La Recensione

Il suono avvolgente della viola da gamba ha un fascino particolare. Con il suo timbro ricco di armonici racconta il mondo musicale rinascimentale e barocco, come dimostra Miguel Bonal in questo suo disco di esordio nel quale propone la musica dei più importanti compositori che hanno esaltato le doti espressive di questo strumento.

Il titolo del disco suggerisce la particolare qualità musicale della viola da gamba, che si nutre del silenzio, con il quale sembra dialogare per rivelare le sue melodiose armonie.

Lo strumento imbracciato dal giovane gambista, ritratto in riva al mare nella copertina del disco, è un basso di viola costruito sul modello di uno dei rari esemplari del tardo Seicento di un importante maestro liutaio francese, Michel Colichon, e l’eleganza della sua forma è pari alla intensità del suo timbro.

Che gioia quando autori e case editrici, ancora oggi, hanno desiderio e coraggio di parlare di musica, insegnarla, comunicarla, spiegarla: è il caso divertente e interessante del giovane libro edizione Treccani collana Tessere e di autori appassionati come Filippo Simonelli e Saverio Simonelli. Basta cambiare prospettiva e le opere sembrano nuove e diverse, anche le più conosciute: partire dal linguaggio e trovarsi nel mondo antico e perfetto della musica: un’occasione da non perdere!

Too Much to Dream – sottotitolo “Giovani, musica e controculture nella California degli anni Sessanta” (Carocci) - racconta la favola della West Coast, quando fu il rock a ergersi a emblema di una generazione, dei suoi sogni e delle sue utopie, spiegandone le ragioni e valutandone il portato ideale anche oltre il luogo d’origine. Un fenomeno, quello identificato con la hippie generation, in cui la musica ha occupato un posto centrale facendosi messaggera di pace e amore, ma anche di rivendicazioni che hanno interessato l’intero establishment, istituzionale e non: dalla scuola alla famiglia, dalla politica al razzismo, dalle droghe alla spiritualità.

Quando tutto cominciò, in Italia furono i libri di Bertoncelli a spalancare i nuovi orizzonti con una scrittura freak in simbiosi con l’oggetto, mentre quelli di Mario Maffi ne spiegavano le dinamiche con un approccio accademico. Poi, alcuni editori tradussero opere di culto come il manifesto di Jerry Rubin (Do It!, per Arcana) o il Roszak (Nascita di una controcultura, per Feltrinelli), opportunamente citati nel libro in questione. Estinti i fuochi che ardevano in ogni angolo d’America, la pubblicistica sulla controcultura si è arenata, pur continuando a prosperare nel mondo anglosassone dove è stata rilanciata anche grazie all’esplosione delle sottoculture a partire dagli anni Ottanta. È dunque un inatteso “ritorno di fiamma” – a proposito di (logore) metafore incendiarie - quello rappresentato dal libro di Alberto Maria Banti. E tuttavia non è del tutto inaspettato. L’autore - Ordinario di Storia Contemporanea e Storia culturale all’Università di Pisa - ci aveva già impressionato con scorribande ambiziose, ma sempre fondate, nel cuore della popular culture planetaria. Nel 2019 era uscito il monumentale Wonderland. La cultura di massa da Walt Disney ai Pink Floyd, che già dedicava ampio spazio alla musica, e nel 2024 una monografia sull’album più osannato del rock, Sgt. Pepper’s. Uno dei più autorevoli storici dell’età contemporanea prosegue dunque la sua meticolosa indagine rileggendo una fase di svolta della sua e nostra giovinezza per restituircela così com’era ma come non l’abbiamo potuta vivere, evidentemente, essendoci immersi dentro fino al collo, volenti o nolenti. Sfrondata, cioè dalle tante letture di parte che l’avevano accompagnata e per questo avevano impedito di coglierne i bagliori tanto illuminanti quanto incendiari se non mortiferi. Così fanno gli storici. Onore a loro, se s’imbarcano a rileggere documenti del tempo e fonti le più disparate per rimettere le cose in ordine senza pregiudizi, visto che si tratta di acqua passata e le discussioni sul valore o meno di certe esperienze sono materia riservata oramai ai nostalgici.

