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La mélodie est "le lieu où on prend conscience du temps et de son unité", mais elle est aussi le "lieu de concentration des émotions les plus profondes".

A l'aide de plusieurs exemples, comme l'adagio du Quintette en ut majeur de Schubert pour deux violoncelles (D 956, 1828), le Chant pastoral après l'orage dans la 6ème Symphonie de Beethoven ou encore la mélodie du film "India Song", Violaine Anger explique à quel point la mélodie illustre en quoi la musique est la "science du bon mouvement" (Saint-Augustin), qui constitue l'auditeur comme "unité écoutante".

Autre exemple tiré de Rousseau : "le fameux Ranz des Vaches, cet Air si chéri des Suisses qu’il fut défendu sous peine de mort de le jouer dans leurs Troupes, parce qu’il faisoit fondre en larmes, déserter ou mourir ceux qui l’entendaient, tant il excitait en eux l’ardent desir de revoir leur pays (...). Ces effets, qui n’ont aucun lieu sur les étrangers, ne viennent que de l’habitude, des souvenirs, de mille circonstances qui, retracées par cet air à ceux qui l’entendent, et leur rappellant leur pays, leurs anciens plaisirs, leur jeunesse et toutes leurs façons de vivre, excitent en eux une douleur amere d’avoir perdu tout cela. La musique alors n’agit point précisément comme musique, mais comme signe mémoratif" (Jean-Jacques Rousseau, Dictionnaire de la musique).

Violaine Anger est musicologue, maître de confé­rence à l’Université d’Evry Val d’Essonne, maître de confé­rence asso­ciée à l’Ecole poly­tech­ni­que.

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Dès ses premières œuvres comme Le Sacre du Printemps (1975), ou Café Müller (1978), Pina Bausch (1940-2009) a renouvelé la gestuelle de la danse.

Affecté de mouvements indicibles, fragile, tout en discontinuité malgré son ancrage dans le sol, le corps des danseurs de Pina Bausch exprime la douleur, il est travaillé par des blessures secrètes, qui échappent à la logique et la raison du déplacement. Etreintes, convulsions, spasmes, violence, émotion viscérale, tumulte des passions… La danse de Pina Bausch s’inscrit dans l’histoire du « geste expressionniste » tel qu’il avait été défini par Rudolf Laban (1879-1958), Kurt Jooss (1901-1979) ou encore Mary Wigman (1886-1973). Face à une réalité angoissante, le désespoir oblige à trouver des états de corps et de langage nouveaux pour la conjurer.

La postérité de Pina Bausch, notamment chez Joëlle Bouvier et Régis Obadia en France, est à chercher dans cette violence des corps qui s’entrechoquent.

Une conférence de Mélanie Papin, doctorante au centre de danse de l'université Paris 8.

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Souvent associée au début des années 1990 et au courant de l'anti-mode ou de la déconstruction (Kawakubo, Yamamoto, Margiela...), la mode d'avant-garde semble en 2015 une chose du passé. Faut-il forcément y voir le signal de la mutation du secteur de la mode, désormais peu engagé à s'opposer à un présent qu'il a pris le parti de célébrer ? N'est-ce pas plutôt l'avant-garde qui est intrinsèquement démodée ? La projection d'une réalité utopique, qui était le programme des avant-gardes artistiques, littéraires et de mode, peut-elle encore s'inscrire de façon pertinente à l'agenda d'une culture ? Qui sont les créateurs qui perpétuent malgré tout la « tradition de l'avant-garde », au cœur de l'industrie de la mode et à ses marges ?

Benjamin Simmenauer, ancien élève de l'ENS et agrégé de philosophie, est enseignant associé à l'IFM, et co-fondateur du cabinet d'études HCK, basé à Paris.

Monsieur Antoine et Monsieur Nicolas de la revue en ligne Diktats, racontent les grandes étapes de la gravure de mode en France, depuis le XVIIe siècle jusqu’à l’arrivée de la photographie au tournant du XXe siècle, en passant par l’ « âge d’or » du XVIIIe siècle (le règne de Louis XVI).

La gravure de mode a été un outil de diffusion des modes parisiennes en province et à l’étranger pendant plusieurs siècles et fait l’objet aujourd’hui d’un marché attirant les collectionneurs du monde entier.

Antoine et Nicolas racontent les planches de mode vendues à l’unité ou par suites, les almanachs, les « recueils généraux » de coiffures ou de costumes et de modes, évoquent les grands noms du genre au XVIIIe siècle (famille Bonnart, Esnauts et Rapilly…), la naissance des magazines de mode au sens moderne (Le cabinet des modes ou les modes nouvelles, 1785, puis le Journal des Dames et des Modes, 1797-1839, sans oublier La Galerie des Modes à partir de 1778…). Ils racontent la « révolution Art Déco » (1910-1930) qui tente de renouer avec le luxe des images de mode du XVIIIe siècle.

Avec La Gazette du Bon Ton, de 1912 à 1925, Lucien Vogel et Michel de Brunhoff renouent avec cette longue tradition.

Mais la photographie est venue porter un coup fatal à cet art à partir de 1880. Les premières photos de mode en couleur s’installent dans le paysage de la presse au tournant du XXe siècle, et des grands artistes comme Edward Steichen font cause commune avec de grands couturiers comme Paul Poiret pour renouveler l’art de l’illustration de mode.

