La Recensione

I Durutti Column sono il progetto fondato nel 1978 da Vini Reilly a Manchester, la città dove è nato e vive. Sono stati il primo gruppo messo sotto contratto dalla Factory Records di Tony Wilson, e anche quello che ha chiuso l’etichetta con l’ultima pubblicazione. Del post punk e della new wave inglese costituiscono la corrente minimalista, eterea e romantica. Vini Reilly è un chitarrista adorato da Johnny Marr, Brian Eno e John Frusciante, un mito e una figura estremamente elusiva. È stato un pioniere della chitarra usata per creare texture, consistenze di grande atmosfera, modificando il suono dello strumento per farlo assomigliare a quello di un sintetizzatore o di una tastiera ambient.

Dopo una lunghissima pausa dovuta a vari problemi di salute di Reilly, il nuovo album Renascent è letteralmente un ritorno alla vita. Con lui ci sono due collaboratori fidati – Bruce Mitchell alla batteria e Keir Stewart, polistrumentista e produttore – oltre a due cantanti in alcune tracce: Caoilfhionn Rose, cantautrice e produttrice di Manchester, e Lucas Elliot.

Stregone della sei corde, come è stato definito, e personaggio di grande umanità, con Renascent Vini Reilly e i Durutti Column ci regalano un disco contemplativo e celestiale, di cui fare il miglior uso possibile.

Il canadese Daniel Lanois è stato definito da una rivista autorevole come “il produttore discografico più importante emerso negli anni Ottanta”. Al di là dell’evidente polarizzazione angloamericana del giudizio, chi c’era e ascoltava dischi a quell’epoca sarebbe probabilmente d’accordo. Lanois fu uno dei primi ad appropriarsi consapevolmente delle risorse tecniche maturate alla fine del decennio precedente, soprattutto in termini di ambientazione del suono e flessibilità del processo produttivo: non tanto i sintetizzatori, i computer, i campionatori, quanto i processori digitali (riverberi, delay), la disponibilità di un gran numero di tracce indipendenti, l’automazione dei banchi di missaggio, e non da ultimo il compact disc, che rendeva più trasparente ed effettivamente percepibile il lavoro di produzione. Il momento-chiave della carriera di Lanois, che era già cominciata alla fine degli anni Settanta, fu il lavoro al fianco di Peter Gabriel per So, uscito nel 1986, l’album di enorme successo che proiettò il cantante e autore britannico dalla relativa nicchia di un rock semi-sperimentale al mondo delle grandi star e delle classifiche. Nel frattempo erano venuti, per il canadese, altri lavori importanti: la collaborazione con Brian Eno per Ambient 4: On Land (come tecnico del suono) e per altri album di ambient music, e poi soprattutto, sempre con Eno, The Unforgettable Fire degli U2. In seguito – dopo So – il bellissimo primo album solista di Robbie Robertson, ancora gli U2, Bob Dylan, i Neville Brothers, ancora gli U2 e Gabriel, Bob Dylan, Emmylou Harris, e – solo per tagliare corto in un elenco foltissimo – Time Out Of Mind di Dylan, che contribuì a mostrare nel 1997 che Dylan aveva ancora molto da dire, con una nuova voce e un nuovo sound.

Lanois ha pubblicato anche un certo numero di album propri, sia come singer-songwriter sia come autore-produttore di lavori di musica ambient (un concetto abbastanza fragile, ma bisogna dare atto a Lanois di esserne stato, con Brian Eno, uno dei fondatori). Belladonna Nocturne appartiene a questa seconda categoria, e riprende non solo il titolo ma anche l’articolazione interna e perfino la copertina di un album del 2005, Belladonna. Uno degli strumenti dominanti, anche perché più facilmente riconoscibile, è la pedal steel guitar (semplificando, la chitarra hawaiana), che è il primo strumento che Lanois imparò da ragazzo e che evidentemente non ha abbandonato. Non è usata con il lessico della musica country, della quale è uno dei timbri più caratteristici, ma ugualmente sfrutta la riverberazione, i glissandi, il registro acuto, che si integrano bene nell’estetica atmosferica di Lanois. Perché Nocturne? Ci sono forse ragioni “filosofiche” per la scelta dell’autore. Ma ci piace immaginare che Lanois abbia lavorato a questo materiale di notte, senza un progetto rigoroso, “buttando giù” idee e sviluppandole man mano che si presentavano, per quanto eterogenee. È bello avere il tempo e le risorse per farlo.

