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Depredador, del inglés “Predator”, es un alienígena cazador de trofeos de distinto origen, humanos o alienígenas. Su primera aparición fue cinematográfica, con la película Depredador, en 1987. Estaba dirigida por John McTiernan y protagonizada, entre otros, por Arnold Schwarzenegger, Carl Weathers y Jesse Ventura. Estaba guionizada por Jim y John Thomas.

La película narra la historia de un grupo que parte en una misión para rescatar un rehén de una guerrilla ubicada en América Central. A medida que van avanzando en la misión comienzan a ser acechados por un cazador extraterrestre desconocido para ellos.

Posteriormente Depredador apareció en novelas, cómics, fanzines y otras secuelas como Depredador 2, Depredador vs. Alien, y otras.

Depredador: Sus características

Depredador, también llamados Yautja, tienen forma humanoide, de una altura de 2,5 m aproximadamente.

Su cráneo, en cambio, es de una forma muy diferente ya que su cabeza tiene un par de ojos pequeños con iris verde, rojo o amarillo, que le dan una vista dentro del espectro de la luz infrarroja y ultravioleta. Su visión es termográfica, pero poseen una tecnología que le permite mejorar su espectro visual.

Su nariz es similar a la de las serpientes, con unas hendiduras. Respiran 1% más de oxígeno y un 4% más de nitrógeno que los humanos. Su boca tiene forma cruciforme, con enormes mandíbulas y móviles. Su oído está superdesarrollado y su fuerza es superior a la humana.

Su sangre está basada en el carbono y tienen una capacidad parcial para neutralizar el ácido de xenomorfo. Su vida también es más larga porque tienen la capacidad de aumentar el tiempo de vida humano.

Físicamente, su cuerpo es puro músculo. Suelen pesar entre 140 y 190 kilos. Tienen garras negras y fuertes. En vez de cabello tienen una corona de conductos capilares de superficie lisa, gruesos en su parte superior. Tienen un aspecto de rastas. Estos conductos varían de color y forma según la edad y raza. Su función es regular el calor corporal del individuo, ya que a través de ellas circula sangre. Su piel es generalmente de tonos verdes acompañada de escamas de color café, negras o verdes.

Los machos de la especie son más altos y fuertes que las hembras. Generalmente las hembras no cazan y se dedican a criar y educar a sus hijos.

Depredador: Su origen

Su planeta de origen es Yautja Prime, un planeta árido y seco con dos soles. Es un lugar de calor extremo, con actividad volcánica constante e intensa. A pesar de estas características alberga vida y no únicamente la raza depredadora.

Tiene dos ecosistemas: Uno radiactivo, el más extenso, y otro con bosques y junglas regados por múltiples ríos. En ambos ecosistemas existen especies vivientes.

De todas formas, este no es su planeta natal, si no un lugar de caza usado por algunos clanes para desarrollar sus habilidades y cazar libremente.

En las películas, la sociedad de los depredadores hace ver una preferencia por la caza de otras especies para coleccionar sus espaldas o espinas dorsales. En “Alien vs. Depredador” se explica que la tierra era una especie de campo de entrenamiento y ellos fueron os que enseñaron a las civilizaciones antiguas a construir templos para adorarlos y servirles como incubadoras vivas de los aliens. Visitaban la Tierra cada 100 años y escogían algunos humanos para la cacería creando la última presa: el Alien.

Según algunos cómics, la cultura de esta raza es extremadamente civilizada y pacífica aunque en un pasado fueron una comunidad bárbara y violenta donde la guerra era muy común.

Depredador: Sus leyes y orden social

Son criaturas con alto sentido del honor y poseen un intelecto superior al humano. Entre sus leyes se destaca que no atacan a mujeres embarazadas, ancianos, enfermos o niños. Tomar un trofeo de un depredador muerto es considerado un insulto. Si un Yautja mata a otro,

Para todo dibujante de cómics, hoy en día es imprescindible saber perspectiva y dibujo tridimensional. Es cierto que muchos grandes dibujantes como Alberto Breccia o Hugo Pratt no manejaban la perspectiva. Pero si uno piensa en dedicarse al dibujo de manera profesional, sea dibujando manga, superhéroes o historieta romántica, un requisito básico es tener buen manejo de la perspectiva.