Nell’occuparsi di musica, Banti prosegue il lavoro che in Italia è stato iniziato da Sandro Portelli negli anni Settanta, ripreso molto più tardi da Emilio Franzina, Stefano Pivato, Marco Peroni e Giovanni De Luna per poi marcare il “canone” nel nuovo millennio con i lavori di Irene Piazzoni, Paolo Carusi, Gioachino Lanotte, Marilisa Merolla e soprattutto Ferdinando Fasce. Niente nel libro è lasciato al caso o a una lettura soggettiva: ogni affermazione è giustificata da un riferimento bibliografico. Banti setaccia anzitutto i documenti dell’epoca (riviste, fanzine, interviste ai protagonisti) a cui affianca la cospicua letteratura cresciuta attorno agli anni d’oro del rock e cala l’oggetto in un più vasto sistema di riferimenti che include pietre miliari dell’antropologia, sociologia e studi culturali (al tempo non ancora strutturati). La controcultura assume così un significato più profondo mentre allora ci si accontentava di un’adesione ingenua e acritica. Prima credevi in quella rivoluzione perché ne facevi parte. Ora ci credi perché è la Storia a dimostrarlo e non hai bisogno di atti di fede.

Se devo avanzare una critica, essa ha a che fare con la scarsa considerazione dei popular music studies, che per primi hanno avvicinato l’oggetto con piglio accademico, rappresentando una sorta di istituzionalizzazione di quell’approccio empatico che aveva caratterizzato la critica del tempo. Solo Sheila Whiteley viene citata fra i numi tutelari di una pubblicistica che avrebbe ben figurato nella pur ampia bibliografia finale. Il coté italiano – inevitabilmente di seconda mano – è anche più carente, dato che vi compaiono per lo più esponenti della critica giornalistica come Massimo Cotto e il duo Castaldo-Assante mentre sono assenti figure ben più rappresentative come Riccardo Bertoncelli e, soprattutto, gli accademici Franco Fabbri e Sandro Portelli. Questo tuttavia non inficia minimamente l’impianto teorico né la narrazione, che scorre gradevole pur nei tanti rimandi in nota che suggeriscono mille altre divagazioni. 

Ad ospitare l’ultima tappa di una tournée cameristica - passata per Alicante, Vienna, Barcellona e Madrid - che ha visto protagonista il duo composto dalla violinista spagnola María Dueñas e il pianista di origine russa Alexander Malofeev, lo scorso 21 aprile, la Società del Quartetto di Milano. Accolto con entusiasmo, il duo di giovani quanto affermati talenti si è fatto interprete di celebri pagine di Franz Schubert, Claude Debussy e César Franck. Pagine dal carattere piuttosto differente che hanno accompagnato l’uditorio in un affascinante viaggio tra XIX ed inizio del XX secolo, attraverso il repertorio per violino e pianoforte e l’evoluzione e lo sviluppo della forma sonata. Differenti caratteri della scrittura che però hanno evidenziato l’incredibile mix di talento, maturità interpretativa, intensità emotiva e pieno controllo tecnico - ovviamente condito da energia strabordante e entusiasmo della fanciullezza - che ha reso la lettura dei due a dir poco travolgente. Confermando l’eccezionalità di questo duo di assoluti fuoriclasse!

Il Nidarosdomen di Trondheim è la cattedrale più grande della Norvegia e possiede ben tre organi a canne. Qui è stato registrato un album quantomeno curioso e sicuramente suggestivo. Si intitola Vidunderligst Av Alt På Jord che significa “La cosa più meravigliosa sulla Terra”. Gli intepreti sono due musicisti che lavorano insieme già da molti anni: l’organista Iver Kleive e Knut Reiersrud un chitarrista blues. Un’accoppiata che, dunque può incuriosire o anche disgustare, nella prospettiva eventuale di chissà quali furberie post-moderne. Questo però è un caso particolare. Kleive e Reiersrud hanno entrambi all’attivo una vasta discografia, ma in duo hanno registrato i loro album sempre con la stessa piccola, coraggiosa casa discografica norvegese, la KKV fondata nel 1974 da Erik Hillestad. KKV sta per «Kirkelig Kulturverksted», denominazione che tradotta in italiano significa approssimativamente «laboratorio di cultura della Chiesa». Di fatto Vidunderligst Av Alt På Jord è il titolo di un canto popolare tedesco del xvii secolo che è entrato a far parte del repertorio norvegese di inni liturgici. E, a parte un paio di titoli originali, tutti gli altri brani di questo album provengono dall’innodia della Chiesa di Norvegia. Solo le melodie, niente testi – a parte un breve inserto cantato da Reiersrud. Dunque versioni strumentali, rielaborate e arricchite in vario modo, o contrappuntisticamente o con improvvisazioni.

