La Recensione

Tra le iniziative per ricordare il grande suonatore di tabla Zakir Hussain ricordiamo che il prossimo venerdì 6 marzo 2026, la Carnegie Hall, in occasione dell’anniversario della nascita, ospiterà Zakir Hussain Eternal: Celebrating 75 Years of Genius, una serata presentata dallo Zakir Hussain Institute of Music e che la ECM ha deciso di ripubblicare il cd che uscì nel 1986 in vinile: un’ottima occasione per riascoltare quella musica condivisa da musicisti indiani e occidentali: oltre al titolare infatti c’erano Hariprasad Chaurasia ai flauti, Jan Garbarek alle ance e John McLaughlin alla chitarra.

Teho Teardo Plays Twin Peaks and Other Infinitives è il nuovo album del musicista friulano, da tempo trasferito a Roma e attivo nell’universo delle colonne sonore e dintorni (teatro, installazioni, sfilate di moda, ecc.). In questo lavoro spicca la musica composta da Angelo Badalamenti per Twin Peaks, la serie di culto che ha rivoluzionato il formato stesso nel lontano 1990. Agli iconici temi del compositore italo-americano, scomparso di recente, Teardo affianca brani originali, che chiama “infiniti”, come verbi tutti da declinare: frammenti melodici derivati da Barbara Strozzi, Henry Purcell e J.S. Bach, trasformati in un nuovo contesto armonico popolato da suoni d’ambiente, registrazioni notturne di versi, canti, richiami e vento che muove le foglie. Teardo si avvale della collaborazione di Stefano Bollani, Abel Ferrara, Keeley Forsyth, Gabriele Coen e altri ancora, accentuando la sua propensione per una musica svincolata dal ritmo (una gabbia che obbliga a conformarsi) e opta invece per la centralità del sound. Tracce che vanno oltre la forma canzone, e questa non è una sorpresa né una novità. Ma che vanno anche al di là delle forme canonizzate. Difficile riconoscere strutture familiari nell’evolversi dei singoli brani e tuttavia si resta all’interno del sistema tonale. Dunque: avanguardia sì, ma entro parametri armonicamente riconoscibili, laddove la strumentazione estende l’orizzonte ben oltre il convenzionale: una sega, un piano danneggiato, idrofoni, un violoncello a due corde, un taishogoto, dialogano con viola, violino, pianoforte, chitarra baritono, clarinetto basso, chitarra hawaiana, spinetta, campane e registrazioni sul campo. “Teho Teardo Plays Twin Peaks and Other Infinitives” suona come un invito a esplorare nuove dimensioni dell’ascolto, archiviata quella “tragedia” così ben rappresentata da Nono nel Prometeo, per approdare a quella nowhere land profetizzata dall’agente Cooper, il protagonista di Twin Peaks: «non ho idea di dove questo ci porterà, ma ho la netta sensazione che sarà un posto meraviglioso e insieme strano».

Intensità, eleganza e morbidezza di un suono capace di parlare al cuore. Ma anche una sintesi delle sue creazioni. Tutto questo nel doppio album “Victor Aviat, Un portrait”, omaggio - per l’etichetta Alpha Classics - allo straordinario oboista, musicista e poliedrico artista prematuramente scomparso. Celebri pagine per oboe e pianoforte di Robert Schumann, eseguite da Victor Aviat insieme alla pianista Kim Barbier, e 17 Chansons da lui composte ed interpretate al pianoforte, insieme al violoncellista Bruno Delepelaire, a Zoltán Szöke al corno e Naomi Shaham al contrabbasso. Ma anche dipinti, immagini, la storia di una vita d’orchestra segnata dall’incontro con Claudio Abbado - di cui diventa riferimento dalla Gustav Mahler Jugendorchester fino alla Lucerne Festival Orchestra, passando per l’Orchestra Mozart - un’accorata dedica di Iván Fischer, con cui ha per due decadi collaborato come primo oboe solista della Budapest Festival Orchestra, e la sua lucida quanto toccante visione del far musica rivolta “ai giovani musicisti”. Un ritratto dalle tinte calde che consegna alla memoria il suo ricordo di artista e di uomo.

Fra le tante conseguenze dalla “rivoluzione” mediatica, ce n’è una non solo positiva, ma anche di valore inestimabile, ossia la diffusione - e con essa la possibilità di sopravvivere, di uscire da marginalità spesso mortifere - di tantissime, preziose tradizioni musicali che oggi popolano il caleidoscopio della cosiddetta World Music.
Senza i cilindri di Edison, le lacche di Berliner e successori, le prime trasmissioni radio, ben difficilmente il XX secolo ci avrebbe regalato tango, flamenco, klezmer, la galassia musicale afroamericana e molto altro ancora. Inclusa la catena di tutte le infinite filiazioni e commistioni che hanno via via fatto la fortuna della musica industrializzata.

