Gran repertorio

Pocas veces en la historia, una ópera ha sido tan censurada como Un ballo in Maschera, Un baile de máscaras, de Giuseppe Verdi. Por supuesto, en la segunda mitad del siglo XIX se vivían momentos convulsos durante el Risorgimento, la Unificación italiana, pero parecía difícil aceptar que el gran héroe nacional, Verdi, tuviese que luchar tanto contra los estamentos políticos para que aceptasen su nueva obra y evitar que la cambiasen por completo. Mientras, en Roma, la censura era más flexible y diplomática, por lo que allí pudo trabajar con una mayor libertad y mostrar al mundo su nueva forma de componer: con una gama de expresiones amplísima, un aspecto nacional, patriótico, un romanticismo ardiente y desencadenado, la búsqueda de la amistad y la unión de estilos. Era, en pequeña escala, una visión de la Italia que le rodeaba, pues, incluso, él mismo enmarcaba el sentimiento de sus compatriotas, ya que al gritar el acrónimo Viva V.E.R.D.I. también enarbolaban un Viva Vittorio Emanuele Re Di Italia. Era un mito y nada podría evitar que lograse estrenar su Baile de Máscaras, finalmente, y con un rotundo éxito, en Roma el 17 de febrero de 1859. Y sobre su origen histórico y literario, los problemas a los que se tuvo que enfrentar, su libreto, su vocalidad y dramaturgia, sus personajes principales, el papel de la orquesta y el coro, su argumento y sus aspectos musicales se han podido escuchar las opiniones de Rafael Banús, Nicola Luisotti, Edgardo Pellegrini, José Luis Téllez y Ricardo de Cala. La grabación seleccionada ha contado con el tenor Giuseppe di Stefano como Riccardo, el barítono Tito Gobbi en el papel de Renato, la soprano Maria Callas como Amelia, la mezzo-soprano Fedora Barbieri como Ulrica, el barítono Exio Giordano como Silvano, la soprano Eugenia Ratti en el rol de Oscar, junto al Coro y la Orquesta del Teatro alla Scala de Milán, bajo la dirección de Antonino Votto.

El 24 de enero de 1835, apenas unos meses antes de su inesperada muerte, el compositor Vincenzo Bellini, en su mejor momento artístico, pudo estrenar en el Teatro Italiano de París la que sería su última ópera: Los puritanos escoceses, más conocida como I Puritani. Con tres actos y un libreto del conde Carlo Pepoli, basado en la obra de Ancelot y Santine –Cabezas redondas y caballeros-, aquel día no pudo contar con un mejor elenco, abanderado por el tenor Giovanni Battista Rubini, el barítono Antonio Tamburini, el bajo Luigi Lablache y la soprano Giulia Grisi (los conocidos como Cuarteto de los Puritanos). Y sobre su origen, su libreto, su proceso compositivo, sus personajes, el célebre uso del Fa sobreagudo, su música y otros aspectos se han podido escuchar las opiniones de José Luis Téllez, Guido Peregalli, Celso Albelo, Javier Camarena, Ricardo de Cala y Ramón Sobrino. La grabación seleccionada ha contado con la soprano Montserrat Caballé en el papel de Elvira, el tenor Alfredo Kraus como Arturo, el barítono Matteo Manuguerra en el rol de Sir Forth y el bajo Agostino Ferrin como Sir Valton, junto al Coro de la Ópera Ambrosiana y la Orquesta Philarmonia, dirigidos por Riccardo Muti.

La vida de Robert Schumann no fue nada sencilla en lo profesional, en lo económico y en lo amoroso. Pese a su fama como niño prodigio, la muerte de su padre hizo que se centrara en sus estudios de Derecho. Pero poco después tomaría una decisión fundamental para su futuro: dejaría la carrera y se centraría en cuerpo y alma a su faceta de intérprete de piano hasta que en 1832 una parálisis en un dedo de su mano derecha truncaría tristemente sus planes. Ya sólo le quedaba una salida: la composición. Durante casi una década apenas escribió otra cosa que piezas para piano, con la salvedad de algunos lieder y un intento de sinfonía que no pasó de un borrador. Y nada habría cambiado sin la intervención de su esposa, Clara, quien le animó a escribir seriamente música para orquesta. De esa propuesta nacería su primera sinfonía, apodada “Primavera” por el mismo Robert, que supondría un antes y un después en la historia de la música y del Romanticismo. Y sobre su origen, su estreno, sus orquestaciones y ediciones posteriores, su música, sus temas y su influencia se han escuchado las opiniones de Irene de Juan, Francois René Tranchefort, Luis Ángel de Benito, Eva Sandoval y Anthony Princiotti. En los doblajes ha participado Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado con la Orchestre Révolutionnaire et Romantique, bajo la dirección de Sir John Eliot Gardiner.