Perspectiva es una palabra que proviene del latín y hace referencia al arte de dibujar recreando la sensación de profundidad y volumen de los objetos. Es también la ilusión visual que percibe el observador y le permite determinar la profundidad y la posición y tamaños relativos de los objetos de acuerdo a la distancia.

Historia de la Perspectiva

La técnica de la perspectiva ya era conocida por los griegos y es posible que también la manejaran los egipcios. En el antiguo Egipto existía la perspectiva “jerárquica o teológica” que consistía en variar el tamaño de las figura de acuerdo a su importancia.

Durante la Edad Media se pierden los conocimientos relativos a la perspectiva cónica y se utiliza en cambio, una perspectiva caballera, donde los objetos más cercanos se representan en la parte baja del cuadro y los más distantes en la parte alta.

Recién en los tiempos previos al Renacimiento vuelve a intentarse una representación de la profundidad del espacio por medio del dibujo tridimensional. Hacia fines del siglo XIII y principios del siglo XIV, se destacan los trabajos de Giotto como un primer intento por representación con perspectiva.

Fra Angelico mejora la técnica y en Massacio, especialmente en su obra “Trinidad” de 1420-1425, podemos ya observar conocimientos sólidos aplicados a una perspectiva con un punto de fuga.

Filippo Brunelleschi, artista y arquitecto florentino del renacimiento italiano, entre 1416 y 1420 realiza una serie de estudios con la ayuda de instrumentos ópticos y determina los principios geométricos que rigen la perspectiva cónica.

Y es Piero della Francesca quien hace de la perspectiva una teoría matemática.

A finales del siglo XV y XV, los escritos de Leonardo da Vinci que formarían su “Tratado de la Pintura”, agrega a la perspectiva los conceptos de color y de disminución de detalle y contraste con el aumento de la distancia.

En la primera línea del “Tratado de la Pintura”, Leonardo nos recomienda:

“El joven debe ante todas cosas aprender la Perspectiva para la justa medida de las cosas.”

Perspectiva cónica

Recibe este nombre por el hecho de que las líneas de proyección parten de un punto a modo de un cono. Podemos simular el efecto visual que percibe nuestro ojo proyectando los objetos tridimensionales sobre un plano bidimensional, utilizando los métodos de la perspectiva cónica y auxiliados por la geometría. Mediante este procedimiento se pueden obtener imágenes realistas. Sin embargo, la perspectiva cónica no puede imitar fielmente la visión estereoscópica del ser humano.

Perspectivas simplificadas

Otro sistema de representación gráfica es el de proyección paralela. En este caso, las rectas proyectantes no convergen en un punto, sino que son paralelas. Este sistema no refleja fielmente la profundidad del espacio ni la distorsión de los ángulos, sin embargo, permite comparar la verdadera magnitud de los objetos dibujados. Un ejemplos de esta técnica son la perspectiva caballera y la perspectiva militar.

“Successful Drawing”, el dibujo tridimensional según Andrew Loomis

De todos los libros que leí sobre perspectiva, el que me parece el más adecuado para el dibujante de cómics es el libro “Successful Drawing” de Andrew Loomis. Está bien explicado, con numerosos ejemplos gráficos, dibujados de manera clara y directa. Trata sobre algunos conceptos básicos de dibujo y luego explica perspectiva con un punto de fuga, con dos puntos de fuga y con tres puntos de fuga,

Grant Morrison nació en Glasgow, Escocia, en 1960. Es escritor de obras de teatro y guionista de cómics. Comenzó su carrera escribiendo para editoriales del Reino Unido pero luego su trabajo se fue centrando en el medio gráfico norteamericano. Es famoso por la reinterpretación que hizo de personajes ya clásicos y por tratar en sus historias temas conflictivos y marginales de la sociedad. Entre sus guiones más famosos están los que escribió para “Animal Man”, “Doom Patrol”, “JLA”, “New X-Men” y la historia de “Arkham Asylum” para Batman. Además, escribió obras de teatro, guiones de cine y los argumentos para varios videojuegos.

Grant Morrison en el mundo del cómic

Su primer trabajo publicado fueron las tiras de “Gideon Stargrave” para “Near Myths”, con sólo 17 años de edad. Sus guiones se publicaron en cuatro de los cinco tomos de “Near Myth”. Como estaba lo suficientemente seguro, buscó más trabajo en el género del cómics. Comenzó a escribir la tira semanal “Captain Clyde” y varios tomos de “Starblazer” para la DC Thomson.

