The KLF, nati alla fine degli anni ’80 in Inghilterra, sono stati una delle formazioni più controverse e visionarie della musica elettronica. Dietro al nome c’erano Bill Drummond e Jimmy Cauty, due figure che hanno sempre mescolato ironia, provocazione e una forte attitudine anarchica. Musicalmente hanno saputo fondere acid house, techno e pop in brani esplosivi come What Time Is Love?, 3 a.m. Eternal e Justified & Ancient, conquistando le classifiche mondiali. Ma la loro fama non si deve solo ai successi: i KLF hanno trasformato l’idea stessa di band in un’azione artistica radicale. Nel 1992, all’apice della carriera, annunciarono il loro ritiro dall’industria musicale sparando colpi di mitra a salve durante una premiazione ai BRIT Awards, come gesto di rottura con lo show business. Più tardi misero in scena l’atto che li rese leggenda: bruciare un milione di sterline in banconote, documentando l’evento come performance estrema contro il valore del denaro e le logiche del mercato. I KLF sono rimasti un paradosso vivente: capaci di creare hit irresistibili e allo stesso tempo pronti a sabotare il proprio successo. Anarchici, dissacranti, imprevedibili, hanno lasciato un’impronta unica nella storia della musica, dimostrando che un gruppo può essere al tempo stesso pop star e atto di ribellione radicale TRACKLISTING: make it rain, build a fire, all you need is love, the queen and i, doctorin’ the tardis, 5 – What Time Is Love! (live at Trancentral), 6 – 3 A.M. Eternal (live at the S.S.L.), justified & ancient, k cera cera, 9 – Last Train to Trancentral (live From the Lost Continent 12” A Side), baltimore to fair play, America – what time is love, madrugada eterna, 3 A.M. Somewhere Out of Beaumont

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Fausto Romitelli è stato uno dei compositori più visionari e radicali della sua generazione, la sua musica si distingue per un approccio radicale alla materia sonora, in cui la percezione acustica viene messa alla prova e trasformata in esperienza sensoriale totale. Romitelli è stato uno dei massimi esponenti dello spettralismo, una corrente musicale che analizza i fenomeni fisici del suono per costruire la composizione. Influenzato dalle ricerche di Grisey e Dufourt, ha sviluppato una scrittura che fonde la precisione analitica con una tensione emotiva intensa. Le sue opere, come “An Index of Metals” e “Professor Bad Trip”, esplorano la dimensione percettiva del suono, dilatando il tempo e creando paesaggi sonori che sfidano la tradizionale distinzione tra armonia e rumore. La sua estetica ha integrato elementi della musica elettronica, del rock psichedelico e della techno, utilizzando la ripetizione ossessiva e la saturazione sonora per creare esperienze immersive e allucinatorie.La sua morte prematura nel 2004 ha interrotto una carriera che prometteva ulteriori innovazioni: tuttavia, l’eredità di Fausto Romitelli vive attraverso le sue opere, che continuano a sfidare e ispirare chi le ascolta. TRACKLISTING: primo intermezzo, secondo intermezzo, drowngirl II (an index of metals) – amok koma, flowing down too slow, trash tv trance (professor bad trip), Dead city radio, natura morta con fiamme

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The Wedding Present sono un gruppo rock britannico fondato a Leeds nel 1985 dal cantante e chitarrista David Gedge, unico membro stabile. Caratterizzati da chitarre rapide e ritmiche serrate, uniscono influenze jangle pop e post-punk a testi asciutti su relazioni sentimentali e ossessioni personali. Dopo l’esordio con George Best (1987), ottengono riconoscimento internazionale con Bizarro (1989) e con Seamonsters (1991), prodotto da Steve Albini, che segna un’evoluzione verso sonorità più cupe e abrasive. Nel 1992 pubblicano dodici singoli in dodici mesi, tutti entrati nelle classifiche britanniche. Dopo una pausa e il progetto parallelo Cinerama, Gedge riattiva la band nel 2005, proseguendo con album come El Rey (2008), Valentina (2012) e Going, Going… (2016). Nel 2022 riprendono la formula dei singoli mensili con 24 Songs, confermando una coerenza stilistica che li ha resi una delle presenze più riconoscibili e rispettate dell’indie rock britannico. TRACKLISTING: Corduroy / Go out and get’em boy! / This boy can wait / Everyone thinks he looks daft / Zavtra / Brassneck / Dalliance / Falling (Julee Cruise’s Twin Peaks Theme cover) Click click / Dream world / Boo boo / You’re dead / Kittery / Deer caught in the headlights / Kennedy

