FLAMENCO DE PAPEL

En el mundo de lo jondo tiene una gran importancia el papel de la familia, como transmisora y conservadora de los diferentes palos o estilos del cante flamenco. En la familia se crea el ambiente propicio para que el cante, en su máxima pureza no se extingan. La saga de “Los Agujetas”, es una dinastía de cantaores y cantaoras de la zona de Jerez-Los Puertos, una saga de las más puras, dentro del cante flamenco. Son al menos 5 generaciones de cantaores y cantaoras que, sin duda alguna, han sido fieles a sus creencias flamencas y a sus raíces. La familia “Los Agujetas” es de las que más han sabido guardar y conservar esas cepas del flamenco antiguo, del flamenco más añejo. Según el investigador sevillano, afincado en Jerez de la Frontera desde hace muchos años, José Manuel Martín-Barbadillo y Arellano, la saga de “Los Agujetas” descienden de la dinastía de los Santos. Una de las más extensas por el número de cantaores y cantaoras, tanto profesionales como aficionados que son referencia en el flamenco, y se extiende desde la primera década del XIX hasta nuestros días, prácticamente dos siglos y tiene su origen en el Puerto de Santa María extendiéndose por Jerez de la Frontera y La Línea de la Concepción. Tomás de los Santos Navarro, el primer jerezano de la saga, contrae matrimonio con María Gallardo Suárez, natural de El Puerto de Santa María, y juntos tienen dos hijos: Manuel de los Santos Gallardo “Agujetas el Viejo” y Domingo de los Santos Gallardo ‘Rubichi’. Agujetas el Viejo será el primero de esta familia cantaora de la que se tiene referencia artística y el que dará nombre artístico a su familia al dedicarse muchos años como cambia-agujas de trenes. Familias cantaoras como los Moneos, Los Mijitas y los Rubichis están emparentadas con los Agujetas y todas ellas mantienen y perpetúan las raíces del cante más puro y añejo.

Como bien decía Juan Maqueda, en su libro “Duende y Misterio del Cante Flamenco”, la mayoría de los cantaores y cantaoras dicen que la soleá es la madre del cante. Los poetas la proclaman reina de las coplas de Andalucía. Es en la soleá donde se descubre el valor y conocimiento del buen cantaor, ya que por su conjunción rítmica y melódica es el toro bravo de la baraja estilística. Una de sus características es la flexibilidad y la variedad de sus estilos, y al igual que las seguiriyas, se pueden agrupar por escuelas o modalidades geográficas. Así podemos hablar de soleá del Mellizo, de Joaquín el de la Paula o de Juaniquí. entre las formas personales y soleares de Cádiz, Alcalá o Utrera, por poner algunos ejemplos. De Utrera nos vamos a ocupar en el programa de hoy. Decir Utrera, es decir La Serneta en el mundo de la soleá. Aunque a parte de las cinco formas o recreaciones de soleares que nos dejó Mercedes Fernández Vargas “La Serneta”, también Utrera cuenta con otra forma atribuida a Antonio Ortega Escalona “Juan Breva”. Las soleares de Utrera han marcado una época por ser uno de los estilos más puros, intensos y pasional. Muy populares desde el último tercio del siglo XIX, nunca perdieron vigencia y fueron interpretadas por todos los grandes intérpretes: Juan Breva, Don Antonio Chacón, Manuel Torre, Manuel Vallejo, Pastora y Tomás Pavón.

De entre los estilos o palos del flamenco, las soleares (en plural) o soleá (en singular) es el centro neurálgico del arte jondo. En la soleá convive ritmo, compás, cadencias melódicas sentimentales y todos los elementos técnicos necesarios de la estética musical flamenca. Tan importante es para los artistas dominar este palo del flamenco, que entre los aficionados al cante se dice que, un cantaor o cantaora que no cante bien por soleá no es un artista completo.

