Gran repertorio

El Grupo de los Cinco, entre los que se encontraban Nikolai Rimsky Korsakov y Modest Mussorgsky, se constituyó durante la segunda mitad del siglo XIX como un pilar fundamental en el desarrollo del movimiento nacionalista ruso. Y lo hicieron, en parte, recuperando y llevando a los escenarios, algunos de los personajes más importantes del Imperio Ruso a lo largo de su historia. Tal fue el caso de la ópera Boris Godunov, con música y libreto del propio Mussorgsky, basada en la homónima obra de teatro de Aleksandr Pushkin. En el programa se ha podido escuchar a José Luis Téllez, Ricardo de Cala, Roberto Mendes y François René Tranchefort. La grabación seleccionada, en su versión original de 1869, ha contado, entre otros, con Nikolaj Putilin en el papel principal, Olga Trifonova como Ksenija, Zlata Bulyčeva interpretando a Fjodor y Viktor Lucuk en el rol de Grigorij, todos ellos acompañados por el Coro y la Orquesta del Teatro Mariinski de San Petersburgo, dirigidos por Valerij Gergiev.

"El aire puro del campo llenará de paz tu corazón... Escapaste de aquel extranjero indigno de ti... Deja que me preocupe del futuro. Confía en tu padre que tanto te ama". Con estas palabras del Marqués de Calatrava, las últimas de amor que dedicará a su hija Leonor antes de su funesto final, comienza “La fuerza del destino”, melodrama en cuatro actos de Giuseppe Verdi sobre un libreto de Francesco Maria Piave, basado en la obra de teatro “Don Álvaro o La Fuerza del sino”, de Ángel de Saavedra, Duque de Rivas. Una muestra más del profundo interés del compositor por las tierras y costumbres españolas, y que, en esta ocasión, debe ser recordada, por encima de todas las cosas, por haberlo sacado de su voluntario retiro en la villa de Santa Ágata. Verdi, cansado de tanto trabajo, decide dejar la composición, para sorpresa de todos, tras el estreno de Un ballo in maschera, y no sería hasta tres años después cuando el Teatro Imperial de San Petersburgo, tras encargarle una nueva ópera, lo hiciese regresar a los escenarios.  Y sobre su origen, su adaptación del original español, su argumento, su música, sus dos versiones y algunas curiosidades al respecto se han escuchado las opiniones de Peter Lutz, Arturo Reverter y Augusto Martínez Olmedilla. En las lecturas han participado Roberto Quirós y Cristina Bravo. La grabación seleccionada, de 1955, ha contado con Silvio Maionica como el Marqués de Calatrava, Renata Tebaldi en el rol de Leonor, Ettore Bastianini como Don Carlo y Mario del Mónaco interpretando a Don Álvaro, todos ellos acompañados por el Coro y la Orquesta de Santa Cecilia, bajo la dirección de Francesco Molinari-Pradelli.

Durante el verano de 1806, Beethoven aprovechó la invitación del Príncipe Lichnowsky para descansar en su palacio de Gratz. Esta pequeña ciudad austríaca a orillas del río Mura, idílica, que no superaba los 20 grados, suponía una suerte de oasis tras pasar un año muy difícil en la bulliciosa Viena, ocupada por los ejércitos napoleónicos. Pero Beethoven, ávido por mostrar al mundo un cambio en su música, quizás con tintes similares a los movimientos políticos de Europa en ese momento, se dispuso a escribir desde el 26 de mayo al 5 de julio un conjunto de cuartetos de cámara que dedicaría al aliado de su protector, el conde Andre Kirilovich Razumovski, embajador ruso en la capital austríaca. En estas tres obras reflejaría una mayor riqueza y variación compositiva, donde se aprecian intrincadas capas y ambiciosos desarrollos de los temas, técnicamente muy complejos, y con un destacado tinte popular ruso. Y sobre su origen, composición, su destinatario y su música se han escuchado las opiniones de Jan Bock, François René Tranchefort y María del Ser, haciendo referencia a los escritos de Mark Ferraguto. La grabación seleccionada ha contado con la interpretación del Cuarteto Ébène.

