La Recensione

Negli anni Settanta Roma fu la capitale musicale d’Italia. Da lì germinarono stili e tendenze che poi attecchirono nell’intero Paese. Romasuona ne offre per la prima volta un ampio spaccato sotto forma di fotografie d’autore (oltre 700), locandine, manifesti, riviste, biglietti, copertine di dischi, strumenti e amplificazione. La mostra, aperta a Palazzo Esposizioni fino al 12 luglio è curata da Guido Bellachioma – critico e operatore di lungo corso - con la collaborazione di Pino Candido e oltre alle immagini statiche – molte sono inedite - comprende filmati d’epoca e interviste realizzate da Stefano Pistolini con osservatori partecipanti, tra i quali Renzo Arbore, Teresa De Santis e Carlo Massarini. La mostra si snoda attraverso vari percorsi. La prima sala è dedicata a Mario Schifano, artista multimediale che con il suo gruppo rock progressivo Le stelle di Mario Schifano fu un pioniere nello sperimentare la contaminazione dei linguaggi. Il secondo percorso ospita I luoghi della musica a Roma a partire dal Piper, che negli anni Sessanta aveva ospitato i Pink Floyd agli esordi, la Scuola Popolare di Musica Donna Olimpia, la Scuola Popolare di Musica di Testaccio, il Brancaccio, il Music Inn, dove Chet Baker suonò accompagnato da Giovanni Tommaso, Bruno Biriaco e Amedeo Tommasi, il Titan, il Kilt, il Beat ’72 e il Folkstudio, laboratorio del folk revival e della canzone d’autore, ma aperto al jazz e all’avanguardia. Una terza sala è dedicata a La musica attraversa l’Italia dove sono esposti i protagonisti italiani e stranieri del decennio. Esponenti del folk revival, della canzone politica, del rock, progressivo e non, del jazz e dell’avanguardia. Le radio libere diedero un impulso fondamentale alla crescita della cultura musicale: Radio Alice, Radio Onda Rossa, Radio Città Futura e Radio Popolare mentre la RAI scese in campo con Per voi giovani, Popoff e Un certo discorso. Ruolo analogo ebbero riviste e fanzine, di cui sono esposti esempi rarissimi, da Titan Avantgarde a Gong, da Freak a Cerchio Magico. Il quarto percorso riguarda I festival e le piazze e testimonia l’avvento dei concerti rock che coincide con l’inizio del decennio. Da Palermo Pop del 1970 al Primo Festival Internazionale dei Poeti del 1979 a Castelporziano, passando per Caracalla Pop, il Festival delle Nuove Tendenze di Villa Pamphili e quello di Parco Lambro, che metterà fine all’utopia dell’autoriduzione. Nell’ultima sala, infine, annusiamo gli afrori del tempo come l’onnipresente patchouli, i legami con la società civile e la politica, e poi strumenti, amplificatori, mixer originali e giradischi, il tutto mentre si è immersi in una colonna sonora composta da trecento brani in rotazione, aggiornati ogni due settimane. Le fotografie sono firmate dai maggiori fotografi del tempo (Giorgio Battaglia, Armando Gallo, Roberto Masotti, ecc.) e l’assemblaggio di immagini, documenti e fonti le più disparate offre un’idea un po’ diversa dai luoghi comuni cristallizzati in mezzo secolo di decantazione: gli steccati non erano poi così insuperabili (la Carrà aveva diritto di parola tanto quanto Lene Lovich e non si può pensare a due figure meno agli antipodi), il pubblico era onnivoro e in grado di affollare sia i grandi festival che i piccoli locali dove si faceva una musica per iniziati, la tradizione (la tanto mitizzata “musica popolare”) conviveva beatamente con le innovazioni più ardite: gli spettatori erano gli stessi, che migravano da un luogo all’altro senza preclusioni. È una delle eredità più importanti di un decennio che, per altri versi, non fu proprio edificante e che gli storici ricorderanno come uno dei più bui della Repubblica. Ma la musica aiutò a resistere. Rilevo solo un’omissione nella mostra: l’editoria libraria, che in quegli anni prendeva il volo dando visibilità a una critica nata su riviste e fanzine e meritava anche le librerie, non solo le edicole. Ho in mente case editrici come Arcana e Savelli, anzitutto (entrambe facevano base a Roma), i cui libri coprirono a tappeto il variopinto mondo delle musiche giovanili, con predilezione per le aree alternative (rock, jazz, cantautori, avanguardie, canzone politica) e frequenti sconfinamenti nelle culture underground. A questi due “pilastri” dell’editoria indipendente vanno aggiunti Stampa Alternativa, Gamma, Mazzotta e Lato Side, che ospitarono la crema del giornalismo italiano. Mancano anche riviste importanti come Ombre Rosse, Realismo, La Musica Popolare e Il Nuovo Canzoniere Italiano, su cui prese forma un lungo dibattito sul valore politico della musica, sia quella rock/pop che quella “popolare” come si diceva allora intendendo il “folk”. Peccato per queste dimenticanze, che avrebbero chiuso il cerchio, dalla pratica alla teoria.