La soleá, es considerada la madre del cante, uno de los palos flamencos más arraigados al cante más tradicional. Son muchos los estilos y variantes de este mundo sonoro que constituye el cante y el toque por soleá. No está muy claro el origen del término soleares o soleá asociado al cante flamenco. Puede que venga de soledad o solear, poner o ponerse al sol. Se cree que la soleá nace del jaleo y que fue María La Andonda la más antigua solearera. Aunque también otra mujer dejó grabado su nombre para la historia del Flamenco y del cante por soleá: María de las Mercedes Fernández Vargas, más conocida en el flamenco como La Serneta. Cantaora nacida en Jerez de la Frontera el 19 de marzo de 1840. Mostró su arte, sobre todo, en reuniones privadas, aunque parece ser que también actuó en algunos cafés cantantes de Sevilla. Cantaora y guitarrista, según Juan de la Plata, vivió algunos años en Madrid dedicada a dar clases de guitarra a la aristocracia. Hablar de la soleá de Utrera es hablar de Mercedes La Serneta que, nos dejó cinco estilos considerados y clasificados dentro de la soleá de Utrera y otros dos dentro de los estilos de Triana. Falleció Mercedes La Serneta en Utrera, un 18 de junio de 1912, a la edad de 72 años. Fernando el de Triana, que la conoció y la escuchó de cantar, escribió:

Cuando murió la Serneta

la escuela quedó cerrá,

porque se llevó la llave

del cante por soleá.

Según su partida de nacimiento, nace Esteban Delgado Bernal en el domicilio familiar de la calle Castillo del Espíritu Santo, de la localidad gaditana de Sanlúcar de Barrameda, el 21 de febrero de 1912. Su madre fue Carmen Bernal López y su padre Manuel Delgado Alba, marinero de profesión, ambos naturales de Sanlúcar de Barrameda, provincia de Cádiz. La biografía de Esteban Delgado Bernal, más conocido artísticamente como Esteban de Sanlúcar, nos la cuenta él mismo, con su propia voz, recogida en una entrevista que aparece en la colección Flamenco y Universidad editada por el Instituto Andaluz de Flamenco con motivo del 25 aniversario de su fallecimiento. Esteban comenzó a trabajar, siendo un niño, como marinero y alternando con otros oficios hasta que comenzó a dedicarse a la guitarra. Se inicia como guitarrista en la venta sevillana del Charco de la Pava acompañando a Antonio Mairena, Manolo Caracol y El Sevillano. Fue su hermano Antonio, 12 años mayor que él, conocido como Antonio de Sanlúcar, y reputado intérprete de la sonanta, el que lo introduce en los ambientes flamencos de la capital andaluza. Con 16 años debuta en el Kursaal sevillano con Javier Molina, La Macarrona y La Malena, entre otros muchos artistas. Esteban de Sanlúcar comenzó su carrera artística en Sevilla y después emigró a Argentina. Allí, además de ganarse la vida como concertista, también se convirtió en profesor de guitarra. Aunque no es un guitarrista muy conocido, destacó como guitarrista de acompañamiento al cante y como compositor y concertista de guitarra. Nos dejó composiciones que actualmente son obras de estudios en escuelas y conservatorios de música. Panaderos flamencos y Mantilla de feria son dos buenos ejemplos de ello. Hasta la publicación de la obra Gloria y Memoria a Esteban de Sanlúcar se conocía muy poco de este importante y gran guitarrista de la historia del flamenco. Fallece Esteban de Sanlúcar un 27 de octubre de 1989 en la ciudad argentina de Buenos Aires, a la edad de 77 años.

La tuberculosis en el mundo del flamenco, a finales del siglo XIX y principios del XX, estaría más relacionada con las deplorables condiciones higiénico-sanitarias y el hacinamiento de los barrios donde vivían los artistas que con el ambiente de trabajo.

José Fernández Guerra nació en Huelva en 1965. Doctor en Medicina y Cirugía por la Universidad de Sevilla, se especializó en Neumología en el Hospital Virgen del Rocío (1995). Fue galardonado con el premio a la mejor tesis doctoral de la Asociación de Neumólogos del Sur (Neumosur) en 1996.

Además de ejercer su profesión en el hospital Costa del Sol de Marbella (Málaga) desde 1997, colabora con diversas revistas médicas.

Lector compulsivo, complementa su trabajo con otras dos aficiones: la escritura y la guitarra flamenca.

Entre sus obras literarias cabe destacar:

- El paciente virtual (y otros relatos médicos)

- Prodigioscopio

- Medicina y literatura: hacia una formación humanística

Esta última le valió el primer premio del concurso de cuentos sobre fibrosis quística organizado por Novartis en 2009.