La Cuarta sinfonía en mi menor, op. 98, de Johannes Brahms, se estrenó en público, tras una audición privada con reducción para dos pianos, el 25 de octubre de 1895 con el propio compositor en la dirección. Pero para entonces ya había pasado una década desde que, con su pluma, escribiese la última nota de sus cuatro movimientos. Se trata de una obra que ha pasado a la historia por mantener ideas arcaicas, un estilo notablemente clásico e incluso barroco, en un tiempo que demandaba escuchar y seguir a Wagner, Berlioz o Liszt. Y sobre su origen, las formas en que se basa, los meses previos a su estreno, su tema principal, la poca aceptación entre los críticos de la época y su música se han escuchado las opiniones de José Luis Téllez, Robert Hague, Luis Ángel de Benito y André Previn. En las lecturas ha participado Roberto Quirós. La grabación seleccionada ha contado con la Orchestre Révolutionnaire et Romantique, dirigida por John Eliot Gardiner.

La tarde del 16 de julio de 1782, se estrenaba en el Burgtheater de Viena, el singspiel mozartiano “El rapto en el serrallo”. Una obra escénica, con libreto en alemán de Gottlieb Stephanie, escrita en paralelo a los preparativos nupciales del compositor de Salzburgo con Constance Weber, celebrada apenas unos días después. Quizás, por ello, siempre se ha pensado que sus personajes son los propios Mozart, Constanza, su padre y su suegra. En tal caso, se trata de un juvenil canto al amor, vencedor sobre cualquier dificultad, una lucha por la independencia personal, y una muestra del exotismo otomano tan en boga durante aquellos años. Y sobre su origen, la importancia que supondría para el singspiel, la utilización de elementos musicales orientales, la relación entre la escena y la vida real, su argumento y su estreno se han escuchado las opiniones de Giorgio Pestelli, Fernando Ortega, Claire Coleman y Antonio Román. En las lecturas han participado Roberto Quirós y Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado con la soprano Lynne Dawson en el papel de Constanza, el tenor Uwe Heilmann como Belmonte, el bajo Gunther von Kannen en el rol de Osmin, acompañados por The Academy of Ancient Music, bajo la dirección de Christopher Hogwood.

El 13 de junio de 1821 Johann Christian Woyzeck sería detenido y acusado de la muerte de una viuda de 46 años, de nombre Woost. Semanas después, durante un juicio público, la defensa argumentó que Woyzeck sufría una “disminución de la capacidad mental”, motivo por el cual asestó varias puñaladas a la mujer sin ser consciente de ello. Esta fue, por tanto, la primera ocasión en la historia legal alemana en que se utilizó una defensa por locura. Pese a todo, tras una larga investigación que llevó tres años, se concluyó que el sospechoso estaba totalmente cuerdo en el momento del asesinato y sería condenado a la pena capital ante miles de asistentes. Esta historia, muy conocida entre la sociedad alemana durante las siguientes décadas, fue recogida por el escritor Karl Georg Büchner, cuya intención era llevarla a los escenarios como un drama teatral. Por desgracia, falleció antes de finalizarla. Aun así, otros muchos autores versionaron la obra, incluso en forma musical, como fue el caso del Wozzeck de Alban Berg. Sus tres actos y 15 escenas constituyen una de las cimas operísticas de la música contemporánea, estableciéndose entre las 70 óperas más interpretadas del siglo XXI. Y sobre su origen, el personaje que inspiró la historia, su estreno, su argumento, sus formas musicales, su análisis y lo actual que continúa siendo su trasfondo se han podido escuchar las opiniones de José Luis Téllez, Fabio Parazzini, Gerardo Vera, Javier Gutiérrez y François René Tranchefort. En las lecturas ha participado Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado con el barítono Franz Grundheber en el papel principal de Wozzeck, la soprano dramática Hildegard Behrens como María, el tenor bufo Heinz Zednik como el Capitán y el bajo bufo Aage Haugland en el rol del Doctor; todos ellos acompañados por el Coro de la Ópera Estatal de Viena y la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigidos por Claudio Abbado.

Hasta la llegada del Romanticismo muy pocos compositores habían impreso en su música una imagen de la naturaleza. Menos aún, si de imitarla a la perfección se trata. Uno de los casos más excepcionales al respecto es el del francés Jean-Féry Rebel, cuando con más de setenta años cumplidos, estrenó su ballet Les Elements (Los elementos). Pero esta pieza, una de las más originales del repertorio barroco, dedicada al Príncipe de Carignan, no ha pasado a la historia por su conjunto, sino por una de sus partes, concretamente el prólogo titulado El Caos –cargado de extravagantes y novedosas disonancias-. Y sobre su origen, su contexto histórico, la vida del propio compositor, su Advertencia inicial, su música y otras piezas similares se han podido escuchar las opiniones de Roberto Quirós y Teresa Casanova. La lectura del texto escrito por Jean-Féry Rebel ha participado Carlos González. La grabación seleccionada ha contado con Le Concert des Nations, bajo la dirección de Jordi Savall.

