菁花瓷

保羅·克利(1879-1940)自幼展現極高的音樂天賦，並曾是出色的古典小提琴手。當他決定轉向視覺藝術時，音樂並未從他的生命中消失，反而成為他建構繪畫結構與色彩理論的基石。音樂對他繪畫結構的影響主要體現在以下幾個重要層面：

1. 融入「賦格」與「對位法」的視覺複音音樂**

克利特別景仰約翰·塞巴斯蒂安·巴哈（J.S. Bach）等古典音樂家。他將巴哈音樂中的「賦格」（fugues）與「對位法」（counterpoint）結構直接轉化為視覺語言，創造出與音樂結構和節奏平行的繪畫形式。例如在1922年的作品《序曲》（Overture）中，其標題便與「複音音樂」（polyphony，即兩個或多個旋律同時進行的音樂）緊密連結；而在1932年的同名畫作《複音音樂》（Polyphony）中，他更透過不同色塊的交疊，探索了音樂肌理在視覺上的多層次結構。

2. 宛如交響樂般的動態與變奏構圖**

克利將畫面視為一首交響樂曲，畫中的主要母題（motif）會隨著它與畫布上其他物件的互動與關係，產生如音樂般豐富的「變奏」（variation）。他在創作中強調直覺與韻律，使得他一生的作品（無論是油畫、版畫或水彩）都表現出極為強烈的節奏與韻律感，處處充滿音樂性。

3. 將樂譜結構轉化為圖像符號**

克利也經常將傳統的樂譜結構重新想像為圖形符號的排列。例如在1919年的作品《巴哈風格》（In the Style of Bach）中，他打破了傳統具象的描繪，將樂譜轉化為植物的葉片、新月與星星等圖像符號的組合，讓畫面的結構如同樂曲般在視覺中流淌展開。

4. 將色彩視為琴鍵與音符**

克利將他著名的色彩理論與音樂背景完美結合。在諸如1923年的《藍橘和聲》（Harmony in Blue-Orange）等作品中，他將互補色成對排列，彷彿它們是樂譜上和諧的音符。這種將色彩動態過渡關係與音樂質地結合的手法，展現出他能在「色彩的鍵盤上自由即興」的獨特建構能力。

瑞士現代主義大師保羅·克利（Paul Klee ，1879–1940））以一句「讓線條散步」形容繪畫，為二十世紀藝術史留下最重要且最動人的創作之一。 作為1920年代包浩斯運動的靈魂人物，他最初於德國新藝術風潮漸息之際展開藝術生涯，隨後成為1910年代表現主義「藍騎士」運動的重要推手。 至1920年代，克利已確立獨特的抽象美學，正如他所言：「藝術不是再現可見之物，而是讓不可見者得以顯現。」 克利的藝術態度結合理性、理論與靈性的深刻拷問，卻同時為後世留下充滿詩意與幽默童趣的藝術遺產。 克利生於1879年，自幼展現音樂天賦，卻於1898年放下小提琴，前往慕尼黑學習藝術。 在那裡，他深受新藝術運動「超越可見世界、追尋更高精神境界」理念的啟發，並逐步發展出自己繁複的藝術理論體系.

位於瑞士伯恩的保羅克利中心保存了其大量且脆弱的作品，並致力於相關的科學研究與文化保護。克利的作品深受其音樂背景啟發，不僅重新定義了色彩理論，更將繪畫視為一種如同生命有機體般的演化過程。在政治動盪的 1930 年代，他堅持獨特的藝術風格以抵禦壓迫，展現出對自由與想像力的追求。此外，資料中闡述了克利對美國抽象表現主義的關鍵啟蒙，影響了波洛克等著名藝術家在自動性繪畫與簡約主義上的實踐，共同呈現出克利如何將藝術、音樂與哲學融合，成為跨越時空的藝術先驅。