Trecento anni fa quel che facevano i Capellmeister in servizio presso le chiese del Nord Europa non era molto diverso. Ma per l’appunto sono passati trecento anni. Kleiver e Reiersrud ne sono perfettamente consapevoli e il loro dialogo, come sospeso fra due epoche, ha qualcosa di assolutamente particolare.

Alamar, il nuovo album della violoncellista, compositrice e cantante cubana Ana Carla Maza, si impone come un’opera di raffinata intensità espressiva, capace di coniugare memoria e slancio vitale in una forma musicale luminosa e profondamente contemporanea.

Pubblicato nel 2026, il disco si configura non come una semplice raccolta di brani, ma come un vero e proprio percorso narrativo: un viaggio sonoro in cui voce e violoncello dialogano incessantemente per dar forma a un linguaggio che intreccia jazz, tradizione cubana e suggestioni globali. Ne emerge un mosaico musicale ricco e cangiante, in cui le radici caraibiche si aprono con naturalezza a una dimensione universale, restituendo un equilibrio elegante tra virtuosismo tecnico ed immediatezza comunicativa.

Al cuore di Alamar si colloca una riflessione poetica sulla memoria: non intesa come ripiegamento nostalgico, bensì come energia generativa, capace di trasformare l’esperienza individuale in racconto condiviso. L’album, profondamente autobiografico, rielabora infatti temi quali l’identità, l’appartenenza e la trasmissione culturale, traducendoli in una musica vibrante, attraversata da ritmi latinoamericani e da una costante tensione verso la libertà espressiva.

Sul piano biografico, la traiettoria di Ana Carla Maza illumina con chiarezza la genesi di tale poetica. Nata all’Avana nel 1995, nel quartiere di Alamar, all’interno del simbolico “Edificio de los Chilenos”, l’artista cresce in un contesto segnato dall’eredità dell’esilio cileno e da una profonda immersione nella musica. Figlia di madre cubana e padre cileno, porta con sé una duplice radice culturale che si riflette nella sua scrittura, sempre tesa tra memoria e apertura. La sua formazione, consolidata anche in Europa, le consente di fondere rigore classico e vitalità ritmica in uno stile personale e riconoscibile.

Con oltre quattrocento concerti in più di venticinque Paesi e collaborazioni con figure di primo piano della scena internazionale, Maza si è progressivamente affermata come una delle voci più originali della musica contemporanea. In Alamar, tale maturità si traduce in un’opera che è al contempo intima e aperta, radicata e cosmopolita.

L’ensemble Nuovo Aspetto fondato nel 2011 da Michael Dücker (liuto), Johanna Seitz (arpa) ed Elisabeth Seitz (salterio), si è distinto per la sua attenzione e ricerca costante verso repertori poco noti o dimenticati di compositori di epoca barocca, con una particolare attenzione nei confronti di colori timbrici originali.

Il protagonista di questo nuovo disco è il salterio, utilizzato sia come strumento solista concertante che come accompagnatore di arie d’opera, e nello specifico quello a corde percosse da sottili e leggeri martelletti, il cui suono cristallino sembra rimbalzare sulle armonie prodotte dall’insieme del basso continuo.

Le arie selezionate per questo progetto discografico sono di Giovanni Battista Costanzi, Paisiello, Corselli, Marianna von Martines, Gaetano Carpani, António Teixeira, Vivaldi, e Johann Georg Reutter interpretate da Valer Sabadus, Franz Vitzthum, Christian Dietz e Manfred Bittner, ma è presente anche un concerto di Gaspar Esmit Comaposada.

