FLAMENCO DE PAPEL

Seguimos navegando por el océano discográfico de Camarón de la Isla y nos acercamos al final de la década de los 70. Finalización de una etapa artística de Camarón dirigida por Antonio Sánchez Pecino, padre de Paco de Lucía.

Corren tiempos de cambios sociales en España y también en un José que ya alcanzaba los momentos de mayor grandeza y jondura de su carrera artística, alumbrado por un Paco de Lucía lleno de creatividad y genialidad.

Se avecinan cambios en la carrera del cantaor de la Isla que se culminarán con la grabación de La leyenda del tiempo, publicado en 1979.

Representó este trabajo toda una revolución en el mundo del flamenco. El propio cantaor confesaba que era "lo más parecido al rock" que había grabado nunca. Y dentro del álbum, la canción del mismo nombre (con letra de Federico García Lorca) se convirtió en un himno que trascendió ampliamente las fronteras del flamenco.

Criticado por los puristas del cante jondo, lo cierto es que no pocos de entre los más tradicionalistas reconocieron que Camarón había ensanchado su horizonte artístico sin traicionar la esencia de la música de la que había mamado desde pequeño. El disco pasó a ser el referente del nuevo flamenco, hibridado con el rock y el jazz.

Dijo Camarón a Ricardo Pachón, su productor musical: «Ricardo, el próximo disco de guitarrita y palmas», Camarón de la Isla llegó a decir, en broma, después de que muchos cantaores le dijeran que estaba loco por meterse en esos experimentos, alejándose de la pureza del cante, poniendo en riesgo su consagrada carrera.

Según el diccionario de la Real Academia de la Lengua de principios del siglo XIX, el término saeta aparece con la siguiente definición: Cada una de aquellas coplillas sentenciosas y morales que suelen decir los misioneros.

Esta tradición de cantar a los pasos de las procesiones de Semana Santa en Andalucía, se remonta a varios siglos atrás. En el año 1.691 aparece documentado en Sevilla un canto conocido como saeta que cantaban los Hermanos del Pecado Mortal y los de la Aurora.

En un principio las saetas eran cantadas por religiosos a modo de salmodias o plegarias. Será a partir de mediados del siglo XIX cuando surge la saeta popular y comienza la costumbre de ser el pueblo el que las cante para expresar sus sentimientos religiosos.

Estas saetas primitivas y antiguas se han perdido en su mayoría, aunque todavía se conservan y se cantan algunas como: las saetas llanas o viejas y las cuarteleras. De estas, con toda seguridad, nació la saeta flamenca que ha ido evolucionando, con el paso del tiempo, hasta culminar en la saeta que conocemos actualmente.

Se apunta a Enrique El Mellizo, cantaor gaditano, a unos de los creadores de la saeta, pero no hay pruebas que así lo confirmen. Actualmente, la opinión más generalizada, es que el aflamencamiento de la saeta se debe al cantaor sevillano Manuel Centeno.

Manuel Gómez Vélez, más conocido en el flamenco como Manolo de Huelva, nació el 16 de noviembre de 1892 en Río Tinto (Huelva). Hijo del tornero José Gómez Pérez de León y de Isabel Vélez Mallofrett. Vivían en la calle Gravina, número 2.

La familia se mudó a Huelva cuando el artista tenía 8 años y tras una temporada en la escuela entró como aprendiz de sastre cortador. “El oficio le serviría para que hiciera sus propios trajes, y la verdad es que siempre se le veía muy esmerado y elegante”

El guitarrista Manolo de Huelva protagoniza una colección dirigida y realizada por Rodrigo de Zayas, que ha reunido en esta obra, integrada por seis CDs y un DVD, los documentos sonoros grabados por sus padres, Marius de Zayas y Virginia Harrison, entre 1938 y 1966. Del folleto que acompaña a esta colección se ha podido extraer muchos datos de su biografía.

Los datos biográficos que se conocían de Manolo de Huelva siempre lo ubicaban como guitarrista de acompañamiento sin conocimientos musicales clásicos, sin embargo el nuevo aporte documental sitúa al tocaor onubense como un guitarrista con una formación musical, que llegó a tener amistad con Manuel de Falla, y cuyos inicios fueron siendo un joven concertista como guitarrista clásico.

