In questa puntata parliamo di due film usciti recentemente al cinema: l’ultima fatica di Paolo Sorrentino, La Grazia, e il discusso nuovo adattamento del celebre romanzo di Emily Brontë, Wuthering Heights, portata sullo schermo da Emerald Fennell.
In più abbiamo recuperato alcuni titoli usciti di recente sulle piattaforme: il disturbante e ritmico Sirat dello spagnolo Oliver Laxe, il folle e babelico La cocina del messicano Alonso Ruizpalacios, e il poetico Le città di pianura del nostro Francesco Sossai.

Die My Love di Lynne Ramsay e Hamnet di Chloé Zhao mettono in scena due momenti diversi dello stesso nodo: la crisi dei ruoli di coppia nel momento in cui si scontrano con la maternità e con la morte. Nel film di Ramsay, Grace non trova uno spazio relazionale capace di accoglierla come soggetto oltre i ruoli di moglie e madre, e non avviene una catarsi condivisa attraverso la quale i due coniugi possano riconoscersi l’una nell’altro. In quello di Zhao, al contrario, il lutto diventa un terreno di attraversamento condiviso, in cui due modalità opposte di elaborare il dolore riescono, seppur faticosamente, a far fronte alla crisi e a ritrovare un equilibrio.
Die My Love e Hamnet non offrono una risposta univoca sulla maternità, ma pongono una domanda urgente: cosa accade quando i ruoli smettono di funzionare, e la società non è ancora pronta a riconoscere soggetti che non si incastrano nelle categorie che li definiscono?

La prima puntata dell'anno la dedichiamo a due film di fantascienza che incarnano perfettamente il concetto dell'essere "l'ultima ruota del carro" dal punto di vista sociale, idea che già trovavamo in uno dei film di fantascienza più antichi della storia del cinema, ambientato, tra l'altro, proprio nel 2026, e a suo modo profetico: Metropolis di Fritz Lang. Se la classe operaia di Metropolis era costretta a turni massacranti senza mai vedere la luce del sole, e a mettere a rischio la propria vita, per garantire ai padroni una rendita acquisita senza alcuno sforzo, in questi film i protagonisti sono diventati ingranaggi sacrificabili di un sistema di cui sono l'ultima ruota, così deumanizzati da essere trattati come meri oggetti. Anche in questi film, coloro che sfruttano la forza lavoro dei protagonisti non si rendono conto dell'importanza di quel lavoro, e di conseguenza di quanto questi individui, ai loro occhi insignificanti, siano in realtà importanti, anzi cruciali, per la tenuta del sistema stesso. In Mickey 17, il diciassettesimo clone di Mickey Barnes, il cui lavoro consiste nell'essere ucciso nelle missioni o sperimentazioni più pericolose, si rende conto che, seppur ad ogni morte la sua coscienza venga uploadata in un nuovo corpo, la sua vita non continua davvero ad ogni clonazione, quando, creduto morto, si ritrova davanti il suo clone successivo, Mickey 18. In Moon, invece, Sam Bell, mandato sulla Luna per un turno di estrazione di elio3 della durata di 3 anni, si accorge di essere solo l'ennesimo clone del Sam Bell originale, e che al termine del turno non tornerà sulla Terra a riabbracciare la propria famiglia, ma verrà sostituito da un altro clone. È la consapevolezza della finitezza della propria esistenza, in entrambi i film, a risvegliare in loro l'istinto di sopravvivenza, il desiderio di vivere, e con esso il desiderio di combattere per continuare a vivere.

In questo episodio di Flows parliamo di tanti film usciti nell'ultimo periodo, come Avatar 3, No Other Choice, Divine Comedy e 28 anni dopo: Il tempio delle ossa, ma non solo. Troverete anche la recensione dell'OAV uscito solo per l'home video negli anni Ottanta, portato al cinema da poco in versione restaurata, L'uovo dell'angelo, e del terzo episodio della saga di Knives Out: Wake Up Dead Man, disponibile su Netflix. Dato che il 2026 sarà l'anno di uscita di ben 49 titoli tra remake, reboot e sequel, e molti dei film qui presenti fanno parte della categoria, ci siamo soffermati anche a ragionare su quanto la tendenza al remake sia una deriva molto pericolosa per il cinema, soprattutto quello indipendente e d'autore.