En 1982 envió una propuesta a DC Comics de una historia que incluía a la “JLA” y los “Nuevos Dioses” de Jack Kirby, pero no fue aceptada. Luego de escribir “The Liberators” para la revista antológica “Warrior” del editor Dez Skinn, comenzó a trabajar para Marvel UK en 1985,

En 1987 comienza su primera serie continua llamada “Zenith”, creada junto a Steve Yeowell. Esta historia llamó la atención de DC Comics, quienes le propusieron trabajar con ellos. Grant y Steve aceptaron colaborar para la entrega de “Animal Man”, un personaje poco conocido de la DC.

Luego de impresionar con esta serie, en 1989 comienza a escribir para la serie “Doom Patrol”, iniciando así su camino “surrealista” en el género de los superhéroes. Introdujo en los primeros episodios conceptos como el dadaísmo y adaptaciones de escritos de Jorge Luis Borges. Ese mismo año, también en DC publica “Arkham Asylum”, una novela gráfica de 128 páginas ilustrada por Dave Mckean, la cual vendió más de 180.000 copias en su versión de tapa dura.

Morrison volvió con las historias de Batman en los tomos 6 a 10 de “Batman: Legends of the Dark Knight” durante la década de 1990.

En 1996, le dan a Grant la posibilidad de modernizar “La Liga de la Justicia”, donde unió los “7 Grandes” superhéroes del Universo DC en un mismo equipo. Esta serie rápidamente se volvió popular y volvió a ser uno de los best-seller de la editorial. También escribió varios episodios de “The Flash” con Mark Millar y el crossover mini-serie “DC One Million” en el año 1998.

Grandes obras de Grant Morrison

Con los tres volúmenes de “The Invisibles”, Morrison comienza quizás su más grande proyecto. Combina referencias políticas, pop y temas sub-culturales. Su trabajo contaba con influencias de escritores como Robert Anton Wilson, Aleister Crowley y William Burroughs. En 1999 se estrena Matrix, la cual tiene numerosos elementos similares a la serie de Morrison.

En el 2000, se publica la novela gráfica “JLA: Earth 2” dibujada por Frank Quitely. Deja la DC por un tiempo y se va a trabajar a Marvel Comics donde escribe series como “Marvel Boy” y “Fantastic Four: 1234”.

En el año 2001 comienza a escribir el título principal de “X-Men”, renombrado “New X-Men”. La modernización de los personajes creada por Morrison demostró una vez más que sus obras eran un éxito comercial, convirtiendo a la serie en la más vendida. A partir de entonces el nombre de Grant Morrison se co...

Darío Talasz, es un dibujante de manga nacido en la Argentina.

¿Quién es Darío Talasz?

Darío Talaszkiewicz, más conocido como Darío Talasz, nació el 23 de Julio de 1986, en Posadas, capital de Misiones. A los pocos días su familia se trasladó a Buenos Aires. Primero al Barrio de Palermo y luego a los pagos de Garín (Partido de Escobar) donde había pasado su adolescencia su madre, junto a sus abuelos.

Inició sus estudios primarios en el Colegio Dover High School de Ing. Maschwitz, mostrando un interés temprano por el dibujo. Años más tarde, ya en la secundaria, asistió a un curso de manga con el Profesor Néstor Tosato, dando sus primeros pasos en este género.

Por el año 2005, con 19 jóvenes años, participó del curso de Historieta dictado en el Centro Cultural Rojas por Gonzalo García. A partir del verano 2006 y por invitación del mismo, comenzó a asistir a su estudio de dibujo que por ese entonces se encontraba en Olivos.

En el año 2007, Darío incursionó en el diseño de personajes para el programa Playhouse Disney, en el estudio Universal Media de Palermo. Continuó en el Estudio de Gonzalo García hasta el 2010, año en el que fue llamado nuevamente por Universal Media para, en este caso, hacerse cargo de la realización de los dibujos para el programa televisivo ¨Velozmente¨ del Canal Discovery Kids.

Es fanático del Heavy Metal hasta el cansancio de la misma forma que también lo es de “Predator”, “Alien”, “Dragon Ball” y “Sailor Moon”, entre otros. Disfruta de su perrita Selene a quien quiere mucho y es su cable a tierra.