藝術家席德進(1923-1981)在戰後台灣畫壇的傳奇一生，令人動容。這集簡單地分享他如何從早期的抽象實驗轉向回歸本土的具象風格。他在海外遊歷後深刻反思，將西方繪畫技巧與台灣的民房古厝及山水風情融合，開創了具備民族靈魂的「現代國畫」。同時了解到他對古蹟保存的熱切貢獻，以及他透過人物畫像隱晦表達的同性情慾與自我認同。他的創作不僅銘刻了當時的時代變遷，更展現了他對台灣這片土地深厚且真摯的鄉土情感。

台北市立美術館正在舉辦的「超現實主義：對話中的世界」百年特展。內容探討超現實主義如何拋棄理性與邏輯，轉而追求由夢境、潛意識與無意識構成的真實境界。透過藝術家如達利、曼·雷及恩斯特的作品，展示了自動性繪畫與精緻屍體遊戲等創作手法，藉此挑戰社會慣常的認知。此外，展覽還將經典藝術與當代AI生成技術及當代雕塑進行對話，呈現該主義在不同時代背景下的演變與反思。整體旨在引導觀眾跨越現實邊界，探索人類內心深處那種既怪譎又充滿奇幻色彩的情緒空間。

展期至2026.8.30止.

國立歷史博物館於 2026 年5月底前舉辦的兩場重要特展，回顧臺灣藝術的國際足跡與馬文化的多樣面貌。其一，一樓展廳的「推力」展覽詳述了 1957 年至 1973 年間，史博館如何代表國家參與巴西聖保羅雙年展，並在外交與政治的角力下，透過藝術專室推廣中華文化。此展覽也呈現了臺灣美術從具象轉向抽象的發展脈絡，收錄了蕭勤、席德進、劉國松與張大千等數十位大師的作品。

這次介紹了新銳書道家**王意淳**及其在桃園青埔橫山書法藝術館展出的個展「躲貓貓」。展期至2026.8.03. 王意淳出身書墨世家，深受知名水墨藝術家父親王宏一影響，其作品巧妙結合了傳統筆法與現代設計思維。

展覽內容涵蓋從挑戰生理極限的巨幅榜書到幽默直白的生活小品，並與不同品牌跨界合作，運用玻璃、碎石及立體裝置打破書法的二維限制。透過對墨韻濃淡與空間留白的精準掌控，她試圖在文字線條中融入情緒起伏。整場展覽以**家貓日常**為靈感，邀請觀者在忙碌生活中尋找一處安放自我的「歸處」。

這個書法創作展展現了藝術家如何透過跨媒材實驗，將書法轉化為一種溫柔且具療癒力量的視覺語言。

夜半舞者靜謐淡江，舞罷靜觀觀音入畫屏。記於2026.5.12首航淡江大橋初體驗。

札哈·哈蒂（Zaha Hadid）的設計語彙中，有兩個核心關鍵字：「漂浮」與「流動性」。淡江大橋的「漂浮感」並非指建築真的飄在空中，而是透過精密的材質選擇與大自然的光影互動，在視覺上產生錯覺，讓龐大的鋼鐵結構看起來極度輕盈，彷彿消失在天際之間。

這座橋主要透過以下兩種方式達成令人驚豔的漂浮美學：

* 極致纖薄的「鋼箱樑」材質：為了讓寬達70多公尺的橋面在視覺上不顯笨重，設計團隊在長跨距側捨棄了傳統厚重的混凝土結構，改採中空的「鋼箱樑」材質。這使得橋面厚度被壓縮到僅有 4.1 公尺，從遠處眺望，整座大橋宛如輕輕貼在海平面上的一條和緩曲線，極具輕盈感。

* 讓質地展現光影（借大自然隱身）：在外觀處理上，大橋沒有使用厚重的高級油漆來粉飾，而是堅持「讓質地去展現光影」的美學原則。橋體會直接反射天空的光線與淡水河面的波光，隨著天氣與日照變化，橋梁的顏色與明暗也隨之改變。

* 斜拉鋼索的光影錯覺：橋上的斜拉鋼索在不同的自然光照射下，有時看起來像白紗，有時又像黑紗。這種光影魔術「騙了人們的眼睛」，在視覺上消解了鋼鐵的剛硬與沉重感，讓橋梁彷彿與大自然的天空和水面融為一體。

