La Recensione

Sebbene la Resistenza non avesse prodotto che pochi canti originali, per via delle condizioni in cui la Seconda Guerra venne combattuta (non più in trincea, dove anche il tempo bisognava ammazzare, e il canto aiutava), la sua epopea non cessa di arricchirsi a oltre ottant’anni di distanza. Un doppio CD, promosso dagli Archivi della Resistenza con il patrocinio dell’ANPI (l’Associazione Nazionale Partigiani d’Italia) e pubblicato da Squilibri la celebra con ventotto canzoni sbocciate tra il 1970 e oggi. Canzoni che hanno circolato e circolano tuttora nei circuiti alternativi della sinistra dove la memoria della Resistenza è mantenuta viva, come il festival che si svolge ogni anno presso il Museo Audiovisivo della Resistenza a Fosdinovo (nella Lunigiana), che ha ispirato l’iniziativa a partire dal titolo Fino al cuore della rivolta. È un verso preso a prestito da una poesia di Paolo Bertolani dedicata al padre staffetta partigiana, che mette assieme i due aspetti centrali della Resistenza: il cuore e la rivolta, ovvero il pane e le rose, altrimenti declinati come l’impegno per la giustizia e la ricerca della bellezza.

Nella raccolta scorrono immagini note - l’eccidio dei fratelli Cervi, messo in musica dai Gang, la strage delle Fosse Ardeatine cantata e recitata da Giovanna Marini – e meno note – il campo di concentramento di Lengenfeld, nei versi di Andrea Satta, la storia della partigiana Laura Seghettini nella canzone di Fabio Ghelli. Tra gli artisti presenti, Dario Fo e Paolo Ciarchi, gli Stormy Six, Gian Piero Allosio, Ascanio Celestini, Claudio Lolli, Ivan Della Mea, i Modena City Ramblers, Alessio Lega, insomma: una folta rappresentanza della canzone antagonista, che negli ultimi sessant’anni ha contribuito a trasmettere i valori della Resistenza con ballate in stile folk revival, pezzi rock incandescenti, canzoni d’autore, reggae e stornellate popolari che parlano alle nuove generazioni in modo più coinvolgente dei libri di storia.

Virtuoso del violino, considerato uno dei più interessanti della sua generazione. Boris Begelman, originario di Mosca, un diploma con il massimo dei voti al Conservatorio Čajkovskij, e la scelta di proseguire poi specializzandosi in violino barocco. In qualità di spalla e di solista ha collaborato con orchestre quali Il Complesso Barocco, Kammerorchester Basel, I Barocchisti, Cappella Mediterranea, sotto la direzione, tra gli altri, di Giovanni Antonini, Diego Fasolis, Ottavio Dantone, Riccardo Minasi. È fondatore dell’ensemble Arsenale Sonoro, dedito alla prassi esecutiva storicamente informata con focus nel repertorio del Sei/Settecento italiano. È recente l’uscita, per Aparté, dell’album dal titolo Vieni, o notte, che lo vede protagonista insieme ad Arsenale Sonoro ed il soprano Francesca Aspromonte. Lo abbiamo incontrato per tracciarne un variopinto ritratto d’artista.

ASCOLTI

Dal CD: Vieni, o notte – Francesca Aspromonte, Boris Begelman, Arsenale Sonoro – aparté

Ascolto n. 1

Traccia 01: Alessandro Scarlatti – Notte ch’in carro d’ombre H. 480, Serenata for soprano, 2 violins and basso continuo – I. [Sinfonia] Grave – Allegro [2’16]

Ascolto n. 2

Traccia 23: Alessandro Scarlatti – Sonata III a quattro senza cembalo in G minor – I. [Allegro] [2’05]

Ascolto n. 3

Traccia 09: Alessandro Scarlatti – Notte ch’in carro d’ombre H. 480, Serenata for soprano, 2 violins and basso continuo – [Aria] Sì, che priva di contento [2’16]

Lo abbiamo seguito fin dagli esordi, quando nel 2019 appena diciottenne era un giovanissimo talento degli ottantotto tasti, e da allora la sua conquista dei palchi più prestigiosi è proseguita senza sosta. Alexander Malofeev, oggi tra i pianisti più accreditati del panorama internazionale giunge al suo debutto discografico per Sony Classical. Forgotten melodies, il titolo dell’album uscito lo scorso febbraio, propone la sua visione, straordinariamente matura, di pagine di compositori nati in Russia ma emigrati, e scomparsi lontano dalla patria, Alexander Glazunov a Parigi (1936), Mikhail Glinka a Berlino (1857), Sergei Rachmaninoff a Beverly Hills (1943), e Nikolai Medtner a Londra (1951). Ma soprattutto accomunati da un ricorrente alone di nostalgia nella scrittura. Il suo pianismo intenso quanto energico unisce il rigore della scuola russa - si forma tra la Gnessin Special School e il Conservatorio Tchaikovsky e nel 2014, appena tredicenne, vince il primo premio dell’International Tchaikovsky Competition per giovani musicisti - ad estro, passione travolgente e brillantezza di suono.