Su proyecto artístico

Desde hace tres años y medio, trabaja en la creación de un personaje y una historia que es ahora el centro de su universo. Por razones más que obvias el autor se reserva la trama de la historia para no spoilear y mantener el suspenso de la misma. Lo único que Darío nos puede anticipar, es que la protagonista es una joven muy hermosa, valiente, que no pertenece a este planeta y que su nombre es Milena.

Osamu Tezuka nació el 3 de Noviembre de 1928 en la prefectura de Osaka, Japón. Era mangaka, además de animador, productor de películas, activista y médico.

Tezuka es descendiente de Hattori Hanzo, un famoso ninja y samurai quien sirvió fielmente a Tokugawa Ieyasu durante el período Sengoku en Japón. Su hijo, Makoto Tezuka, se convirtió en un director de películas y animé.

Sus técnicas pioneras y sus innovaciones en los géneros del manga le dieron títulos como “el padre del manga” o “el dios del manga”. Además es considerado como “el Walt Disney japonés” por realizar los primeros largometrajes de animé.

Tesuka murió de cáncer de estómago en 1989. Su muerte provocó un impacto inmediato en el público japonés. Se construyó un museo dedicado a su memoria y a su obra. Muchos de sus mangas quedaron inconclusos debido a su muerte.

Los primeros pasos de Osamu Tezuka en el manga

Osamu fue el mayor de tres hermanos. Su apodo era “Gashagasha-Atama“, su traducción sería cabeza revuelta, desordenada. Él atribuye su autoestima, confianza y creatividad a su madre. Ella lo llevaba frecuentemente al teatro Takarazuka a ver obras musicales que tuvieron una gran influencia en sus trabajos, incluyendo los diseños de ropa.

Cuando Osamu era pequeño, su padre lo llevaba al cine a ver los largometrajes animados de Disney. Se volvió una obsesión ver las películas e intentar copiarlas. Su película preferida fue “Bambi”, que llegó a verla ¡80 veces!

Tesuka comenzó a dibujar manga en su segundo año de primaria y a partir de entonces continuó desarrollando sus habilidades en el dibujo de manera incansable.

En 1945 fue aceptado en la Universidad de Osaka y comenzó sus estudios de medicina. Al mismo tiempo, además, comenzó a publicar sus primeros trabajos.

A los 17 años publicó su primera obra: “Diary of Ma-chan”, una colección de 73 tiras de 4 cuadros sobe las aventuras cotidianas de un pequeño niño llamado Ma-chan. En esta temprana manifestación de su arte, ya se pueden observar características del estilo que desarrollará luego.

Luego publica “Shin Takarajima” (New Treasure Island), una adaptación de la novela de aventuras “La isla del Tesoro” de Robert Louis Stevenson. El éxito fue inmediato y es considerado como el inicio de la época dorada del manga.

Animado por su temprano triunfo, Tezuka viaja a Tokyo para conseguir un nuevo editor para su trabajo. Lamentablemente, la editorial Kobunsha lo rechaza, pero la editorial Shinseikaku adquiere “El extraño viaje del Dr. Tiger” y Domei Shuppansha adquiere “El misterioso Dr. Koronko”. Mientras, continúa sus estudios de medicina. Publica su primera obra maestra, una trilogía de ciencia ficción: “Lost World”, “Metropolis” y “Next World”.

Entre 1950 y 1954 publica en la revista Manga Shonen lo que sería su primer gran éxito: “Jungle Emperor Leo”. En 1951 se gradúa de la Escuela de de Medicina de Osaka y publica “Ambassador Atom”, la primera aparición de Astro Boy.

En 1952 “Tetsuwan Atom” comienza a publicarse en Weekly Shonen Magazine y se convierte en un éxito entre los jóvenes.

Al año siguiente, Tezuka publica el primer manga Shojo. “Ribon no Kishi” (Pricess Knight) se publicó en “Shojo Club” hasta 1956.

En 1954 comienza a publicar “Hi no Tori” (Phoenix), considerada por Tezuka como su principal obra. Es su trabajo más profundo y ambicioso, trata sobre la reencarnación desde una perspectiva Budista. Las historias hacen saltos en el tiempo, desde la época antigua hasta el futuro, de manera alternada, lo que le permiten a Tezuka explorar tanto temas históricos como de ciencia ficción.

