La Recensione

Il nuovo disco di Evangelina Mascardi e dell’ensemble Estrovagante diretto da Riccardo Doni contiene cinque concerti per liuto, quattro dei quali testimoniano l’importante presenza dello strumento nella storia della musica germanica del Settecento.

Il titolo lo sottolinea, perché oltre al concerto vivaldiano, sono presenti anche quelli di Johann Ludwig Krebs, Jakob Friedrich Kleinknecht, Joachim Bernard Hagen e Karl Ignaz Augustin Kohaut. Nel caso degli ultimi due compositori si tratta della prima registrazione dei due rispettivi concerti, finora inediti dal punto di vista discografico.

Krebs nacque in una famiglia di musicisti ed è stato allievo di Johann Sebastian Bach nella Thomasschule di Lipsia, Kleinknecht operò alla corte di Bayreuth come flautista divenendo poi maestro di cappella, e Hagen e Kohaut sono stati due tra i più importanti liutisti del loro tempo, il primo in Germania e il secondo in Austria.

Di Maria Arnal Dimas, cantante, autrice, compositrice catalana, ci siamo già occupati in queste nostre Recensioni. Prima per l’album CLAMOR, realizzato nel 2021 insieme al chitarrista Marcel Bagés, a conclusione di una collaborazione che ha visto il duo esibirsi dal vivo con successo crescente per alcuni anni; poi, qualche mese fa, per la colonna sonora del film Polvo serán, premiata in vari festival del cinema. Ora, dopo un’anticipazione in concerto la scorsa estate, arriva il nuovo album AMA (tutte maiuscole, anche nei titoli delle singole canzoni), nel quale Arnal si assume per intero la responsabilità artistica, coinvolgendo un ristretto numero di collaboratori. Protagonista assoluta è la voce (come già nella colonna sonora di cui sopra), moltiplicata con strumenti informatici – in collaborazione con il Barcelona Supercomputing Center e l’Intelligent Instruments Lab di Reykjavík – per creare polifonie a volte intricate, altre volte ammorbidite dal richiamo al canto popolare. Un momento importante per la successiva carriera musicale di Arnal, del resto, era stato l’invito del suo docente di canto nella scuola di musica di Badalona a studiare le registrazioni che Alan Lomax aveva realizzato in Spagna negli anni Cinquanta: da lì, esercitandosi soprattutto sul repertorio della copla, Arnal ha costruito il suo stile, forte anche di un’intonazione esemplare. La moltiplicazione meccanica di voci, nella storia della popular music, ha poco meno di un’ottantina di anni, realizzata inizialmente con la sovraincisione (da Les Paul e Mary Ford), poi con la registrazione multitraccia (da Neil Sedaka fino a Taylor Swift), e anche con i campionatori, ma il caso di Maria Arnal è diverso. Si tratta di ricreare altre voci (ovvero, modelli vocali sintetici), a partire dalla voce naturale di Arnal, con gli strumenti dell’intelligenza artificiale: una risorsa che nei casi più volgari (ma ugualmente stupefacenti) permette di sostituire la voce di una registrazione con un’altra scelta a piacere, ma che nel caso di Arnal consente all’autrice di plasmare i propri strumenti (vocali, ma anche percussivi). In fondo, è quello che i compositori d’avanguardia hanno cercato di ottenere, dagli anni Cinquanta in poi. L’uso di questa tecnica conferisce all’album una notevole omogeneità di timbro e di stile, e in questo senso contrasta con l’ultima produzione dell’altra più famosa protagonista della scena catalana e iberica, l’eclettica Rosalía, la cui storia e la cui formazione corrono in parallelo con quelle di Maria Arnal.   

Una delle pagine più geniali della fine del Settecento è sicuramente l’Oratorio La Creazione di Joseph Haydn. Soprattutto per le battute iniziali del Chaos che nei decenni ha visto consumare fiumi d’inchiostro per la struttura e il suono misteriosi che l’autore seppe creare: non ci si aspettava certo che un autore di quel secolo potesse creare una situazione così emozionante ed efficace e in particolare infinitamente moderna! Così è stato e così ancora oggi con le nuove interpretazioni che ci regalano suoni divini: con Simon Rattle e la Bayerischen Rundfunks. Interpretazione da non perdere!

