La Recensione

Il compositore romano Stefano Landi nel corso della sua vita pubblicò diversi libri di arie a voce sola che testimoniano l’affermazione della monodia accompagnata nel passaggio dalla cultura musica rinascimentale a quella barocca.

I tenori Andrés Montilla e Riccardo Pisani, accompagnati dall’ensemble Cantar Lontano diretto da Marco Mencoboni, hanno selezionato quindici canzoni dalle quattro raccolte a stampa di arie di Landi a noi pervenute, mentre altre quattro sono purtroppo andate perdute.

Dieci di questi brani erano inediti dal punto di vista discografico e sono stati registrati per la prima volta, e contribuiscono a mettere in luce l’opera di un compositore molto importante per la storia della musica italiana a cavallo tra la fine del Cinquecento e la prima metà del Seicento.

«La musica, a prima vista, non è tattile. È eterea, immateriale, intangibile, priva di peso. Le onde sonore viaggiano attraverso l’aria e svaniscono. Eppure, io sento questa musica in modo tattile: è fisica, tridimensionale, tangibile.» Sono le parole con le quali Marco Mezquida, pianista catalano nato a Menorca, spiega il titolo del suo ultimo album, realizzato in trio assieme al violoncellista cubano Martín Meléndez e al percussionista catalano Aleix Tobias. Del resto, c’è chi ha utilizzato il concetto di “audiotattilità” perfino come discriminante fra diversi generi musicali. Ma ha ragione Mezquida: tutte le culture musicali sono audiotattili, comprese le più astratte.

Marco Mezquida, del quale ci siamo occupati nelle nostre “Recensioni” altre volte, è un musicista vulcanico, in continua attività, in generi che vanno dal cosiddetto latin jazz al fado, dal flamenco alla canzone d’autore, come solista e come accompagnatore di artisti come Silvia Pérez Cruz, il chitarrista flamenco Chicuelo, Salvador Sobral (il tenero cantautore portoghese che vinse inaspettatamente un Eurofestival), LINA_ (si scrive proprio così), con la quale ha vinto un premio della critica discografica tedesca per un album di fado. In Germania, come in Spagna e Portogallo, Mezquida è famoso (il concerto di presentazione di Táctil all’Auditori di Barcellona, un mese fa, ha avuto un’accoglienza trionfale), ma comincia ad essere apprezzato in altre parti d’Europa, soprattutto come pianista libero e virtuoso e come leader di piccoli gruppi strumentali.

Táctil è il quarto album con questo trio, dopo Los Sueños de Ravel (2017), Talismán (2020) e Letter to Milos (2022). Il brano che apre l’album si intitola Nobles y sentimentales, con un chiaro riferimento alle Valses nobles et sentimentales di Ravel, a loro volta ispirate alle Valses sentimentales e alle Valses nobles dell’ultimo Schubert ma con l’intenzione non troppo nascosta di smontare i cliché del valzer (cosa che non piacque al pubblico della prima esecuzione, ignaro che i pezzi fossero di Ravel, e disturbato dal loro carattere “acidulo e sghembo”). Mezquida, col suo trio, pigia ancora più forte sul pedale della decostruzione raveliana. Nella sequenza dell’album si passa da momenti di alto virtuosismo (notevole il modo con cui il violoncello di Meléndez si spinge oltre i compiti del contrabbasso in un trio jazz) a dolcezze iberico-americane. 

Novità discografica per il pianista islandese che ancora una volta affronta il repertorio bachiano con la Partita BWV 830 a cui affianca la sonata per pianoforte D. 566 di Franz Schubert e quella di Ludwig van Beethoven – l’opera 109 - che per altro da il titolo a tutto il cd. E ancora una volta – se mai ve ne fosse bisogno – dimostra una lucidità di lettura che raramente è dato di incontrare confermandolo uno degli interpreti più interessanti del panorama attuale.