Come lo scorso anno, il torneo dei film natalizi ha il suo vincitore: Una poltrona per due (1983) di John Landis. Eppure, visto che a Natale siamo tutti più buoni abbiamo voluto parlare anche del secondo classificato: Il Grinch (2000) di Ron Howrd. Due film molto diversi, ma entrambi legati da tematiche estremamente attuali. Nel primo caso, abbiamo un film che critica in maniera molto caustica il capitalismo, in particolare prendendo come esempio l'avarizia e la cupidigia dei fratelli Duke, possessori di grandi capitali che fanno il bello e il cattivo tempo con chiunque lavori per loro, ma anche con chiunque possieda meno di loro. I due crudeli fratelli sono così sconnessi dalla realtà, e danno così poco valore al prossimo, da essere pronti a scommettere la vita di due persone per il valore di un solo dollaro: una scommessa che pagheranno però molto cara.
Nel secondo caso, invece, abbiamo un film che critica il consumismo e lo svuotamento di valori della società, inventando un luogo fittizio in cui il Natale non ha alcun fondamento religioso, ha perso completamente anche il suo fondamento di condivisione e reciprocità, e si è trasformato in una macchina superficiale. Al primo posto non c'è altro che la competizione a chi può permettersi le luminarie più esagerate, il buffet natalizio più luculliano, la quantità più enorme di regali più costosi. Il Grinch, diverso, e per questo è un reietto, odia il Natale: ma grazie a Cindy Lou, una bambina anch'essa poco convinta dalle esagerazioni natalizie, insieme riusciranno a ristabilire il reale valore della condivisione e dello stare insieme il giorno di Natale.

In questo flows parliamo di sei film più un bonus, partendo da The voice of Hind Rajab di Kouther Ben Hania, che siamo riusciti finalmente a recuperare al cinema, film che ci sentiamo vivamente di consigliare per comprendere la sensazione di impotenza e le profonde ingiustizie che vivono ogni giorno le persone palestinesi. Ci spostiamo poi su The Running Man di Edgar Wright, remake dell’omonimo film dell’87 nonché adattamento del libro omonimo di Stephen King. Parliamo poi di Dracula di Luc Besson, il secondo remake della storia del vampiro transilvano proposta quest’anno al cinema, con una interpretazione romantica, ma divertente e ironica al punto giusto, da parte di Besson, che ha reso il film molto godibile. Successivamente parliamo di A House of Dynamite di Kathryin Bigelow, film con cui la regista torna a Venezia e al cinema dopo qualche anno di assenza, che non ci ha convinti pienamente per la sua poca incisività. Ci soffermiamo poi su Predator Badlands, dove ripercorriamo il franchising e parliamo della virata di Dan Trachtenberg negli ultimi due film, poco apprezzata dai nostalgici dei primi capitoli, ma secondo noi ben riuscita e utile a svecchiare la saga dopo trent’anni. Infine arriviamo a Frankenstein di Guillermo del Toro, film di cui avevamo già parlato durante l’episodio di Venezia, ma su cui aggiorniamo il parere dopo l’uscita Netflix, che soffre forse un po’ la mano di chi l’ha prodotto, nonostante Del Toro riesca sempre a confezionare film di altissima qualità. Abbiamo poi aggiunto qualche parola su Tron: Ares di Joachim Renning, film tecnicamente molto ricco, a cui va u plauso per la colonna sonora dei NIN, ma narrativamente deludente, con una trama pressoché inesistente.