José González è un musicista argentino-svedese, nato a Goteborg nel 1977 da genitori fuggiti dalla dittatura militare argentina. È cresciuto ascoltando le canzoni di protesta di Silvio Rodríguez, Victor Jara, e Mercedes Sosa, a cui da adolescente si è aggiunto l’hardcore punk, il reggae di Bob Marley e Michael Jackson. Prima di dedicarsi a tempo pieno alla musica, studiava biochimica. La formazione scientifica è alla base del suo approccio pacato e razionale e della sua visione lucida sui problemi che minacciano la nostra sopravvivenza, di cui parla nelle sue canzoni.

All’esordio Veneer del 2003 sono seguiti altri quattro album; l’ultimo, Against The Dying Of The Light (City Slang), è uscito questa primavera: voce, chitarre spagnole e poco altro, José canta in inglese, svedese e spagnolo. Il titolo viene dalla poesia di Dylan Thomas Non andartene docile in quella buona notte, che recita:

«La vecchiaia dovrebbe ardere e infierire quando cade il giorno;

E infuriare contro il morire della luce».

A Perfect Storm è il brano di apertura: la tempesta è quella creata dal comportamento sconsiderato degli umani che hanno innalzato in modo vertiginoso la probabilità di non sopravvivere ai prossimi cento anni. L’ambiguità etica della tecnologia avanzata è il tema della canzone e del video che la accompagna. «Tutto sta nel trovare il modo di parlare di cose difficili, sapendo che il panico non è l’approccio migliore. Mi piacciono le discussioni civili quando si dissente, e trovare modi di collaborare per andare avant», dice José.

In due brani dell’album – For every dusk e Sheet – si percepisce l’eco dichiarata del desert blues maliano (Ali Farka Touré, Ballaké Sissoko, i Tinariwen, con cui José Gonzalez ha collaborato nell’ultimo disco Hoggar). Nel disco c’è una deliziosa ninna nanna dedicata al figlioletto e brani che parlano dell’oppressione delle donne, U/Rawls Slöja e Gymnasten.

Nonostante i temi di scottante attualità, Against The Dying of the Light è un disco “curativo”, che ispira serenità. José è felice nel suo angolo di mondo, ed è per questo forse che viene voglia di ascoltarlo a ripetizione e di assorbire il senso di calma consapevole e di pacatezza che trasmette.

Gemellati da una serie di circostanze geografiche, cronologiche, e anche culturali indubbiamente, Claude Debussy e Maurice Ravel si accomunano e si differenziano in modi così intrecciati, sottili e contraddittori che da sempre la sfida critica è appunto sbrogliare questo groviglio.

Una cosa che decisamente li separa e anzi li contrappone è la intramontabile vexata quaestio (vexata anche per molti altri autori) dell’umorismo in musica.

Tagliando col machete, diciamo Debussy totalmente allergico e Ravel invece molto intrigato. Abilissimo nel distillare comicità sempre sottile dal connubio di parole e musica.

L’heure Espagnole è quasi il paradigma di questa sua dote. Ravel scrisse la partitura, anzi lo spartito canto e piano nel 1907, dopo essersi divertito un mondo con la commedia omonima di Franc-Nohain, una pochade che sulla scena risultava piuttosto osé. Ma a parte Franc-Nohain, quello era anche il momento della Rhapsodie espagnole e delle Histoires Naturelles, accolte queste ultime dalle risate a crepapelle del pubblico e che invece mandarono in bestia Debussy. Histoires Naturelles che, al di là del caricaturale alla Jules Renard, sperimentavano anche quel declamato il cui pioniere era stato Musorgski e che Ravel applicò proprio nelle due opere L’Heure espagnole e L’enfant et les sortilèges.

Non la si incontra spesso nei teatri italiani questa delizia raveliana, per cui le due rappresentazioni date al Teatro Ariosto di Reggio Emilia erano un’occasione da non perdere, corredata anche dalla prima esecuzione assoluta, in forma di prologo - garbato e ben congegnato - di Raveliana, un melologo commissionato a Mauro Montalbetti, compositore da sempre innamorato di Ravel. L’appuntamento era reso ancora più goloso e insieme rischioso, dal fatto che l’opera era eseguita nella trascrizione per orchestra da camera, realizzata da Gabriel Grovlez, che fu compagno di studi di Ravel. Rischio scongiurato e, anzi, un applauso anche al trascrittore.