Hay que destacar, como técnica de “El de Huelva”, su mano derecha, de una precisión y de una plasticidad impresionantes. Siguió la escuela del Maestro Patiño, prototipo de lo que más tarde llamarían “toque a cuerda pelá”, pulsación monódica con el pulgar. Destaca Claude Worms en Manolo de Hueva “el uso del “apagado” (corte de la vibración de las cuerdas), los rasgueos claramente definidos y concluidos con un ataque seco del pulgar”.

Si Montoya fue el primer gran maestro armónico de la guitarra flamenca, Manolo de Huelva sería el primer gran maestro rítmico de la guitarra flamenca y de los “toques a compás”.

Olvidado de todos, falleció Manolo de Hueva en Sevilla, un 12 de mayo de 1976, a la edad de 83 años.

Francisco Rojas Cortés, más conocido en el mundo del flamenco como El Niño del Museo, nació en la calle Pedroche de la localidad cordobesa de Adamuz, un domingo 25 de junio de 1905. Hijo de Manuel Rojas García más conocido como “Manolito Arquino” y de Catalina Cortés Ranchal conocida como “La Ranchala”.

Su padre era arriero, profesión que Francisco asumió desde niño. Y desde niño cantaba subido en un burro acompañando a su padre. Cuentan los más viejos de su pueblo, como paraban de trabajar en las tareas del campo cuando escuchaban al Niño entonarse por fandanguillos. Los barrancos tronaban con aquella portentosa voz, todavía sin pulir.

Empieza su vida artística en Sevilla cuando, haciendo su servicio militar, es invitado a cantar junto a Pericón de Cádiz en la taberna cercana al Museo de Bellas Artes, llamada por ello Taberna de El Museo.

Con este nombre de Niño del Museo, que recibió de la taberna sevillana, actuó en el famoso Café de Chinitas de Málaga.

Pronto empezó a cosechar éxitos y no le faltaban los contratos. Entre 1928 y 1936 estuvo compartiendo escenario con las grandes figuras de la época, compitiendo con Vallejo y El Cojo de Málaga, lo que le vale un contrato en el Café de Chinitas.

En 1931 conoce en Barcelona a la bailarina y actriz madrileña Tomasa Moreno Díaz, de nombre artístico La Tomasa, con la que contrajo matrimonio y formó pareja artística. La Tomasa aprendió el baile flamenco de la mano del bailaor jerezano “El Estampío” en su academia de Madrid.

Juntos pertenecieron a diversos grupos artísticos en gira por toda España. Destaca su debut con La Copla Andaluza y su permanencia de mes y medio, en la primavera de 1932, en el Teatro Pavón de Madrid.

El año 1933 lo pasa prácticamente en Buenos Aires con la compañía de Estrellita Castro y con resultado ruinoso, según su biógrafo Juan Antonio Mejías León. Sin embargo, América no debió defraudar a Paco y Tomasa, ya que volvieron en otras ocasiones; incluso ya viuda la segunda, reanudó allá su vida artística.

Después de la Guerra Civil, intentó rehacer su profesión artística, pero no le fueron bien las cosas y se retiró en 1944 a una huerta en su Adamuz natal y para ejercer de tabernero.

Su propensión a la bebida que, se acentuó por su retiro artístico, posiblemente influyera en el aceleramiento de la hidropesía que acabó con su vida un 24 de octubre de 1947, a la edad de 42 años.

Adela Fernández Jiménez nace en el gaditano barrio de Santa María en 1918. Aunque a ella le gustaba que le llamaran “La Gitana” adoptó como nombre artístico “Adela La Chaqueta” ya que está emparentada de lejos con la estirpe flamenca de los “Chaquetas”. Era hija de Manuel Fernández Cortés y de Dolores Jiménez y hermana, por vía paterna del bailaor “Tomás El Chaqueta”.

Debutó en Madrid con tan solo 15 años de la mano de La Argentinita. Se quedó allí una larga temporada actuando en tablaos y teatros. Siguió cantando hasta prácticamente su muerte, demostrando que era una maestra de las bulerías y de los fandangos. Para muchos, de hecho, es quien mejor los ha cantado.

Dominadora como nadie de los estilos festeros, cultivó a gran altura los estilos de ida y vuelta y la canción, corridos y rancheras por bulerías, de la que llegó a ser una consumada maestra.

Curiosamente, su discografía no es tan extensa como cabría pensar, ya que por alguna razón no despertó un gran interés de las casas discográficas, una lástima, que nos ha privado de escucharla en los cantes más jondos.