* 夜間底側照明與水面倒影：在黃昏與入夜時分，大橋的燈光設計不僅點亮126支燈柱，還會特別將**橋面底側照亮**。這種設計讓大橋水平流暢的線條優雅地倒映在河面上，更加強化了整座橋懸浮於水面之上的視覺張力。

透過中空鋼材的物理減重與大自然光影的借力，淡江大橋成功地將極限工程化為無形，完美實現了設計師心中那份不受重力拘束的輕盈感。

洪根深(1946-)是臺灣當代水墨藝術與高雄「黑畫」運動的代表性人物，在他的創作歷程中，「繃帶人形」與「殺墨」是兩個極具標誌性且蘊含深意的核心概念，分別從「對現代社會人性的關懷」與「對傳統水墨體制的革命」兩個層面展現其藝術哲思：

一、「繃帶人形」的深意：現代社會的疏離、偽裝與人性關懷

生命經驗的衝擊與轉向： 1980年代後，受到臺灣鄉土運動影響，洪根深的創作主題由自然山水轉向對「人」與人性的探索。他因親眼目睹父親發生車禍後全身裹滿繃帶的畫面，受到強烈的視覺與心理衝擊，進而開始在作品中大量加入全身纏繞繃帶的人物形象（如〈現代人性〉系列），這成為他藝術生涯的重要創作高峰。現代人的疏離與感官隔絕： 這些以拓印技法表現、被線條盤繞全身的「人俑」，往往看不見五官，象徵著人們被隔絕了所有的身體感知，無法察覺彼此的喜樂與痛苦。這深刻反映了在現代化的資本社會與工業都市中，人際之間的冷漠、無溝通、疏離感，以及個人主體性的消失。

存在的偽裝與內在的焦慮： 洪根深認為，層層包紮的軀體是現代人面對孤獨與真實自我時所作的「偽裝」。人們試圖用包裹來遮蔽自己內心真實的聲音與不可見人的一面，但這種外在的封閉，卻依然無法鎖住靈魂深處的躁動、不安與焦慮。

悲憫的社會批判： 相較於西方存在主義藝術家常以「去除」人類裝備來呈現真實的孤立，洪根深反其道而行，用「包裹」來處理畫面，這其實是發自他對現代社會悲憫的關懷。

二、「殺墨」的深意：大破大立的水墨革命與精神造境

打破傳統框架的革命： 「殺墨」代表著洪根深對傳統水墨筆墨權威與制式章法的強烈挑戰。他企圖以「殺墨」為主軸，革除大眾對傳統水墨舊有且僵化的鑑賞認知，透過「大破大立」的表現方式，擴大並顛覆了臺灣當代水墨的創作形式與界域。

直指墨韻真諦的重生： 「殺墨」不僅是解構與破壞，更是為了在破壞中尋求新生。洪根深拋棄了對傳統水墨媒材與唯美形式的依賴，開啟了讓人們重新體驗「墨韻真諦」的新契機。

感性批判與詩意抒情： 這種帶有破壞性的創作觀，同時也是他精神世界的投射。洪根深在抽象的墨韻之中「造境」，創造出富含感性批判與詩意抒情的畫面，並藉由這種狂瀾般的藝術語彙，映現他對光怪陸離的社會百態及人性的深刻反省。

總結而言，「繃帶人形」是洪根深對於現代人身處工業社會中異化、疏離與焦慮的具象隱喻；而「殺墨」**則是他為了承載這些沉重的社會關懷，而在藝術形式上進行的破壞與重建。兩者共同構成了他強悍、深沉且極具批判性的當代水墨美學。

瑞士藝術家 Fabian Lavater 的作品最迷人之處，便在於他能巧妙地在畫布上捕捉「動態中的靜止（stillness in motion）」。他將衝浪文化的活力與海岸生活的寧靜節奏完美融合，創造出引人深思且充滿情感共鳴的夢幻場景。