Il più giovane nato a Paide, Estonia nel 1935. Un altro nato nel 1934 a Engel’s in quella Repubblica Autonoma Tedesca del Volga, che dopo lo scoppio della guerra mondiale i sovietici abolirono, deportandone gli abitanti di origine tedesca in Siberia. E un altro ancora, il più vecchio, nato nel 1892 a Soncivka, oblast del Donetsk, la regione ucraina, oggi occupata dai Russi.

Si tratta rispettivamente di Arvo Pärt, Alfred Schnittke, Sergej Prokofiev. La vita di tutti costoro, e anche la loro musica, porta le tracce di un’epoca tormentata e ancora ben lontana dall’essere pacificata.

Sono questi i tre compositori che figurano nel nuovo album uscito per la ECM del duo Gazzana: Natascia violino e Raffaella pianoforte. Più che “tracce” di un’epoca, sarebbe forse meglio dire conseguenze, frutto di condizionamenti, paure, ostracismi, censure, ribellioni interiori al regime sovietico che tutti e tre hanno conosciuto e sofferto per lunghi anni.

Nell’album sono incluse due composizioni Prokofiev, la Sonata per violino e pianoforte op. 80 e le Cinque melodie op. 35a. Di Arvo Pärt troviamo la celebre, se non celeberrima, Spiegel im Spiegel. E di Schnittke il Gratulationsrondo, pagina relativamente poco nota ma che ha un che di irresistibile nella sua ironia raffinata e spiazzante. Questo è il quinto album per ECM, del Duo Gazzana che come spesso accade è più conosciuto e richiesto all’estero che nel proprio paese, anche perché Natascia e Raffaella amano esplorare territori e autori recenti o decentrati, piuttosto che battere le piste del grande repertorio. E questo per gli algoritmi non è una buona credenziale.

I concerti del festival di musica rinascimentale FloReMus, che si svolge nel mese di settembre a Firenze, sono divisi in due distinte sezioni con orari diversi. La sezione pomeridiana è chiamata “Concerts à boire” ed è dedicata a ensemble o solisti giovani che vengono presentati in diversi luoghi della città, anche inusuali, con l’idea di offrire delle opportunità di ascolto in quartieri differenti, cercando di coinvolgere anche chi non conosce la musica antica, in particolare tra le nuove generazioni.

Uno di questi cinque concerti è stato presentato nella Galleria degli Specchi di Palazzo Medici Riccardi, nella quale l’Arco Amoroso Ensemble ha eseguito un programma intitolato “Tra parola e suono: il madrigale italiano tra Cinque e Seicento”. A fianco ai nomi di Arcadelt, Marenzio e Monteverdi, risaltava quello meno noto ma altrettanto importante di Maddalena Casulana. La musicista rinascimentale toscana è particolarmente cara ai cantanti che hanno recentemente formato a Vicenza questo nuovo gruppo vocale, il cui nome è ispirato a un madrigale di Gesualdo da Venosa.

L’ultima fatica discografica della virtuosa del violino María Dueñas, dal titolo Homage to Heifetz – la cui uscita risale allo scorso 28 agosto per Deutsche Grammophon – la vede affiancata da Gustavo Dudamel e dalla venezuelana Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, interprete del Concerto per violino di Korngold e della Symphonie Espagnole di Lalo, ma anche di brani celebri di Debussy e Ponce insieme al pianista Itamar Golan. «Per me un progetto discografico è qualcosa di molto ponderato; voglio davvero che ogni album sia in qualche modo vicino alla mia sensibilità - spiega Dueñas - Questo, in particolare, mi riporta alle mie radici perché volevo rendere omaggio anche al mio Paese, la Spagna, ed è per questo che ho registrato la Symphonie espagnole di Lalo. Riguardo alla connessione con Jascha Heifetz, ripeto, in questo album tutto ruota attorno alle radici: ricordo di essere cresciuta con il vinile in cui Heifetz eseguiva proprio Korngold e Lalo. E tenevo a mostrare questo legame poiché ritengo sia colui che mi ha maggiormente influenzato riguardo al modo di suonare il violino, alla ricerca di un mio suono e della mia personalità».