Trabajó muchos años en Los Canasteros de Manolo Caracol, quien la animó a cantar ya que, en un principio, trabajaba en este tablao como bailaora.

Antonio Murciano, poeta de Arcos de la Frontera, dijo de ella “oír y ver cantar a Adela o simplemente oírla acompañar y jalear, es un recreo para los sentidos. Adela alegra, tonifica, encanta. Emociona su alegría y su eco contagia y transmite sentimientos … su voz gaditana de tronío, es como un látigo que nos sacude y nos hiere, que nos araña los entresijos del alma.”

Fallece Adela La Chaqueta un 31 de julio de 1995 a la edad de 77 años.

En este año 1975 se avecinan grandes cambios en la historia de España, la muerte del Caudillo, que como consecuencia traerá la democracia y la restauración de la monarquía, todos estos acontecimientos están a la vuelta de la esquina.

Corren tiempos de cambios y eso también se va a notar en un José que ya alcanzaba los momentos de mayor grandeza y jondura de su carrera artística, alumbrado por un Paco de Lucía lleno de creatividad y genialidad.

Este nuevo disco que dedicó a su majestad Curro Romero. Jaleado con temple por su compañero de fatigas, cantes y capeas, Alonso Núñez, Rancapino. José se encuentra en plena madurez artística y personal, si se puede hablar de un hombre maduro a sus 25 años, pero su sabiduría era la de un viejo con mucha experiencia flamenca y conocedor de muchos estilos y palos. Cuando le ofrecieron grabar el primer disco, Antonio Arenas, dijo José “yo que voy a grabar si solo sé cuatro o cinco cantes”.

Con este Arte y Majestad ya se define lo que más tarde se llamará el estilo camaronero. El acento propio de Camarón, que tanto ha influido en las jóvenes generaciones de artistas flamencos, una forma de cantar e impostar una voz especial llena de cromatismos y matices musicales, que en esta grabación y la siguiente “Rosamaría” alcanzará la cota máxima hasta el momento.

El topónimo Andalucía se introdujo en la lengua castellana durante el siglo XIII para designar el territorio peninsular bajo dominio musulmán. Debido a la gran influencia ejercida por todas las culturas que han pasado por nuestra región, Andalucía posee un gran legado cultural que se manifiesta en la arquitectura, en la agricultura y como no, en la música, por poner sólo unos ejemplos.

Dentro de este riquísimo Patrimonio Cultural Andaluz, la Música Andaluza ocupa un importante lugar como manifestación artística y cultural, y como seña de identidad dentro de la Cultura Andaluza. A la vez, dentro de la Música Andaluza, el Flamenco adquiere un especial protagonismo como ejemplo significativo de la misma.

El Flamenco posee una gran riqueza cultural que probablemente haya hecho posible la importancia que ha adquirido a lo largo de los años. Las diferentes culturas que han pasado por nuestra comunidad, dejaron unos estilos musicales, que con el tiempo se trasformaron en lo que hoy conocemos como flamenco.

El Flamenco es seña de identidad andaluza, y por eso ha sido declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad el 16 de noviembre de 2010 por la UNESCO. Esta organización considera Patrimonio Cultural Inmaterial a los “usos, representaciones, expresiones, conocimientos y técnicas (junto con los instrumentos, objetos, artefactos y espacios culturales que les son inherentes) que las comunidades, los grupos y en algunos casos los individuos reconozcan como parte integrante de su patrimonio cultural.

Este patrimonio cultural inmaterial, que se transmite de generación en generación, es recreado constantemente por las comunidades y grupos […], infundiéndoles un sentimiento de identidad y continuidad y contribuyendo así a promover el respeto de la diversidad cultural y la creatividad humana.” Son muchas las ocasiones en las que nos encontramos ante festividades en las que el Flamenco está muy presente en nuestra comunidad, como es el Día de Andalucía.

Que sirva nuestro programa de hoy como un pequeño homenaje a todas aquellas personas que de alguna manera han contribuido a crear, mantener, divulgar y promover nuestra música, el Flamenco.

Manuel Arroyo Jiménez, más conocido en el mundo flamenco como Tío Mollino, nace en el Callejón de Jesús del típico Barrio de San Isidro de Algeciras, un 28 de junio de 1913.

En su primera época fue conocido con el sobrenombre de El Mollino, se dedicaba al trato de ganado, oficio muy extendido entre los gitanos de su época.