Oggi parliamo di due film che parlano della crisi del contesto socio-politico occidentale odierno, e in particolare di quello degli USA, ma lo facciamo con due film che lo affrontano in maniera diametralmente opposta. Da un lato, Paul Thomas Anderson in Una battaglia dopo l'altra, pur mettendo in evidenza le criticità sia della destra che della sinistra, chiude il film dimostrando di riporre una speranza nella resistenza delle comunità e nelle nuove generazioni. Dall'altro, Ari Aster in Eddington, mostra come l'individualismo dilagante porti ad una disgregazione dei valori, della comunità, e ad un attivismo performativo così radicati, che difficilmente la società potrà guarire davvero. In entrambi vediamo una ironica, lucida e a tratti spietata, critica al mondo moderno, che si muove tra le crepe dell'America per restituirne la paranoia politica.

Si avvicina Halloween, siamo in autunno, e la "hoa hoa season", ovvero la stagione in cui le atmosfere esterne ricordano la nebbiosa Forks - cittadina in cui si ambientano le vicende di Twilight - ha inizio. Quest'anno il richiamo vampiresco è ancora più forte che negli anni precedenti, perché la saga di Twilight compie vent'anni! E come esimersi dal celebrare una delle saghe più memate della storia del cinema? Sì perché Twilight, pur nella sua apoteosi trash, va ricordata per essere stata la prima saga cinematografica pensata per un target di giovani donne che è riuscita a diventare un enorme successo commerciale, e che, a 20 anni dalla sua uscita, riesce ancora a riempire le sale. In questa puntata vi parleremo del perché, nonostante le tante problematiche presenti nei film, questa storia abbia fatto così presa sulle ragazze dell'epoca, ma ci divertiremo anche a prendere in giro i momenti più divertenti della saga. Analizzeremo insieme gli aspetti tecnici positivi e negativi dei film, la trama - e i suoi buchi grandi come crateri -, il casting, la recitazione degli attori, la caratterizzazione dei personaggi, i costumi, la colonna sonora, e le parti più "horror" (vi ricorda qualcosa la parola imprinting?) della serie.

In questo episodio ci allontaniamo dai toni più cupi delle puntate precedenti per dedicarci completamente alla commedia romantica.
Partiremo con Harry ti presento Sally, caposaldo del genere firmato da Rob Reiner, per poi spostarci nel Regno Unito e seguire le 
caotiche avventure del Diario di Bridget Jones diretto da Sharon Maguire. Infine, ci immergeremo nella corale e a tratti insensata 
"La verità è che non gli piaci abbastanza", di Ken Kwapis.
Tre titoli usciti a distanza di circa dieci anni l’uno dall’altro, che ci permetteranno di esplorare l’evoluzione della commedia
romantica: dai suoi cliché più classici, ai rimandi più nascosti e infine anche al tipo di società che li ha prodotti. 

Dopo aver preso una piccola pausa dai Flows lo scorso mese, arriva una puntata piena zeppa di nuove visioni. 
Siamo stati alla 82esima Mostra del Cinema di Venezia, dove abbiamo visto:
Sotto le Nuvole di Gianfranco Rosi
Frankenstein di Guillermo del Toro
Dinti de lapte di Mihai Mincan
Agon di Giulio Bertelli
Marc by Sofia di Sofia Coppola
Komedie Elahi di Ali Asgari
Nuestra Tierra di Lucrecia Martel
Inoltre abbiamo provato le esperienze Venice Immersive e visto i cortometraggi:
The Pornographer di Hariel
Autobiografia di una borsetta di Joanna Hogg
Fragments for venus di Alice Diop. 

Siamo stati anche al cinema, dove abbiamo recuperato 
Superman di James Gunn
I fantastici 4 - Gli inizi di Matt Shakman
Dangerous animals di Sean Byrne
Weapons di Zach Cregger
Presence e Blackbag di Steven Soderbergh
Warfare di Rey Mendoza e Alex Garland
Downtown Abbey The Grand Finale di Simon Curtis. 

Da questo episodio abbiamo introdotto poi una nuovissima rubrica: "Il peggio al cinema" dove ad ogni episodio lasceremo spazio alle vostre esperienze più strane accadute in sala, tra ritardatari che ci puntano le torce in faccia mentre prendono posto, chi si addormenta e chi scappa per le scene più disgustose dei film, siete pronti per sentire quelle di questo mese?