un film le dinamiche di gioco di uno dei survival horror più famosi della storia dei videogiochi. Esperienza interessante, divertente, ma al contempo spaventoso, da non perdere al cinema.

In questo episodio parliamo di due film che in apparenza sembrano molto diversi, ma hanno molto in comune, Society (1989) di Brian Yuzna e Eyes Wide Shut (1999) di Stanley Kubrick . Society è un esordio alla regia body horror che ricorda più Cronenberg e i melt-movies che la filmografia di Kubrick, eppure il pilastro portante del film, nascosto sotto una coltre di battute esplicite di dubbio gusto e scene di corpi deformi, è una feroce critica sociale alla classe dominante, che succhia via (letteralmente) linfa vitale alle classi inferiori. Kubrick, invece, questa riflessione decide di farla in un momento decisamente diverso della sua carriera, non agli esordi, bensì alla fine, e con un piglio molto diverso da quello, più sanguigno, di Yuzna. Eyes Wide Shut è infatti l'ultimo canto del cigno di un autore maturo, che attraverso le fantasie di una coppia sposata, racconta una discesa agli inferi che si svolge al contempo nella realtà e nello spazio psicologico del protagonista, in cui riesce finalmente ad aprire gli occhi su sé stesso, il suo ruolo sociale, il suo matrimonio, e la società che lo circonda. Ma, come suggerisce il titolo, gli occhi sono al contempo aperti e sbarrati: quella verità, un po' come in Essi Vivono di Carpenter, è troppo da accettare. Il protagonista preferisce tornare a rifugiarsi nell'oblio, sebbene nulla possa tornare come prima.

Nell’ultimo episodio di flows prima della pausa estiva parliamo di cinque film, tra cui il blockbuster che ha tanto fatto parlare di sé nell’ultimo mese: “The Odyssey” di Christopher Nolan. Siamo riusciti a vederlo in anteprima, ma ci siamo presi un po’ di tempo per maturare un parere ben definito e completo sul film. Abbiamo poi recuperato due film su HBO Max “La sposa!” di Maggie Gyllenhaal e “Norimberga” di James Vanderbilt. Parliamo poi di due film usciti da poco dalle sale, “Supergirl” di Craig Gillespie e “Good Luck, Have Fun, Don’t Die!” di Gore Verbinski.

Nella scorsa puntata Flows avevamo già introdotto questi due film, ma abbiamo voluto comunque dedicare loro una puntata tematica perché sentivamo ci fosse bisogno di approfondire su Backrooms e Obsession. Ci siamo soffermati su vari aspetti: gli incassi enormi che sono riusciti a produrre questi due film, la gioventù dei due registi, la loro capacità, nonostante l'età, di dirigere opere molto riuscite e di intercettare le paure contemporanee, portando il pubblico a continuare a riflettere anche dopo l'uscita dalla sala. Kane Parsons e Curry Barker sono riusciti in una delle imprese più difficili nel cinema di oggi: far scommettere su di sé una produzione nonostante l'inesperienza, portare la gente al cinema con un film indipendente, fare record di incassi con un prodotto pieno di riflessioni critiche sul mondo contemporaneo.

Nel Flow di questo mese parliamo di 7 film. Prima di tutto diciamo due parole sui due horror che hanno fatto tanto parlare di sé nell'ultimo periodo, Obsession di Curry Barker e Backrooms di Kane Parsons, su cui però faremo un approfondimento più corposo nella puntata tematica in uscita dopo il flow, quindi tenetevi pronti. Poi parliamo di alcuni film che abbiamo recuperato. Tra quelli usciti al cinema parliamo de Il mago del Cremlino di Olivier Assayas, The Mandalorian & Grogu di Jon Favreau, Disclosure Day di Steven Spielerg e Caught Stealing di Darren Aronofsky (quest'ultimo e il primo ora disponibili su Amazon Prime). Poi dedichiamo anche qualche minuto a Ladies First di Thea Sharrock, uscito solo su Netflix.