En el año 1944 la Fundación Pro Helvetia, encargada de la conservación y difusión del patrimonio cultural de Suiza, encargó la composición de una nueva obra al compositor Arthur Honegger, por aquel entonces, figura destacada del panorama musical europeo. Pero no vería la luz hasta el 17 de agosto de 1946, cuando Charles Münch dirigió su primera interpretación en Zúrich al frente de la Orquesta de la Suisse Romande. Sin duda, esta tercera sinfonía, titulada Litúrgica, ha acabado siendo una piedra de toque para el desarrollo de la música orquestal venidera y, en palabras de su compositor, una pieza con la que simbolizar la rebelión del hombre moderno contra el alud de barbarie, estupidez, sufrimiento, mecanización y burocracia que nos viene azotado últimamente, tras la Segunda Guerra Mundial. Y sobre su origen, su contexto, su descripción por el propio compositor, el Grupo de los Seis, su estreno y su relación con otras obras similares se han podido escuchar las palabras de Wade Matthews, José Luis Nieto, André Gauthier, Arthur Honegger y Luis Ángel de Benito. En las lecturas ha participado Roberto Quirós. La grabación seleccionada para el programa ha contado con la Orquesta Sinfónica de Boston y Charles Münch a los mandos.

Gioacchino Rossini era un compositor multifacético, que bien podía escribir una ópera seria, mientras elaboraba otra ópera bufa, una misa, una cantata y alguna que otra pieza instrumental. Todo ello, a la vez. No es de extrañar que, años después, el escritor Julian Budden acuñara el término de “El Código Rossini” para explicar cómo era posible componer tanta música a la vez y con una calidad soberbia. Por ejemplo, desde 1812 hasta 1819 llegó a estrenar nada menos que 27 óperas, prácticamente 4 por temporada. Para algunas, como La Cenerentola, La Cenicienta, apenas empleó algo más de 20 días de su ocupado tiempo y, a pesar de todo, visita de la Policía incluida, el éxito estaba asegurado. Sobre esta ópera bufa o melodrama giocoso de 1817 se han escuchado las opiniones de José Miguel Pérez Sierra, Gabriel Urrutia, Rosella Bertolazzi, Ramón Gener, José Luis Téllez y Riccardo Frizza. La grabación seleccionada ha contado con la soprano Adelina Scarabelli, las mezzosopranos Jennifer Larmore y Laura Polverelli, los barítonos Gino Quilico y Alessandro Corbelli, el bajo Alastair Miles, el Coro y la Orquesta de la Royal Opera House y Carlo Rizzi a la dirección.

El año nuevo de 1869, durante una audición privada, Edvard Grieg presentó en sociedad su primer Concierto para piano y orquesta, en la menor. Lo hizo con una orquestación aún sin terminar y con elementos armónicos por pulir, pero de esa manera, agradecía a sus amigos daneses el buen acogimiento recibido durante su estancia en Søllerød. Pero tendría que esperar para que, ahora sí, el 3 de abril, su dedicatario Edmund Neupert lo interpretase en sociedad junto a una orquesta de Copenhague, bajo la dirección de Holger Simon Paulli. Esta magna obra, revisada hasta en siete ocasiones, es una de las cimas para piano y orquesta, y guarda un estrecho vínculo con el también primer concierto de Schumann, al que tanto admiraba el compositor noruego, y tal fue su fama que el mismísimo Liszt llegó a mostrarle sus más sinceras felicitaciones. Y sobre su contexto, su origen, su episodio con el genio húngaro, su segundo concierto inacabado y su música se han escuchado las opiniones de Beatriz Torío, José Luis Nieto, François René Tranchefort y Luis Ángel de Benito. La grabación seleccionada ha contado con el pianista Krystian Zimmerman, la Orquesta Filarmónica de Berlín y Herbert von Karajan a los mandos.

