La Recensione

Costeggiando le rive del Lago di Lucerna, una splendida camminata tra la vegetazione, conduce alla casa di campagna “vista lago”, diremmo oggi, di Tribschen, dove Richard Wagner trascorse ben sei anni della sua vita, esattamente dal 1866 al 1872. Sul sentiero, immersi tra flora e fauna lacustri, già si respirano le atmosfere del “mondo wagneriano”. Qui completò Die Meistersinger von Nürnberg e Siegfried, continuò a lavorare sul Götterdämmerung e compose il Siegfried Idyll. Quest’ultimo eseguito per la prima volta sulla scalinata della casa il 25 dicembre 1870 come sorpresa di compleanno per la moglie Cosima. Oggi la sua dimora è divenuta un museo e, nell’anno in cui ricorrono anche i 150 anni del primo Bayreuther Festspiele (che ebbe luogo dal 13 al 30 agosto 1876), la ricordiamo. Qui ha oggi sede il Richard Wagner Museum, dove fotografie, dipinti e una preziosa collezione di spartiti e lettere raccontano del compositore la vita e il lavoro. 

È uscito il 21 agosto per City Slang “Punching the Clown”, il nuovo album (il diciassettesimo) dei Lambchop, la formazione guidata da Kurt Wagner. Nato a Nashville, dove tuttora vive, Wagner è autore di un alt country che di volta in volta si tinge di tinte diverse e sorprendenti. Stavolta il disco è incentrato sul potere della voce umana: oltre al baritono di Wagner, ci sono due cori (Eau Claire Vocal Sextet e London Choir) e un totale di fino a diciotto voci, mentre la strumentazione è volutamente minimale: banjo (Justin Vernon, alias Bon Iver), chitarra, l’occasionale basso, ghironda e nacchere.

Partendo dalla fascinazione per lo stile vocale lined-out, musica religiosa nata in Scozia, approdata negli Appalachi e diventata una componente poco conosciuta della musica country e gospel, i brani accarezzano e avvolgono l’ascoltatore in modo consolatorio e commovente, sia per la voce intima di Wagner, sia per le armonie maestose dei cori diretti da Blake Morgan. Poco importa che i testi siano volutamente oscuri (a parte l’elenco di città in No Chicago): come sostiene Wagner, «l’intento è di esaltare la voce umana senza troppi tecnicismi, che pure a volte ci sono, per farne sentire la gloria e la potenza».

Il duo formato da Thanasis (Atanas) Zikas ed Evi (Evdoxia) Seitanidou nasce da un incontro avvenuto nel 2014 fra due chitarristi, cantanti e polistrumentisti che scoprivano allora di avere interessi comuni, senza però prevedere gli sviluppi che la loro unione avrebbe avuto. Lui, figlio di un noto autore di canzoni (Giorgos Zikas), lei studiosa della chitarra e della lira del Ponto e abile manipolatrice della batteria elettronica, cominciarono a intrecciare voci e strumenti sui ritmi tradizionali della musica greca e balcanica, ma con accenti influenzati dal rock psichedelico e progressivo. Se ascoltandoli il pensiero va ai King Crimson degli anni Ottanta, o ai BEAT, o – perché no – agli Angine de Poitrine, è perché se si prendono i metri additivi dello zeibekiko o di altre danze dell’area greco-turca-balcanica e li si rivestono con suoni amplificati, mettendo in secondo piano l’origine etnica, il risultato che si ottiene è vicino al progressive rock, al math rock, all’avant rock. Quanto alle etichette, i Kadinelia chiamano la loro musica progressive folk. Il nome, Kadinelia, è quello di una specie di falchetti che si incontrano nelle Cicladi, che hanno la curiosa pratica di accoppiarsi in volo: osservandoli mentre si trovavano nell’isola di Paros, Thanasis ed Evi pensarono che quelle acrobazie assomigliassero al loro modo di scambiarsi idee musicali. Se poi ci fossero altre analogie non è dato di sapere.

