Gran repertorio

En el año 1934, el célebre escritor y humanista judío Stefan Zweig sugirió al compositor Richard Strauss una novedosa y poderosa idea, a contracorriente de los derroteros culturales que cada vez se imponían más en una Europa cercana a la Segunda Guerra Mundial. Esta idea no era otra que la de poner música a un curioso libreto escrito por Casti para una ópera de Salieri, casi dos siglos antes: Prima la musica e poi le parole, Primero la música y después las palabras. En un primer momento no pareció prestarle demasiada atención y abandonó el proyecto. Pero unos años después, sumergidos ya en la sangrienta guerra, y sin poder contar con la colaboración de su querido amigo –pues ya había muerto-, pudo estrenarla con la dirección orquestal de Clemens Klauss. Eso sí, todo apunta a que en su origen fue concebida para servir como introducción a otras óperas como Dafne o a El amor de Dánae. Y sobre su origen, su libreto, su música, su concepción política, su estreno y la eterna pregunta de “palabra o música”, se han podido escuchar las palabras de Eva Sandoval, Joan Matabosch, José Luis Téllez y Rossella Bertolazzi. En las lecturas ha participado Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado con Elisabeth Schwarzkof en el papel de la Condesa, Eberhard Waechter como el Conde, Nicolai Gedda en el rol de Flamand, Dietrich Fischer-Dieskau en el de Olivier, Hans Hotter como La Roche y Christa Ludwig como Clairon, acompañados por la Orquesta Philarmonia, bajo la dirección de Wolfgang Sawallisch.

Si existe una ópera con la que Richard Wagner vivió un estrepitoso fracaso, esa fue “Das Liebesverbot”, “La prohibición de amar”. Esta comedia musical rompe completamente con lo que el mundo entero ha conocido como el drama musical wagneriano, y es que se trata de una obra al más puro estilo italiano. Pese a todo, a su fatídica primera representación, a la pelea que le antecedió y a una segunda interpretación a la que sólo asistieron tres personas, Wagner acababa de encontrar la piedra de toque con la que se haría famoso, con la que asombraría al mundo y con la que crearía un universo sonoro inmortal: el leitmotiv. Y sobre su origen, su argumento, su música, su libreto shakesperiano, su estreno, sus influencias y otros temas se han podido escuchar las palabras de José Luis Téllez, Kasper Holten, Barry Millington y Richard Wagner. En las lecturas han participado Carlos de Matesanz y Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado con Hermann Prey, Robert Schunk, Kieth Engen, Sabine Hass, Pamela Coburn, el Coro y la Orquesta Estatal de Baviera, bajo la dirección de Wolfgang Sawallisch.

Entre 1805 y 1806, Ludwig van Beethoven, en plena efervescencia compositiva, escribió en el pueblo de Döbling su cuarto Concierto para piano, su cuarta Sinfonía, comenzó la Quinta, adaptó su ópera Leonore y publicó la Sonata para piano de la que, según Czerny, más orgulloso se sentiría durante la siguiente década: la nº 23, en fa menor, op. 57. Esta última sería conocida como “Appassionata” gracias a su editor Cranz, pese a las reticencias del genio de Bonn, que no veía con buenos ojos que la gente pudiese pensar que sus otras obras no debían tocarse tan apasionadamente. Eso sí, que el propio Beethoven, según cuentan, dijese que para tocar esta sonata había que leer antes La Tempestad, de Shakespeare, no hizo más que despertar la imaginación de intérpretes, musicólogos y melómanos en general, quienes la han llegado a comparar también con el Infierno de Dante, el Rey Lear, Macbeth o las tragedias de Pierre Corneille. El pianista y compositor inglés Donald Tovey escribió que “todos los restantes finales patéticos de Beethoven muestran un epílogo en cierto mundo legendario o futuro, alejado de la escena trágica... o un humor, combativo, humorístico o resignado, que no implica un sentido de condenación trágica”. Sin embargo, aquí “ni por un momento puede dudarse de que la pasión trágica se encamina hacia la muerte”. Y sobre este asunto, su origen, su nombre, la mujer a la que pudo dedicársela, sus motivos principales, su análisis musical y otras cuestiones se han podido escuchar las palabras de Luis Ángel de Benito, Jan Swafford, François-René Tranchefort y Andrés Amorós. En las lecturas ha participado Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado con el pianista Sviatoslav Richter.

El 28 de octubre de 1915, Richard Strauss dirigió en Berlín a la orquesta de la Hofkapelle de Dresde durante el estreno de su Sinfonía Alpina, una de las joyas de la corona del período romántico. Una obra a todas luces programática que, sin embargo, no sólo muestra el ascenso de una persona por una empinada montaña y su posterior descenso, sino también lo que el mismo compositor consideraba la propia existencia humana, un trepidante camino que va desde la concepción hasta la muerte. Y sobre su origen, su composición, su estreno, su sentido filosófico, su significado, sus motivos principales y su música se han podido escuchar las palabras de Luis Antonio Muñoz, François René Tranchefort, Luis Mazorra y Mikaela Vergara. La grabación seleccionada ha contado con la célebre y destacada transcripción que realizó la Orquesta Estatal Sajona de Dresde, la misma que estrenó la pieza, con Giuseppe Sinopoli a la dirección.