Lo abbiamo seguito fin dagli esordi, quando nel 2019 appena diciottenne era un giovanissimo talento degli ottantotto tasti, e da allora la sua conquista dei palchi più prestigiosi è proseguita senza sosta. Alexander Malofeev, oggi tra i pianisti più accreditati del panorama internazionale giunge al suo debutto discografico per Sony Classical. Forgotten melodies, il titolo dell’album uscito lo scorso febbraio, propone la sua visione, straordinariamente matura, di pagine di compositori nati in Russia ma emigrati, e scomparsi lontano dalla patria, Alexander Glazunov a Parigi (1936), Mikhail Glinka a Berlino (1857), Sergei Rachmaninoff a Beverly Hills (1943), e Nikolai Medtner a Londra (1951). Ma soprattutto accomunati da un ricorrente alone di nostalgia nella scrittura. Il suo pianismo intenso quanto energico unisce il rigore della scuola russa - si forma tra la Gnessin Special School e il Conservatorio Tchaikovsky e nel 2014, appena tredicenne, vince il primo premio dell’International Tchaikovsky Competition per giovani musicisti - ad estro, passione travolgente e brillantezza di suono.

Brooklyn Suite, titolo evocativo per un album progettato da un tenore americano, noto soprattutto per le sue interpretazioni di opere del Sei-Settecento, ma che qui va in cerca delle sue radici, anche se la frase è una banalità. Questo album pubblicato da Harmonia Mundi Musique e progettato da Zachary Wilder allinea musiche di Mozart, Schubert, Gershwin, Bernstein, Kurt Weill, Marc Blitztsein e altri ancora. Il solito pot-pourri di gusto post-modern? Non esattamente, al contrario una scelta ragionata dove questi nomi figurano come protagonisti dell’ideale ricostruzione di un ambiente preciso, una sorta di ritratto della propria famiglia colta in una immaginaria serata musicale d’antan. Famigliari e parenti del nostro Wilder, di origine ebraica, emigrati dalla Lituania, per i quali, da generazioni, il fare musica è sempre stato un momento imprescindibile della giornata e della vita.

Una cultura musicale dunque fatta innanzitutto di tradizione popolare yiddish, classici, opera. Un retaggio che, all’arrivo negli Usa, si è arricchito di ulteriori componenti il cui carattere converge in realtà in un’affinità elettiva con quella tradizione, poiché tantissima musica americana, figlia di Broadway e Tin-Pan Alley, cioè il cosiddetto Great American Songbook e le sue diramatissime propaggini jazzistiche, è in larghissima parte opera di musicisti e autori di origine ebraica, emigrati o fuggiti dall’Europa. L’album è in un certo senso il racconto avvincente, e per certi versi la testimonianza, narrata dallo stesso Zachary Wilder nelle note di commento al disco, di come via via, prima ragazzo e poi giovane cantante, ha scoperto, innamorandosene, le sorgenti di un così vasto orizzonte musicale e culturale.

Uscito il 27 marzo 2026, Landscapes of Eternity segna un nuovo, affascinante capitolo nel percorso artistico della flautista, cantante e compositrice franco-siriana Naïssam Jalal, da sempre impegnata in una ricerca musicale capace di coniugare profondità spirituale e libertà espressiva.

Frutto di un periodo di ritiro e immersione nel Nord dell’India, il disco si configura come un’opera intensamente personale e, al contempo, universalmente evocativa. Più che una semplice raccolta di brani, Landscapes of Eternity si presenta come un itinerario interiore, una cartografia sonora che attraversa stati d’animo, visioni e paesaggi dell’anima.

Il linguaggio musicale adottato da Jalal si muove con elegante disinvoltura tra suggestioni della tradizione classica hindustana, improvvisazione jazz e una sensibilità contemporanea profondamente meticcia. Il risultato è un tessuto sonoro raffinato e arioso, in cui il flauto – strumento d’elezione dell’artista – diventa voce narrante di un racconto intimo e meditativo, talvolta sospeso, talvolta attraversato da improvvisi slanci dinamici.

Ad accompagnare Jalal, un ensemble di musicisti di grande sensibilità, capace di dar vita a un dialogo fluido e organico tra culture e linguaggi. Le sonorità del subcontinente indiano – tra bordoni ipnotici e trame ritmiche sottili – si intrecciano con l’improvvisazione occidentale, dando origine a un equilibrio sonoro di rara finezza.

Elemento distintivo del disco è l’uso consapevole del tempo e del silenzio: le composizioni si sviluppano con una lentezza quasi rituale, lasciando spazio alla risonanza di ogni nota e invitando l’ascoltatore a un’esperienza di ascolto profondo. In questo contesto, il respiro – fisico e simbolico – diventa principio fondante della narrazione musicale, conferendo all’opera una dimensione quasi contemplativa.