Plastic Man fue creado por Jack Cole para la revista “Police Comics” de la editorial Quality. Fue la primer serie en mezclar géneros de humor y superhéroes.  La revista sale publicada en agosto de 1941. Mientras la Timely había dejado a su héroe elástico “Rubber” en el olvido, el personaje se transformó rápidamente en un éxito haciendo que Plastic Man sea la figura principal de la revista.

Una de las claves del éxito era el estilo gráfico de la serie. Jack Cole le sacaba jugo a su estilo más “Funny” con el personaje, aprovechando que Plastic Man podía moverse de las maneras más absurdas y graciosas, Jack Cole demostró todas sus virtudes como dibujante adquiriendo un estilo propio e inigualable. Claramente era el héroe mas diferente de la Edad Dorada, tanto por su características físicas, como por sus historias absurdas y humorísticas, y su arte que estaba bastante por encima del promedio de lo que se venia publicando en Estados Unidos en esa época histórica de los cómics. Fue uno de los superhéroes que más han perdurado de la edad dorada y uno de los pocos en conseguir revista propia en la editorial Quality en 1943.

Historia de Plastic Man de la Quality

Plastic Man era un delincuente llamado Patrick “Eel” O’Brien. Quedó huérfano a la edad de 10 años y forzado a vivir en las calles, lo que lo llevo a la vida delictiva. Al crecer formó parte de un grupo de ladrones. Durante una noche, él y su banda fueron a robar a la planta Crawford Chemical Works pero fueron sorprendidos por el vigilante. Mientras escapan, Eel fue disparado en el hombro y salpicado de un líquido químico desconocido. Al salir a la calle, Eel descubre que su banda lo abandonó. Desorientado por el disparo y los químicos, se desploma en una montaña cercana a la ciudad. Al despertarse estaba acostado en una cabaña y siendo atendido por un monje que lo encontró desmayado en el suelo. El monje lo ayuda porque siente bondad en él, lo que hace que reflexione sobre su vida y decide abandonar la delincuencia. Es ahí que descubre que los químicos que habían caído en su cuerpo lo afectaron de una forma especial. Su estructura física había cambiado y su cuerpo tenía todas las propiedades del caucho, el cual hacía que pudiera estirarse, saltar y tomar cualquier aspecto o forma. Finalmente decide usar sus nuevos poderes para el bien, usando un uniforme de goma rojo, negro y amarillo, y gafas para ocultar su identidad secreta para dar lugar a Plastic Man.

Plastic Man luego consiguió un compañero, Woozy Winks, que a diferencia de los compañeros estándar, que solían ser jóvenes ayudantes, éste era torpe, inepto y gordo. Era un ladronzuelo que después de salvar a un mago de ahogarse, éste lo recompensa lanzando un hechizo que haría que las fuerzas de la naturaleza lo protejan para siempre. Este origen sería ignorado con el correr de los episodios y Woozy sólo sería el ayudante cómico del héroe.

Con el correr de los años Plastic Man se convierte en miembro de la policía y más tarde del FBI . Ya a esta altura había abandonado su identidad anterior.

Jack Cole y su creación, Plastic Man

Ya a fines de la década del ’40, Plastic Man estaba siendo realizado por escritores y dibujantes anónimos como Alex Kotzky y John Spranger. Sin embargo, el nombre de Jack Cole siempre estaba presente. El propio Cole quiso salvar a la serie entre 1949 y 1950. Pero fracasó y la revista de Plastic Man cerró en 1956 luego de 6 años de reimpresiones de viejas historias.

Jack Cole siguió por otros  rumbos, yendo a dibujar a la revista “Playboy” lo que le trajo un rotundo éxito fuera del cómic. Logro entablar una amistad con Hugh Hefner. Además creó su propia tira cómics “Betsy and me”. El 13 de Agosto de 1958, Jack Cole se suicidó. Nunca se conocieron las razones que lo llevaron a eso. Cole dejó dos cartas: Una para su esposa y otra para su amigo y editor Hugh Hefner, pero el contenido de estas jamás se dieron a conocer.