Manuel Ortega Juárez, conocido en el flamenco con el nombre artístico de Manolo Caracol, nació en el Corral de los Frailes, en el barrio de la Alameda de Hércules (Sevilla), un 7 de julio de 1909. Descendiente de una larga dinastía de cantaores y toreros, era tataranieto de Antonio Monge Rivero El Planeta, uno de los primeros cantaores de flamenco y estaba emparentado con otros artistas flamencos como: El Fillo, Enrique Ortega El Gordo, El Mellizo y Curro Dulce.

El padre de Caracol Manuel Ortega Fernández, conocido por Caracol el del Bulto, trabajó algún tiempo como mozo de espadas de su primo Joselito el Gallo, y aunque se dedicó más a los toros en vez de al cante, conocía muy bien los palos básicos del cante y de vez en cuando los cantaba en reuniones familiares.

Todo este ambiente propició al “Niño de Caracol” formarse en un ambiente propicio para su vocación cantaora. Empezó muy joven a la edad de 12 años cuando ganó el primer premio, compartido con Diego Bermúdez “El Tenazas de Morón”, del Concurso de Granada de 1922. Tras el éxito en el Concurso de Granada, participó en diferentes espectáculos en Sevilla y en Madrid, anunciándose como: “El niño Caracol, ganador del concurso de cante jondo de Granada”. En 1935 se establece en la capital de España ganándose la vida como antes en Sevilla: actuando en fiestas y juergas flamencas pagadas por señoritos.

El estallido de la Guerra Civil provocó el fin de este tipo de fiestas, y entonces Manolo Caracol trató de sobrevivir con el teatro. Hizo equipo con la Niña de los Peines y Pepe Pinto, y diseñaron la idea de la estampa escenificada, donde se mezclaban baile, cante y teatro, junto a una orquesta. En 1944 coincidió con Lola Flores en Sevilla, y fruto de ese encuentro surgieron una serie de planes comunes relacionados con sus ideas de estampas escenificadas. El éxito obtenido por estos espectáculos, los llevó a rodar dos películas: Embrujo en 1947 y La niña de la venta, en 1951.

En 1963 inauguró el tablao Los Canasteros, al que dedicaría el resto de su vida, por el que pasaron los artistas más destacados de la época. En 1958 grabará en la casa Hispavox “Una historia del cante flamenco”, un recorrido personal por la historia del cante, en el que Caracol cantó, acompañado a la guitarra de Melchor de Marchena. En 1972 publicó su último disco y un año después, el 24 de febrero de 1973, falleció a causa de un accidente de circulación, cuando se dirigía desde su casa de Madrid a Los Canasteros.

Entre los palos del flamenco encontramos a la Granaína y a la Media Granaína. Ambos cantes tienen características diferenciadoras, pero también rasgos comunes como la ausencia de un compás marcado y la misma tonalidad o modo flamenco. La Media Granaína que, en tiempos de Don Antonio se denominaba Granaína, es el cante de tercios más largos, con más melismas y más ornamentado. Se utiliza para rematar el cante por Granaínas que, en tiempos de Chacón se denominaba Media Granaína, y que por lo tanto al ser un cante de introducción sería el cante corto y más liviano en comparación con el anterior. Todo un disparate histórico en cuanto a su nomenclatura, que se mantiene en la actualidad. La secuencia de interpretación para el cante sería la siguiente: Temple o ayeo (opcional), cante corto y remate con el cante largo.

También existe la versión guitarrística o de concierto de este palo. En los dos casos están considerados dentro de los palos de libre interpretación, es decir, sin un compás marcado. Son numerosos los artistas flamencos que han incluido estos cantes en su repertorio. Podemos destacar los siguientes intérpretes: Don Antonio Chacón, Manuel Vallejo, Pepe Marchena, Sebastián El Pena, José Cepero, Juanito Mojama, Aurelio Sellés, Enrique Morente, Naranjito de Triana y una lista interminable de cantaores y cantaoras. Granaína y Media Granaína que, a pesar de esa incomprensible nomenclatura, nosotros vamos a mantener esta errónea denominación para ajustarnos a la realidad actual y facilitar la comprensión y el entendimiento.

Los palos del flamenco son los diferentes estilos y recreaciones que los artistas flamencos han desarrollado para manifestar su arte. Estos palos flamencos son numerosos, unos son muy antiguos y otros de creación más moderna.