Con “Art Is Simple”, il pianista e compositore francese Baptiste Trotignon torna alla musica originale con un album che fa della semplicità una precisa scelta estetica. Pubblicato da Naïve, il disco raccoglie tredici composizioni interamente firmate dall’artista e propone un jazz intimo, meditativo e cinematografico, lontano dalla ricerca dell’effetto e dal virtuosismo fine a se stesso.

Classe 1974, Trotignon è uno dei protagonisti più originali della scena jazz francese contemporanea. Dopo gli studi di violino, approda al pianoforte e scopre il jazz da adolescente. La formazione parigina e i primi album, tra cui Fluide e Sightseeing, gli valgono importanti riconoscimenti, dal Django d’Or al Prix Django Reinhardt, fino alle Victoires du Jazz. Nel corso della sua carriera ha attraversato jazz, musica classica, improvvisazione, canzone e pop, collaborando con artisti come Tom Harrell, Brad Mehldau, Melody Gardot e Stefano Di Battista.

Art Is Simple rappresenta un ulteriore capitolo di questo percorso. Dopo le riletture del repertorio pop britannico di Brexit Music e il progetto PianoForte con Éric Legnini, Pierre de Bethmann e Bojan Z, Trotignon sceglie di concentrarsi sulla composizione, imponendosi una regola precisa: non più di un’ora per scrivere ciascun brano. Un metodo per affidarsi all’intuizione e impedire che la musica si perda nell’eccesso di idee.

Il risultato è un album costruito per sottrazione. La melodia assume un ruolo centrale, mentre l’improvvisazione lascia maggiore spazio alla forma, al timbro e alle atmosfere.

Accanto a Trotignon, al pianoforte, suonano Jérôme Regard al basso e contrabbasso e Raphaël Pannier alla batteria, con la partecipazione di Romain Pilon alla chitarra, Laurent Vernerey al basso, Raphaël Chassin alla batteria, alla quale si accomoda anche Tony Rabeson, storico collaboratore del pianista.

Nel disco confluiscono anche suggestioni provenienti dalla folk music, dalla canzone, dalla pop e dalla soul-fusion. A caratterizzare ulteriormente il progetto è un ampio lavoro di post-produzione, attraverso il quale il materiale registrato viene rielaborato, ricomposto e modellato fino ad assumere una dimensione quasi cinematografica.

Art Is Simple è dunque un album sulla semplicità, ma soprattutto sulla difficoltà di raggiungerla senza cadere nel semplicismo. In un’epoca dominata dalla sovrabbondanza di informazioni e stimoli, Trotignon sceglie di rallentare, togliere e lasciare spazio all’essenziale.

Una musica che non rinuncia alla complessità, ma decide di non ostentarla.

La bibliografia sulla canzone napoletana vanta una lunga storia, quasi quanto la canzone stessa, essendo chiaro fin da subito che si trattava di un prodotto sofisticato sia sul piano musicale sia su quello testuale. Il coinvolgimento di letterati e compositori, a fianco di autori senza una specifica preparazione, ha aggiunto un motivo di orgoglio in più per la città di Napoli e per decenni il canzoniere ha svolto anche una funzione promozionale, in special modo verso l’estero. Questa bibliografia ha insistito su aspetti oleografici, esaltando la creatività di autori ed editori in chiave romantica trascurando le condizioni socioeconomiche e culturali alla base di un fenomeno unico nel panorama europeo tra Ottocento e primi Novecento. Ma da una ventina d’anni a questa parte è cresciuta anche una letteratura su basi scientifiche, grazie a una nuova generazione di studiosi che, sulla scia di pionieri come Roberto De Simone, Pasquale Scialò e Maria Luisa Stazio, ha saputo indagare i molteplici sviluppi della canzone napoletana con gli strumenti messi a disposizione da un canone accademico multidisciplinare: etnomusicologia e popular music, anzitutto, analisi e semiotica del testo, storia. Storia delle tradizioni, storia urbana, storia dell’editoria e della discografia. Raffaele Di Mauro è uno degli studiosi più brillanti della sua generazione, il cui lavoro va da anni integrando quello di colleghi (Simona Frasca, Anita Pesce, Goffredo Plastino, Giovanni Vacca) impegnati su altri aspetti del fenomeno. Agli albori della canzone napoletana (Squilibri), sottotitolo “storia e analisi di un repertorio urbano (1824-1879) è un libro di 300 pagine, con prefazione di Giorgio Adamo, che si concentra sul periodo precedente la cosiddetta “età dell’oro” della canzone napoletana. Nella prima parte se ne racconta la storia, in tre fasi: 1) fonti e genesi del repertorio (1824-1839); 2) “Io te voglio bene assaje” e la nuova produzione (1840-1855); 3) verso un’industria della canzone (1856-1879). La seconda parte si addentra nell’analisi del repertorio passando in rassegna matrici e forme: le serenate, le arie e le canzoni buffe, le ariette paesane e i canti a dispetto, le canzoni narrative e le ballate epico-liriche, le canzonette urbane su fogli volanti, le musiche per il ballo e il Carnevale, le pastorali degli zampognari. È la parte più tecnica, dove l’etnomusicologo si destreggia con maestria puntualizzando aspetti che aiutano a comprendere meglio il variopinto paesaggio sonoro napoletano dell’Ottocento. Una ricca appendice mette a disposizione una rarissima documentazione cartacea (le partiture a stampa dei 68 brani contenuti nell’edizione 1829 dei Passatempi Musicali, le 5 canzoni di Donizetti, le partiture di 3 canzoni composte da musicisti di area colta tra cui il famoso soprano Maria Malibran) a cui segue un altrettanto estesa e preziosa documentazione sonora fatta di registrazioni tratte da archivi pubblici e privati, per un totale di 39 tracce audio che risalgono agli albori della ricerca sul campo (Alan Lomax, Diego Carpitella, Ernesto De Martino) insieme ad altre più recenti.