“The Trilogy” (Volume I) è un progetto discografico internazionale del pianista, cantante e compositore Joe De Gregorio, sviluppato nell’arco di un anno tra New York, Los Angeles e Parigi. Più che una raccolta di tre album, rappresenta un’unica visione artistica che esplora il jazz come linguaggio globale, capace di coniugare tradizione, innovazione e identità contemporanea. Il progetto nasce da una domanda centrale: come può il jazz restare fedele alle proprie radici parlando al pubblico di oggi? La risposta prende forma attraverso tre album complementari, ciascuno dedicato a una diversa dimensione della musica jazz: il blues, la contaminazione tra generi e la tradizione vocale. In Blues (For Blues Sake) è un omaggio alle radici più profonde del jazz. Registrato tra il leggendario Van Gelder Recording Studio e lo studio privato di Peter Erskine a Los Angeles, vede la partecipazione straordinaria di Ron Carter. L’album interpreta il blues come fondamento emotivo e creativo, unendo tradizione e spontaneità contemporanea. Crossover esplora invece l’incontro tra jazz, funk, ritmi afro-cubani e brasiliani e musica da camera contemporanea. Registrato a Los Angeles con Peter Erskine e Ike Sturm, integra un quartetto d’archi come parte essenziale dell’ensemble, creando un suono cinematografico e raffinato che supera i confini tra generi. Crooner’s Journey, registrato a Parigi, mette al centro la voce e la canzone. Attraverso reinterpretazioni di standard jazz eseguite in cinque lingue, De Gregorio dialoga con alcuni tra i più importanti musicisti della scena europea, tra cui Géraldine Laurent, Louis Moutin e Stéphane Kerecki. Il risultato è una rilettura moderna e personale della tradizione vocale jazzistica.

Ciò che distingue “The Trilogy” è la capacità di mantenere una forte coerenza artistica pur attraversando mondi musicali differenti. Ogni album possiede una propria identità sonora, ma tutti condividono gli stessi valori: improvvisazione, narrazione, ricerca musicale e dialogo tra culture.

Attraverso collaborazioni con figure leggendarie del jazz internazionale, registrazioni realizzate in luoghi simbolici e una prospettiva autenticamente cosmopolita, “The Trilogy” (Volume I) si propone come un viaggio artistico che unisce passato e futuro, dimostrando come il jazz possa continuare a essere una forma espressiva viva, contemporanea e universale.

Chi meglio di Federico Maria Sardelli, che ha ereditato da Peter Ryom il compito di vegliare sul catalogo delle composizioni di Antonio Vivaldi, poteva rimettere insieme le arie di un’opera incompleta del cosiddetto Prete Rosso, che in una lettera scrisse di averne composte quasi un centinaio.

Si tratta del dramma per musica La Costanza trionfante degl’Amori, e degl’Odii su libretto di Antonio Marchi, che andò in scena nel Carnevale del 1716 a Venezia nel Teatro di San Moisè, e che venne ripresa più volte negli anni seguenti.

Sardelli ha scelto di non ricostruire le parti mancanti basandosi sul libretto, riadattando i suoi versi su melodie prese da arie di altre opere o componendole nello stile di, ma di presentarla nella veste incompleta dei diciotto numeri su trentacinque, ossia la metà, dopo aver ricercato tutti i possibili brani che ne facevano parte e che erano dispersi in diverse fonti.

Gli interpreti dell’opera eseguita dall’ensemble Modo Antiquo diretto da Sardelli sono Valeria La Grotta, Cecilia Molinari, Valentino Buzza, e Biagio Pizzuti.

