Gran repertorio

Cuando se habla de música veneciana en seguida vienen a la memoria las figuras monumentales de Antonio Vivaldi y Claudio Monteverdi. El primero, con sus Cuatro Estaciones, y el segundo con su Orfeo. Pero hay una tercera parte en la ecuación, sin la que sería posible dibujar el cuadro que acabaría siendo, décadas y siglos después, uno de los más celebrados entre los amantes de la música: el de la ópera. Y ese tercer compositor no es otro que Francesco Cavalli, figura primordial en la Italia barroca, que el 28 de noviembre de 1651 estrenó en el Teatro San Apollinare de Venecia su obra más importante, La Calisto, con libreto en italiano de Giovanni Faustini. Un monumento en un prólogo y tres actos que muestra un argumento impropio para su tiempo, notablemente cargado de carácter erótico, que, pese a su fracaso inicial, ha acabado siendo un auténtico éxito allá donde se represente en la actualidad. Y sobre su compositor, su libreto, su origen, su estreno y rescate del olvido, su música, su trama y la importancia que tiene la música en los propios personajes se han podido escuchar las opiniones de Stefano Russomanno, Xavier Sabata, Álvaro Torrente, José Luis Téllez, Jennifer Williams Brown e Irene de Juan. En las lecturas ha participado Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado, en los roles principales, con la soprano María Bayo como Calisto, el barítono Marcello Lippi como Júpiter, el contratenor Graham Pushee en el papel de Endimione y la soprano Alessandra Mantovani como Diana; acompañados por la agrupación Concerto Vocale y René Jacobs en la dirección.

Para la ciudad de Londres, muchos han sido los momentos y los años donde algún acontecimiento importante ha marcado su notable y longeva historia: la reconquista de Alfredo el Grande frente a los vikingos en el 886 d.C., la refundación de la Abadía de Westminster por Eduardo el Confesor casi dos siglos después, la Revuelta de los campesinos de 1381, la llegada de William Shakespeare tras sus “años perdidos”, la Gran plaga de 1665 sucedida por el Gran incendio en septiembre de 1666, el honor de ser tildada como la capital del mundo en el siglo XIX o, por supuesto, los bombardeos sufridos durante la Segunda Guerra Mundial; pero en el apartado artístico, y en concreto, el musical, casi es de obligado reconocimiento la inauguración de la Royal Academy of Music en el King’s Theatre en 1720. Gracias a ello, la ópera dramática se constituyó como una parte fundamental de la vida, la cultura y la sociedad, en fin, del propio ser de la ciudad londinense. Durante apenas 8 años, hasta su cierre, el triunvirato formado por los compositores Ariosti, Händel y Bononcini obtuvo un éxito inigualable, en gran medida, por contar entre su elenco fijo con el castrato Senesino y las prima donna Cuzzoni y Bordoni. Y fruto de esa constelación de estrellas nació, apenas unos meses después de su apertura, la ópera serie, Rodelinda, reina de Lombardía, con música de Georg Friedrich Händel y libreto en italiano de Nicola Francesco Haym. Sobre su origen, la trama en que se inspiró, su libreto, su argumento, su elenco, su primera representación y diferentes reestrenos, la inauguración de la Royal Academy of Music y su música han hablado José Luis Téllez, François René Tranchefort, Enrique Martínez Miura y Joan Matabosch. En las lecturas ha participado Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado con Simone Kermes en el papel de Rodelinda, Marijana Mijanovic en el de Bertarido, Steve Davislim como Grimoaldo, Sonia Prina como Eduige, Marie-Nicole Lemieux en el rol de Unulfo y Vito Priante como Garibaldo, todos ellos acompañados por Il Complesso Barocco, bajo la dirección de Alan Curtis.