I Kadinelia hanno pubblicato due album (questo che recensiamo è uscito poche settimane fa), e hanno un discreto seguito in Grecia. Sono stati perfino invitati dalla comunità greca per una tournée in Australia. Niente di paragonabile al successo dei nomi citati qui sopra, anche se il risultato in termini sonori e di spettacolo è del tutto simile. Li abbiamo ascoltati dal vivo qualche settimana fa a Chaniá, Creta, come gruppo di spalla di uno degli ensemble più noti nel genere dell’éntechno, la canzone d’autore greca. Il pubblico li ha applauditi a lungo, chiedendo dei bis, cosa che forse non succederebbe dalle nostre parti (il pubblico della canzone d’autore nostrana non si entusiasma di fronte al 9/8 sparato a tutto volume). Ma i greci hanno tutt’altra sensibilità per i metri additivi, che sono alla base delle danze che moltissimi praticano nelle feste. E, intelligentemente, il duo usa chitarre acustiche (amplificate), la lira del Ponto, la zampogna, restando al di qua della linea invisibile che nel senso comune separa la musica tradizionale dal rock. Da ascoltare. Anzi, da rincorrere.  

La Sardegna potrebbe forse essere considerata il paradiso degli antropologi e degli etnomusicologi per la ricchezza, la varietà e la longevità di usi e tradizioni, talvolta antichissimi, millenari addirittura. Da questo, ma anche da altri punti di vista, il fascino della Sardegna è assolutamente speciale e, ovviamente, questo discorso riguarda anche e soprattutto la musica. La forma più nota fra le tradizioni musicali sarde, ma anche verosimilmente, una delle più antiche del mondo intero, è sicuramente il canto a tenore, che l’Unesco ha inserito già nel 2005, nel patrimonio immateriale dell’umanità. Nel 2023 si è aggiunto ad esso il canto lirico. E, tenuto conto che queste sono le uniche due tradizioni musicali italiani presenti nell’elenco mondiale dell’Unesco (che ne comprende alcune centinaia), questo binomio appare quantomeno singolare.

Ovviamente, in un album dedicato alla musica tradizionale sarda, il canto a tenore non può mancare. È il caso di Vinti ‘e maju, l’ultimo album di Paolo Angeli, chitarrista e compositore di Sassari, ma cittadino del mondo direi, che da oltre vent’anni con la sua chitarra sarda ha intrapreso un originalissimo itinerario di rilettura e reinvenzione della tradizione, rigoroso e sperimentale al tempo stesso, anche grazie allo straordinario lavoro di progettazione e realizzazione di uno strumento che definire “chitarra sarda preparata” è decisamente riduttivo. E che è diventato ormai una sorta di generatore elettroacustico dalle risorse inesauribili, alla cui base però c’è sempre l’antica abilità virtuosistica che si richiede a un grande musicista.

Vinti ‘e maju, rappresenta per molti aspetti un salto qualitativo e in un certo senso anche quantitativo. Non solo perché è nato dalla collaborazione di Angeli col Tenore Murales de Orgosolo, ma anche perché vi si concentrano e si intrecciano una quantità di generi e repertori di oggi e di ieri, non solo canto a tenore e chitarra sarda, ma anche numerosi campionamenti di registrazioni d’epoca, frutto di una paziente ricerca.

Insomma, una coralità dove idealmente convive non solo l’intera cultura musicale isolana, ma anche la sua storia difficile e tormentata, riletta attraverso intonazioni di versi di alcuni dei più noti poeti popolari sardi, testi spesso splendidi, ma a volte difficili da comprendere per chi non è sardo, ed è un peccato che l’album non ne riporti la traduzione. Testi che, come nelle più nobili tradizioni popolari, cantano l’orgoglio, la lotta, la volontà di resistere a un mondo, a un “progresso”, a un colonialismo che non cessano di minacciare la sopravvivenza, non solo delle tradizioni, ma talvolta anche delle stesse popolazioni appartenenti alle minoranze linguistiche.

AnMa Productions, Tenore Murales de Orgosolo, RerMegacorp.

01 Bramas

02 Meriare + inizio La Fola

03 Sa lota ‘e Pratobello

A far brillare di nuovo Il pomo d’oro, la festa teatrale in un prologo e cinque atti di Antonio Cesti su libretto di Francesco Sbarra, dopo oltre 350 anni dalla sua unica esecuzione viennese, ci ha pensato il Festival di musica antica di Innsbruck per celebrare la sua 50° edizione.