Uscito il 29 maggio 2026 – con qualche anticipazione per il pubblico (due tracce) e per la critica (un ascolto volante di tutto l’album) – The Boys of Dungeon Lane probabilmente detiene il primato delle notizie e delle recensioni nell’ultima decina di giorni. Questo non ci esonera dalla responsabilità e dal gusto di aggiungere qualcosa, ma allo stesso tempo offre la possibilità di sentire quali sono gli interessi, la sensibilità, la competenza della critica popular. Il titolo e i testi di alcune canzoni suggeriscono un’interpretazione in termini di nostalgia, o comunque di ricordo dei tempi in cui Paul, John, George e Ringo non erano ancora i Fab Four, a Liverpool. I tempi, secondo un aneddoto attribuito allo stesso Paul McCartney, in cui si poteva attraversare la città in autobus per andare da qualcuno che sapeva come si faceva l’accordo di Si settima (quello con il Si sulla corda vuota, perché i barré all’epoca e con quelle corde erano così duri da fare). Immagini di Liverpool, sì, accenni alle sue strade e ai suoi sobborghi, compreso Speke, quello dove abitava Paul da ragazzo e dove sorge l’aeroporto della città, intitolato (dal 2001) a John Lennon. Nessuno che se ne sia ricordato, forse per delicatezza nei confronti di Paul. Come quasi nessuno, incredibilmente, ha accennato il fatto che il progetto di un album interamente dedicato a Liverpool era stato già concepito nel 1966; John e Paul avevano composto e registrato due delle canzoni più famose della storia dei Beatles, Strawberry Fields Forever e Penny Lane, che dovevano costituire il perno di quell’lp, ma all’inizio del 1967 la Capitol (la casa discografica che ora pubblica questo album di Paul, e che all’epoca pubblicava i dischi dei Beatles negli USA) obbligò i Beatles a fornire i master per un singolo, perché non usciva nulla dei Beatles da sei mesi. Uscì allora il 45 giri con quei due pezzi, e così addio al progetto su Liverpool per l’album. Sarebbe diventato Sgt. Pepper’s. Tra tutti i critici che abbiamo letto, solo Alexis Petridis del Guardian se ne è ricordato, quasi suggerendo, comunque, che si tratta di una storia inventata (ma è documentatissima, dai Beatles, dai loro collaboratori, dagli storici “ufficiali” del gruppo). Poi si può dire che il contributo di Paul, Penny Lane, fosse un ritratto, molto fresco, del presente (di allora): non aveva il tono di chi guarda indietro. Altri ricordi. All’inizio del 1962, quindi poco prima dell’esplosione dei Beatles, Dick Rowe, un funzionario della Decca, aveva respinto un loro provino (e un possibile contratto) dicendo che «i gruppi con chitarre stanno andando fuori moda». Poi si rifece della magra, scritturando quasi tutti gli altri gruppi della British Invasion. Bene, se c’è un aspetto musicale che emerge con tutta evidenza dall’ascolto di The Boys of Dungeon Lane è che Paul (e anche il suo co-produttore Andrew Watt) è uno dei pochi musicisti rimasti capace di usare “davvero” le chitarre, con tutte le loro varietà di suoni e di contributi determinanti alle strutture delle canzoni. Non per stupire (chi?) con le svise indiavolate degli shredder, ma per costruire, per alternarsi alle voci, per sottolineare, per cantare. Paul fu costretto a diventare il bassista dei Beatles, ma le sue chitarre (come il suo basso melodizzante) sono state una delle cifre stilistiche più importanti del gruppo, e qui le ritroviamo. La voce, qualche volta, porta i segni dell’età (in modo discreto, tenero), le chitarre no. Non dovevano passare di moda?

Tratta dalla celebre fiaba di Charles Perrault con la musica di Charles Silver - compositore francese allievo di Jules Massenet vincitore del Premier Grand Prix de Rome nel 1891 scritto durante il suo soggiorno a Villa Medici - l’opera La Belle au bois dormant ha finalmente una versione in un bellissimo doppio cd della Hungarian National Philharmonic Orchestra diretta da György Vashegyi e pubblicata in un volume ricco di note e apparati iconografici dalla Bru Zane Label.

Curiosa e interessante operazione quella della Ema Vinci per tre splendidi concerti di J.S.Bach presentati in veste nuova e suggestiva da eccellenti interpreti: Luigi Gordano virtuoso di Accordeon (Bayan, fisarmonica cromatica a bottoni di origini russe) e l’Associazione Il Contrappunto orchestra d’archi di Empoli, sotto la direzione artistica di Damiano Tognetti e la direzione d’orchestra di Andrea Mura. L’attività dell’Associazione intende sensibilizzare il tema della disabilità e il portato che si impone riguarda musica di altissimo livello che, grazie a un protocollo d’intesa con il Centro Studi Musicali Ferruccio Busoni, incrementa modelli di collaborazione e coinvolgimento in varie realtà territoriali. Il risultato, eccellente, è una prospettiva nuova e originale di pagine monumento della cultura musicale che, in veste nuova, si offrono al pubblico con suggestive visioni. Una registrazione da non perdere!