Registrazione di altissimo livello che vede La Sfera Armoniosa, ensemble di prestigio, presentare un Antonio Vivaldi colmo di suono, vitale e trascinante grazie alla direzione di Mike Fentross esperto di musica antica e liutista con la splendida voce di Channa Malkin che in questo CD supera le vette dell’arte canora settecentesca e raggiunge picchi di intensità drammatica e virtuosistica impensati. Un CD da possedere per ascoltare e riascoltare un Vivaldi che strappa gli abiti barocchi e si proietta nel moderno!

Si canta maggio è il tradizionale concerto che si tiene all’Auditorium Parco della Musica “Ennio Morricone” di Roma in occasione della Festa del Lavoro. È un progetto di Ambrogio Sparagna ed Erasmo Treglia per l’Orchestra Popolare Italiana e il Coro Popolare diretto da Annarita Colaianni. L’edizione di quest’anno, la XVII, è stata dedicata alle grandi voci femminili della musica popolare italiana, figure che hanno segnato l’identità culturale del Bel Paese dando voce a storie di vita, lavoro, lotta e appartenenza. Introdotte dal Coro delle Donne di Giulianello, le voci di Eleonora Bordonaro, Anna Rita Colaianni, Roxana Ene, Elisa Marongiu e Clara Graziano hanno riproposto canti legati al repertorio di grandi interpreti del folk italiano come Giovanna Daffini, Rosa Balistreri, Giovanna Marini, Caterina Bueno, Gabriella Ferri e Concetta Barra. Attraverso riletture e arrangiamenti originali, e arricchito dagli interventi poetici di Davide Rondoni, il concerto ha restituito la forza espressiva di un repertorio che continua a parlare al presente, mantenendo viva una tradizione in continua trasformazione, come dimostrato dagli oltre mille spettatori della Sala Sinopoli. Un pubblico fedelissimo, intergenerazionale e controcorrente.

Brani:

Francesco De Gregori e Giovanna Marini, Saluteremo il signor padrone

Gabriella Ferri, Sinnò me moro

Rosa Balistreri, Cantu e cuntu

Una serata ad alto contenuto emotivo. Parliamo del recente concerto - dello scorso 8 maggio - dell’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia in trasferta a Bologna. Dove si è esibita, ospite della ricca stagione del Bologna Festival, all’Auditorium Manzoni. Su podio Daniel Harding, suo direttore musicale dall’autunno 2024. Accolta da una sala gremita, la compagine orchestrale romana - in un programma squisitamente tardoromantico che ha previsto musiche di Richard Wagner, il celebre Preludio e morte di Isotta e la monumentale Sinfonia n. 4 in sol maggiore di Gustav Mahler “Das himmlische Leben”, solista il soprano Christiane Karg - ha confermato la propria capacità espressiva, muovendo, nella lettura di queste dense pagine, tra momenti di eterea leggerezza ad altri di intenso pathos. Ma soprattutto ha dato sfoggio di quelle caratteristiche tipiche delle “ammiraglie” del panorama musicale sinfonico internazionale, solidità, compattezza sonora e grande capacità di farsi duttile e fedele interprete dell’idea musicale della propria guida.

ASCOLTI

Richard Wagner, Tristan und Isolde – Margaret Price, René Kollo, Brigitte Fassbaender, Dietrich Fischer-Dieskau, Kurt Moll, Staatskapelle Dresden, Carlos Kleiber – Deutsche Grammophon

Ascolto n. 1

Dal CD 1, traccia 1: Prelude [10’27]

Dal cofanetto CD: Abbado – Mahler – Berliner Philharmoniker, Lucerne Festival Orchestra, Claudio Abbado – Deutsche Grammophon

Ascolto n. 2

Dal CD 5, traccia 1: Gustav Mahler, Symphony No. 4 in G major, Berliner Philharmoniker, Claudio Abbado, I mov. I Bedächtig. Nicht eilen – Recht gemächlich [16’13]

