Oggi parliamo di due film che parlano della crisi del contesto socio-politico occidentale odierno, e in particolare di quello degli USA, ma lo facciamo con due film che lo affrontano in maniera diametralmente opposta. Da un lato, Paul Thomas Anderson in Una battaglia dopo l'altra, pur mettendo in evidenza le criticità sia della destra che della sinistra, chiude il film dimostrando di riporre una speranza nella resistenza delle comunità e nelle nuove generazioni. Dall'altro, Ari Aster in Eddington, mostra come l'individualismo dilagante porti ad una disgregazione dei valori, della comunità, e ad un attivismo performativo così radicati, che difficilmente la società potrà guarire davvero. In entrambi vediamo una ironica, lucida e a tratti spietata, critica al mondo moderno, che si muove tra le crepe dell'America per restituirne la paranoia politica.

Si avvicina Halloween, siamo in autunno, e la "hoa hoa season", ovvero la stagione in cui le atmosfere esterne ricordano la nebbiosa Forks - cittadina in cui si ambientano le vicende di Twilight - ha inizio. Quest'anno il richiamo vampiresco è ancora più forte che negli anni precedenti, perché la saga di Twilight compie vent'anni! E come esimersi dal celebrare una delle saghe più memate della storia del cinema? Sì perché Twilight, pur nella sua apoteosi trash, va ricordata per essere stata la prima saga cinematografica pensata per un target di giovani donne che è riuscita a diventare un enorme successo commerciale, e che, a 20 anni dalla sua uscita, riesce ancora a riempire le sale. In questa puntata vi parleremo del perché, nonostante le tante problematiche presenti nei film, questa storia abbia fatto così presa sulle ragazze dell'epoca, ma ci divertiremo anche a prendere in giro i momenti più divertenti della saga. Analizzeremo insieme gli aspetti tecnici positivi e negativi dei film, la trama - e i suoi buchi grandi come crateri -, il casting, la recitazione degli attori, la caratterizzazione dei personaggi, i costumi, la colonna sonora, e le parti più "horror" (vi ricorda qualcosa la parola imprinting?) della serie.

In questo episodio ci allontaniamo dai toni più cupi delle puntate precedenti per dedicarci completamente alla commedia romantica.
Partiremo con Harry ti presento Sally, caposaldo del genere firmato da Rob Reiner, per poi spostarci nel Regno Unito e seguire le 
caotiche avventure del Diario di Bridget Jones diretto da Sharon Maguire. Infine, ci immergeremo nella corale e a tratti insensata 
"La verità è che non gli piaci abbastanza", di Ken Kwapis.
Tre titoli usciti a distanza di circa dieci anni l’uno dall’altro, che ci permetteranno di esplorare l’evoluzione della commedia
romantica: dai suoi cliché più classici, ai rimandi più nascosti e infine anche al tipo di società che li ha prodotti. 

Dopo aver preso una piccola pausa dai Flows lo scorso mese, arriva una puntata piena zeppa di nuove visioni. 
Siamo stati alla 82esima Mostra del Cinema di Venezia, dove abbiamo visto:
Sotto le Nuvole di Gianfranco Rosi
Frankenstein di Guillermo del Toro
Dinti de lapte di Mihai Mincan
Agon di Giulio Bertelli
Marc by Sofia di Sofia Coppola
Komedie Elahi di Ali Asgari
Nuestra Tierra di Lucrecia Martel
Inoltre abbiamo provato le esperienze Venice Immersive e visto i cortometraggi:
The Pornographer di Hariel
Autobiografia di una borsetta di Joanna Hogg
Fragments for venus di Alice Diop. 

Siamo stati anche al cinema, dove abbiamo recuperato 
Superman di James Gunn
I fantastici 4 - Gli inizi di Matt Shakman
Dangerous animals di Sean Byrne
Weapons di Zach Cregger
Presence e Blackbag di Steven Soderbergh
Warfare di Rey Mendoza e Alex Garland
Downtown Abbey The Grand Finale di Simon Curtis. 