A meno di due anni di distanza da Princess of the Night esce il nuovo album di Vanessa Tagliabue Yorke (Azzurra Music), un concept centrato su leggende giapponesi e romanzi di corte medievali su cui la cantante e compositrice innesta le sue magnifiche ossessioni: swing e canzoni di gran classe che evocano sonorità vintage, in controtendenza rispetto all’approccio dominante del revival. Il titolo fa riferimento ai mostri che popolarono per secoli l’immaginario giapponese in forma di dipinti, romanzi illustrati e teatro, per poi approdare al cinema. Il lavoro più famoso, tratto dal libro primonovecentesco di Lafcadio Hearn (Kwaidan, ovvero le storie di fantasmi), porta la firma di Masaki Kobayashi (musiche di Toru Takemitsu) e vinse il Premio Speciale della Giuria al Festival di Cannes del 1965. A quel film si ispira il cortometraggio che Vanessa ha girato con l’aiuto dell’Intelligenza Artificiale, a sua volta collegato a un romanzo scritto dalla multiforme artista lombarda. Il Giappone viene omaggiato con classici come Kojo no Tsuki (“la luna sopra il castello in rovina”) e Kono michi (“questa strada”), due sempreverdi del repertorio nazionale risalenti ai primi decenni del Novecento, e ricreato da composizioni originali cantate in giapponese, inglese e italiano su cui aleggia lo spirito di grandi poetesse giapponesi che Vanessa ha approfondito nel suo originale e indefesso lavoro di ricerca. La trama centrata sul Sol Levante s’incrocia con l’ordito occidentale e la sequenza è un piacere per le orecchie, anche grazie alla jazz band che l’accompagna, su cui spicca come ospite Fabrizio Bosso: brani portati al successo da Caterina Valente e Sheila Jordan – immense vocalist troppo presto dimenticate – si alternano ad altri firmati da Sam Coslow, Giovanni D’Anzi ed Ernesto Lecuona – quest’ultimo una presenza fissa nei lavori di Vanessa. Come si legge nella presentazione, “il racconto e il disco affrontano temi come la metamorfosi dello spirito di fronte al dolore, il femminicidio, la mancanza di empatia, l’esistenza marginalizzata di chi è diverso, l’incongruo riconoscimento del valore personale e la privazione dell’onore (motivo scatenante, nella cultura giapponese, che trasforma l’anima dopo la morte)”. Insomma: a oltre un secolo da Madame Butterfly, che ha segnato l’ingresso ufficiale del Giappone nell’immaginario occidentale e a mezzo secolo da quando il paese del Sol Levante adottò le canzoni di Sanremo affidandole alle più celebri voci nazionali e tributò onori senza precedenti a una Mina che aveva in repertorio anche un motivo originale in lingua giapponese (Anata to watashi), l’Italia restituisce il favore con una sofisticata operazione condotta da Vanessa Tagliabue Yorke, timbro da soprano, pancia da blues woman, mente da donna del Rinascimento. 

L’estro di Amandine Beyer, virtuosa francese del violino barocco, torna protagonista di quest’ultima sua fatica discografica per l’etichetta harmonia mundi. Che la vede interprete, insieme all’ensemble Gli Incogniti, di celebri pagine di Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi e Alessandro e Benedetto Marcello. Un viaggio in musica tra originali e ricostruzioni di concerti solistici per uno o più violini, per oboe e oboe d’amore. Pagine che evidenziano, come il titolo “Bach from Italy”, le profonde connessioni e le influenze di questi autori italiani sul genio di Eisenach. La copertina è un omaggio al Bel Paese: una Fiat 500, targata Köthen, cittadina tedesca in cui Bach fu a lungo maestro di cappella, e sullo sportello la scritta “Non sei solo”, ironico gioco di parole riferito al titolo del manoscritto autografo delle bachiane Sonate e Partite, Sei Solo a Violino senza Basso accompagnato. Accanto a Beyer, Gli Incogniti, ensemble da lei fondato nel 2006, il cui nome prende ispirazione dall’Accademia degli Incogniti, circolo artistico e accademico tra i più attivi nella Venezia del XVII secolo.

ASCOLTI

Dal cd doppio “Bach from Italy. The Vivaldi & Marcello Influences”, Gli Incogniti. Amandine Beyer, harmonia mundi

Ascolto 1
CD 1, traccia 9, Johann Sebastian Bach, Brandenburg Concerto No. 3 in G major BWV 1048, I. mov. Allegro

Ascolto 2
CD 1, traccia 12, Alessandro Marcello, Oboe Concerto in D minor, II mov. Adagio [3’31]

Ascolto 3
CD 2, traccia 13, Antonio Vivaldi, Concerto for 4 Violins and Cello in B minor RV 580 (L’estro armonico Op. 3 No. 10), III. mov. Allegro [3’03]