Ascolto n. 3

Dal CD 5, traccia 4: Gustav Mahler, Symphony No. 4 in G major, Renée Fleming, Berliner Philharmoniker, Claudio Abbado, IV mov. Sehr behaglich. “Wir genießen die himmlischen Freuden” [09’25]

Ancora una volta il pianista Pieranunzi ci regala un incontro la musica afroamericana di cui è un noto esponente e la musica classica che da sempre è una sua passione e che più volte lo ha visto cimentarsi con un repertorio che va da Domenico Scarlatti a Maurice Ravel. Anche in questo caso e grazie alla collaborazione con Michele Corcella e l’Orchestra I Pomeriggi Musicali si rinnovano temi noti di Satie e Schumann fra gli altri utilizzati come spunti per nuove composizioni che si pongono a fare da ponte fra i due generi sopra citati.

Frames è un lavoro di straordinaria raffinatezza che conferma Miho Hazama tra le voci più autorevoli del jazz orchestrale contemporaneo. Il disco si presenta come un dialogo lucido e poetico con la storia della Danish Radio Big Band, ensemble con cui la compositrice collabora stabilmente e che qui diventa laboratorio ideale per esplorare memoria e identità musicale.

L’idea alla base del progetto è elegante e concettualmente solida: confrontarsi con l’eredità dei grandi direttori che hanno segnato la vita dell’orchestra, da Thad Jones a Bob Brookmeyer, fino a Jim McNeely. Tuttavia, Hazama evita ogni forma di omaggio esplicito o nostalgico: non si limita a citare il passato, ma lo assorbe e lo trasforma in un linguaggio personale, contemporaneo, nitido.

Le composizioni si distinguono per chiarezza architettonica e sensibilità timbrica. Ogni brano è costruito come una struttura precisa ma fluida, in cui la scrittura per big band si apre a momenti di grande trasparenza e ad altri di più densa complessità, sempre però governati da un equilibrio impeccabile. Il suono dell’orchestra è compatto, luminoso, capace di alternare potenza e delicatezza con naturalezza quasi istintiva.

Ciò che rende Frames particolarmente riuscito è la sua dimensione internazionale: nella musica di Hazama convivono la tradizione jazzistica occidentale e una sensibilità più contemplativa, che rimanda alla sua formazione giapponese. Il risultato è un linguaggio elegante, mai ridondante, in cui ogni dettaglio sembra avere un preciso valore espressivo.

In definitiva, Frames è un disco che non cerca di impressionare, ma di durare. Un’opera sobria e intelligente, che riflette sul concetto di eredità musicale senza celebrarlo in modo retorico, trasformandolo invece in materia viva. Con questo lavoro, Miho Hazama firma una delle prove più mature e ispirate della sua carriera.

È dal 1925 che dagli studi della radio WSM di Nashville, il venerdì e il sabato sera, va in onda il Grand Ole Opry, una vera e propria istituzione della country music degli Usa, questo genere musicale divenuto un’icona dell’america contadina, conservatrice e rigorosamente bianca. Già nel 1927 però il musicista afroamericano Deford Bayley, soprannominato “harmonica wizard” divenne ospite abituale di questo programma, una partecipazione che per i musicisti country rappresentava la massima onorificenza.