El 14 de septiembre de 1954, el Teatro La Fenice, de Venecia, vivió el estreno de la ópera en un prólogo y dos actos “La vuelta de tuerca”, u “Otra vuelta de tuerca”, compuesta por Benjamin Britten a partir de un libreto de Myfanwy Piper, quien, a su vez, se basó en la novela homónima de Henry James escrita medio siglo antes. La obra, una de las historias más complejas y polémicas que se han creado en la historia de la música, tiene una doble lectura que da lugar a calificarla como fantasmagórica o paranoica. Y sobre su origen, su libreto, su trama, su música, su estructura, sus personajes, su significado y otros temas se han escuchado las opiniones de Fernando Funes, Gavin Plumley, Matilde Segre, José Luis Téllez, Josep Pons y Davide Livermore. En las lecturas ha participado Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado el elenco original de su estreno, con Jennifer Vyvyan, Joan Cross, David Hemmings, Olive Dyer, Arda Mandikian y Peter Pears, acompañados por The English Opera Group Orchestra y Benjamin Britten a la dirección.

El 20 de febrero de 1920 la Sociedad de Amigos de la Música de Nueva York tuvo la fortuna de asistir al estreno de la composición para piano solo más importante de Manuel de Falla, la Fantasía Bética, con la interpretación del pianista Arthur Rubinstein, quien se la había encargado unos años antes. De esta forma, Falla se separa definitivamente del concepto flamenco en su música, incluso, andaluz, empezando una época nueva en su trayectoria, más castellana y europea. En palabras del propio compositor, la Fantasía Bética es mi última pieza con intenciones puramente pianísticas, en lo que a su técnica instrumental se refiere, y con la que he pretendido rendir un cálido homenaje a nuestra raza latina-andaluza. Y sobre su origen, su contexto, la evolución de su interpretación y su relación con las dos ediciones realizadas, los elementos del flamenco que la impregnan, su estructura, su material temático y, por supuesto, su título, se han escuchado las opiniones de Pedro Carboné, Alex Alguacil, Yvan Nommick, Carmen Hernández y Antonio Narejos. Las grabaciones seleccionadas han contado con los pianistas Alicia de Larrocha y Esteban Sánchez.

El 17 de mayo de 1890 el compositor italiano Pietro Mascagni estrenó, en el Teatro Costanzi de Roma, su ópera más famosa y una de las más reconocidas e interpretadas en los teatros de música de todo el mundo. Sobre ella, el verismo, el concurso que ganó para estrenar su obra, su origen literario, su intermezzo, su argumento, su música y sus personajes principales han hablado en este documental de Gran Repertorio expertos de la talla de Jesús López Cobos, Iván Montes, Mario Córdova, Ramón Gener, Antonio Bossi, Vincenzo La Scola y Violeta Urmana. En los doblajes ha participado Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado con el tenor Beniamino Gigli en el rol de Turiddu, la soprano Lina Bruna Rasa como Santuzza, la contralto Giulietta Simionato en el papel de Lucia, el barítono Gino Bechi como Alfio y la mezzo-soprano Maria Marcucci interpretando a Lola, acompañados por el Coro y la Orquesta del Teatro Alla Scala de Milán, con la dirección del propio compositor.

Orlando di Lasso dedicó al pontífice Clemente VIII su última obra, que no sólo fue una joya del encuentro entre la maestría contrapuntística y la transparencia madrigalista, sino también la traducción a música de un programa espiritual ejemplar, que empleaba la metáfora del llanto para compendiar la parábola de la existencia a la luz del arrepentimiento, de la conversión y del cambio radical de vida. Con estas palabras define el musicólogo italiano Luigi Garbini lo que fue la colección más importante del gran genio del renacimiento franco-flamenco. Una serie de 20 madrigales espirituales en lengua vernácula y un motete final en latín, publicada de forma póstuma, y realizada a partir del texto homónimo escrito por el poeta italiano Luigi Tansillo. Y sobre su contexto histórico y político, su vida, el tema que toma de referencia, su obra y la música de las lágrimas se han escuchado las palabras de Roberto Quirós, Luigi Garbini, Francisco Javier Madueño y Elizabeth Kahn. En las lecturas ha participado Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado con la agrupación vocal Gallicantus y Gabriel Crouch a la dirección.