Oggi si parla della ristampa del DVD “Nel cuore di Amsterdam”, storico concerto di Paolo Conte registrato al Royal Theatre Carré nel 1988. È una buona occasione per ritrovare alcuni dei brani più note della carriera del musicista astigiano in un contesto di grande entusiasmo da parte del pubblico che dimostra ancora una volta quanto Conte sia apprezzato in Europa fino da quegli anni: sono quasi 40 e poter di nuovo assistere a quella serata è una gioia confermata.

Emilio Jona nel salotto di casa, circondato da libri e dischi, sfoglia La Stampa e commenta con disappunto le notizie su Gaza. A 98 anni il grande intellettuale, poeta e saggista, mostra, immutati, la lucidità e lo spirito critico che hanno caratterizzato lui e i suoi compagni d’avventura in quell’impresa pionieristica che diede il via a una canzone “diversa” in Italia.

È la scena iniziale di Nel blu dipinti di rosso, il film-documentario che Stefano Di Polito ha realizzato sui Cantacronache, presentato al 43° Torino Film Festival nello scorso mese di novembre. Prodotto da Madga film e scritto dallo stesso regista, il film (73 minuti) ripercorre le vicende di un collettivo di musicisti, scrittori e artisti con base a Torino, grazie alle testimonianze personali di Jona e Fausto Amodei, scomparso poche settimane prima di poter vedere realizzato il progetto. Nel loro breve arco di vita (1958-1963), i Cantacronache elaborarono un progetto artistico, editoriale e musicale che ambiva a trasformare la canzone da prodotto di consumo a strumento di comunicazione, valorizzandone anzitutto la componente testuale. Il loro motto era “evadere dall’evasione”, con esplicito riferimento alla canzonetta di Sanremo e al suo portato consolatorio/narcotizzante. Grazie al ritrovamento degli audio originali del loro primo concerto del 3 maggio del 1958 a Torino, il documentario ripropone il repertorio dei Cantacronache, da classici come Per i morti di Reggio Emilia e Oltre il ponte (testo di Italo Calvino) a gemme meno note come La canzone dei fiori e del silenzio o Canzone di viaggio, firmate entrambe da Jona su musica di Sergio Liberovici, fondatore del gruppo insieme a Michele Straniero.

I Cantacronache posero le basi per la canzone realista e impegnata, dando inizio alla stagione dei cantautori, tanto che De André riprese una strofa di Dove vola l’avvoltoio ne La guerra di Piero, mentre Guccini ancora un paio d’anni fa ha inciso alcune loro canzoni nell’album Canzoni da intorto. Ma le iniziative non si limitarono alla sfera artistica: furono avviate campagne di ricerca sul campo mirate a raccogliere canti di protesta degli operai e delle mondine, a cui si aggiunsero analoghe iniziative estese ai canti antifranchisti e rivoluzionari (Cuba, Algeria, Angola). Questo patrimonio è disponibile presso il C.R.E.O. (Centro Ricerca Etnomusica e Oralità) di Torino. Il documentario si chiude con la testimonianza, e la musica, di Willie Peyote, che riannoda una lunga storia partita da Torino quasi 70 anni fa, con l’obiettivo di far riflettere, ancora oggi, il pubblico attraverso la canzone d’autore.