Cantante, compositrice, curatrice, artista visuale franco-americana, Cécile McLorin Salvant ha alle spalle nove dischi, diversi Grammy Awards, un’opera intitolata Ogresse, e adesso un disco con un’orchestra di 48 elementi, la Metropole Orkest diretta da Jules Buckley, mentre gli arrangiamenti dei brani sono di Darcy James Argue.
«Lavorare con un’orchestra è, per sua natura, un’esperienza molto più pianificata e organizzata», dice la musicista. «Vogliamo mantenere la stessa spontaneità e lo stesso spirito avventuroso che abbiamo con le formazioni più piccole, ma alla fine sarà Darcy a integrare tutto ciò negli arrangiamenti. Ha una mentalità musicale davvero interessante, e i suoi arrangiamenti sono estremamente audaci e ricchi di colpi di scena».
Se ne ha prova ascoltando le tracce – standard jazz e classici del music hall – contenuti nell’album, dove brillano la voce e le capacità interpretative di McLorin Salvant, e le sfumature e la duttilità dell’orchestra. Da Sophisticated Lady di Ellington a Les Parapluies de Cherbourg di Legrand, a Send in the clowns di Sondheim, una raccolta di canzoni sui dilemmi e le sofferenze dell’amore in interpretazioni raffinate, drammatiche e perfino sublimi.

Marta Del Grandi è una cantante, autrice, polistrumentista e produttrice milanese. L’album Dream Life è stato pubblicato all’inizio dell’anno, ma per molti mesi le tracce della sua presenza in Italia sono state minime, fino a quando, alla fine di luglio, è stata chiamata ad aprire il concerto milanese di Patti Smith, in occasione del cinquantenario di Radio Popolare. Lì, allora, c’è stato un risveglio. Va detto, a beneficio di chi ascolta musica senza un coinvolgimento professionale, che i critici, i dj, i presentatori radiofonici, gli organizzatori di concerti ricevono ogni giorno una media di cinque o più comunicati stampa che pubblicizzano uscite di singoli (perlopiù) o album di artisti anche semisconosciuti, con grande dovizia di particolari e spiegazioni dotte, oltre a foto, video, link, e così via. Uno finisce per trovarsi nella posta almeno un migliaio di questi comunicati (utili?) ogni anno. Ma i dischi di Del Grandi sono pubblicati da un’etichetta indipendente inglese, Marta canta in inglese (solo in questa lingua, in Dream Life), e per sapere qualcosa di lei abbiamo dovuto inciampare in una recensione di un sito statunitense. Se invece che considerare la copertura di marketing volessimo ascoltare la musica, diremmo senz’altro che Del Grandi non è una cantautrice esordiente che ha avuto la ventura di essere considerata per una targa Tenco (per l’album precedente), ma una delle voci migliori della musica internazionale, da confrontare con i nomi più in vista dell’art pop (se ci si concede l’etichetta), da Laurie Anderson a Björk a Kate Bush a Maria Arnal. Davvero? Intanto, Del Grandi non è un’esordiente. Si dice che abbia iniziato come cantante jazz, che abbia studiato al Conservatorio “Giuseppe Verdi” di Milano e sia poi andata a perfezionarsi al Conservatorio Reale di Ghent (Fiandre), per poi trasferirsi per qualche tempo in Nepal. Ora risiede di nuovo a Milano. Il suono del suo ultimo album è fenomenale. Sicuramente trae beneficio dai collaboratori, tutti o quasi (a quanto emerge dai nomi) fiamminghi; l’album è stato registrato proprio a Ghent. Ai tempi degli album con le copertine 30x30 era quasi un rito leggere i nomi dei partecipanti, ma oggi bisogna spulciare faticosamente la rete. Ecco: Marta Del Grandi: voce, composizione musicale, testi, arrangiamenti, produzione, sintetizzatori, chitarre, programmazione; Bert Vliegen: coproduzione, registrazione, sintetizzatori, programmazione; Artan Buleshkaj: chitarre; Kobe Boon: basso; Simon Raman: batteria, percussioni; Benjamin Hermans: sax alto e baritono; Frederik Heirman: tuba e trombone; Heleen Andriessen: piano (in “20 Days of Summer”); Fenne Kuppens: voce ospite (in “Some Days”).