Tras las representaciones relativamente exitosas en Milán de Mitridate, re di Ponto y Ascanio in Alba, la gerencia del Teatro Regio Ducale envió una misiva a Wolfgang Amadeus Mozart para hacerle un nuevo encargo. En esta ocasión, le solicitaban una ópera seria basada en el personaje de Lucio Silla para el carnaval de Milán de 1773. De esa forma, en apenas unos días, contrató los servicios de Giovanni di Gamerra para que se hiciese cargo de un libreto que, finalmente, sería revisado de arriba abajo por Pietro Metastasio, cuando el compositor salzburgués ya había escrito una buena cantidad de material musical. Finalmente, y pese a los numerosos problemas con los que se encontró –como la limitada calidad vocal de un tenor inexperto que sustituía al principal en el último momento-, pudo estrenar la obra el 26 de diciembre de 1772, eso sí, con 3 horas de retraso por la lentitud y, quién sabe si desinterés, del archiduque Fernando. Su éxito fue comedido, y aun así, logró mantenerla en cartel durante 26 representaciones. No es para menos, pues de Lucio Silla se ha comentado en numerosas ocasiones que tiene material musical suficiente para dar vida a una docena de sinfonías. Y sobre su origen, su libreto, el relato histórico de su protagonista, su argumento, su estreno, su análisis musical y lo que significó para su carrera se han podido escuchar las palabras de Isidora Emborujo, François René Tranchefort, José Luis Téllez, Leopold Mozart, Edgar Vallora y Giorgio Pestelli. En las lecturas ha participado Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado con Peter Schreier, Edita Gruberová, Cecilia Bartoli, Dawn Upshaw, el Coro Arnold Schönberg y Concentus Musicus de Viena, todos ellos bajo la dirección de Nikolaus Harnoncourt.

“De alguna manera, esta obra corona todo un período de mi trabajo. Pensé en ella como una pieza que glorificase el alma humana. En esta 5ª Sinfonía quería cantar un himno para el hombre libre y feliz; un himno a la fuerza, a la generosidad y a la pureza de su alma. Realmente no puedo decir que haya elegido deliberadamente este tema puesto que nació en mí y simplemente estaba obligado a expresarlo puesto que la música siguió madurando en mi interior hasta que llenó mi alma.” Con estas palabras expresa Sergei Prokofiev lo que fue la Quinta Sinfonía, en Si bemol mayor, op. 100, para él y cómo nació de sus entrañas en pleno apogeo de la Segunda Guerra Mundial. Es, sin duda alguna, una pieza monumental, grandiosa, que algunos han llegado a describir como “saturada de drama”. No es para menos, pues desarrolla perfectamente las tradiciones heroico-épicas de la música sinfónica rusa. Y sobre su origen, su estreno, su análisis musical, el momento histórico, político y social en el que fue compuesta y otros aspectos se ha hablado en este nuevo documental de Gran Repertorio.

En 1877, Pablo de Sarasate estrenó en Leipzig una de las obras más importantes de su catálogo, y también, una de las pocas que no tenía una relación directa con España: sus Aires Gitanos. Siguiendo la moda imperante de escribir a la húngara, tomando las características de su estilo nacional conocido como verbunkos, hiló una pieza en cuatro secciones donde mostraba algunas de las melodías más bellas que había recopilado durante su estancia en el país. Y sobre su origen, la vida del compositor, su célebre encuentro con una banda de músicos gitanos, su análisis musical, una acusación de plagio y la única grabación que realizó y que se ha conservado hasta la actualidad se han escuchado las palabras de María Nagore, Beatriz Torío, Mariano Vázquez y José Ricardo Rodríguez. En las lecturas han participado Roberto Quirós y Amalia Pérez. Las grabaciones seleccionadas, por orden de aparición, han contado con el violinista Itzhak Perlman, el Abbey Road Ensemble y Lawrence Foster a la dirección; el violinista Arthur Grumiaux y el pianista Istvan Hajdu; y, finalmente, el propio Sarasate al violín, en un registro histórico cuyo pianista acompañante no aparece documentado.

Dmitri Shostakovich encontró en los primeros años de 1930 un motivo de inspiración que le encumbraría como uno de los compositores operísticos más importantes del momento, pero también le granjearía la enemistad del Partido Comunista y de su propio líder, Josif Stalin. Tal motivo no era otro que la lectura y adaptación operística de la novela “Lady Macbeth del distrito de Mtsensk”, escrita por Nikolai Leskov en 1865, y reeditada a finales de los años veinte con ilustraciones Boris Kustodiev. El propio Shostakovich escribió años después de su estreno que Lady Macbeth tuvo un éxito enorme en Moscú y Leningrado. Fue mi momento más feliz. Antes de la ópera era un chico al que podían haber dado unos azotes, y después, era un criminal estatal. Pero en ese momento todo parecía perfecto. Hacía referencia el compositor a su reestreno en Leningrado, pero en esa ocasión no sería bajo su título original, sino con el de Katerina Ismailova, en una versión de nuevo aprobada por las autoridades soviéticas. Y sobre su origen, los problemas políticos que le acarreó, sus personajes, su trama, su música y sus mensajes ocultos se han podido escuchar las palabras de Gregorio Parra, Hartmut Haenchen, François René Tranchefort, Rossella Bertolazzi, Martín Llade, Sandra Urdín y los propios Shostakovich y Stalin. En las lecturas ha participado Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado con Galina Vishnevskaya en el rol principal de Katerina, Nicolai Gedda como Sergey, y Dimiter Petkov como Boris, junto al Coro de la Ópera Ambrosiana y la Orquesta Filarmónica de Londres, dirigidos por Mstislav Rostropovich. 