Entrevistamos a David Nakayama, Javier Rovella, Pablo Rey, Clemente Montag y Rocio Zucchi en el marco de la 8va edición de la Argentina Comic Con 2017 que se realizó el 8, 9 y 10 de Diciembre en el Centro Costa Salguero. Nos encontrarnos con artistas del medio, conocimos gente nueva e intercambiamos nuestros trabajos y proyectos.

La entrevista a Nakayama es en inglés y abajo en “Entrevista a David Nakayama” encontrarán traducida una adaptación de la conversación.

¿Qué es la Comic Con?

La Comic Con (Del inglés “Comic Convention”) es un evento de historieta que se celebra durante varios días. Allí, participan distintas editoriales, locales, dibujantes, actores y otros tantos artistas en un encuentro con su público. Su primera edición se realizó en San Diego, EEUU, en el año 1970. Actualmente se expandió a otros rubros, abarcando entre otros elementos al cine y los videojuegos.

Entrevista a Javier Rovella

Javier Rovella es historietista y dibujante de animación. Entre sus trabajos más conocidos están Dante Elefante, Zebita, Brunella y Oficial Yuta. En el género de la animación participó de largometrajes como Mercano el Marciano, Patoruzito, Isidoro y Boogie el Aceitoso, entre otros.

Pueden encontrar sus trabajos en Facebook: Javier Rovella y en las librerías.

“Para mí, estudiar es la base de todo. No sólo por el profesor, si no estar en contacto con gente con tus mismas inquietudes y que estén estudiando lo mismo que vos.”

-Javier Rovella

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Entrevista a Clemente “Busu” Montag

Clemente Montag comienza a trabajar de muy joven en la editorial de Dante Quinterno, donde trabajó más de siete años como asistente personal de Quinterno, realizando tareas de entintado, color y creando tapas para la icónica revista “Patoruzú”. Allí conoce a Eduardo Ferro, quien considera como su maestro en la profesión. A fines de los años 1970, deja el estudio Quinterno y decide crear su primer historieta puramente creada por él: “Coco y Cilindrina” y presenta el proyecto en la editorial García Ferré. Allí le publicó la tira en la revista semanal Anteojito. Montag trabaja aquí durante 22 años hasta el cierre de la misma.

Pueden ver sus trabajos en Facebook: Clemente Montag

“Yo creo que hoy en día hay que trabajar y dominar lo digital perfectamente, dominar el dibujo y generar y estimular la fantasía a través de la práctica y el estudio.”

-Clemente Montag

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Entrevista a Pablo Rey

Actualmente está trabajando en el cómic “Bonded Scars” con Noelia Sequeira. Comenzó a estudiar y aprender a dibujar en el año 2006 después de conocer a Noelia, quien lo impulsó a adentrarse en el mundo del dibujo.

Pueden ver su trabajo de “Bonded Scars” en comiquerías como Entelequia, en eventos y en Facebook: Bonded Scars. También pueden ver otros de sus trabajos en Facebook: Pablo Rey.

“No hay que cerrarse en un estilo de dibujo. Aprender lo más que se pueda de todas las ramas del arte, ser humilde y aceptar las críticas.”

-Pablo Rey

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Entrevista a Rocío Zucchi

Comenzo a trabajar profesionalmente en el 2009 con Tokio Pop. Entre sus inspiraciones se encuentra Sailor Moon, Dragon Ball Z, entre otros.

Catwoman es un personaje de ficción publicado por DC Comics, comúnmente asociada a Batman. Fue creada por Bill Finger y Bob Kane. En Argentina aparecía como “Gatúbela“.

Su nombre real es Selina Kyle, y es conocida por su compleja relación amor-odio con Batman. Como una ladrona de Ciudad Gótica, generalmente viste un traje muy ajustado y usa un látigo como arma. Originalmente fue caracterizada como un adversario de Batman, pero desde los ’90 comienza a aparecer como una antiheroína, usualmente haciendo lo incorrecto por las razones correctas.

Las apariciones de Catwoman

La primer aparición de Catwoman fue en Batman #1, publicada en el año 1940. Ella aparecía llamada “The Cat” y era una ladrona. Al final de la historia se revela como una joven y atractiva mujer, quien se había disfrazado como una anciana a lo largo de la historia. Al comienzo su utilizaba su icónico traje, pero ya se mostraba como una femme fatale que antagoniza y atrae a Batman. Él, disimuladamente, bloquea a Robin y la deja escapar.