La 23° edizione del festival Misteria Paschalia di Cracovia si è svolta durante la Settimana Santa in diversi luoghi di interesse storico e artistico, tra i quali c’è anche la miniera di sale di Wieliczka, che dista circa 15 chilometri dalla città polacca.

Si tratta di un sito che fa parte della lista del Patrimonio Mondiale dell’UNESCO e nella grande chiesa sotterranea scolpita nel sale e dedicata a Santa Kinga protettrice dei minatori, l’Ensemble Alkymia diretto da Mariana Delgadillo Espinoza ha eseguito un concerto di gioiose musiche devozionali del barocco iberoamericano.

È cominciato tutto in una notte insonne di David Harrington, violinista e fondatore del Kronos Quartet. Era il 2013. Una rete televisiva stava mandando in onda un’intervista a Clarence Jones, amico e collaboratore di Martin Luther King Jr., in occasione del cinquantesimo anniversario della manifestazione per i diritti civili a Washington, il 28 agosto del 1963. La sera prima il reverendo King aveva chiesto a Jones di scrivergli un discorso, e così lo speechwriter aveva fatto, rispettando la voce dell’amico e mettendosi nei suoi panni, come sempre. Ma mentre King stava iniziando – raccontò Jones cinquant’anni più tardi – una voce vicina all’oratore gridò: «Digli del sogno, Martin, digli del sogno!» Così il dottor King chiuse il quaderno, e iniziò, a braccio: «Ho fatto un sogno…» (I had a dream…): l’incipit di uno dei discorsi più famosi della storia. La voce che aveva sollecitato Martin Luther King era quella di Mahalia Jackson, cantante di gospel, la più grande, secondo l’opinione comune. Era lì per dare forza con la sua voce a quella manifestazione gigantesca. C’erano molti altri, anche Joan Baez e Bob Dylan.

Harrington concepì l’idea di lavorare musicalmente intorno all’episodio, a quel “Digli del sogno!” Ma si rese conto che c’erano molti altri momenti nei quali la voce di Mahalia Jackson aveva risuonato, e non solo nel canto, negli anni delle lotte per i diritti civili. Rintracciò Clarence Jones e organizzò una lunga intervista. Poi trovò i materiali delle conversazioni fra Mahalia Jackson e Studs Terkel, grande amico della cantante, conduttore radiofonico e cultore di storia orale, bianco, protagonista di conversazioni con Mahalia nelle quali erano quasi sempre d’accordo, salvo riscaldarsi quando lei rimproverava all’interlocutore di avere, come non-nero, un limite alla comprensione dei problemi degli africano-americani. Un compositore e una compositrice, Zachary Watkins e Stacy Garrop, iniziarono a lavorare sui materiali registrati, con stili e sensibilità diverse: Watkins elaborando le voci con tecniche elettroacustiche e facendole interloquire col quartetto, Garrop creando un dialogo fra le voci e gli strumenti, come se aggiungesse una parte recitata alla “civile conversazione” (a volte agitata, come in un quartetto di Bartók) dei quattro archi.

Una lunga gestazione ha portato a Glorious Mahalia, album uscito sul mercato all’inizio di aprile del 2026. Contiene due composizioni, entrambe articolate in cinque movimenti: Glorious Mahalia, di Stacy Garrop, e Peace Be Till di Zachary Watkins. Sono inframmezzate (anche in questa nostra recensione) da un arrangiamento per quartetto d’archi, scritto da Jacob Garchik, di God Shall Wipe All Tears Away, un gospel di Antonio Haskell registrato nel 1937 da Mahalia Jackson e divenuto una delle sue interpretazioni più famose.

Questo volume curato dal musicologo Paolo Somigli, professore associato alla Libera Università di Bolzano, raccoglie una buona parte degli scritti conservati presso l’Archivio Savona-Mannucci e che rivelano una personalità tra le più poliedriche e interessanti del panorama italiano del secondo cinquantennio del secolo scorso. Ritroviamo così un Savona anche recensore e attento osservatore di ogni fatto musicale, impegnato politicamente e attento esponente della discografia italiana, ben oltre il repertorio del Quartetto Cetra.

Bellissimo cofanetto della Alpha edizioni dedicato ai Sei Quintetti di Mozart con interpreti d’eccezione componenti l’Orchestra da Camera di Europa: I due violini Lorenza Borrani e Maia Cabeza, le due viole Max Mandel e Simone von Rahden e il violoncello Luise Buchberger tutti con strumenti d’epoca del ‘700 originali e alcuni di ottima ricostruzione moderna. Oltre la bellezza delle opere, gli artisti mettono in risalto il bellissimo suono del tempo, con vitalità e perfezione di lettura davvero coinvolgenti. Un cofanetto da non perdere!