A 10 anni dalla scomparsa di Nikolaus Harnoncourt (1929 - 2016), diverse sono state le iniziative viennesi per celebrarlo. Tra queste, un omaggio al musicista e all’uomo, organizzato dal Museo del Distretto di Josefstadt, Wiener Bezirks Museum, situato nella Schmidgasse 18, mediante la mostra dal titolo Il Concentus Musicus: Gli anni della fondazione a Josefstadt dal 1953 al 1972. Distretto, l’ottavo di Vienna, dove a metà degli anni Cinquanta, un appartamento al numero 17 di Josefstädter Straße divenne il luogo di nascita di una vera e propria “rivoluzione musicale”: qui, Alice e Nikolaus Harnoncourt fondarono il Concentus Musicus, ensemble che avrebbe profondamente cambiato il mondo della musica. La mostra si concentra sul periodo pionieristico che va dal 1953 al 1972 e sullo stretto legame dell’ensemble con il quartiere di Josefstadt. Nelle teche le suggestive copertine degli album disegnate da Nikolaus Harnoncourt che, nel suo caratteristico stile grafico, immortalano gli eventi più importanti di ogni anno. Ma anche le immagini di alcuni dei suoi strumenti caratterizzati dal riccio rigorosamente da lui disegnato e scolpito nelle forme più varie. Insomma, la mostra svela come un movimento di tale rilievo per la prassi esecutiva storicamente informata abbia avuto inizio proprio in un appartamento di Josefstadt. 

Non possono certo dirsi delle rarità, ma i due brani di altrettanti compositori raccolti in questo album dell’Harmonia Mundi uscito nel novembre scorso, di sicuro non sono molto familiari agli appassionati e al pubblico dei concerti. I due compositori in questione sono Benjamin Britten e George Enescu i cui brani videro la luce a mezzo secolo esatto di distanza l’uno dall’altro. L’Octuor – Ottetto per archi op. 7, di Enescu, il maggiore dei compositori rumeni, fu ultimato nell’anno 1900. Dal canto suo, Britten, nel 1950, dedicò a William Primrose, grande violista e amico del compositore, questo suo Lachrymae. Reflections on a Song of John Dowland op. 48, per viola e pianoforte.

Troviamo entrambi questi brani nell’album di cui sopra entrambi trascritti per orchestra d’archi, con Tabea Zimmermann, sicuramente una delle maggiori violiste oggi in attività, nella duplice veste di direttore e anche, in Britten, di viola solista Gli archi sono quelli dell’Ensemble Resonanz, formazione tedesca nata nel 1994 per iniziativa di membri della Deutsche Junge Philharmonie e attualmente residente ad Amburgo.

Alla raffinata elegia delle variazioni di Britten su una melodia del suo amato Dowland, si affiancano l’energia entusiasmante, giovanile e l’inventiva originalissima, ma al tempo stesso straordinariamente padrona dei propri mezzi compositivi, dell’Ottetto di Enescu, all’epoca appena diciannovenne. È in un certo senso il biglietto da visita di questo autore, non solo coetaneo di Béla Bartók, ma anche affine a lui per tanti aspetti.

Il biopic Everybody Digs Bill Evans è molto più di un tradizionale documentario musicale: è un esercizio di ascolto profondo, quasi un’estensione cinematografica del fraseggio stesso di Bill Evans. Attraverso una costruzione narrativa elegante e meditativa, il film restituisce la complessità interiore di uno dei pianisti più influenti del Novecento, evitando le scorciatoie celebrative per privilegiare un ritratto intimo, stratificato e spesso malinconico. La struttura del film riflette in modo evidente la poetica musicale del suo protagonista. Il montaggio procede per variazioni, ritorni tematici, sospensioni emotive: non c’è una linearità cronologica rigida, ma un flusso di memoria che ricorda la logica dell’improvvisazione jazzistica. Le testimonianze — musicisti, familiari, amici — non servono soltanto a ricostruire eventi, ma diventano vere e proprie linee melodiche che si intrecciano, si rispondono, si contraddicono.

In questo senso, il documentario evita il rischio dell’agiografia e preferisce un registro più analitico: Evans emerge come figura fragile e luminosa insieme, sospesa tra disciplina formale e tormento personale.

Uno degli aspetti più riusciti del film è la capacità di restituire il rapporto tra interiorità psicologica e linguaggio musicale. Le composizioni — da Waltz for Debby in poi — non vengono analizzate solo come oggetti estetici, ma come forme di autobiografia implicita. Il documentario suggerisce con delicatezza come la ricerca di purezza timbrica e di equilibrio armonico fosse, per Evans, anche una forma di compensazione emotiva.