L’impresa è stata resa possibile grazie alla ricostruzione fatta da Ottavio Dantone dei due atti incompleti, il terzo e il quinto, il cui manoscritto è conservato nella Biblioteca Estense di Modena, mentre il resto dell’opera, composto dal prologo e dal primo, secondo e quarto atto sempre in forma manoscritta, è sopravvissuto integralmente e si trova nella Biblioteca Nazionale Austriaca di Vienna.

Nel Teatro Regionale del Tirolo di Innsbruck la rappresentazione dell’opera eseguita dalla Accademia Bizantina diretta da Dantone con un cast di venti cantanti è stata ripartita in due distinte giornate, come avvenne nel 1668 in occasione del compleanno e dell’onomastico dell’imperatrice Margarita Teresa. Non essendoci più ragione oggi di onorare la corte e in particolare l’imperatrice, il regista Fabio Ceresa ha trasformato il finale in un simbolico omaggio all’Europa, visto che nel Prologo le diverse nazioni, da lui modernizzate come le miss di un concorso di bellezza, celebravano la Gloria Austriaca.

Un cofanetto, comprendente 11 cd, raccoglie le registrazioni del virtuoso del violoncello Jian Wang per DG, Universal Music Australia e DG China. Origine cinese ed una folgorante carriera che ha inizio quando, all’età di undici anni, Wang è invitato a esibirsi per Isaac Stern - come testimoniato nel celebre documentario From Mao to Mozart: Isaac Stern in China - attirando l’attenzione internazionale. Attivo come solista, camerista, e docente, Wang è stato il primo musicista cinese a firmare un contratto in esclusiva con la Deutsche Grammophon. Oltre alle copertine originali i cd comprendono un repertorio che spazia da Bach a Mozart, Brahms e oltre, e collaborazioni con artisti di fama internazionale, tra cui registrazioni in trio con Maria João Pires e Augustin Dumay, nonché il Doppio Concerto di Brahms con Gil Shaham e i Berliner Philharmoniker diretti da Claudio Abbado, e un booklet con nuove note, basate su una recente intervista con l’artista.

Premessa: l’artista usa il pronome “they” ma, nell’impossibilità di usarlo in modo neutro in italiano senza troncare le desinenze, si è adottata la declinazione al femminile per motivi esclusivi di leggibilità, e non per mancanza di rispetto verso la sua scelta.

Cantautrice, improvvisatrice, virtuosa della chitarra, negli ultimi dieci anni Wendy Eisenberg si è mossa sulla scena indipendente dall’art-rock al jazz, all’improvvisazione free e al folk e all’avanguardia. Il country-folk è il genere più prossimo nel disco che porta il suo nome ed è uscito questa primavera.

L’album nasce nel 2020 in coincidenza con il suo trasferimento dal Massachusetts (dove studiava al conservatorio del New England) a Brooklyn. Il cambiamento drastico fa gravitare Eisenberg, per richiamo nostalgico, verso le sonorità country-folk: le influenze vanno da Gillian Welch, John Prine e Willie Nelson, con sconfinamenti nel weird folk dell’arpista Joanna Newsom, nelle maestose orchestrazioni pop-folk di un’artista tanto geniale quanto trascurata come Judee Sill, o dei più noti Jimmy Webb e Van Dyke Parks. Il trasloco a Brooklyn, in particolare, evoca il chamber pop di gruppi come Dirty Projectors e Grizzly Bear. Altri musicisti che le sono cari sono Jim O’Rourke ed Elliott Smith, ma ricordiamo che la sua formazione è jazz e che ha suonato anche con Bill Orcutt.

«I brani sono autentiche canzoni folk – dice Eisenberg – ma io non cerco di esplorare le potenzialità della chitarra, quanto di includere i linguaggi più strani che questo strumento ha espresso nell’ultimo secolo e mezzo».

Su questo disco che coincide con una nuova fase della sua vita e della sua carriera musicale e professionale, Wendy Eisenberg ha invitato vari amici, come il bassista Trevor Dunn (già con Mike Patton e John Zorn), e Mari Rubio, polistrumentista che qui suona la pedal steel e il synth e che ha curato gli arrangiamenti d’archi e coprodotto il disco.