Gran parte di questi generi sono in realtà figli delle tante diaspore o deportazioni, che da millenni costringono gli esseri umani a vagare per il mondo in cerca di un luogo dove vivere. Fra i tanti giunti fino a noi, il flamenco è quasi certamente il genere più antico ed enigmatico con una sua lingua e un suo lessico del tutto speciali. “Cantaora” si chiama la cantante e “bailaora” la ballerina. E adesso ecco un album decisamente inconsueto il cui titolo è un gioco di parole: Arpaora. Nel gergo del flamenco il termine potrebbe indicare una suonatrice di arpa, senonché l’arpa non è mai stata usata nel flamenco. Questo fino a ieri. Ana Crismán, nativa di Jeréz de la Frontera, da anni coltiva e sviluppa la propria convinzione che l’arpa racchiuda in sé un cuore flamenco. Arpaora rappresenta il debutto discografico di questa musicista e musicologa che, da pianista, si è votata all’arpa trasformandola sensibilmente per adattarla al linguaggio del flamenco. Il risultato è indubbiamente ricco di fascino e di suggestione.

L’Europa del jazz sa il fatto suo. Sforna con continuità splendide realtà che abbracciano un ampio scibile jazzistico, declinando idiomi differenti, sempre più nuovi e intriganti.

La terna di musicisti di cui ci occuperemo in questa puntata appartiene a tre diverse scuole di pensiero. Dal Belgio arriva il sound onirico e travolgente di Nabou Claerhout, trombonista di Anversa che fa l’occhiolino tanto al nujazz quanto all’avanguardia della miglior specie.

Da Berlino si fa sentire il Vision String Quartet, che mette insieme classica, classica contemporanea, jazz, folk, grazie anche all’innesto di altri musicisti che arricchiscono il dialogo.

È Göteborg che dà i natali a Jon Henriksson, giovane contrabbassista di vaglia, che pubblica il suo ultimo disco che sintetizza il linguaggio jazzistico scandinavo, dall’ampia tavolozza timbrica.

Tre dischi dai diversi accenti, ognuno con le proprie peculiarità e le proprie sfumature che, nonostante provengano da giovani musicisti, palesano carattere ed esperienza.

La mascarade Le Carnaval di Lully del 1675 è una summa delle sue creazioni di teatro musicale messe in scena negli anni precedenti per la corte francese, ed è stata eseguita per la prima volta integralmente in tempi moderni nel Teatro Comunale di Ferrara dall’ensemble Modo Antiquo e dal coro I Musici del Gran Principe diretti da Federico Maria Sardelli e Samuele Lastrucci con un cast vocale composto da Valeria La Grotta, Giuseppina Bridelli, Philippe Talbot, Cyril Auvity, Biagio Pizzuti, Alexandre Baldo.

Le dieci entrées che fanno parte di quest’opera vennero assemblate da Lully secondo la prassi del pastiche, perché appartengono a differenti divertissement, spettacoli creati in forma di ballet, mascarade e comédie-ballet, composti su testi di Molière, Benserade e Quinault.

La regia di questo allestimento è stata curata da Emiliano Pellisari che insieme a Mariana Porceddu ha creato le coreografie eseguite dai danzatori della compagnia NoGravity Theatre.

Le Carnaval è stato trasmesso in diretta sul canale Opera Streaming della piattaforma YouTube, dove rimarrà visibile per i prossimi mesi.

Lucinda Williams è una cantante e autrice (e chitarrista) statunitense, nata nel 1952 in Louisiana e affermatasi a partire dal Texas negli anni Settanta, e poi negli stati del Sud e delle grandi pianure centrali, quelle del Dust Bowl cantato da Woody Guthrie. Fin dall’inizio della sua lunga carriera è stata accolta come rappresentante della musica country, una categoria che fu ufficializzata negli USA solo nel 1949 ma che era già riconosciuta da tempo come punto di incontro di diverse tradizioni rurali della musica nordamericana (prima la chiamavano hillbilly). Ma Lucinda Williams non era (e non è) centrale nel mondo country quanto altre figure di quella galassia: se è vero che i generi musicali non hanno veri confini e sfumano gradatamente verso altri, come le nuvole, è altrettanto vero che tendono ad avere un centro, e che certi artisti sono più esemplari, altri meno.

Di solito l’appartenenza a un genere in una posizione non centrale viene risolta creando dei sottogeneri, oppure sconvolgendo l’intero sistema delle categorie musicali: country rock, folk rock, alternative country, eccetera, sono esempi del primo caso, “Americana” è l’esempio migliore del secondo. Il termine “Americana” come etichetta di genere ha cominciato a circolare negli anni Novanta, anche se – come succede spesso nella storia della musica – è stato sempre più spesso applicato retrospettivamente, attribuendolo ad artisti e musiche di molti decenni prima (come è avvenuto, ad esempio, per “musica barocca” o “canzone d’autore”). Oggi ci si trova un po’ di tutto, dal folk al country (naturalmente), dal rock ai singer-songwriters, con qualche tentativo politically correct di includervi anche il rhythm and blues e la musica soul, purché sia in primo piano il concetto (vago) di un ethos “americano”, e purché il sound sia – in fin dei conti – un impasto simile al country elettrificato. E dunque sì, nel contesto del genere “Americana” Lucinda Williams è una figura centrale, paradigmatica.