探討他如何平衡作品中的「動態感」與「平靜感」，可以從以下幾個核心的藝術手法與內在哲學來分析：

**1. 「繁複筆觸」與「極簡形體」的視覺碰撞**

Lavater 刻意在畫面中製造一種強烈的動靜對比。他使用大量重複、充滿節奏感的短促筆觸來描繪海浪與草地，這些幾何化的排線在畫面上產生了如同水波蕩漾或微風吹拂的強烈「動態感」。然而，在這些活躍的背景中，他以極簡主義（Minimalism）的扁平色塊來處理衝浪客、游泳者或衝浪板等主體。這些沒有細節、邊緣平滑的形體成為了畫面中的「視覺休止符」，讓觀者的視線在跟隨海浪躍動後，能找到一個安定的焦點，從而在動態的環境中生出平靜感。

**2. 將物理動能轉化為規律的「視覺白噪音」**

畫作中的動態並不是混亂或狂暴的。Lavater 深受「海岸生活的寧靜節奏（quiet rhythms of coastal life）」啟發。他將海浪的起伏轉化為高度規律、圖案化的筆觸排列。這種無窮盡的重複性，就像是海浪拍打沙灘的規律聲響一般，雖然是一種持續的動態，卻具有強烈的催眠與安撫效果。這種規律的律動在視覺上產生了類似「白噪音」的作用，成功將外在的物理運動轉化為內在的心靈平靜。

**3. 剝離現實混亂，凝結「懸浮的瞬間」**

他的作品大量描繪衝浪、潛水等極具動能的行為，但他卻刻意去除了現實中的混亂元素。例如，畫中人物躍入水中或在海裡划行時，並沒有寫實的水花四濺或波濤洶湧的張力。透過簡化這些物理細節，他將這些充滿爆發力的動態瞬間「定格」，營造出一種失去重力、時間靜止的懸浮狀態。這種處理方式讓原本激烈的運動變得如夢似幻，充滿了從容不迫的平靜。

**4. 活力普普藝術與柔和粉彩的色彩中和**

在色彩運用上，Lavater 的風格被形容為充滿活力的極簡普普藝術（minimalistic and vibrant interpretation of pop art）。他常使用飽和度極高的紅、藍等對比色來描繪人物，展現生命的活力與能量。然而，為了避免畫面過於躁動，他經常將這些高飽和的主體放置在柔和、充滿陽光氣息（sun-soaked）的粉色、蜜桃色或沙色底色之中。這種溫暖退讓的底色包覆了強烈的對比色，完美平衡了視覺上的刺激，喚起觀者內心的寧靜與喜悅（serenity and joy）。

**5. 衝浪體驗與正念（Mindfulness）的內在轉化**

這種動靜平衡的最終來源，是藝術家本身的內在哲學。Lavater 表示，當他在衝浪時，能感受到一種獨特的存在感，這幫助他保持正念（mindful），並對世界的美好保持敞開的態度。衝浪本身是一項需要極大體能與動態反應的運動，但在破浪的當下，衝浪者的內心卻是極度專注與寧靜的。Lavater 正是試圖在他的畫作中捕捉這些「**充滿正念、專注於當下且平靜的離線時刻（mindful, present, calm offline moments）**」。

總結來說，Fabian Lavater 透過**極簡的平滑主體、規律的律動筆觸、柔和的色彩包覆，以及深植於正念的創作理念**，成功地將衝浪與自然的動態能量，轉化為邀請觀者放慢腳步、深呼吸並重新連結自我的寧靜藝術。

席德進(1923-1981) 早年受歐美普普藝術、歐普藝術、硬邊繪畫等西方現代藝術思潮的深刻影響後，隨後轉向對台灣鄉土文化與古蹟建築的深刻關懷，成為「鄉土寫實」風格的先驅。除了他在水彩與油畫中捕捉台灣山水與民房古厝的視覺語彙，他亦參與古蹟保存運動的社會實踐，以及其作品中流露出的民族情感與性別認同。透過介紹他的人物畫、素描與晚期風景畫，能理解他如何將西方技法與東方水墨暈染融合，開創出具備文化主體性的「現代國畫」。這些獨特的作品共同建構了席德進在台灣美術史上，作為跨越東西方美學並致力於本土文化反思的關鍵地位。