Diktats est une librairie en ligne spécialisée dans les livres anciens sur la mode et le costume. Spécialistes d'histoire de la mode et de livres anciens, Monsieur Antoine et Monsieur Nicolas propose une sélection d'ouvrages rares et précieux et collabore aussi bien avec des clients institutionnels (musées internationaux, maisons de couture) qu’avec des collectionneurs privés. En 2008 Diktats a été qualifiée de « caverne d’Ali Baba pour livres rares et précieux » par Le Monde.

Podcast : conférence de Jean-Gabriel Ganascia à l'IFM (6 janvier 2016) sur l'intelligence artificielle, les relations homme-machine et le transhumanisme.

Jean-Gabriel Ganascia est professeur à l'Université Pierre-et-Marie-Curie (UPMC)/Paris 6/Jussieu. Expert en intelligence artificielle, apprentissage machine, sciences cognitives, philosophie computationnelle, éthique des nouvelles technologies, il a écrit de nombreux ouvrages parmi lesquels « L’âme machine » aux éditions du Seuil (1990), « L’intelligence artificielle » (1993, Flammarion, coll. Domino), « Les sciences cognitives » (1996, Flammarion, coll. Domino), « 2001, l’odyssée de l’esprit » (1999, Flammarion, coll. Essai)...

Résumé de son intervention : "si la machine est intelligente, c’est que nous la concevons comme intelligente".

"Pourquoi vaut-il mieux parler d'Art du Contemporain que d'art contemporain?", par Jean-Philippe Domecq, écrivain, essayiste, auteur d’une trilogie ("Artistes sans art ?", "Misère de l’art", et "Une nouvelle introduction à l’art du XXème siècle") récemment rééditée en poche sous le titre "Comédie de la critique, trente ans d'art contemporain" (Agora Pocket, 2015).

Jean-Philippe Domecq a apporté une contribution importante, depuis plus de 20 ans, aux débats parfois polémiques autour de l’art contemporain en souhaitant effectuer une réévaluation critique des œuvres et démarches d’artistes les plus célèbres de la période actuelle. Il dénonce une forme d'"académisme" dans les dérives d'un art enfermé dans des postures révolutionnaires ou dérangeantes, et analyse l'appauvrissement de l'art "depuis que la rupture est devenue système"...

Au milieu du XIXe siècle, Charles Frederick Worth fonde sa « maison spéciale de nouveautés confectionnées », campant dès lors la posture du grand couturier qui « signe » ses modèles comme un artiste ses œuvres. Depuis plus d'un siècle et demi, les maisons inscrites à la Chambre syndicale de la couture parisienne écrivent un chapitre de l'histoire de la haute couture, cette organisation commerciale subtile dont la clé de voûte est un savoir-faire ancestral doublé d'un sens aigu de la mise en scène. Si pendant des décennies elle a donné le ton des saisons, la haute couture a cessé de dicter au monde sa mode. Mille fois annoncée ces quarante dernières années, sa disparition n'est pourtant pas à l'ordre du jour.

Ancienne responsable des archives documentaires de la maison Yves Saint Laurent, Guénolée Milleret est aujourd'hui auteure et enseignante dans le domaine des arts appliqués. Outre des articles, elle a publié de nombreux ouvrages dont Haute Couture. Histoire de l'industrie de la création française (Eyrolles, 2015), Les folles heures de la vie d'une Parisienne (Eyrolles, 2013), La mode du XIXe siècle en images (Eyrolles, 2012).

Le commerce des textiles et la culture des apparences au Mexique au 18e siècle : une conférence de Corinne Thépaut-Cabasset (chercheur associé au Château de Versailles, au Victoria & Albert Museum, et à l’Université de Copenhague).

Il y a plus de livres écrits sur Napoléon que de jours qui se sont écoulés depuis sa mort. C’est le personnage le plus interprété au cinéma, devant le Christ. Comme il a laissé beaucoup d’écrits et d’objets, c’est le champion des ventes aux enchères qui atteignent aujourd’hui des prix délirants. Il existe des sociétés napoléoniennes dans tous les pays, y compris dans ceux où l’Empereur n’a jamais mis les pieds, comme à Cuba, où un Musée napoléonien accueille les visiteurs à La Havane. Seules l’Espagne et l’Angleterre restent rétives au culte. En dépit des guerres sanglantes qu’il a menées, en dépit de son caractère autoritaire et anti-libéral, Napoléon continue à fasciner les esprits. Comment expliquer ce phénomène ? Qu’est-ce que la « passion Napoléon » dit de nous ? « C’est un entrepreneur, un DRH, un communicant hors-pair, un rêveur mû par l’idée que tout est possible et en même temps un opérationnel hors du commun. Il a toujours su transformer ses échecs en succès, et toujours su agir au bon moment… » : les explications de Serge Hayat, auteur d'un récent roman intitulé L'Empire en héritage, par ailleurs financier dans le domaine du cinéma et co-Président de la Chaire Media & Entertainment à l'ESSEC.

Podcast : "les formes artistiques contemporaines de l’art des parfums", par Chantal Jaquet (conférence publique à l'IFM, mardi 15 décembre 2015).