Le connotazioni e le contraddizioni politiche dell’uso di questo termine sono numerose, a partire dalla scelta arrogante di appropriarsi del nome di un intero continente per designare una sola nazione (ma negli USA questo si fa da sempre, suscitando l’irritazione dei latinoamericani, e anche dei canadesi). Ecco perché essere una rappresentante canonica del genere di musica “Americana” nell’epoca attuale (della presidenza Trump) fa di Lucinda Williams un’artista di opposizione senza bisogno di esplicitarlo, una figura che carica su di sé tutti quei valori che sembravano consolidati e che appaiono ora dimenticati, spariti. Il mondo che va a rotoli, World’s Gone Wrong. È un titolo appropriato per il sedicesimo album in studio di Lucinda Williams, e un concetto articolato variamente in molte delle canzoni. Una voce che cerca di non apparire stanca nel ripetere la propria amarezza, un sound pulito e slabbrato allo stesso tempo, di musicisti che sanno il fatto loro. Registrato a Nashville, la patria del country. 

Il teatro di Parma, secondo la celebre frase di Giulio Ricordi scritta a Verdi nel 1892, possiede il pubblico più cattivo d’Italia! E il gustoso libro di Mauro Balestrazzi – loggionista DOC ! – lo dimostra grazie a infiniti aneddoti, ricordi, celebrazioni ed eventi. Il libro, in forma intelligente e spiritosa attraversa la lunga storia del teatro d’opera parmense: dal suo inizio come Teatro Ducale alla sua denominazione ancora oggi famosa di Teatro Regio. Una storia avvincente e importante che ha visto avvicendarsi su tale palcoscenico i nomi della storia dell’Opera più invidiabili ed eccellenti.

Un nuovo lavoro per la pianista giapponese Hiromi Uehara che si presenta in formazione con musicisti di diversa estrazione come il bassista francese Hadrien Féraud o il rampollo della celebre famiglia alla tromba, Adam O’Farrill. Il linguaggio si è fatto più corale e il pianoforte lascia spazio agli altri compagni che si distinguono nella suite centrale che dà il titolo a tutto il lavoro con in più una composizione vocale firmata e cantata da Michelle Willis.

Performing Naples. Un’iconografia fotografica di Goffredo Plastino, tratta il ruolo delle immagini nella diffusione internazionale della canzone napoletana tra fine Ottocento e primo Novecento. Pubblicato in inglese da Brepols, il libro affronta un aspetto mai affrontato in precedenza studiato: la centralità dello sguardo, più che dell’ascolto, nella costruzione della napoletanità in musica. L’autore – docente di Etnomusicologia all’università di Newcastle, fra i più stimati studiosi a livello internazionale – dedica una prima parte del libro alle immagini, spesso firmate da artisti di grido, che contribuirono a fissare un cliché della napoletanità edulcorato per incontrare i gusti di un pubblico cosmopolita. Figure ricorrenti come la ragazza col tamburello, l’uomo col liuto e i danzatori di tarantella divennero veri e propri archetipi che replicavano ad libitum i costumi pittoreschi, le scene bucoliche e marinare da cui era escluso ogni riferimento alle reali condizioni di vita. Con la fotografia, tale immaginario acquistò realismo, rafforzando il legame tra musica popolare e identità etnica, un tratto caratterizzante Napoli e i napoletani più di ogni altra popolazione. Nella seconda parte l’autore presenta un’ampia selezione – dalla sua inestimabile collezione privata - di cartoline illustrate auto-prodotte dalle numerose troupes che si esibivano in tutta Europa, in teatri, caffè e fiere esportando il suono della città. La Truppa Italiana Sport, la Società per Concerti Vocali e Strumentali “Vesuvio”, la Compagnia Bella Italia, l’ensemble Addio a Napoli, la Della Rosa Band, la Volcano Napolitan (sic) Band e la Compagnia Masaniello sono solo alcune delle orchestrine viaggianti che imposero la canzone napoletana come repertorio globale in epoca pre-discografica. Una moda tutt’altro che passeggera, a cui il marketing delle picture postcards diede un importante contributo, generando imitatori non solo in Italia. La canzone napoletana venne infatti adottata anche da musicisti non napoletani, che ne imitavano l’aspetto. Il libro racconta dunque una storia inedita della sua diffusione attraverso “artefatti effimeri” di cultura visiva, capaci di modernizzare e insieme mitizzare Napoli.