Monumenti del country, come Hank Williams, Johnny Cash, la Carter Family hanno avuto come mentore un musicista afroamericano. E innumerevoli sono stati, da un secolo a questa parte, gli artisti neri fra i quali Ray Charles, Tina Turner, Solomon Burke ecc. che hanno pubblicato album di contry music, o che, come Charley Pride, hanno dominato per anni le classifiche. E tuttavia il mondo del country ha continuato pervicacemente a considerarsi appannaggio dei bianchi. Oggi sappiamo che non è così e che l’enorme contributo degli afroamericani, fin dalle origini di questo genere musicale, è stato sistematicamente minimizzato o addirittura rimosso. Un meccanismo, in fondo, analogo a quello dei film western, dove i cowboy sono sempre bianchi, nonostante in realtà i neri fossero numerosissimi. Fra i tanti che hanno contribuito a smantellare questa narrazione, musicisti e studiosi, un posto speciale spetta alle “Gocce di Cioccolato della Carolina”, ovvero Carolina Chocolate Drops, nati nel 2005 con l’intento di indagare e ricostruire le originarie pratiche strumentali e vocali afroamericane del country. Un impegno nel quale si è distinta in particolare, con le sue fondamentali ricerche sul black banjo, Rhiannon Giddens che è stata negli anni l’anima del gruppo. Nel 2010 l’ album Genuine Negro Jig premiato con un Grammy Award ha portato alla ribalta Carolina Chocolate Drops, come alfieri di questa riscoperta delle radici e della riappropriazione del genere. E qualche mese fa la Nonesuch ha ripubblicato l’album come 15th anniversary Edition con otto tracce inedite.

Hope and Fury è il ventiduesimo album in studio di Joe Jackson. Il primo, del 1979, conteneva uno dei maggiori successi della sua carriera, “Is She Really Going Out with Him”: a quella canzone e agli album tra fine anni Settanta e primi Ottanta di solito si pensa quando si sente pronunciare il suo nome. Era considerato uno dei migliori nuovi cantautori inglesi, insieme a Elvis Costello. Poi ha fatto molte altre cose (perfino musica “classica”), allontanandosi dal mondo pop di quell’epoca, ma non è mai scomparso dalla scena. L’album appena uscito non punta sulla nostalgia, anche se porta le tracce di tutto quello che Jackson ha fatto in poco meno di mezzo secolo (!). Joe Jackson è uno serio. Sette anni fa l’ho visto in un concerto dove presentava Fool, il suo album del 2019, accompagnato da un gruppo di quelli che i critici rock chiamano “solidi” (bravi professionisti, precisi, compatti, senza fronzoli, come quelli dell’album attuale). Naturalmente il pubblico si aspettava qualcuna delle canzoni degli anni Ottanta, tipo “Cancer” (“Everything gives you cancer…” avrete capito che Jackson non ha remore né peli sulla lingua), con un vero sound dell’epoca. Ed ecco che dalle quinte entra un “tecnico” in camice bianco, con una specie di scatola nelle mani: la depone vicino alla tastiera di Jackson, fa il gesto di collegarla a qualcosa, poi esce da dove era entrato. È un sequencer. Attacca uno dei pezzi: quelli che avevano diciott’anni intorno al 1982 gioiscono e si mettono a ballare. Jackson è uno serio, e ha un certo senso dell’umorismo. Basta navigare sul suo sito, andare sotto “Writings” e leggere la ricetta dettagliatissima del vodka-martini (mescolato, non agitato), che fa apparire James Bond come un dilettante. Jackson sa scrivere, e molto bene, anche i testi delle canzoni. Inventa i personaggi come solo un bravo narratore sa fare: un talento che certamente altri cantautori posseggono, ma non tanti. E come musicista si vede che ha un’ottima padronanza delle armonie, e va usato il plurale, perché Joe Jackson sa giocare su pochi accordi ma sempre con qualcosa di inaspettato (come osservava Bob Dylan a proposito della musica di Lennon e McCartney), però è a suo agio anche nel comporre e suonare come facevano i compositori di Tin Pan Alley, i Gershwin, i Kern, i Rodgers. Insomma, da un pezzo all’altro, anche in quest’ultimo album, ci si può trovare a cantare una melodia orecchiabile da discoteca (con annessa celebrazione della palla ricoperta di specchi), alla maniera e con la stessa facilità (e bravura) degli Abba, e poi ci si ritrova nella serietà sofisticata di una canzone sulla malinconia del mese di settembre, che avrebbe potuto trovarsi in un musical di Cole Porter. Bisogna prenderlo sul serio, questo Joe Jackson.