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Quando nel 1989 uscì 3 Feet High and Rising, il primo album dei De La Soul, nessuno sapeva bene cosa aspettarsi. In un panorama hip hop dominato da suoni duri, testi di strada e pose aggressive, loro sembravano arrivare da un altro pianeta. E in un certo senso, era proprio così. Originari di Long Island, New York, i De La Soul – cioè Posdnuos, Trugoy the Dove (scomparso nel 2023) e Maseo – portarono una ventata d’aria fresca nel rap. Erano ironici, creativi, psichedelici. Con loro nasceva il concetto di “hip hop alternativo”: più giocoso, più eclettico, meno legato ai cliché del genere. Il loro stile si distingueva per tre elementi fondamentali. Il primo: i testi. De La Soul non parlavano di soldi, droga o violenza, ma di identità, cultura e vita quotidiana, con una scrittura intelligente e spesso surreale. Il secondo: le basi musicali. Invece dei classici campionamenti funk o soul, il loro produttore Prince Paul pescava ovunque – da canzoni per bambini a brani psichedelici francesi – creando un collage sonoro originale e imprevedibile. Il terzo: l’immagine. Li hanno definiti “hippies dell’hip hop” e rifiutavano il machismo dominante ma rifiutavano questa etichetta. Colorati, pacifisti, eccentrici: erano diversi, e lo rivendicavano. Questo approccio anticonvenzionale li ha resi leggendari. Con il collettivo Native Tongues, insieme a Jungle Brothers e A Tribe Called Quest, hanno influenzato intere generazioni di artisti. Anche se non hanno mai inseguito il successo commerciale a tutti i costi, il loro impatto culturale è stato enorme. De La Soul è la dimostrazione che nel rap c’è spazio per la diversità, per il gioco, per la poesia. E che si può cambiare le regole del gioco semplicemente scegliendo di non seguirle. TRACKLISTING: Say no go, D.A.I.S.Y. age, The magic number, Me myself & i, Ring ring ring, My brother’s a basehead, Stone age, I be blowin’, Itzsoweezee, Big brother beat, All good, Much more, Feel good inc (with Gorillaz), A roller skating jam named saturdays, Whoodeeni, Baby phat, Oooh

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Ci sono musicisti che diventano grandi perché sanno stare perfettamente dentro una tradizione. E poi ci sono quelli che diventano leggendari proprio perché da quella tradizione si staccano, la piegano, la riscrivono. Thelonious Monk appartiene senza dubbio alla seconda categoria. Molti lo ricordano per il suo stile pianistico unico: il tocco percussivo, quasi rude, le dissonanze spiazzanti, gli intervalli inusuali. Monk suonava il piano come se fosse uno strumento a percussione, e al tempo stesso come se ogni nota fosse un personaggio, con un proprio ruolo in una storia più grande. Non cercava la bellezza convenzionale: cercava l’espressione più diretta, più vera. Monk è diventato uno dei più grandi proprio perché non ha mai cercato di esserlo. Ha seguito la sua strada, anche quando sembrava la più tortuosa. E oggi quella strada è diventata una delle vie maestre del jazz. TRACKLISTING: Round midnight – Off minor – Misterioso – Bemsha swing – Brilliant corners – Easy street – Ruby my dear – Memories of you – Blue Monk – Bright Mississippi – Between the devil and the deep blue sea – Ask me now – Straight no chaser

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Nati nella Liverpool post-punk di fine anni ’70, gli Echo & the Bunnymen si sono affermati come una delle band più iconiche e inclassificabili della scena britannica. Il loro suono è un equilibrio tra tensione e lirismo: chitarre riverberate e taglienti, atmosfere cupe e cinematiche, linee vocali solenni e ipnotiche, sorrette da una sezione ritmica incisiva ed essenziale. Nei loro album più rappresentativi – Crocodiles, Heaven Up Here, Porcupine, Ocean Rain – la band ha saputo coniugare il romanticismo decadente di certo rock psichedelico con l’urgenza nervosa del post-punk, mantenendo sempre una forte impronta melodica. Gli Echo & the Bunnymen non hanno mai inseguito mode, ma hanno creato un’estetica riconoscibile, introversa e profondamente evocativa, lasciando un’impronta duratura su generazioni di musicisti alternativi. TRACKLISTING: In bluer skies, The cutter, The pictures on my wall (7″ version), Rescue, Over the wall, Show of strength, The back of love, The killing moon, Bring on the dancing horses, Lips like sugar, Seven seas, Nothing lasts forever, Rust, Hide & seek, Scissors in the sand, Shroud of Turin, Lovers on the run, Stars are stars