La musica appare così come uno spazio di rifugio e di costruzione identitaria, quasi un luogo dove il tempo può essere sospeso e riorganizzato secondo un ordine più sopportabile.

La musica antica è una miniera inesauribile e questo bel disco d’esordio dell’ensemble I Musici del Gran Principe diretto da Samuele Lastrucci lo dimostra, perché comprende musiche vocali di compositori di cui si sa poco o nulla e mai registrate prima. È il caso di Antonio Farina, il cui nome figura sulla copertina con il titolo Venere e Marte, che è quello della sua cantata da camera, uno degli interessanti e vivaci “dialoghi” che appartengono alla storia della musica napoletana del Seicento.

Il disco ne contiene altri due, Vizio e Umiltà di Giovanni Lorenzo Minei e Filli e Pastore di Giovanni Cesare Netti. Del primo autore si sa che appartenne a una famiglia di nobili origini, mentre il secondo che operò a Napoli come maestro di cappella del Tesoro di San Gennaro, ed è l’unico fra i tre musicisti ad aver lasciato più tracce biografiche.

I due eccellenti solisti che intonano le arie dei diversi personaggi di questi dialoghi musicali sono il soprano Valeria La Grotta e il baritono Mauro Borgioni.

Basterebbe dire che Somebody Tried To Sell Me A Bridge è il quarantottesimo album di Van Morrison registrato in studio, oltre a sette dal vivo, per rendersi conto della durata e della ricchezza delle produzioni del cantante, autore e strumentista di Belfast, che compirà quest’anno ottantun anni. E c’è di più, se si ricorda il suo ruolo di fondatore e leader di uno dei gruppi più in vista della British Invasion, i Them. “Gloria”, il cui giro di accordi fu uno dei più imitati nella storia della popular music (da “The Last Time” e “Satisfaction” a “Una bambolina che fa no no no”), l’aveva composta Van Morrison, nel 1964.

L’album precedente a Somebody Tried To Sell Me A Bridge era uscito a metà del 2025, e qualche critico musicale ha ricordato con nostalgia i tempi in cui gli album di un artista o di un gruppo uscivano ogni sei mesi, massimo un anno. Responsabile della fine di quella stagione è stato il CD, con la sua durata doppia rispetto all’album analogico, che necessariamente allungava i tempi di scrittura, di registrazione, di uscita sul mercato. E allora, come mai quest’ultimo album di Van Morrison, che contiene venti canzoni (sarebbe stato comunque un album doppio), è uscito così presto? Perché è un album di blues, costituito in larga parte da brani storici, e suonato in studio con la freschezza di una registrazione dal vivo, con un gruppo di strumentisti più che padroni dello stile e alcuni ospiti “d’epoca” (come Buddy Guy, nato nel 1936, Taj Mahal, nel 1942, o Elvin Bishop, nel 1942, membro della Paul Butterfield Blues Band, il gruppo “elettrico” che fece scalpore a Newport nel 1965: ci ricorda qualcosa?). È un album didattico, tutt’altro che pedante: è come entrare in un pub e ascoltare una band che passa da un “classico” all’altro, con arrangiamenti a volte sorprendenti (ad esempio, “Ain’t That A Shame” di Fats Domino), e che ha l’aria di divertirsi molto. Sono dei giovanotti, del resto. Ci sono anche quattro pezzi di Van Morrison, che non sfigurano rispetto a quelli di altri autori (un elenco parziale: John Lee Hooker, Sonny Terry e Brownie McGhee, Leadbelly, B.B. King). Una delle recensioni pubblicate di recente (di Kenneth Corsini) finisce così: «Abbiate cura di voi stessi, là fuori. Ci sono molte ragioni per essere depressi (“blue”) in questi giorni. Non permettete che i bastardi vi tirino giù. Vinceremo, con la ferrea risolutezza di un vecchio blues».