Da questo episodio abbiamo introdotto poi una nuovissima rubrica: "Il peggio al cinema" dove ad ogni episodio lasceremo spazio alle vostre esperienze più strane accadute in sala, tra ritardatari che ci puntano le torce in faccia mentre prendono posto, chi si addormenta e chi scappa per le scene più disgustose dei film, siete pronti per sentire quelle di questo mese?

Tre genitori, tre figli, tre storie di famiglia che al contempo sono anche storie di solitudine. In Somewhere, Johnny Marco, attore annoiato che ha perso la bussola e l'interesse per la vita, ritrova se stesso grazie alla figlia, Cloe, che, dovendo passare un periodo con lui, riesce a catturare la sua attenzione e a stimolarlo finalmente verso un cambiamento. In Mommy, Diane, 46enne vedova, si ritrova, sola e in difficoltà economiche, ad occuparsi del problematico figlio Steve, che dopo essere rimasto orfano ha iniziato a commettere piccoli crimini, manifestare difficoltà nella gestione della rabbia e un attaccamento morboso verso la figura materna. 
In Aftersun, il 30enne Calum è in vacanza in Turchia con la figlia Sofie, e tra le escursioni, i giochi in acqua e i video ricordo registrati nella loro camera d'hotel, si insinua tra di loro il fantasma della depressione del padre. 
Tre film che dimostrano come non ci sia una guida per diventare genitori, e come tutti possano sbagliare, a prescindere dall'astrazione sociale o dalla ricchezza di partenza. 
Tre film che raccontano come la solitudine, a volte, sia qualcosa che ci scava dentro anche quando ci sembra di stare riempiendo quel vuoto.

Se con lo scorso episodio vi abbiamo emozionato con il sogno americano tradito, con questo vi vogliamo proprio disperati, con tre film che parlano di quanto sia difficile l'elaborazione del lutto: una dimensione personale e complessa, ma al contempo universale. Nel quasi poliziesco The Shrouds (2025) David Cronenberg porta sullo schermo un personaggio che in qualche modo lo rappresenta: Karsh, così come il regista stesso, ha perso la moglie, e a quattro anni dalla sua perdita non riesce a elaborarne la morte, tanto da creare un sudario high-tech con cui può seguirne la decomposizione in tempo reale, finché notare qualcosa di strano nel corpo riaprirà in lui vecchie ferite e gli farà nascere dubbi sul passato della moglie. Nel riflessivo Estranei (Andrew Haigh, 2023) lo sceneggiatore Adam inizia a scrivere dei suoi genitori, intraprendendo un viaggio nella memoria, in cui rivivrà la sua infanzia e capirà finalmente cosa significhi amare ed essere amati. Infine nel tragicomico To Dust (Shawn Snyder, 2018) Shmuel, cantore chassidico che dopo il funerale della moglie non riesce a darsi pace per la sua anima, che secondo la tradizione ebraica non è libera fino alla decomposizione del corpo, si avvicinerà per la prima volta al mondo scientifico per comprendere come avviene il processo di decomposizione, per aiutare l'anima della moglie, e di conseguenza la sua, a "passare oltre".

In questo episodio di Flows parliamo di quattro film usciti quest'estate: partiamo con il nuovo titolo di Wes Anderson, La trama fenicia, a tema spionaggio industriale, poi ci addentriamo nell'entroterra inglese pullulante di infetti di 28 anni dopo, terzo capitolo della saga diretta da Danny Boyle e scritta da Alex Garland, ci soffermiamo brevemente su Ballerina, nuovo capitolo dell'universo di John Wick diretto da di Len Wiseman e infine concludiamo con qualche riflessione su Jurassic World - La rinascita, di Gareth Edwards, perdendoci in chiacchiere sul mondo produttivo dei franchising…