Nelle ultime settimane è stato difficile sottrarsi alla marea di articoli sul duo canadese Angine de Poitrine, pubblicati quasi ogni giorno (in alcuni casi, anzi, più volte al giorno) su newsletter, riviste online, periodici (musicali e non), quotidiani di grande diffusione. Pare che tutto sia iniziato da un video su YouTube, ma il fenomeno è andato ben al di là della reale o presunta viralità di quel contenuto digitale. Qualcosa di simile era successo qualche mese prima per LUX, l’ultimo album di Rosalía, ma la cantante e autrice catalana era già famosa e aveva alle spalle una multinazionale discografica, mentre il duo canadese aveva pubblicato fino ad allora un solo mini-album, autoprodotto. I temi ricorrenti dei numerosissimi articoli erano: microtonalità (l’uso di chitarre elettriche con la tastiera modificata per eseguire intervalli estranei al temperamento equabile), uso di loop station, ritmi ossessivi basati su intrecci di metri additivi, oscuramento delle personalità dei musicisti, travestimenti, asserita provenienza da un pianeta lontano.

Nessuno di questi aspetti era ed è nuovo, e ognuno dei commentatori si è ingegnato a dimostrare come e perché. L’insieme dei contributi critici costituisce un corpus ampio e variegato, che potrebbe essere un interessantissimo oggetto di studio. Per fare solo un esempio, dall’esame dei precedenti indicati per le caratteristiche apparentemente originali degli Angine de Poitrine si potrebbe dedurre con una certa precisione l’anno di nascita di ogni autore degli articoli, e confermare l’assunto che i critici pop-rock (e non solo) pongono al centro dei loro riferimenti la musica che ascoltavano quando avevano tra i quindici e i vent’anni. In questa recensione del secondo album del duo, appena uscito, eviteremo di ripetere quanto è già stato abbondantemente scritto.

Ma, grazie alle risorse e alla cultura musicale curiosa di Rete Due, potremo offrire ai nostri lettori e ascoltatori quello che le decine o centinaia di commentatori non hanno potuto dare: la musica! Sì, perché se è vero che degli Angine de Poitrine si è scritto tantissimo, nelle scorse settimane la loro musica non è stata trasmessa dalle radio: troppo “strana” (?), troppo aggressiva (?), sicuramente troppo lunga. Questa è un’occasione, anche se limitata, per ascoltarla. Copiamo da Wikipedia una lista dei musicisti e dei gruppi che il duo canadese rivendica come influenze importanti: King Gizzard & the Lizard Wizard (gruppo australiano di rock d’avanguardia), Frank Zappa, Leo Brouwer (compositore e chitarrista cubano), John Scofield (chitarrista jazz), e Gentle Giant (il gruppo più amato dai fan del primo progressive rock). Si potrebbe anche applicare a loro quello che Robert Fripp ha detto ironicamente del proprio gruppo (i King Crimson): “heavy metal per adulti”.

Così adesso lo sapete.  

La violinista tedesca pubblica una serie di registrazioni di opere contemporanee scritte per lei in occasione dei 50 anni di carriera. In particolare si tratta di Likoo per violino solo del compositore iraniano-olandese Aftab Darvishi, della Gran Cadenza per due violini del compositore sudcoreano residente a Berlino Unsuk Chin, del Quartetto per archi n. 6 Studie über Beethoven di Jörg Widmann e del concerto per violino e orchestra di Thomas Adès, Air-Homage to Sibelius. Un vasto arco – è proprio il caso di dirlo per lo strumento protagonista – di interpretazioni che confermano Mutter come una delle interpreti più complete

Ci era sfuggito François de Fossa (1775-1849), chitarrista che ha contribuito ad ampliare la letteratura chitarristica di musiche originalissime. Ma la casa discografica Stradivarius e l’eccellente interpretazione di Samuele Provenzi ci accompagnano in questa ri-conoscenza interessante e originale. De Fossa, nato a Perpignan ebbe vita avventurosa nei due mondi: Spagna, Francia, Messico riportando materiali internazionali e visioni straniere del suono della chitarra, pur rimanendo legato e affezionato al mondo viennese e ad Haydn in particolare. Un CD da non perdere, per nessuna ragione al mondo!

Ascolti

1. Premiere Fantasie, op.5 – Rondò
3. Divertimento n. 2 dai “Quattro Divertimenti” di Haydn
5. Recuerdo de su siempre Afmo. Amigo