En 1831, mismo año en que Bellini estrenaba Norma y La Sonnambula, Meyerbeer ponía en escena su Roberto el diablo, y Hérold hacía lo mismo con la ópera Zampa o La prometida de mármol, el poeta, dramaturgo y escritor ruso Aleksandr Pushkin publicaba su novela en verso “Yevgueni Oneguin (Eugenio Oneguin en castellano), que acabaría siendo uno de los grandes clásicos de la literatura rusa. Su personaje principal, cuyo duelo armado traspasaba la frontera entre la ficción y la realidad, caló tanto en la sociedad del momento que incluso medio siglo después continuaban realizándose adaptaciones de la obra en diferentes formatos. Uno de ellos fue, precisamente, el operístico, gracias al compositor Piotr Ilich Tchaikovsky, quien hizo la puesta en escena en tres actos con un grupo de estudiantes del Conservatorio de Moscú el 29 de marzo de 1879. Y sobre su origen, su argumento, su música, sus diferentes representaciones, sus personajes, su estreno y su repercusión se han escuchado las opiniones de José Luis Téllez, Ramón Gener, Claudio Esteban Boccia y Francois René Tranchefort. Estas dos últimas, mediante sendas lecturas realizadas por Roberto Quirós y Amalia Pérez, respectivamente. La grabación seleccionada, una de las más similares a como fue en su estreno, ha contado con la soprano Galina Vishnevskaya en el papel de Tatiana, la contralto Larisa Avdeeva como su hermana Olga, el barítono Evgeni Belov como Eugene Onegin y el tenor Sergei Lemeshev en el papel de Lensky; todos ellos acompañados por el Coro y la Orquesta del Teatro Bolshoi, bajo la dirección de Boris Khaïkine.

Para Ludwig van Beethoven su gran sinfonía no fue ni la Eroica, ni la Quinta, ni la Pastoral, ni tan siquiera la que muchos han considerado como la mejor que jamás se haya escrito, la Novena. Por muy extraño que sea, se dice que el compositor de Bonn siempre consideró, delante de todos sus allegados, que la Octava Sinfonía era la más grande de todas. La que apodó cariñosamente como “mi pequeña Sinfonía en Fa”, para distinguirla de sus dos predecesoras. Robert Schumann comentó que la Octava era “una esbelta doncella griega entre dos gigantes nórdicos”. Richard Wagner afirmó que “es muy sublime por cuanto combina la tragedia y la fuerza, y un vigor hercúleo, con los juegos y caprichos de un niño”. Y no es para menos, pues su belleza radica en formas sencillas pero rupturistas, marcadamente rítmicas y un hilo conductor que bien podría parecer el de un Concierto para piano –como originalmente fue pensada-. Y sobre su origen, el momento personal que vivía, su estreno y acogida por el gran público, la importancia del metrónomo y su análisis han hablado Luis Ángel de Benito, Marta Vela, Josan Aramayo y Lewis Lockwood, además del análisis musical realizado por el compositor Héctor Berlioz. En dicha lectura ha participado Carlos González Díez. La grabación seleccionada ha contado con la Orquesta de Cámara de Europa, dirigida por Nikolaus Harnoncourt.

A finales del siglo XVIII el Fandango parecía vivir una época de esplendor. Un fenómeno que se extendió a otros géneros como la seguidilla y el minueto, y que llegó a destacar fugazmente en la escena musical madrileña. A raíz de ello, muchos compositores se atrevieron a introducirlo y a versionarlo en sus obras, como fue el caso de Félix Máximo López, organista de la Real Capilla durante los reinados de Carlos III, Carlos IV y Fernando VII. Su obra más conocida acabó siendo, precisamente, un Minué afandangado con 6 variaciones en Sol menor para clave o pianoforte, que se ha mantenido en los conservatorios y en las salas de concierto hasta la actualidad. Pero en este programa no sólo se va a hablar de dicha composición –de su origen, significación y pervivencia en el siglo XIX-, sino que también se va a hacer un repaso sobre su vida, su catálogo, su estilo, su contexto histórico y la situación de la Real Capilla, contando con eminentes expertos como Jaime Tortella, Roberto Quirós, María Luisa Navarro, Felipe López y Germán Labrador. En el apartado musical, se han podido escuchar las dos primeras variaciones para guitarra del Minuet Afandangado, de Dionisio Aguado, con el guitarrista Lorenzo Micheli; y de forma íntegra, con Naruhiko Kawaguchie al fortepiano, las 6 Variaciones al Minuet Afandangado de Félix Máximo López.