En el Batman #62, Catwoman revela que tiene amnesia debido a un accidente de avión el cual sobrevive. Más tarde, en el episodio #167 se revela que inventó esta historia porque buscaba una forma de salir de su pasado como criminal. A partir del episodio #65 comienza a ayudar a Batman hasta que decide volver a su vida de ladrona.

En la década de 1970, una serie de historias que tomaron lugar en “Earth-two”, la tierra paralela que fue el hogar de los personajes de la DC durante la época dorada. Selina se reformó en la década de 1950 y se casó con Bruce Wayne. Al poco tiempo da luz a su única hija, Helena Wayne, que luego será The Huntress. Luego se revela que Selina en realidad estuvo en un matrimonio abusivo que luego decide abandonar. Su marido decide quedarse con sus joyas, y ella tuvo que entrar por la fuerza para recuperarlas. A Selina le gustó tanto esta experiencia que decide convertirse en una profesional “Cat Burglar”. Y aquí comienza la historia en la que se encuentra con Batman. La Selina Kyle de “Earth-two” muere a finales de la década del ’70 luego de ser extorsionada por un criminal.

El origen de Catwoman fue revisado en 1987 cuando el escritor Frank Miller y el artista David Mazzuccheli publicaron “Batman: Year One“, un reboot del origen de Batman. En esta historia ella trabaja como una dominatrix con el único fin de sobrevivir. Quiere escaparse de su abusivo novio, quien a su vez es su proxeneta. Selina es testigo de los crímenes que su novio realiza, y debido a un evento que le ocurre a su hermana, comienza a estudiar defensa personal y artes marciales. Su maestro la inspira para convertirse en algo más de lo que ella hizo toda su vida.

En 1989 se publicó la serie limitada “Catwoman”, escrita por Mindy Newell y dibujada por J. J. Birch. Comienza a partir de la historia de Miller, y culmina cuando el proxeneta de Selina, Stan, la rapta y abusa violentamente de su hermana Maggie, quien es una monja. Selina mata a Stan para salvar a su hermana, y logra escaparse.

En el año 1993 Catwoman tuvo su primer serie, originalmente dibujada por Jim Balent.

Catwoman aparece en distintos episodios de personajes variados, además de su serie.

Entrevistamos a Ciruelo Cabral y Fernando Molinari en el marco de la 8va edición de la Argentina Comic Con 2017 que se realizó el 8, 9 y 10 de Diciembre en el Centro Costa Salguero. Nos encontrarnos con artistas del medio. Conocimos gente nueva e intercambiamos nuestros trabajos y proyectos.

¿Qué es la Comic Con?

La Comic Con (Del inglés “Comic Convention”) es un evento de historieta que se celebra durante varios días. Allí, participan distintas editoriales, locales, dibujantes, actores y otros tantos artistas en un encuentro con su público. Su primera edición se realizó en San Diego, EEUU, en el año 1970. Actualmente se expandió a otros rubros, abarcando entre otros elementos al cine y los videojuegos.

Entrevista a Ciruelo Cabral

Ciruelo Cabral es un artista especializado en el arte fantástico, más específicamente en la creación de dragones. Nació en Buenos Aires, Argentina, el 20 de Julio de 1963. Se especializó en la escuela técnica Fernando Fader y a sus 18 años comenzó su carrera como ilustrador.

En 1987 viajó a España y se radicó en Barcelona, España. Desde allí trabaja para distintos países, especialmente Estados Unidos.

Entre sus trabajos más conocidos se encuentran los “Petropictos”, imágenes pintadas en piedra con distintos materiales, como el óleo.

Pueden encontrar sus trabajos en Facebook: Ciruelo y en su Web.

“Hay una diferencia que yo marco entre lo que es ser ilustrador y lo que es ser artista: El ilustrador trabaja en función de las ideas y conceptos de otras personas y el artista, usando las mismas técnicas y la misma creatividad, trabaja para sus propios conceptos y sus propias ideas.”

– Ciruelo

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Entrevista a Fernando Molinari

Fernando Molinari es un artista que inursiona a través de sus obras en el arte fantástico. Nació en Buenos Aires, Argentina. Sus obras tan particulares representan hadas, duendes, dragones, brujas y otros seres mágicos. Comenzó sus estudios en el Fernando Fader y trabaja desde ese entonces en la ilustración fantástica. También es profesor de dibujo, ilustración y técnicas artísticas, y da clases desde fines de 1990.