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Glenn Branca non è un nome che compare spesso nei media. Eppure, la sua impronta sulla musica sperimentale del secondo Novecento e dei primi anni Duemila è tanto profonda quanto ineludibile. Compositore, chitarrista, teorico del suono e figura borderline tra arte concettuale e rock rumorista, Branca ha tracciato una via unica, spingendo la musica oltre i suoi confini percettivi. Parlare di lui significa entrare in un territorio dove la dissonanza diventa struttura, il volume un mezzo filosofico e la chitarra elettrica uno strumento di trascendenza. È stato troppo colto per il rock, troppo rumoroso per la musica classica, troppo rigoroso per l’improvvisazione, troppo spirituale per l’avanguardia accademica. In lui convivono contraddizioni fertili, ed è proprio in questo spazio indefinibile che nasce la sua grandezza. Glenn Branca non è stato soltanto un compositore. È stato un costruttore di universi sonori. TRACKLISTING: Harmonic Series Chords / Dissonance (Lesson No.1) / 4th movement (Symphony No. 2) / 3rd movement ( Symphony No. 5)/ 5th movement (Symphony No. 6)/ The ascension / 1st movement ( The world upside down) / Chicita Bonita (Theoretical girls)

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I Pixies sono una band, nata a Boston nel 1986, considerata tra i gruppi più influenti della scena alternative rock. La formazione originale include Black Francis, Kim Deal, Joey Santiago e David Lovering. La loro musica ha definito un nuovo linguaggio sonoro: una combinazione di chitarre abrasive, strutture dinamiche (silenzio/esplosione) e testi visionari. I Pixies sono tra i primi a utilizzare lo schema “loud-quiet-loud”, diventato un marchio del rock anni ’90. Il loro album Surfer Rosa (1988), prodotto da Steve Albini, ha ricevuto ampi consensi per l’approccio grezzo e sperimentale, seguito da Doolittle (1989), uno dei dischi più importanti della musica alternativa. Nonostante si siano sciolti nel 1993, la loro eredità ha influenzato profondamente gruppi come Nirvana, Radiohead, The Smashing Pumpkins e molti altri. I Pixies si sono riformati nel 2004, senza Kim Deal,, pubblicando nuovi album e continuando a esibirsi in tutto il mondo. Oggi, i Pixies sono riconosciuti come pionieri del rock alternativo e punto di riferimento per generazioni di musicisti e appassionati. TRACKLISTING: Levitate me / Caribou / I’ve been tired / Bone machine / Here comes your man / Velouria / Motorway to Roswell / Where is my mind / Gigantic / Bagboy / All i think about now / Daniel Boone / Vault of heaven / Chicken / Hey / Monkey gone to heaven / Cannonball (The Breeders)

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Intraprendere un percorso dedicato a Pierre Schaeffer significa inevitabilmente confrontarsi con le fondamenta stesse della musica del secondo Novecento. Parlare di lui non è solo ricordare un compositore, ma riconoscere il lavoro di un pensatore radicale, di un ricercatore instancabile, che ha saputo ridefinire, in profondità, i parametri percettivi ed estetici della creazione musicale. Nel suo approccio, il suono smette di essere un mezzo subordinato a una grammatica tonale o seriale, e diventa esso stesso oggetto di indagine, di ascolto, di costruzione autonoma. Pierre Schaeffer non ci ha lasciato solo una serie di opere o di scritti teorici. Ci ha lasciato una postura mentale, una disponibilità all’ascolto che è, prima di tutto, un’apertura al possibile. In tempi di iperproduzione musicale e di overload sonoro, tornare a Schaeffer significa anche rieducarsi all’attenzione, al dettaglio, all’ascolto come atto creativo. Un’eredità, dunque, che non appartiene solo al passato, ma che continua a parlarci – con forza – nel presente. TRACKLISTING: Cinq études de bruits / Symphonie pour un homme seul / La trièdre fertile – II. Strette / Suite pour 14 instruments – V. Sphoradie / Écho d’Orphee – I. D’un sillon l’autre / Suite 14 – III. Sphoradie / Étude aux objects – IV. Objects rassemblés /Les paroles dégelées / Étude aux sons animés / Variations sur une flûte Mexicaine

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Figura centrale della ricerca sonora contemporanea, Alva Noto (Carsten Nicolai) sviluppa un’estetica radicale basata sulla riduzione formale, la spazializzazione del suono e l’interazione tra frequenze digitali, errore (glitch) e struttura ritmica. Il suo lavoro fonde musica elettronica, arte concettuale e scienza, configurandosi come una riflessione sul dato digitale come materia plastica e percettiva. Ha collaborato con figure fondamentali del panorama sperimentale, tra cui Ryuichi Sakamoto, Blixa Bargeld, oltre ai progetti Signal (con Frank Bretschneider e Byetone) e Opto (con Thomas Knak), contribuendo a ridefinire il linguaggio della musica elettronica contemporanea attraverso forme ibride di astrazione sonora e rigore compositivo. TRACKLISTING: Hawk punished (The Revenant OST with Ryuichi Sakamoto) – Acronym – Isotope – M 09 – Prototype 02 – Uni Sub – Fall (as ANBB with Blixa Bargeld) – 10.11 (as Opto) – Robotron (as Signal) – By this river_ Phantom (with Ryuichi Sakamoto)

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