“Es un tema muy próximo a mi corazón. La lucha del individuo contra las masas. Cuanto más despiadada es la sociedad, más despiadado es el individuo”. Con estas palabras se refería el compositor británico Benjamin Britten a la que sería su ópera más importante: Peter Grimes. Una pieza en tres actos basada en el poema “El pueblo”, de George Crabbe. Con ella se situaba a la par del "Dido y Eneas" purcelliano como la mejor ópera inglesa de la historia, según muchos expertos. Estrenada el 7 de junio de 1945 en el Teatro Sadler’s Wells de Londres, bajo la dirección de Reginald Goodall, no estuvo exenta de polémica por la presentación en sociedad de un personaje castigado por la vida, por sus propias decisiones y por sus allegados. Pese a todo, el éxito fue tal que acabó interpretándose por todos los grandes teatros del mundo en un momento delicado, pues apenas unos meses antes había finalizado la Segunda Guerra Mundial. Y sobre su origen, su concepción, su contexto, su figura principal, su trato de la homosexualidad, sus primeras representaciones, sus interludios marinos, su argumento y sus elementos musicales se han podido escuchar las palabras de José Luis Téllez, Joan Alboroch, Jon Vickers y Howard Posner. Las grabaciones seleccionadas han contado con la Orquesta Sinfónica de Cincinnati, con Paavo Järvi a los mandos, y la soprano Renata Tebaldi, la mezzo Giulietta Simionato, el tenor Carlo Bergonzi y el barítono Cornell MacNeil, acompañados por la Asociación de Cantantes Vieneses y la Orquesta Filarmónica de Viena, dirigidos por Herbert von Karajan.

"La música de Erik Satie va completamente desnuda". Con estas palabras resumía el poeta Jean Cocteau lo que era el célebre tríptico para piano titulado "Gymnopédies", una colección que ha pasado a la historia y ha traspasado las fronteras del arte, incluyéndose en películas, series de televisión, documentales, obras de teatro, exposiciones y otras composiciones. Su escritura sencilla pero estilizada, armónicamente libre de arquetipos, ha sido objeto de estudio e imitación desde su estreno en 1888. Y sobre su origen, su título, su estreno, su arreglo para orquesta por Debussy, su época y su música se han podido escuchar las palabras de Carl Simpson, Eva Sandoval, Raquel Aller y Santiago Martín Bermúdez. En las lecturas ha participado Amalia Pérez. Las grabaciones seleccionadas han contado con la pianista parisina Anne Queffélec y la Orquesta Filarmónica de Londres, con Bernard Herrmann a los mandos.

En marzo de 1837, casi 8 años después de escribir su primera nota, Hector Berlioz lograba estrenar su magno Requiem, una Gran Misa de Difuntos, en un entorno incomparable: la iglesia de San Luis de los Inválidos, en París. Pese a que fue concebida para conmemorar la supervivencia del Rey Luis Felipe durante la Revolución de Julio, finalmente acogió el velatorio del general Charles Marie Denys de Damrémont. En ella, los oyentes recorrieron un viaje sonoro por tres etapas: el Infierno, el Purgatorio y el Paraíso, acompañados por aproximadamente 200 instrumentistas y 400 cantantes (que, en palabras del compositor, bien podrían llegar a 800 en alguna ocasión). Pero esta fórmula a gran escala no era un invento del propio Berlioz, sino que seguía la tradición de otros grandes compositores como su maestro Le Sueur, quien ya había estrenado, por ejemplo, una oda sinfónica con cuatro orquestas diferentes 30 años antes en el mismo templo capitalino. Y sobre su encargo, su origen, sus problemas con los partidarios cherubinianos y con la administración pública, su estreno, su concepción textual y sus elementos musicales se han podido escuchar las opiniones de Eva Sandoval, María del Ser, Carlos de Matesanz, David Cairns y Kristofer Sanchack. En las lecturas ha participado Amalia Pérez. La grabación seleccionada ha contado con la mítica interpretación del tenor Barry Banks, los coros de la Sinfónica y la Filarmónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de Londres y Colin Davis a la batuta.