Pueden encontrar sus trabajos en su Web y en Facebook: Molinari.

“De todo lo que he hecho en mi carrera lo más popular son los libros avocados a lo fantástico que es lo que siempre me atrajo desde la infancia. Y aquí estoy, sigo creando…”

-Fernando Molinari

¡Pero esto no es todo!

Las entrevistas continúan el próximo jueves.

¡No se lo pierdan!

Sailor Moon, cuyo título completo es “Pretty Soldier Sailor Moon” es una serie de manga dentro del género shojo, más precisamente en el subgénero magical girls. Ha cautivado a millones de lectores en todo el mundo, tanto chicas como varones. Guionada y dibujada por la mangaka Naoko Takeuchi. Fue publicada en la revista japonesa “Nakayoshi” de la editorial Kodansha entre 1992 y 1997. Fue luego recopilada  en 18 volúmenes.

Cuenta la historia de Usagi Tsukino, una chica de secundaria a la cual no le interesan mucho los estudios. Usagi adopta un gata callejera de color negra, con una luna creciente en la frente, de nombre Luna. Resulta ser un animal mágico que habla y le informa a Usagi que en realidad ella es Sailor Moon, una princesa mágica del futuro y protectora del Sistema Solar. Con la compañía de sus nuevas amigas, las Sailor Scouts y la ayuda del misterioso Tuxedo Mask, Sailor Moon se embarca en una misión para salvar a la Tierra de los malvados del Reino Oscuro.

Naoko Takeuchi, la autora de Sailor Moon

Naoko Takeuchi nació en Kofu, Yamanashi, en Japón. Sus padres son Kenji y Ikuko, Además tiene un hermano menor llamado Shingo. Estudió en Kofu Ichi High School, donde vestía “sailor fuku”, el uniforme escolar japonés de marinera. Se sumó en su colegio al club de manga y al de astronomía, experiencia que luego influirá en sus creaciones. Ella quería dedicarse al dibujo pero el padre le sugirió que tuviera otra profesión por si no lograba triunfar como artista. Naoko ingresó entonces a la Universidad de Farmacia de Kyoritsu y se recibió como licenciada en farmacéutica.

Después de graduarse a la edad de 19 años, Naoko ingresó a la industria del manga presentando “Love Call” a la editorial Kodansha, obra por la que recibiera un premio. Trabajo luego en historias cortas y autoconclusivas. Hasta que publica “Maria” en la revista Nakayoshi, basada en el libro “Daddy Long Legs” de Jean Webber, una novela famosa a comienzos del siglo XX. Luego desarrolló la serie “The Cherry Project ” sobre patinaje sobre hielo y que también fue publicada en la revista “Nakayoshi” entre 1990 y 1991.

Naoko quería hacer una historia sobre chicas guerreras en el espacio. Su editor, Fumio Osano, le sugirió que las vistiera con trajes de marineritas. Estas ideas finalmente tomaron forma en un one-shot llamado “Codename: Sailor V” y que fuera publicado en la revista “RunRun“. Ante el éxito de público, Toei Animation se mostró interesada en realizar un animé. Entonces, Naoko decidió reescribir Sailor V y agregarle otras cuatro heroínas.

Sailor Moon comienza a publicarse en la revista “Nakayoshi” en Diciembre de 1991. Tuvo un éxito inmediato. Durante los siguientes seis años, Naoko Takeuchi escribió y dibujó 52 capítulos de la serie. El éxito del manga llevó a dos adaptaciones a animé, tres largometrajes animados, una serie de TV con actores, varios videojuegos y todo tipo de muñecos y merchandinsing.

Naoko está casada con Yoshihiro Togashi, autor de la serie “YuYu Hakusho” y de la serie “Hunter × Hunter“, publicadas en la revista “Weekly Shonen Jump“.

Sailor Moon Store

Natalia Ramos, guionista de Julieta, nos envío unos videos  en su viaje de visita a Sailor Moon Store en Japón. ¡Esperamos que lo disfruten tanto como nosotros!

Y también nos envió su dibujo de la princesa Serenity.

¿No le quedó hermoso?