Se tiene noticias que durante la década de los treinta y cuarenta apareció en algunos carteles junto a artistas como Rafael El Tuerto, El Corruco de Algeciras, Macandé y otros muchos.

No fue un cantaor profesional tal y como lo entendemos hoy día y pocas veces se subió a un escenario delante de un público numeroso. Su cante lo manifestó más en reuniones de cabales y de amigos.

Su voz, con un quejío y lamento profundo, no pasa inadvertida. Su cante tiene ecos milenarios y manifiesta influencias del cante jerezano.

Grabó de mayor, a la edad de 76 años un único disco en 1989 donde interpreta los palos más primitivos y más jondos del arte flamenco como martinete, seguiriyas y soleares.

Nos dejó Tío Mollino un 16 de diciembre de 1996 a la edad de 83 años en la tierra que le vio nacer.

Desde las primeras décadas de 1900 hasta mediados de ese siglo, los espectáculos flamencos pasaron a ser celebrados en plazas de toros y teatros, bajo el nombre de "Ópera flamenca".

Esta denominación era una estrategia económica de los promotores, pues la ópera sólo tributaba el 3% mientras que los espectáculos de variedades pagaban un 10%. En esta época los espectáculos flamencos se extendieron por toda España y por las principales ciudades del mundo.

Son características de los artistas de esta etapa la voz laína, la voz de falsete y el cante preciosista. El repertorio es más limitado en cuanto a palos o estilos de cantes. Sobresalen los cantes de ida y vuelta, el cuplé y el fandanguillo que se convierte en la tarjeta de presentación de todos los artistas de esta época.

Son muchos los artistas que destacaron en esta época del flamenco, que para algunos fue una etapa nefasta para el flamenco por el declive y olvido que sufrieron muchos palos de lo jondo. Uno de estos cantaores representativo de esta Ópera Flamenca fue Paco El Americano.

Nombre artístico de Francisco Valls Toribio.

Paco nació en Buenos Aires (Argentina), en 1907, hijo de un gaditano y una madrileña y vivió de niño en Sevilla, donde se inició artísticamente.

Se traslada siendo muy joven a Madrid, donde alcanzó gran popularidad actuando en cines y teatros de la capital.

En 1929 viajó a América, debutando en su ciudad natal con el espectáculo La copla andaluza, recorriendo después otros escenarios americanos.

De vuelta a España, en 1930, lleva a cabo una gira por la geografía española contratado por Vedrines, alternando en 1932 con Perosanz, y en 1934 nuevamente con Angelillo.

Paco El Americano, destacó por su forma tan personal de interpretar los fandangos, los cantes de ida y vuelta y canciones aflamencadas, repertorio clásico de esta etapa flamenca que le tocó vivir.

En la década de los cuarenta estaba muy de moda en todas las emisoras de Radio, por su voz tan dulce y melodiosa.

Fallece El Americano en 1987 en la ciudad de Madrid, a la edad de 80 años.

Francisco González Sanromán, más conocido en el mundo del flamenco como Paco “Mazaco”, en honor del famoso matador de toros Machaco o Machaquito, nace en 1898 en Coria del Río, provincia de Sevilla, donde pasó gran parte de su vida, de manera especial su infancia.

Como otros muchos cantaores, también Mazaco quiso ser torero, como su paisano Manuel Centeno o como Camarón de la Isla.

Paco vivió plenamente la música desde su infancia, dado que su padre, Baldomero González, era miembro de la Banda Municipal de Sevilla.

Pasó su niñez en Coria del Río junto a su abuela materna, Ramona, quien pretendía hacer de su nieto un buen panadero, cuyo oficio logró aprender.

Pero como cualquier otro niño de su época, al chiquillo le atraía el mundo del toro tanto, que dejó al lado la música y se metió de lleno en el arte.

Pero la mala suerte y, sobre todo, las cornadas, lo obligaron a dejar el toreo.

Puesto que Paco ya cantaba, pudo encontrar en el cante otra manera de manifestar su arte.

Ya en su pueblo natal alternó con grandes cantaores de la talla de Fernando el de Triana, La Niña de los Peines, Niño Gloria o Manuel Torre.

A finales del año 1920, Paco Mazaco era ya un cantaor bien conocido en Sevilla donde llegarán sus primeras grabaciones discográficas y sus primeros contratos.

Pero los problemas de salud y la Guerra Civil que le tocó vivir, terminarán con su salud y en 1949, Paco Mazaco fallece en Sevilla a la edad de 51 años.