Sin duda, El Mesías es el oratorio más importante de cuantos se han escrito en la historia. Pero, durante la vida del propio Georg Friedrich Händel, hubo otro que rivalizaba por tan alta condición: Judas Macabeo, con libreto del clérigo Thomas Morell. Un oratorio elaborado en el verano de 1746, cuando el compositor contaba ya con 61 años, y que supuso la culminación del denominado “estilo inglés”. Pero no se trataba de una obra religiosa más, sino que le abrió por completo las puertas de Inglaterra y rindió a sus pies a un público que, hasta entonces, más bien parecía enemigo. La similitud entre el pueblo elegido judío y la nación británica, reflejaba al heroico Judas como una encarnación del duque de Cumberland, quien había derrotado con sus huestes hannoverianas a los partidarios del pretendiente al trono, Carlos Eduardo, en la batalla escocesa de Culloden, el 16 de abril de ese mismo año. Y sobre su contexto histórico y político, su concepción, su libreto, su argumento, su música, el género del oratorio, su estreno y otros aspectos se han escuchado las opiniones de Romain Rolland, John Walter Hill y Katherine Allen. En las lecturas han participado Amalia Pérez Linde y Carlos González Díez. La grabación seleccionada ha contado con la soprano Nuria Rial, la mezzo-soprano Lucia Duchonova, el tenor Lothar Odinius y el bajo Sergio Foresti, acompañados por el Coro del Festival de Música de Schleswig-Holstein y la Orquesta Barroca Elbipolis, dirigidos por Rolf Beck.

Después de muchos años viajando por ciudades como Constantinopla, Berlín, Londres, París, Roma, Estrasburgo, Sevilla o Moscú como concertista internacional, el húngaro Franz Liszt decidió enfocar su carrera al ámbito de la composición, sin dejar del todo su faceta de intérprete. Es así como durante el llamado primer período weimariano elaboró, a lo largo de casi dos décadas, su Concierto para piano número 1, en Mi bemol mayor. Aun así, no era el primero, pues con apenas catorce años ya había escrito dos conciertos, actualmente perdidos. Los primeros esbozos de esta extensa y compleja partitura datan de 1832, pero no sería hasta 1849 cuando, con ayuda del joven compositor Joachim Raff, lo terminaría de orquestar. Posteriormente realizaría numerosas revisiones hasta que el 17 de febrero de 1855 lo estrenaría en Weimar, sentado él mismo al piano, y acompañado por su gran amigo Hector Berlioz en la dirección. Este denominado concierto sinfónico finalmente, es uno de los más notables que jamás se han escrito, tanto por su forma novedosa de conectar sus diferentes movimientos en uno sólo, por la inclusión de un triángulo en el Scherzo que causó gran revuelo, como por la manera en que debe interpretarse. Y sobre su origen, su arreglo para dos pianos, su situación personal, su lectura y su análisis, la importancia del concierto público y otros aspectos se han escuchado las palabras de Miriam Gómez Morán, Luis Ángel de Benito, William Mann y François René Tranchefort. La grabación seleccionada ha contado con la histórica interpretación realizada en diciembre del año 1938 por el pianista y alumno de Liszt, Emil von Sauer, junto a la Orquesta de la Sociedad de Conciertos del Conservatorio de París, bajo la dirección de Felix Weingartner. El arreglo para dos pianos elaborado por el propio maestro húngaro ha contado con Peter Ritzen y Werner Pelinka.

El 23 de agosto de 1735, la Académie Royale de Musique asistió a uno de los espectáculos artísticos más importantes del siglo XVIII: Las Indias Galantes, originalmente llamada Las Victorias Galantes. La colaboración entre el libretista Louis Fuzelier y el compositor Jean-Philippe Rameau dio como resultado una ópera-ballet en un prólogo y tres entrées –ampliada a cuatro un año después- que, no sólo pretendía agraciar a la concurrida asistencia de la corte, sino también mostrar en música un mapa sociopolítico nunca antes imaginado. Así, esta obra marca un recorrido, sobre todo amoroso, por lugares tan dispares como Turquía, Perú, Persia y Norteamérica. Su desarrollo dramático servía para situar sobre las tablas un grand spectacle en el que se mezclaba la danza, el teatro, el canto, los decorados, los vestidos, lo exótico y los magnificentes efectos visuales y sonoros generados por avanzadas maquinarias. Las Indias Galantes, por tanto, simboliza una época donde lo extravagante y lo insólito marcaba el norte de unas artes que engrandecían el poder del reino. Y sobre su origen, su contexto histórico, su uso de la divinidad, los elementos étnicos, sus diferentes versiones, su música, la parte dancística y su argumento se han podido escuchar las palabras de Roberto Quirós, Luis Martínez, Eva Sandoval y Alessandro Pierozzi. La grabación seleccionada ha contado con las sopranos Claron McFadden, Sandrine Piau, Isabell Poulenard, Noémi Rime y Miriam Ruggeri, los tenores Howard Crook y Jean-Paul Fouchécourt, el barítono Jérôme Correas y los bajos Bernard Deletré y Nicolas Rivenq, todos ellos acompañados por Les Arts Florissants y William Christie a la dirección.