In questo episodio analizziamo tre film che hanno molto in comune, nonostante ad un primo sguardo sembrino completamente diversi. Juno (Jason Reitman, 2007) racconta la complessità, ma anche la maturità con cui una 16enne e la sua famiglia possono affrontare una gravidanza, un film attualissimo anche dopo quasi 20 anni. Little Miss Sunshine (Jonathan Dayton e Valerie Faris, 2006) è un road movie in cui una famiglia in crisi si trova ad affrontare peripezie di ogni tipo mentre accompagna la figlia di 8 anni dal New Mexico alla California per partecipare ad un concorso di bellezza. The Florida Project (Sean Baker, 2017) racconta invece la tragedia quotidiana dei bambini nati nei pressi del Disneyworld Park di Orlando in Florida, dove quello che doveva essere, nel progetto di Disney degli anni '60, un quartiere utopico, privo di disoccupazione e con ogni genere di servizio, è diventato oggi un deserto urbano in cui le famiglie vivono di espedienti nei motel, cercando di racimolare in qualche modo quanto basta per l'affitto settimanale. Ciò che accomuna questi tre film, oltre alle difficoltà economiche della famiglia media americana, è l'importanza del senso di comunità e della coscienza di classe per garantire una vita dignitosa a queste famiglie. Dove questi sono presenti, come in Juno, le difficoltà si affrontano costruttivamente. Dove questi mancano ma ci sono risorse per ricostruirli, come in Little Miss Sunshine, il viaggio è lungo e tortuoso, ma remunerativo. Ma ci sono luoghi in cui anche l'ultimo barlume di speranza si sta spegnendo, come in The Florida Project.

Finalmente anche noi abbiamo avuto occasione di parlare di Queer, l’ultimo film di Luca Guadagnino ispirato al romanzo omonimo di William S. Burroughs. In questo film la biografia dell’autore, la trama del romanzo, e la visione del regista si intrecciano in un mondo plasmato dallo sguardo del protagonista, Lee, che in una Città del Messico assolata e sbiadita si interroga sulla propria identità.

Poi abbiamo voluto parlare di Sinners, l’ultimo film di Ryan Coogler che si immerge nel genere del folk horror per fornire nuovi sguardi sull’appartenenza etnica e sul passato di segregazione degli Stati Uniti, in un film che usa diversi generi (western, black/folk horror, musical) per dare chiavi di lettura stratificate a riflessioni complesse, con un tocco di auto-ironia.

Satoshi Kon e Hayao Miyazaki sono due pilastri del cinema di animazione giapponese, e per questo episodio abbiamo deciso di analizzarne due titoli accomunati da una narrazione che interseca il reale e l’onirico. Jiro Horikoshi, in Si alza il Vento, è un ingegnere aeronautico, realmente esistito, che fu il progettista dei Mitsubishi A6M Zero durante la seconda guerra mondiale. Chiyoko Fujiwara, in Millenium Actress, è invece un personaggio di fantasia, un'attrice che inizia la sua carriera da giovanissima, durante gli anni della seconda guerra sino-giapponese, fino a diventare famosa durante la seconda mondiale, grazie al cinema di propaganda. Entrambi i personaggi sono rappresentati in maniera complessa e stratificata, i registi ci fanno entrare nel loro spazio psicologico, nei loro sogni, nei loro pensieri e ricordi, lasciando lo spettatore sul limine tra il reale e l'irreale, ad osservare le loro vite scorrere sullo schermo. Perché in fondo cos'è la realtà, se non la nostra percezione del mondo? Sullo sfondo delle loro vite, dei loro traguardi, dei loro amori rincorsi a perdifiato, e delle loro tragedie personali, scorre invece il dramma della guerra, che per chi l'ha vissuta nel suo svolgersi diventa quotidianità, un brusio di fondo che permea e contamina, in modo latente, tutta la loro vita.