Durante los meses de septiembre y octubre de 1887, el compositor franco-belga, César Franck, comenzó la que sería, a la postre, su sinfonía más importante. Un auténtico caballo de batalla para cualquier formación orquestal, desde que la finalizase casi un año después. Esta obra, dedicada a Henri Duparc, también puede considerarse un testamento musical de un músico que, poco después, diría adiós a este mundo. Pero, por desgracia, no pudo hacerlo viendo despegar su creación hacia el olimpo de la música clásica, pues la Societé National de Musique, de la que era director, en lucha entre los partidarios germanos y franceses, había boicoteado su estreno y sus primeras interpretaciones. Y sobre ello, la situación laboral y política que le rodeaba, su origen, sus dificultades para hilar el segundo movimiento, y su análisis musical, se han podido escuchar las palabras de Luis Ángel de Benito, Ricardo Bonet, François René Tranchefort y el propio César Franck. La grabación seleccionada ha contado con la Orquesta Filarmónica de la Radio de Hilversum y Leopold Stokowski a la dirección.

Muchas son las obras maestras que Wolfgang Amadeus Mozart legó a la eternidad. Pero pocas son las que tienen al violín como auténtico protagonista, a pesar de ser el propio compositor un notable virtuoso del instrumento, como su padre. Y entre todas, destaca su último Concierto para violín, el número 5 en La mayor, Kegel 219, conocido por el sobrenombre de "El Turco". La fecha de su finalización parece apuntar al 20 de diciembre de 1775, coincidiendo con la temporada festiva que Salzburgo vivía en aquel año, aunque otros historiadores apuntan a 1780 como su verdadera datación. Fuera como fuese, este concierto, el más acabado y célebre de la serie, parece dar un salto en el tiempo de casi tres décadas en lo que al género se refiere, y es por eso por lo que en la actualidad se le sigue considerando un Gran Repertorio.

El 14 de diciembre de 1918 tuvo lugar el estreno mundial de Gianni Schicchi, ópera cómica en un acto de Giacomo Puccini, que cerraba la más ambiciosa cuantas obras había escrito el compositor italiano: Il Trittico. Y lo hacía en colaboración con el libretista Giovacchino Forzano, quien tomó como base el episodio de su personaje homónimo aparecido en el Canto Trigésimo de “El Infierno”, de Dante Alighieri. Pero su primera representación no tendría lugar en alguno de los centenares de teatros de su Italia natal, sino que lo haría en el Metropolitan de Nueva York con un elenco de lujo encabezado por el barítono Giuseppe De Luca en el rol principal. De inmediato, la prensa de todo el mundo se hizo eco de la noticia y no tardó en decantarse por esta última parte como la más valiosa y exitosa de las tres, interpretándose desde entonces en un mayor número de ocasiones. Y sobre su origen, sus diferentes estrenos, su argumento, su libreto y su música se hablará en este nuevo documental de Gran Repertorio.

Felix Mendelssohn estrenó el 5 de octubre de 1847, en un concierto privado, el que sería a la postre su último cuarteto de cámara: el opus 80 en Fa menor. Y lo hizo durante el peor momento de su breve y tumultuosa vida, tras la muerte de su querida hermana Fanny apenas unos meses atrás. Un golpe del que no se pudo recuperar y para el que esta obra sirvió, como se ha dicho en numerosas ocasiones, como un Réquiem camerístico. Es, por tanto, uno de los mayores hitos de la música de su tiempo y un canto a la muerte del que se hablará, con todo detalle, en este nuevo documental de Gran Repertorio.