Che cosa può tenere insieme una violoncellista e cantante guatemalteca trentaquattrenne e un chitarrista statunitense sessantaquattrenne, per realizzare un album che qualche critico ha descritto come “sognante” e “intimo”? Sicuramente l’apertura mentale e la frequentazione di musiche disparate, tutte più o meno vagamente legate al concetto di avanguardia. I biografi raccontano che Bill Orcutt, il chitarrista, fu spinto a suonare la chitarra guardando l’esibizione di Muddy Waters in The Last Waltz di Scorsese (ma perbacco, nel film Muddy Waters non suona la chitarra! Lo accompagnava Bob Margolin, quel ragazzo coi capelli ricci che nessuno ha presentato durante il concerto di The Band, e ovviamente c’era anche Robbie Robertson). E Mabe Fratti sarebbe stata folgorata da un disco con musiche di Ligeti, portato a casa casualmente da suo padre, e da un DVD della celeberrima violoncellista Jacqueline du Pré. A trent’anni Orcutt fondò un gruppo (Harry Pussy) insieme alla moglie cubana, la batterista e cantante Adris Hoyos, e fu coinvolto nella scena indie statunitense, con gruppi come i Sonic Youth. In seguito, realizzò decine di album come solista, collaborando con musicisti e con festival che si possono descrivere come “free” e “al di fuori dai generi”. Partita da una formazione classica, ovviamente anche legata al suo strumento, Mabe Fratti si è poi avvicinata al mondo dell’improvvisazione libera, agli intrecci con culture musicali diverse, in un percorso non lontano da quello di Orcutt, che doveva finire per incontrare, prima o poi. Ciò che colpisce in modo particolare nell’album registrato dai due è la capacità di ascolto reciproco e la discrezione, anche nei momenti più intensi. Mabe Fratti poi contribuisce, in due degli otto brani, con la sua voce, a tratti moltiplicata dalle sovraincisioni, che rimanda agli stili di alcune cantautrici latinoamericane e iberiche, una specie di koinè vocale che ha preso piede negli ultimi anni, aiutata dalle risorse della registrazione e del trattamento digitale dei suoni.

Di recente ci sono stati accenni polemici nei confronti dei chitarristi elettrici ultraveloci, dei quali il capostipite è stato Eddie Van Halen, accusato di aver “rovinato la chitarra” mettendo lo shredding, il suonare frasi velocissime e intricate, al vertice dei valori musicali del rock. Bill Orcut certamente non se ne è fatto influenzare: la tecnica non gli manca, ma il suo fraseggio è sensibile, spesso cantabile anche quando è aggressivo, e nell’album si rispecchia bene nelle sonorità del violoncello. Una bella combinazione, davvero.

Le forme sonore della malinconia per tempi difficili.

Per registrare il suo primo disco il clavicembalista ucraino Dmytro Kokoshynskyy ha scelto il repertorio dei cosiddetti virginalisti inglesi, come Tallis, Byrd, Bull, Peerson e Gibbons, all’insegna della malinconia elisabettiana reinterpretata con particolare vigore.

Utilizzando una copia del cembalo inglese più antico sopravvissuto, del 1579, e la ricostruzione di un esemplare Ruckers originale del 1612 ha eseguito pavane, gagliarde, ground, e tra le altre musiche anche una composizione di Maxim Shalygin, scritta nel 2024 per quello che l’autore ha definito un «misterioso strumento».

La scelta di questo repertorio ha un particolare significato personale per il clavicembalista che paragona l’inquietudine e le paure dell’ambiente inglese all’epoca nella quale lo scrittore Robert Burton concepì il suo trattato The Anatomy of Melancholy pubblicato nel 1621, al tempo presente e alla profonda preoccupazione e sofferenza per le sorti del proprio paese.

È sempre una grande emozione assistere all’esecuzione e alla registrazione dell’opera completa di un compositore, soprattutto un compositore fra i più incisivi dello scorso ‘900: Dmitri Shostakovich. La sua opera, monumentale, ha la forza di un secolo difficile e complesso; l’impegno che Eugenio Cantone vi ha profuso nell’interpretazione e nella ricerca musicologica sono encomiabili e necessari per comprendere l’immensità di una figura sofferta e profonda come quella dell’autore. Splendida quest’ultima uscita, sulla quale si sono cimentati nel tempo grandi esecutori, che riguarda l’amore di Shostakovich per la musica di Bach e per il grande passato dell’Occidente. Un CD di grande fascino!