Una caratteristica insolita dell’album è che i tag (le etichette) dei singoli brani, così come si scaricano dalla rete, sono diversi: quasi sempre i discografici etichettano i brani di un album con un singolo tag (indie rock, pop, trap, folk, world music, e così via), come conseguenza della loro strategia di product placement. In Dream Life, si direbbe che sia stata forse la stessa Del Grandi a suggerire il carattere di ogni singolo brano: indie pop, cantautori contemporanei, funk, alternativa, jazz… È indiscutibile che ci sia una mistura di generi e di stili, trattati con grande padronanza: emergono sprazzi di riff metallici, di suoni che ricordano gli ultimi XTC (salvo che là sono campionatori, qui un basso tuba) o la dance elettronica, cantati, suonati, mixati con grande gusto e competenza. Prossimamente Grandi terrà dei concerti in Germania, a Schorndorf e a Norimberga, e anche a Parma, l’11 ottobre. Da non dimenticare. 

Anni fa non lo si poteva prevedere, ma il web e lo streaming, insieme alla resurrezione del vinile, hanno avviato un momento di fioritura per le etichette discografiche indipendenti. Le quali, nonostante la perenne spada di Damocle dalle majors, quei colossi famelici ora ridotti a tre: Sony, Warner e Universal, percorrono strade più sostenibili, anche dal punto di vista economico: costi minori di produzione e distribuzione, prezzi di vendita inferiori e royalties migliori per gli artisti.

Lanciare una nuova etichetta specializzata in un certo repertorio, richiede comunque coraggio e competenza, a fronte di una fortissima competizione che tuttavia, per noi, pubblico, è una buona notizia, perché la scommessa in questo settore è prima di tutto la qualità.

Di fatto, Pierre-Yves Lascar, produttore parigino, ha lanciato in questi mesi una nuova etichetta: Habanero, ossia “dell’Avana”, pubblicando il primo album doppio affidato a un valente pianista italo-cubano, Marcos Madrigal. L’album non ha un vero e proprio titolo, o meglio, sulla copertina si leggono unicamente i nomi del pianista, dei compositori e dei brani contenuti nel disco. In piccolo, in alto uno slogan “Fiery, tasty & velvety” ovvero “piccante, gustoso & vellutato”, accompagnato da alcune icone del peperoncino che, a Cuba, viene chiamato, appunto, Habanero.

Sorprende quindi vedere in copertina, oltre al rettangolino della bandiera brasiliana, i nomi di Cláudio Santoro e Heitor Villa-Lobos, ossia due fra, o forse, “i” maggiori compositori brasiliani del ‘900.

La contraddizione è solo apparente e ce la spiega Pierre-Yves Lascar nelle note al disco: l’obiettivo di Habanero è «portare alla luce le molteplici bellezze del continente latinoamericano e il suo straordinario e poetico patrimonio musicale». Non solo il Brasile, ma anche «i variegati territori delle Americhe di lingua spagnola, coprendo gradualmente, con il passare degli anni, un’ampia gamma di generi strumentali e vocali».

Il primo album suona in effetti di ottimo auspicio, per cui buona fortuna.