Los hay con una métrica musical concreta y definida, como es el caso de las bulerías o alegrías, y otros se interpretan sin medida, ad libitum, como la malagueña o la granaína. Los hay con acompañamiento de guitarra y otros se interpretan a palo seco, sin guitarra, sólo con la voz desnuda. Los cantaores aprendían los diferentes palos o cantes de forma oral, por medio de la escucha y la posterior repetición. Debido a esta tradición oral es muy difícil saber el origen de muchos de los palos flamencos, ya que no ha quedado constancia escrita sobre los mismos. Por otro lado, la tradición oral ha permitido la conservación de los diferentes estilos o palos flamencos basándose en la memoria, ya sea esta buena o mala. El recuerdo de las melodías por parte de los cantaores y cantaoras, con sus fallas y errores, con el paso del tiempo, han provocado nuevos giros melódicos. A todo ello hay que sumar la unión de la guitarra, instrumento fundamental que ha servido de soporte armónico y rítmico, y que también ha influido en mayor o menor medida en la estética de los cantes y en su evolución. Todos estos factores han provocado una forzosa transformación de los estilos o palos flamencos, que ha llegado a nuestros días, tal y como los conocemos actualmente. En nuestro programa de hoy vamos a hablar del cante por granaína y por media granaínas. Cantes muy emparentados, aunque con algunas diferencias que los caracteriza. Dos palos o estilos que actualmente es origen de múltiples discusiones y debates por parte de los investigadores flamencos.

El vocablo saeta (del latín sagitta, «flecha») se refiere al canto religioso tradicional interpretado fundamentalmente en las procesiones de Semana Santa en España, especialmente en Andalucía y algunas zonas de Extremadura, Castilla-La Mancha y Murcia. Su origen, es una cuestión bastante discutida, aunque algunos investigadores apuntan a las Órdenes Franciscanas de los siglos XVI y XVII, quienes llamaban “Saetas” a los avisos y sentencias que en forma de coplillas recitaban o cantaban por las calles en determinados momentos de sus misiones.

De una u otro manera, lo que si podemos convenir es que la Saeta es un canto popular que se ejecuta al paso de las procesiones. Es una comunicación sentida y profunda entre el intérprete y la imagen de Jesús o la Dolorosa.

Actualmente, la saeta más interpretada es la saeta flamenca y son numerosos los cantaores y cantaoras que han incluido entre su repertorio musical, este palo religioso del flamenco. Entre nuestros artistas locales hay que destacar a grandes saeteros y saeteras que, cosechan cada año premios importantes dentro y fuera de nuestra provincia. Afortunadamente, la nómina es bastante amplia: Paqui Rosales, Isabel Guerrero, Araceli González, Cristina Maestre, José García “El Petro”, Pepe López, Rufino Rivas, Anastasio Ortigosa y Sebastián Navas.

La saeta flamenca se interpreta durante la Semana Santa como canto invocador a los pasos de la virgen y el Cristo durante las procesiones. Esta tradición de cantar a los pasos en Semana Santa en Andalucía, se remonta a varios siglos atrás. En el año 1.691 aparece documentado en Sevilla un canto conocido como saeta que cantaban los Hermanos del Pecado Mortal y los de la Aurora.

En un principio las saetas eran cantadas por religiosos a modo de salmodias o plegarias. Será a partir de mediados del siglo XIX cuando surge la saeta popular y comienza la costumbre de ser el pueblo el que las cante para expresar sus sentimientos religiosos. Estas saetas primitivas y antiguas se han perdido en su mayoría, aunque todavía se conservan y se cantan algunas como: las saetas llanas o viejas y las cuarteleras. De estas, con toda seguridad, nació la saeta flamenca que ha ido evolucionando, con el paso del tiempo, hasta culminar en la saeta que conocemos actualmente. Nombres como Enrique «El Mellizo», Don Antonio Chacón, Manuel Torre, entre otros, han ido aportando sus personalidades para la culminación de lo que hoy entendemos por saeta flamenca. Este palo flamenco de música religiosa se suele interpretar por diferentes estilos, destacando la saeta por seguiriyas, por martinetes, por carcelera y la saeta malagueña. Se apunta a Enrique El Mellizo, cantaor gaditano, a unos de los creadores de la saeta, pero no hay pruebas que así lo confirmen. Actualmente, la opinión más generalizada, es que el aflamencamiento de la saeta se debe al cantaor sevillano que vivió entre 1885-1961 Manuel Centeno.